高中美术艺术美和形式美教案（共8篇）
教学目标： 1：知识和技能目标：通过本节课内容学习让学生了解构成美术作品形式美的主要三个方面，即语言元素、语言手段、语言规则。2：过程和方法目标：让学生通过具体作品来了解形式美在美术作品上的表现。3：情感态度和价值观目标：通过多一些作品的分析能引导学生正确的认识生活与艺术之间的关系，让学生在讨论与教师引导下体验作品所表达的情感与作品中所包含的艺术价值，感悟作品中所渗透的情感。
教学重点：围绕美术的语言元素和语言规则两个方面来讲解形式美的在美术作品中的表现，因为美术作品的艺术美和形式美主要就是通过它们来实现的。
教学难点：美术作品的艺术美和形式美既是具体的又是抽象的。也就是说，美术作品的艺术美和形式美既可以通过知识的学习掌握，但在很大程度上又纯粹是一个个人的感觉问题。同时，本课还将涉及到大量抽象的概念，这也将为本课的教学增加不少的难度。在这部分应特别注意对概念的讲解，并在概念与作品之间建立联系，即注重通过作品来讲解概念，以使学生对美术作品的艺术美和形式美的认识有形象的依据。教学准备：多媒体课件 教学过程：
一、组织教学 :课前检查好教学设备的齐全、以及观察学生的情绪动态。
二、导入:回顾上节课所讲的内容，什么是艺术美，具体表现是什么？ 请一位同学来回答。（或师生一起互动回顾）上节课中，我们还讲到形式美，那么到底如何理解和把握形式美呢？让我们这节课来一起学习构成美术作品形式美的几个方面。
三、讲授新课
（一）构成美术作品形式美的主要三个方面（播放多媒体课件）
1、美术的语言元素（点、线、面、色）所形成的形态变化
a.图例1吴冠中的《春雪》我们可以看到画面上似乎只有几块大片的墨色，间以墨点和墨线，少数地方用了一些色彩，但奇怪的是，一个巍峨秀丽的雪山就出现在我们面前。点、线、面等语言要素被作者运用的机巧而灵动，充分发挥了中国画的语言特征，体现出中国画的形式美和艺术美，给人以艺术的享受。
b.让学生了解吴冠中的个人简介及一两幅风格代表作。
c.图例2黄宾虹的《拟孙雪居笔意》运用书法中的点和线来构成其作品的形式美。
d.图例3阿尔波斯的油画《向正方形致敬》用不同色调和比例以及不同变体的相叠的正方形色块，它使得埋藏在复杂视觉体验中的个人心理和丰富的情感内容受到前所未有的重视。
2、语言手段（明暗、空间、透视、构图、肌理）及其所构成的审美意象。
a.图例1《老国王》体现出彩色玻璃窗画的特色。颜色很厚重，黑色勾轮廓，体现出油画特有的艺术美和形式美特征。老国王的侧面形象显得很忧伤，不象国王，倒象个苦难者的化身，与基督受难像差不多。
b.图例2伦勃朗的《夜巡》，画家采用了接近戏剧舞台效果的表现手法，安排了一群民兵正接到命令准备集合出发去执行任务的情节，并有节奏的处理这些民兵们举止神态。
c.图例3波菊尼的《空间中连续性的形式》是一个快速行进中的人物全身像，但这个形象并没有五官和双臂，艺术家将这人的每个运动步骤联系起来，创造出一个新的充满运动感的现代机械形象。
3、语言规则（变化与统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等）及其所构成的审美关系。
a.图例1伯留克莱托斯的《荷矛者》被塑造成一个体格健壮、充满朝气的青年战士的形象，体现了古希腊人在希波战争胜利后对英勇保卫国家的战士们的崇敬心情。同时，它也是作者长期研究人体比例的验证。他认为最理想的人体比例，即头与全身的比例为1：7，以肚脐附近为重心划分的上下身比例为黄金分割的近似值5：8，身体重心的垂直线落于右脚之上。整座雕像以均衡的动作形成统一的构成，显得极其完美和谐。
