敦煌壁画研究论文

摘要：文章介绍了敦煌壁画在我国乃至世界艺术领域中的地位以及隋唐时期的时代背景和社会环境，探究了隋唐敦煌壁画线条语言的特点，通过例举隋唐敦煌壁画人物线条的运用来证明线条语言的变化与重要性，探究了隋唐敦煌壁画线条的形式性与空间性的特点，及其线条语言对现代艺术带来的积极影响。下面小编整理了一些《敦煌壁画研究论文 (精选3篇)》相关资料，欢迎阅读！

敦煌壁画研究论文 篇1：

盛唐时期敦煌壁画色彩表现研究

摘 要：敦煌壁画具有独特的色彩，能带给人强烈的视觉冲击力，特别是盛唐时期的敦煌壁画，有着相当非凡的成就，具有很高的研究价值。从古至今，不同国家、不同区域的绘画对色彩的要求不同，而色彩能够充分展现绘画的艺术之美。对于敦煌壁画来说，色彩具有极强的时代特点，敦煌壁画运用各种中国画用色方法，具有极高的艺术审美价值。敦煌壁画在唐朝得到了前所未有的发展，笔者从色彩运用方面出发，对盛唐时期敦煌壁画色彩特点与色彩表现方式进行研究，并分析敦煌壁画对如今的绘画产生了怎样的影响。

关键词：盛唐时期;敦煌壁画;色彩表现

从古至今，色彩搭配对于绘画来说十分重要。画家运用一定的色彩规律展现绘画本身的美，引起人们的视觉共鸣，使人走进画家的内心世界。敦煌壁画的色彩搭配非常巧妙，色彩极具特色，具有一定的规律性，并且丰富多样。敦煌壁画不仅结构具有一定的美感，而且色彩极具有表现力与感染力。大多数的敦煌壁画体现出色彩之美，色调的运用十分巧妙，具有很高的艺术审美价值。对敦煌壁画的色彩进行研究，具有十分重要的意义，能推动中国绘画艺术的发展，也可以为世界绘画艺术增添色彩。

一、敦煌壁画

敦煌壁画特指中国敦煌石窟内壁的绘画艺术作品，属于世界文化遗产。敦煌壁画总面积5万多平方米，包括敦煌莫高窟、西千佛洞、安西榆林窟等522个石窟历代壁画，规模巨大，技艺精湛，内容丰富，题材广泛。敦煌壁画中有神灵形象(佛、菩萨等)和俗人形象。从造型上看，俗人形象富于生活气息，时代特点也表现得更鲜明;而神灵形象变化较少，想象和夸张成分较多。提及敦煌壁画，那就不得不提到莫高窟。莫高窟位于甘肃省河西走廊西端，始建于前秦宣昭帝苻坚时期。据唐朝《李克让重修莫高窟佛龛碑》一书的记载，公元366年，僧人乐尊开凿出第一个洞窟。莫高窟后历经北朝、隋朝、唐朝、五代十国、西夏、元朝等历代的兴建，形成巨大的规模，有洞窟735个，壁画4.5万平方米，泥质彩塑2415尊，是世界上现存规模最大、内容最丰富的佛教艺术地，其中许多壁画保留着原始的色彩。敦煌艺术中非常重要的组成部分就是敦煌壁画，无论是庞大的范围，还是高超的手艺，都体现出了敦煌壁画的辉煌历史。敦煌壁画有着十多个朝代的绘画艺术特点，每个时期有着不同的风貌，随着时代的更迭，人们的思想观念发生变化，审美水平逐渐提高，敦煌壁画也表现出不同时代的艺术审美[1]。敦煌壁画内容丰富，题材广泛，类别主要有佛像画、经变画、装饰画、故事画等，根据统计壁画颜色大致可分为十几种。敦煌壁画在色彩的运用上突出了时代特点，壁画颜色在不同时期分别呈现出不同的特征和风貌。其中较出名的敦煌壁画飞天在不同时期也有不同的特点。到了唐代，敦煌飞天进入成熟时期，这时期的敦煌飞天已少有印度、西域飞天的风貌，是完全中国化的飞天。盛唐时期的飞天具有奋发进取、豪迈有力、自由奔放、变化无穷的飞动之美，反映了盛唐强大的国力、繁荣的经济、丰富的文化。敦煌壁画中神的形象、故事传说等寄托了人们对现实生活的美好愿望，具有独特的民族特色。

盛唐时期，敦煌壁画的色彩独具特色。我国古人对画作的着色非常重视，在我国传统的颜色体系内，五色指的是赤、青、黄、黑与白。传统色彩观念认为，赤色为点彩之首，敦煌壁画中赤色主要以朱丹色、土红色以及铅丹色为主，或单用一色，或互相配合。入宋以后，赤色中少量加入雄黄色。从颜料上看，赤色是壁画中最为本土的颜色。青色多为石青色，还有沙青色、空青色、曾青色等。其中，沙青又叫“回回青”“佛青”，是从西域传来，由此可见，青色是敦煌壁画中中西合璧的有力证明[2]。黄色以土黄色、雄黄色、雌黄色等色为主，还有藤黄色，也是本土颜色。黄色素有尊贵之意，是较为华丽的色彩。从如今敦煌壁画的褪色程度来看，可以想象，初绘成的壁画，金碧辉煌，多半与用黄色和金色有关。随着时代的发展，唐朝到达鼎盛时期，敦煌壁画的发展也迎来了高峰。唐朝的壁画运用了勾勒线条和渲染着色的方法，所勾画的图案线条流畅，人物形象丰满、栩栩如生，壁画色彩主要以石绿色、赭石色、黄色为主，有工笔重彩的特点[3]。

二、盛唐时期敦煌壁画的色彩表现

盛唐时期的敦煌壁画从整体效果来看，色彩搭配得更加美观，运用的色彩也更加鲜明。盛唐时期敦煌壁画有着丰富的故事内容、多种多样的人物角色、花样繁多的装饰，让人眼花缭乱、应接不暇[4]。盛唐时期敦煌壁画整体建构布局合理，层次分明，井然有序，主要运用装饰性色彩，使用渲染和叠晕等绘画技巧，色差效果明显，色调分明，光彩夺目。唐朝壁画的构成上，主要是曲线和直线相结合，大多以点、线、色彩搭配采用[5]。盛唐时期敦煌壁画运用了多种颜色，如蓝色、红色、绿色、暖白等，巧妙运用主色，使壁画的整体效果更加协调统一。盛唐时期敦煌壁画采用的是以主带点、以主带面的平涂手段，大面积、大范围地运用主色，搭配一些装饰性色彩，不同区域使用不同颜色、不同色调，形成色差对比，创作出壁画艺术的巅峰之作。艺术来源于生活，又高于生活，盛唐时期的敦煌壁画作品，在一定程度上脱离了现实生活，色彩绚丽，令观者纷纷称奇。绿色基调在敦煌壁画中运用得较多，体现出壁画大气磅礴和丰富多彩的特征，呈现了相对优美、精致的效果。从唐朝开始，敦煌壁画运用多种色彩，色彩之间的碰撞由此产生[6]。如红色与蓝色、暖白与绿色等，配色与主色的巧妙呼应，让壁画整体效果看起来更加得协调，更加令人惊叹。例如：敦煌壁画中第147窟西壁北侧的万佛，以淡蓝色为主色，搭配一些暖白、粉绿、土黄作为装饰性点缀，为了增加色彩的和谐度，采用暗黄色的背景，这样让人物看起来更立体，效果更佳。暗黄色背景的运用使得画作中人物的面貌更加清晰、逼真，面部表情变得丰富多彩，使壁画具有明亮清晰的效果，体现出壁画创作者精湛的技巧。壁画创作者结合当时的文化、经济等因素，创作出超出常态的、抽象的人物，体现了敦煌壁画色彩的五彩纷呈[7]。