b.图例2《米洛斯的阿芙洛蒂特》这座发现于爱琴海米洛斯岛的山洞中的雕像，是希腊化时期的作品。阿芙洛蒂特的罗马名字是维纳斯。这座雕像可供四面欣赏，无论从哪个角度看，都有某种统一而富于变化的美。力求外在美和精神美的统一。丰腴饱满的躯体和端正大方的容貌，体现着青春、健美和充沛的生命力，体现着内在的教养和美德。这一切取决于雕刻家浑厚朴实而不追求纤巧细腻，但那显示出人体动态了丰富的变化和含蓄的美感。
（二）课堂活动：分析以下作品的形式及其形式美。吴冠中的《江南居》《夜宴越千年》 达维特的《萨平妇女》
惠斯勒的《画家的母亲肖像》 米开朗基罗的《大卫》 哥特式建筑巴黎圣母院
四、课堂总结
美术作品中具有强烈艺术美和形式美，通过对一些作品的分析能引导同学们正确的认识生活与艺术之间的关系，希望同学们能够学会自主探索美术作品中的情感与体会作品中所包含的艺术价值。
五、预习第七课的内容。板书设计
艺术美和形式美
构成美术作品形式美的主要三个方面：
1、语言元素点、线、面、色
2、语言手段明暗、空间、透视、构图、肌理
关键词：潮汕 民間美术文化 艺术形式
中图分类号：J528 文献标识码：A 文章编号：1008-3359（2016）15-0001-02
一、潮汕民间美术文化研究意义
从经济发展程度看，潮州并不像江浙一带发达，也不具备中原地区深厚的历史文化底蕴，但就“中国瓷都”“中国文化历史名城”这一系列城市名片来说，潮州民间美术文化确实也值得我们当代人去研究和摸索。我国著名美学家鲁迅先生曾把民间美术文化比作“生产者的艺术”，因其直接来源于民间，所以它具备美术文化中最为朴素和大众化的东西，而恰恰这些东西才最能反映出我国民间文化独特和深入的地方，它是一种与底层生活更为接近的文化形态。
潮州民间美术文化为何能如此深厚和丰富？追溯到千年之前，潮州地区曾是越族中的僚、俚、畲等众多土著居民的聚集地，他们都拥有各自灿烂而独特的文化，潮州民间文化正是从这些土著民族中博采众长、取其精华才逐步形成的。而在这些文化中最耀眼、影响力最大的，当属潮州民间美术文化。
1.从宏观的文化视角来说，是对百花齐放的中华传统民间美术文化的讴歌；从微观的文化角度而言，则有助于当地人和外界更深入了解潮州民间艺术形式，有利于潮州民间美术文化的传承和发扬。
2.对于历史上尚未产生真正为世人瞩目的潮州来说，熠熠生辉的民间美术文化填补了其美术史上的空白。
3.从经济的角度来说，如何让这些民间艺术形式和经济价值紧密联系起来，使美术既产生灵魂震荡的审美，又产生切切实实的物质效益，有启示作用。
二、多姿多彩的潮汕民间美术文化形式
1.陶瓷
潮州曾获“中国瓷都”雅号，与此同时，潮州陶瓷大量出口，远销东南亚乃至欧美，获誉无数。首先，就陶瓷的涉猎范围来说，潮州陶瓷可以说包罗万象，涉及陈设、功用、建筑设计等多个领域。其中和美术产生交错融合最深刻的当属陈设用瓷。陈设瓷又被称为工艺陶瓷，具体又包括实物写真、通花、彩绘等各种表现形式，每一种形式都以自己独特的风格倾向著称，可谓各具风韵，别具一格。
在实物写真瓷的色彩方面，在最重要的彩绘方面，创造了前所未有的上色工艺，在具体的绘制中也有大胆的创新，上釉的五彩、青花和下釉的古彩、新彩互相融合，充分运用美术中特有的错综复杂的效果，使其造型生动、惟妙惟肖；提到实物瓷的表现形式，在刻画实物形象时，工匠巧妙地将多用于文学中的夸张艺术手法，经过一定的革新而引入到陶瓷的表现形式上，这样一来可将实物特点展现得淋漓尽致，陶瓷俨然成为一幅慢慢展开的画卷，围绕陶瓷欣赏时，仿佛在推敲一幅真实的3D图画，这一点，与美术所倡导的形象化、生活化浑然天成；在瓷器的制作技法中，工匠非常重视实物瓷在美术中的线条美、纯净美，力争将美术中的一些独有的特色迁移到陶瓷的制作中，让其与美术的关系更加紧密。在烧制前的选材中，其过程可谓异常考究，对于烧制的胚子要求苛刻，必须保证最后烧制的瓷釉通透莹润，工艺细致。