三、盛唐时期敦煌壁画色彩对现代的影响

敦煌壁画是我国重要的历史文化遗迹，记载了自十六国至元代的佛经变相和百姓生活场面，历经一千多年的悠久历史，其中最辉煌的时代便是隋唐，尤其是盛唐时期，壁画题材丰富，形态生动。敦煌壁画集各家之长，艺术造诣极高，体现了不同朝代的审美，对于后人研究不同朝代的壁画特点有着极其重要的作用。唐朝时期壁画逐渐變成工笔重彩画，东西方艺术之间不断交流，传统敦煌壁画的色彩与西方用色风格相结合。西方用色风格的加入，使壁画装饰感增强的同时，也使得壁画的色彩更加丰富，标志着壁画艺术开始跨入一个全新的时代[8]。到了魏晋南北朝时期，壁画与盛唐时期有明显不同，魏晋南北朝时期壁画的色彩以土红色、石青色、石绿色与黑白灰为主，将几种较暗而无生机的颜色与红绿色进行对比，凸显颜色的冷暖，又在统一的色调中加入了一些跳跃的色彩，能够给人既生动又笨拙的感觉。盛唐时期是敦煌壁画走向成熟、空前繁荣的重要历史阶段，随着社会经济的发展，宗教绘画开始向世俗化方向倾斜。壁画的层次开始变得极为丰富，以第220窟的《维摩劫经变图》为例，人物形象刻画较为细致。画面底色为石灰色，以褐色与茶叶色为装饰色，给人一种文雅的感觉，土红色、褐色与茶叶色这些暖色调与石绿色相呼应，色调和谐统一，具有一种高雅的“文气”[9]。在处处体现着精巧缜密的敦煌壁画中，出行图、经变图中的人物、器具、车马，显现出壁画创作者的艺术功底，从敦煌壁画中我们可以看到创作者独特的艺术表达方式。比如通过中原晕染法来描摹俗人形象，神灵的形象则用西域凹凸晕染法来刻画，能产生明显的凹凸效果，增加物体体积感，体现出画面的细腻和色彩的丰富。敦煌壁画博大精深，为后世画家提供了丰富的素材，对后世绘画的发展具有非常重要的意义[10]。

四、结语

我国是历史悠久的文化艺术大国，敦煌壁画是我国绘画艺术的经典之作，呈现出盛唐景象，通过色彩把人物之美表现出来。敦煌壁画通过大胆、丰富的色彩，既反映出当时的绘画艺术特征，也展现了当时的经济、政治、文化，同时也呈现出当时社会各种精湛的绘画技艺，这些都是我国宝贵的艺术财富。敦煌壁画色彩具有一定的装饰性，通过对敦煌壁画色彩进行不断研究，可以感受到敦煌壁画绚丽色彩的独特魅力，对于我国以及世界的艺术发展有着不可磨灭的价值。

参考文献：

[1]唐婷婷.唐代敦煌壁画色彩在当代人物画创作中的运用[J].艺术大观，2020(22)：34-35.

[2]唐莲.盛唐与中唐敦煌壁画色彩的比较研究[D].武汉：华中师范大学，2018.

[3]刘书含.浅析敦煌壁画不同时期的色彩[J].明日风尚，2020(7)：57-58.

[4]吕少华.设计学视域下敦煌壁画色彩的创造性转化与创新应用[J].兰州交通大学学报，2020(2)：162-168.

[5]冉琳.敦煌壁画色彩对当代国画设色审美的影响分析[J].明日风尚，2020(3)：89，91.

[6]王继伟.敦煌壁画色彩的艺术特征研究[J].艺术研究，2019(1)：80-81.

[7]殷超.敦煌壁画色彩初探[J].美与时代(中)，2019(5)：141-142.

[8]吴志民.敦煌壁画的色彩配置特征研究[J].艺术教育，2018(13)：206-207.

[9]郑宇翔.论敦煌壁画的色彩构成[J].文物世界，2018(4)：31-32，65.

[10]原诗淇.寓“意”于色：浅析敦煌壁画中的色彩[J].大众文艺，2020(4)：115-116.

作者单位：

佳木斯大学

通讯作者：

苏云龙

作者：薛孟秋 苏云龙

敦煌壁画研究论文 篇2：

隋唐敦煌壁画的线条语言研究

摘 要：文章介绍了敦煌壁画在我国乃至世界艺术领域中的地位以及隋唐时期的时代背景和社会环境，探究了隋唐敦煌壁画线条语言的特点，通过例举隋唐敦煌壁画人物线条的运用来证明线条语言的变化与重要性，探究了隋唐敦煌壁画线条的形式性与空间性的特点，及其线条语言对现代艺术带来的积极影响。

关键词：隋唐;敦煌壁画;线条语言

提到壁画大多数人首先想到的就是敦煌壁画，敦煌壁画一直被视为壁画艺术的巅峰之作，具有极高的艺术价值，是后世探索中国美术发展史的丰富历史资料，值得我们去探索和学习。人们把敦煌壁画比喻为“墙壁上的图书馆”，这足以证明敦煌壁画的规模之大、内容之丰富。隋唐时期被称为一个隆盛的时代，当时经济繁荣，政治稳定，文化政策也十分开明。因此，隋唐绘画发展的环境十分优越。隋唐时期可以说是绘画史上的极盛时期，整个画坛充满活力，绘画名家众多，但隋唐时期的传世作品却极少，而敦煌壁画恰好填补了这个空缺。隋唐时期的敦煌壁画较之前相比，有了很大的进步与创新，其中包括造型、色彩、构图、线条语言等各个方面。

一、隋唐敦煌壁画的概况

(一)敦煌壁画的简介

众所周知，敦煌是我国艺术的起始地，也是艺术聚集的圣地。敦煌自开凿石窟以来，历经魏晋、隋唐、五代、两宋多个朝代，其壁画折射着每个朝代的社会生活与背景，艺术风格大不相同，内容丰富，至今已经保存千年，历史十分悠久。敦煌壁画在内容上除了表现当时的历史文化，还体现出宗教信仰等内容，因此题材广泛，具有极高的美学价值，当之无愧是我国最重要的历史文物。

(二)隋唐时期的特点

隋唐时期经济繁荣，军事力量强大，行政机构完备，文化政策也十分开明宽容，这体现在文学艺术以及意识形态等各个方面，儒释道的相互吸取和包容，就体现了这一点，造成当时形成了一种开放的文化心态。在这样一个经济繁荣、文化开明、社会昌盛的大背景下，文学艺术的发展也必然会有更大的突破，因此也就有了唐代是诗歌与书法的黄金时代，也是绘画的极盛时期这样的说法。隋唐敦煌壁画便是中国绘画发展中辉煌壮丽的一笔。

二、隋唐敦煌壁画的线条语言

在中国绘画中，线条是一种不可或缺的绘画语言。我国书法、绘画、设计、建筑等艺术领域都十分重视对线条的运用，艺术家们一直以线条作为最基本的造型手段。但是在不同朝代，线条的长短、粗细、节奏又有区别，不同的线条语言代表着不同朝代的审美特点和文化背景，甚至可以说，线条体现着中华民族每个时代的审美特征。线条在绘画中具有高度的概括力和表现力，它把敦煌壁画中各式各样的形象和姿态都表现得淋漓尽致，比如初唐时期的敦煌壁画第220窟《维摩变·方便品》中就可以看出线条的魅力。盛唐时期的敦煌壁画线条整体上严整富丽，人物形态纤细柔美。因为唐代以后观音像逐渐由男性像或无性像变成了女性像，虽然有的观音像还是留有胡须，但是与之前相比，其面部线条更加流畅平滑，体态线条也像女性般婀娜多姿。尤其是第45窟中的盛唐观音像，线条流畅，人物以肥胖见长，服饰华丽，色彩艳丽，完全符合唐代女性以胖为美的审美观念，也符合当时女性地位较高的现实。由此可见，隋唐敦煌壁画十分贴近生活，符合当时大众的审美，真实自然。

隋唐敦煌壁画的线条变化不仅体现在人物方面，而且体现在山水方面。在隋唐之前，壁画中山水的表现手法主要采用“晕染法”，也就是说以色彩为主，线条为辅，更注重色彩的表达。而隋唐以来，由于受到中原绘画技法的影响，敦煌壁画对于山水的描绘更加迎合当时人们的审美特点，开始注重对线条的运用，线描也强调书法用笔，顿挫有据。这一变化足以证明线条在隋唐时期的壁画中愈来愈重要，笔法精神得到了更大的体现。

以线造型是中国传统画的特色，不管是人物画、花鸟画还是山水画，都是以线条为基础的，因此古代画家把各种线描形式概括为十八种技法，也就是“十八描”。从“十八描”中我们可以感受到线条的力度、生命以及韵律。在隋代壁画中，线条与之前相比就发生了变化，既出现了造型简洁精确、如铁丝一般精细的铁线描，又出现了变化丰富、时提时顿的兰叶描。唐代壁画更是如此，线条粗细不同，节奏变化丰富，主要向运笔轻重不同的方向发展，多在人物形象中的不同部位采用不同的描法，呈现出不同的质感，使得人物形象更加生動。隋唐敦煌壁画中的“飞天”主题就是最好的体现，其是敦煌壁画中最具代表性和最重要的一部分。由于唐代的繁荣昌盛，“飞天”主题的壁画在初唐时期就进入了发展的高峰。“飞天”人物形象可以体现出线条的变化：其身上就是采用了变化丰富、时提时顿的兰叶描，用朱砂色作为线条的颜色，使得人物形象更加生动醒目;飘带和衣纹的部分则采用了圆转飘逸的线条取代了北魏时的高古游丝描，使其服饰呈现出柔软飘逸的感觉。壁画在不同的细节处选择了采用不同的线描方式，通过变化丰富的线条语言将“飞天”形象的美感和内在精神表现得淋漓尽致。由此可见，线条在敦煌壁画中起到了至关重要的作用。随着朝代的更替，线描也由北朝时期流行的高古游丝描、曹衣描、行云流水描发展为隋代时常用的铁线描，再到唐代时发展为兰叶描和柳叶描。随着每个朝代文化的不断进步与融合，线描也在不断创新，展示出其独特的魅力与韵味。