在通花瓷中，则凭借高超的镂空雕刻技术著称。在其色彩方面，工匠事先在瓷胚上雕刻出各种样式的图案、形象，通过高温烧灼后，再以彩绘覆盖其上，再通过烤花工序烧制而成，在经过如此繁多而精细的工艺过程之后，最终得到的图形可谓色彩艳丽、画面意象活灵活现。为了达到最佳的艺术效果，在通花瓷的表现形式中，为突出底纹镂空效果，工匠多采用连续底纹设计，再加之造型各异的瓷花，使得最终烧制而成的瓷器看上去栩栩如生，人物画面呼之欲出，处处浸透着民间美术的诱人魅力。潮州镂雕工艺，在通花瓷的烧制中，具有画龙点睛之功效，这里有必要特别提到其与众不同的工艺技法：潮州雕刻工艺中普遍分两种技法，即单层和多层，在此基础上，又将镂雕和提花技术与之巧妙结合，为通花瓷增色不少，通花瓷也凭靠这种技法成为镂雕瓷器界的一张名片。
潮州陶瓷以美轮美奂、炫彩夺目的艺术美感，与时代紧密结合，使之实用性和观赏性得到很大的发挥，陶瓷的产生也为其发展提供了广泛的市场，同时也创造了不可估计的经济价值。例如盛产陶瓷的潮州枫溪区，由于陶瓷产业，拉动了其一方经济发展，目前这里经济高度发达，人们生活富庶。不得不说，这些传统的民间美术文化不仅给人创造了艺术美感，满足了人们的精神追求，同时显著提高了当地人的生活水平，为人民谋取了福利，这或许是艺术反哺物质的道理。
2.刺绣
刺绣是璀璨而厚重的古典文化代名词，作为中国四大著名刺绣派系之一的广东粤绣，可以说是其美术文化的一大杰出代表。粤绣的发展可谓源远流长，以其完备的刺绣工艺体系、众多的刺绣追随者、耀眼的刺绣作品让人心生仰慕。粤绣的优秀代表——潮绣就来源于潮州地区。
潮绣之所以能够以一个颇具地方特色的流派在众多的国内众多绣种中脱颖而出，是因为潮绣具有其鲜明而独到的艺术特色，具体说来，在刺绣的色彩表现方面，因其编制手法具有浓厚的闽南气息，使得潮州刺绣的图案纹样与众不同，看不到任何其他流派的影子，所绘制的艺术形象质朴而典雅，仿如将人置身于当时潮汕劳动人民辛勤劳作的场景中。
谈及潮绣的出身，其发端于明清时期，既没有受到当时盛行的文人画的影响，也没有侵染外洋艺术渗透的冲击。即使在现代，新美术工作者的介入，也不能改变其固有的民间刺绣的色彩、形象及意蕴风格。在刺绣的技法上，其拥有非常坚实的群众基础，潮州民间始终有一批从事刺绣设计的专门画师，他们融会包括潮州木雕、潮绣、潮州木偶在内的众多民间工艺。最终使刺绣的图案形成了变化多端、有条不紊、色彩富丽的风格，其高贵典雅、热闹祥和的美术效果，具有浓郁的地方特色。在表现形式上，由于潮汕地区劳动人民一直从事于手工业活动，在漫长的手工业历程中，一代代劳动人民积累了很多具有重大价值的工艺技法，在潮绣的绘制中，劳动者将高超的艺术工艺融汇到美术艺术之中，正是这些纯熟的技法工艺为潮绣刻画出多重的艺术效果，使潮绣整体看上去形赅意深，又无复沓冗杂之感。潮绣的具体应用方面是以装点形式表现，并不是为了单纯突出潮绣的艺术美，而是通过潮绣来映衬装饰物的独特之处，一般常见于民间古民居、庙堂等作帘帏之用，既有艺术审美性又兼生活实用性。
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潮绣题材广泛，人物、花鸟、器皿、飞禽走兽，亭台楼阁，古代名画、历史典故、文学作品均容纳其中，既充满强烈的乡土气息和朴素的人文情怀，又没有地域的局限性，可谓触类旁通，雅俗共赏。