三、隋唐敦煌壁画线条的特点及对现代艺术的影响

(一)隋唐敦煌壁画线条形式性的特点及影响

隋唐敦煌壁画的线条主要具有形式性特点。敦煌壁画中人物衣带、褶皱等线条的表现都是用书法的形式来“写”出来的，都有起笔、行笔、收笔的痕迹。线条通过画家用笔的提按顿挫、露锋与藏锋、轻缓等手法来表现出节奏感。整体来看，线条粗细不一、长短不一、虚实遮挡、疏密有序。这种线条的形式性使得壁画中每个形象都神采动人，画面整体都富有韵律感。这对画家对线条的概括力和创新性有很高的要求，也离不开当时画家平时对自身观察力的培养。

隋唐敦煌壁画至今已有千年的悠久历史，作为中国乃至世界的绘画艺术瑰宝，对我们了解和研究绘画历史提供了很大的参考价值，也对现代艺术的发展产生了深刻的影响。虽然后来山水画中的各种皴法对线条有一定的弱化，但是自从佛像恢复从前的画坛地位以后，人们画人像或佛像最注重的仍然还是线条。“书画同源”是被大多艺术家所认可的。除了在绘画方面，隋唐敦煌壁画的线条语言对其他现代艺术也产生了深刻的影响。比如在设计方面，现在有很多文创产品以及包装设计都应用了敦煌壁画的线条语言，它可以让设计效果更具有中国传统文化的特色。现在的包装设计都需要具有个性和设计感，能够给人带来强烈的视觉冲击力，因此设计师可以对敦煌壁画中的线条进行打散重构，使之得到创新与深化，成为一种具有中国特色的新的设计元素。例如，丝路花雨酒的包装设计就借鉴了敦煌壁画中人物的线条语言，该设计也让大众对这个包装和产品有了更深刻的印象和了解。

(二)隋唐敦煌壁画线条空间性的特点及影响

隋唐敦煌壁画的线条还具有空间性的特点，线条的虚实、前后变化使得整个画面具有视觉上的空间感，扩大了壁画的纵深感。其实，早期的敦煌石窟壁画中就出现了“短缩法”“凹凸法”，到了隋唐时期更是出现了“焦点透视”的空间处理技法。例如，中唐时期的敦煌莫高窟第112窟南壁东侧的壁画《观无量寿经变》就采用了“焦点透视”的技法，该壁画构图完整宏大，画面处理精美，给人一种立体逼真的感觉。《观无量寿经变》分别从俯视、平视、仰视三个视觉角度描述了西方净土的场景，画面中的建筑采用了“焦点透视”的表现技巧，给人一种纵深感和立体感。其中，线条起了最关键的作用，因为线条是表现焦点透视最直接的方法。线条本身可以引导人们的视觉，只要我们的目光随着线条向远方一个点汇聚，就可以得到由近到远的视觉效果，而线条越来越窄则可以得到“近大远小”的视觉效果。这种利用线条语言进行目光引导的“焦点透视”技法，直至现代仍然被广泛用于绘画、摄影、海报和广告设计等各个艺术领域。尤其是在海报设计中，线条除了能引导视觉，还能够起到串联整体、突出主题的作用。

四、结语

通过对隋唐敦煌壁画线条语言的了解，笔者想起有个老师曾说过，“画好线条是我们毕生的追求”。那个时候笔者还不懂得线条的意义，后来才发现历代有多少艺术家都在用生命来把最辉煌的历史亦或是最美好的瞬间用自己的风格通过简洁概括的線条表现和记录下来。因此，线条不仅是艺术家情感的寄托，也是对当时艺术精华的提炼。也正因为这样，线条才被应用到现代艺术中的各个领域中。虽然很多现代艺术画家开始研究用色彩语言取代传统的线条语言来表现画面，线条表达也在不断弱化，但是通过研究隋唐敦煌壁画中线条语言的表达和影响，笔者认为在今后的绘画创作时，我们还是应该把线条作为基础，不断对线条语言进行改进、创新，只有这样才能使得现代艺术作品更具独特的艺术和文化魅力。

参考文献：

[1]赵炅涵.运用造型艺术美学原理浅析敦煌壁画[J].西部皮革，2019(24)：124.

[2]张露.唐代敦煌壁画中的线条造型美学[J].美与时代(中)，2020(3)：100-101.

[3]王冬.隋唐敦煌壁画语言对现代美术创作的影响研究[J].山西档案，2019(1)：181-183.

[4]李雪儿.敦煌壁画“短缩法”考略[D].杭州：杭州师范大学，2020.

[5]孙随太.敦煌壁画的线条之美在我国现代包装设计中的运用研究[J].中国包装工业，2015(11)：75，77.

[6]孙琦.唐朝敦煌壁画中的飞天造型研究[D].郑州：郑州大学，2016.

[7]傅强.敦煌壁画中的飞天艺术[J].佛教文化，1996(4)：22-23，21.

作者单位：

山西师范大学

作者：秦晋

敦煌壁画研究论文 篇3：

敦煌壁画艺术中的生态意境研究

摘 要：学界曾对敦煌壁画艺术从多个角度进行研究，其内蕴的文化内涵和美学价值在经历多年的挖掘之后仍不见底。而生态美学是近年来对传统文化艺术研究的热点视角之一，故而文章从生态美学观点入手，用当前的目光重新审视千年前的敦煌。从敦煌壁画艺术的生态本体论、生态平等观以及民族生态观切入，揭示梵我一如、同体大悲、万族共生思想在敦煌艺术中的深刻烙印，探讨敦煌壁画艺术中所蕴含的深刻的生态美学价值。

关键词：生态美学;敦煌壁画;艺术

敦煌壁画由西千佛洞、莫高窟以及榆林窟等552个石窟组成，将历代壁画面积总数累计相加可达到5万平方米[1]。其风格与思想内涵与传统世俗绘画之间有着显著不同，从人与自然、人与万灵、不同种族文化之间的融合碰撞中，体现出和谐的生态美学意蕴。

一、万物有灵 梵我一如

——敦煌壁画艺术的生态本体论

敦煌壁画以佛教神灵形象为主要描绘对象，其思想内涵深刻烙印着佛教万灵共生的宗旨，同时又不避俗世，使飞仙之舞同样萦绕烟火红尘，一幅幅壁画中透映着梵我不二的冥想[2]。哲人帕斯科尔认为，自然与人之间从来没有主导者和被主导者之分，只有从相互理解的角度才能实现生态美学的最终追求。庄周认为天人为一，物我并生，是以人天之间并无分界。而维特根斯坦则认为将自然力外化为异己对象，一味地从自身角度对周遭省察，将让审美主体失去对周围事物美学评价中的生态美学维度。在世俗艺术中美学的生态属性往往遭受摧残，而值得庆幸的是在远离尘嚣的敦煌壁画中，天人和谐的生态之美却得到了体现。

敦煌壁画受西传佛教的影响甚深，认为万物有灵，对野兽草木都不吝给予赞美。莫高窟294号壁画，讲述了五百强盗受到佛法感召而在深林中潜修最终证道的故事，在图画局部中森林树木被当作主要描绘对象，由诸多成佛者供奉栽植。整幅画卷中透出幽静、禅定的意蕴。莫高窟285号壁画，不仅在山峦之上描绘丛林，同时以鹿为生灵代表，从溪饮之时透露出深林中的静谧祥和。不仅如此，植物在佛教中的象征意义十分浓厚，传说佛陀证道便是在菩提树下，更有言道菩提树共四株，代表常、乐、我、静。而275窟以浮雕形式塑造了婆娑双树的形象，一枯一荣映衬释迦如来。万物有灵、梵我一如，不再将自然作为人的他者，而是将主客体界限泯灭，从而实现无缘大慈、同体大悲[3]。

二、无缘大慈 同体大悲

——敦煌壁画艺术的生态平等观

敦煌艺术融三教于一体并以佛教突出显现，在思想范畴中出世的思想占据主流。无常行、无常我，在流转变动之中佛教对大千世界始终抱持着悲观态度，由悲观而悲悯，用信仰在来世构筑光明并向今生投射。是以佛教从不避讳今生的苦难，甚至将苦难作为本我生活的途径，用悬在来生的乌托邦消除信众的烦恼。从万物有灵观出发，在壁画艺术刻意渲染血腥和残忍的场面，再用佛法的安宁祥和消解，是一种直指五浊恶世丑陋根源后作为觉者佛性的回归。