3.木雕
对于潮州木雕来说，因其独到的骨干与精致，常给人以历史的积淀感，也是潮州地区闻名于世的杰出工艺代表。潮州木雕充分汲取了美术中写意与传神的重要含义，并将其形象化地展现出来，可谓神到形自露的传神地步。为了适应木雕在不同方面的应用，在色彩方面，通常涂以不同颜色的漆料，在同一款木雕中，又以不同的颜色重叠，来衬托不同的美术氛围。它的工艺技法同国内主流的木雕技术可以说是一脉相承的，但在其他方面却显示出潮州木雕浓郁的地方特色。在木雕的应用上，随着人们审美观念的不断提升，已经从之前追求实用性的使用理念，转为更加注重木雕的艺术感觉，注重木雕与周边环境的理想协调。人们往往不会过多的评判木雕技法本身的好坏，关注最多的反而是木雕所反映出的美术文化，能够给人以美感，以及心灵上产生的共鸣。
潮州木雕继承了我国传统木雕的雕刻技艺。在长期的发展历程中，兼具了石刻、绘画等一系列精髓，潮州木雕讲究就地取材，一般采用杉木，正是通过这种木材，反应出了潮州人高超的雕刻工艺，特别考验工匠的刀法和力度，刻出的效果层次感极强，再用桐漆贴金，不仅使其金碧辉煌，还有效保护了木雕的形状，经久不裂。例如，在潮汕当地的祠堂、寺庙、建筑门领上的匾额、支柱以及家庭一般所用的器物，诸如桌椅、橱柜、床炕、茶橱等诸多器物。在潮汕当地的颇具民俗风味的迎神庙会，用于祭祖的神龛、神轿、烛台、等也都广泛使用了潮州木雕。
4.古民居
潮州古民居集潮州的木雕工艺、陶瓷工艺、潮绣工艺于一身，从这点讲，潮州古建筑堪称潮州民间美术工艺的集大成者。
潮州古民居建筑最独特的地方，莫过于在房脊上嵌入瓷器，这种独特的建筑表现形式，与美术中的插画技法不谋而合，这也凸显了潮州古建筑中透露出的美术感。针对不同的房脊，人们所嵌入的瓷器也大相径庭，但使用最多的地方还是在中脊和垂带头上，在中脊上通常是配以通花瓷，譬如：百花百鸟及神庙脊上龙嵌瓷作品，是中脊嵌瓷中具有代表性的建筑之一；在工艺技法上，通过嵌瓷工艺，让千篇一律的房脊变得活灵活现，可与当时宫内的贵族装饰媲美。嵌瓷作为当时独一无二的建筑艺术，为潮州建筑添加了一道亮丽的风景线，让人看后心生美感。
值得一提的是，用在石楼门肚上的石雕技术也同样匠心独运，在当时简陋的手工条件下，工匠们雕刻的飞禽走兽、草木花鸟、人文景观栩栩如生、生机盎然，体现了浓郁的美术氛围，宛如一幅画卷在城门上展开。外加彩绘和金漆木雕技术，让本就生动的雕刻作品更具神韵，如庙宇的神像，屋檐、花窗的雕刻。此外，还有一些比较纯熟的相关工艺值得品味，如绘有潮绣的帘帕，横梁彩绘等。
除此之外，潮州大吴泥塑、沙溪稻杆画，饶平的布马舞等等也是潮州民间美术文化的重要组成部分，其所推崇的潮汕文化及其背后蕴藏的深层意味也非常值得回味。
三、结语
以上举隅，可以从潮汕民俗文化的各个角度对具有潮州民间美术特点的潮州文化有一个大概的了解，明了当地文化的重要组成部分的现实意义。它所蕴含着的丰富的文化和人文气息，让人不得不对其心驰神往，其保留完善的艺术品堪称中国民间艺术的活化石，其传承依旧的民间美术工艺可以算得上古代艺术技法的教科书。茫茫上千年的艺术文化是我国悠久文化的见证者，潮州民间美术文化对当地文化的繁荣有不可替代的推动作用。因此，深入研究潮州木雕、潮州陶瓷、潮州刺绣、潮州古民居等民间美术工艺品，对于引导国内民俗文化的品鉴工作，渲染国内民俗文化的氛围，以及对弘扬潮州文化均意义深远。
参考文献：
[1]郭馬风，魏影.潮州美术陶瓷与刺绣抽纱[M].广州：花城出版社，1999.