充满慈悲精神的本生故事集中在257窟和254窟两处，单纯描绘佛教经文故事的壁画共有7幅。其中九色鹿本生、尸毗王本生以及难陀出家缘等壁画作品面向群众，对佛教的六度本生思想进行宣传。其中千钉钉身一幅，讲述毗梨竭梨王受到敲击钉身入体的故事，而从故事中国王亲属的表情能明显看出感同身受、切肤入骨而忧伤不已。另外割肉贸鸽的悲惨故事在世俗中传播最广，从壁画中更能直观体现出这种残酷的慈悲。画中尸毗王一手扬起，阻止要吃鸽子的老鹰。面露自信，表情沉着。此时一个面目凶狠的人正在从他一条平曲的腿上割肉，另有一人持秤称量所割下来的肉的重量。不知是否是为了避免过于血腥失去了佛教导人向善的宗旨，还是为赞美和歌颂尸毗王慈悲无畏的精神，所以在画面的处理中并没有对割肉的血腥进行渲染，而是让尸毗王仍然具备完好的体肤，所有需要表达的情感都从尸毗王的面容神态中得到体现。无缘大慈，是佛教对慈悲概念的解释，其中的无缘是世俗语境下的无缘，在觉者眼里万事万物之间总有丝丝缕缕的联系，并随着十二因缘流转，彼此之间并无明显分别。在这幅壁画中，尸毗王所面对的老鹰并不是他者，尸毗王所保护的鸽子也并不是对象，甚至对那个割肉的侍者而言，也都不能独立于这场舍己、救赎的事件之外。壁画的创造者深谙佛理，利用特殊的艺术处理手法将业力展现在图画之中，从图画内四者的关系中牵连出因果，用瞬时的一幅画卷拓印了前世今生。

北魏254窟中，本生故事舍身饲虎，以七宝舍利塔作为壁画的主要描绘对象，将光明、悲痛融在同一幅画卷当中[4]。并且善用对比手法，将萨埵太子舍身后他兄弟亲人的悲痛和太子自身结局的光明作为比对相衬，由悲剧入光明，将慈悲的要义发挥到极致。并且由于这个故事在时间维度上相对较长，因此图画作者从多个角度分别刻画，将内容丰富的故事中内蕴丰富的美学内涵，从而体现悲壮与崇高。

由于敦煌壁画受佛教元素的侵染程度极深，从纯粹意义上寻找探讨生态美学的万灵共处壁画几乎不可见。与其他艺术作品显著不同之处在于，后者通常将人的主导作用大肆发挥，对自然始终抱持着客体印象和改造目的。而佛教影响下的敦煌壁画却将人作为自然的客体，将人的主导地位极尽压制，试图用人的自我妥协来达成共生目的，并创造生态美学。从现有壁画资料上看，凡是涉及植物的大多以冥想、静谧、祥和来描绘，而凡是涉及动物的，则难免出现血腥、压迫、反抗和悲剧意识。据分析，这是前者缺少侵犯性，而后者弱肉强食的特性所导致的。将现实的残忍血腥投射到壁画艺术处理中，并加持因果以期待来生，从而让自我牺牲精神取代了对显示残酷压迫的无力感，将自身所受苦难曲解成为通往美好来生的途径。其实这种护生观点的思想实质并不单纯，所构成的生态美学图景仍脱离不了血粼粼的残酷印象。

三、万教平等 万族共生

——敦煌壁画的民族生态观

婆罗门教、古印度教从吠陀天启时代就形成了一种趋于静默和自省的宗教思想观念，在数千年的发展中虽然不断与其他宗教之间相互接触，但在教义上始终没有出现较大的冲突。而这种和平平等的理念更是随着佛教而传入中土，与道家静默无为思想融合为一，形成了内敛的审美风格和包容性极强的理论框架。从民族生态视角来说，世界上再没有比佛教更具有包容性的宗教了。摩尔根认为民族之间的不理解，主要是因为族群聚居地理环境不同和种族外在形象以及语言等的差异，造成民族文化具有很强的侵犯性和攻击性。这种攻击性在西方社会并不能完全通过宗教形式予以消解，长久以来的浸淫甚至让宗教蒙上了民族的属性。以穆斯林而言，其民族性与宗教性呈完全的封闭特点，使民族之间的矛盾难以消弭。而猜疑链的作用将让民族之间出现物竞天择的竞争状态，使战争、矛盾愈演愈烈。敦煌艺术在千年的时代变迁和朝代更迭中，融汇多个国家、民族以及多个时代的艺术思想和文化思想。以佛教作为主体框架，通过海纳百川的精神从风格、技巧、形式等各个方面反应不同艺术风格，并使之保持一致。从风格技巧上来说，有罗马时期的雕技巧、古希腊使其的艺术手段。印度教和婆罗门教以及佛教的题材，藏传文化和中土文化的艺术特点。在地域上横跨亚欧两大洲，可以说是世界艺术史上第一次多民族、多风格的大融合。在这种融合下的壁画艺术中，体现了敦煌宽广的艺术胸怀，将多民族文化平等融合，并内蕴新的富有生机的新型民族文化[5]。

敦煌壁画正是因为有着深厚而丰富的民族文化支持，所以对各民族的看法也不脱离平等观点。从万灵共生到万族共生，不仅是生态本体论的进一步延伸，更是对民族文化、社会文化充分理解后所得到的结论。由于多种文化并存，使得敦煌壁画中关于飞天的舞姿影响了国内诸多舞蹈流派，让希腊舞蹈和印度舞蹈技巧融汇到民族舞蹈当中。从技术上看，敦煌早期壁画主要描绘佛教神灵形象，以菩萨和佛陀作为主要描画对象。另有飞天和药叉等神祇采用了其他壁画艺术形式，其中晕染手法十分类似克孜尔壁画，而龟兹壁画中的装饰性晕染、立体性刻画也为传统印度壁画平面构图手法造成十分明显的影响[6]。从魏晋开始，敦煌壁画逐渐出现褒衣博带的中国风格艺术，注重描画线条，通过线条和色彩体现立体感和装饰感。待到隋朝以后甚至连线条用笔的力度和速度，都开始出现刻意的韵律感[7]。

从十六国以后，敦煌壁画的民族性特点得到充分的体现，其中各民族壁画技巧的融合逐步深化，让线条更加流畅、体态更加优雅，明朗婉约布置得体，并且将舞蹈技巧重新引入壁画创作当中，让东西方文化艺术充分地融合和交织。而早期乐舞相关壁画，画作对象体态袖长不似中原人物，并且其面容高鼻深目往往具有西方民族的特征，但在壁画中没有将这些对象刻意贬低。对中土人物和具有中土特征的事物也没有有意识地抬高。这可能是敦煌壁画以佛教为基础，而佛教本就传自西方，所以消弭了国人对外来文化的敌视情绪。加之西域环境特殊，与西方诸国地貌风俗类似，所以对西方民族文化更加容易接纳。

四、结语

敦煌壁画以其丰富的想象和完美的技巧，在边荒西陲构筑出一个充满异域风格和融合性特点的艺术殿堂。佛教思想在敦煌艺术中贯穿始终，导致敦煌壁画里关于生态环境、大梵与我的哲学本体观，万物有灵、万物共生的生态平等论成为主流观点。只有在这样的艺术环境内，才能通过壁画艺术体现生态美学思想，进而通过引导人的观念，实现生态美学价值。

参考文献：

[1]侯伟鹏.浅析绘画艺术语言———以敦煌壁画艺术为例[J].艺术科技，2015，12(7)：111-111.

[2]高阳.浅析敦煌西魏时期装饰色彩特征[J].流行色，2015，23(12)：136-139.

[3]张婉莹.以敦煌壁画的变迁发展为例阐述艺术的本质[J].文艺生活·文艺理论，2014，23(1)：183-183.

[4]白莹.浅析敦煌壁画的艺术特色[J].美与时代，2015，2(4)：30-31.

[5]马兰.敦煌乐舞《丝路花雨》的形象美学解析[J].大舞台，2015，23(6)：179-180.

[6]雷颖.敦煌版画与徽州版画美学差异对比研究[J].美术教育研究，2015，12(1)：56-56.

[7]李甜.浅论线条在敦煌壁画中的美学意义[J].中国包装工业，2014，23(22)：84-84.

作者简介：

王志远，山东建筑大学艺术学院讲师，硕士研究生，从事生态美学研究、景观设计与研究、壁画艺术研究。

作者：王志远