[2]远宏，祥波.中国民间陶瓷艺术[M].哈尔滨：黑龙江美术出版社，1996.
[3]白明.世界著名陶艺家工作室[M].石家庄：河北美术出版社，2005.
[4]杨坚平.潮州民间美术全集·潮州陶瓷[M].汕头：汕头大学出版社， 2004.
《走进意象艺术》属于高中美术鉴赏模块，意象艺术属于三大美术类型之一，是介于具象艺术和抽象艺术之间的综合的艺术类型，兼有两种艺术的特点，也为学生后续学习难理解的抽象艺术打下了基础，起着承前启后的作用。
二、说学情
高中阶段的学生具有更强的探究精神，思维比较活跃，见解独到，同时观察能力与感知能力增强，在美术学习中也希望了解更多本质性的、美术理论方面的知识。但是对于大部分学生而言，绝大部分学生对美术作品的判断标准普遍都只有一个标杆--就是“像”或者“不像”，所以吸引学生兴趣点，使学生以客观的态度学习欣赏意象艺术是教学中值得注意的问题。
三、说教学目标
【知识与技能】
初步了解和认识什么是意象艺术，如何来辨析意象艺术。
【过程与方法】
通过比较分析，初步掌握什么是意象艺术，通过对意象艺术的艺术形象和艺术语言的分析，以及艺术家的意图方面来辨析意象艺术的主要特征。
【情感态度与价值观】
理解意象艺术的创作构思，提高审美素养，开阔眼界，理解多元化艺术。
四、说教学重难点
【重点】
物象多视角表达的两种方法即平面表达和立体表达。
【难点】
能理解物象多视角表达的方法，并用手绘线条的形式表达物象的多个视角。
五、说教法、学法
依据新课标的要求“美术教学以学生为主体，以学生发展为本，为学生创设有利于激发创新精神的学习环境”，我采用了以下的教法与学法：教法为情境法、展示法、实践练习指导法，而学法则用自主探究法、比较分析法。
六、说教学准备
“工欲善其事，必先利其器”好的教学准备能够提高课堂的教学效果，为我做了如下的准备：PPT课件。
七、说教学过程
从新课程标准的教学建议出发，我将充分发挥现代教育技术的作用，运用多媒体辅助教学，变静为动，融声、形、色为一体，为学生提供生动形象直观的观察材料，激发学生学习的主动性和积极性。具体环节如下：
环节一：设置情境，导入新课
精心设计好导入，无疑是一堂课成功的关键一步，它的目的是引人入胜，使学生兴趣盎然的揉入到活动中去，达到事半功倍的效果。为此，我将展示《布罗格利公主像》与《带帽的妇人》，引导学生观察其中的不同。在学生对意象艺术有一个直观感知后，继续引出这样的一个故事：当年有一位女士看到《带帽的妇人》后，便问马蒂斯“难道我们女人都像您画的那样子吗”而马蒂斯却回答到：“夫人，那不是一位女士，那是一幅画”。通过设疑的方式激活学生的思维，激发学生学习意象艺术的兴趣，让学生把精力集中到课堂中来。
环节二：欣赏作品，探究意象艺术
根据费德门教授提出的美术鉴赏的程序“描述——分析——解释——评价”，我确定我的基本环节为：感知怪异—分析怪异—理解意象艺术。
(一)感知怪异
在感知怪异环节，我或多媒体展示一系列的意象艺术作品，引导学生欣赏并谈一谈对这些作品的第一印象是什么?在学生答出怪异时我会继续追问：为什么会有“怪异”的感觉?师生共同总结出画面夸张。在这一环节通过对名画的认识，激发学生的思维，让学生认识意象艺术的特别之处。
(二)分析怪异
在学生感受了意象艺术的“怪异”后，展示《圣维克多山》油画和圣维克多山实景照片，引导学生对比赏析，师生共同探讨出艺术家表达传递出的不是艺术家的“眼”中之象，而是艺术家的“意”中之象，即“意象”，从而引出意象是画家对客观世界的主观表达。通过老师设问，学生讨论师生共同探讨，增强师生互动，使学生理解什么是意象艺术，增强学生的合作精神。
对于本课的重点，我将展示学生较为熟悉的作品《呐喊》，并且引导学生相互讨论，互相启发，集思广益，通过对作品的内容、形象、色彩、线条等方面的描述、分析掌握意象艺术的基本特征，比如主观、夸张、变形等等，因此在这个阶段只要适度的引导，学生就能用自己的语言总结出一些意象艺术的特征来，从而能挖掘出不同层次总结、归纳的能力，提高教学效率。
(三)理解意象艺术
“如何理解意象艺术”是本课的关键，也是学生鉴赏意象艺术的根本要求。这一环节，我重点是要传达给学生两个理解的切入点。故此我分别展示两组作品，首先通过分析朱耷《鹌鹑图》中的眼睛理解艺术家是按照“我”想表现的样子来表现世界，然后展示委拉斯凯兹的《教皇英诺森十世》和培根的《被牛肉片包围的肖像》分析两幅作品，让学生进行小组讨论、交流，并运用比较法的方式寻找差异，进而总结归纳出意象艺术是艺术家按照“我”感觉的样子来表现世界。通过问题引导学生思维的方向，体会意象艺术是“表达作者内心世界”的艺术形式，理解意象艺术的创作构思是如何与作者个人的主观意识、生活经验等进行整合与联系的。通过学生的发言、讨论，再加上教师的点拨归纳，学生对“意”与“象”的关系有了深刻的理解，并体会到“我”在艺术中的重要性，对意象的“真实性”产生了认同和共鸣。
环节三：学以致用，辨析意象艺术
最后，我设置了“学以致用，辨析意象艺术”的环节，主要是让学生对所学知识进行迁移运用，理解本课的精髓，说出自己的收获。故此我将展示一系列的意象艺术作品与具象艺术作品，并且设置辩论活动：你是否认为意象艺术比具象艺术更有表现力?为什么?通过大量作品的欣赏，使学生对各种艺术风格和世界多元化艺术有了进一步的了解，从而激活学生思维，拓展视野。
环节四：总结回顾，拓展提高
教学目标：
1、通过欣赏，感受、认识和评述外国古代艺术，使学生了解史外及古埃及，西亚，墨西哥美术的悠久历史，艺术成就和艺术特点。用历史唯物主义的观点去客观评价。懂得美术鉴赏的基本方法，能运用美术术语描述，评价艺术作品。
2、过程和方法
利用教材，图片，网络等收集相关资料信息，并加以整合。
3、情感，态度和价值观
能激发学生参与欣赏活动的兴趣，并能联系文化情境认识美术作品。教学重点与难点：
1、以艺术的起源问题分析史前美术的创作意图。
2、古埃及有多方面的艺术成就与其文化情境。教法选择：讲述、展示、比较
学法选择：收集筛选、分析整理、合作探究 教学准备：课件 课时：1课时 教学过程：
导入：人类常常把远古的原始社会，比做人类的童年，非常巧的是存留到现代的最早的两处原始时代的岩画，也首先是给几个孩子在无意中发现的。
十九世纪末，一位西班牙工程师象往常一样在一个山洞中勘察，跟随他身旁的小女儿突然惊叫：“牛！牛！”，原来，洞顶和墙上画满了红色、黑色、黄色和暗红色的野牛、野猪等动物。这就是闻名于世的《阿尔塔米拉洞穴岩画》。
1940年的一天，法国南都的几个孩子，钻进一个曲折而又狭窄的山洞寻找一条走失的小狗。结果发现山洞隧道通向一个岩石的大厅，在长达180米的大厅和隧道的洞壁，洞顶上，也是画满了野牛等动物形象，于是隐藏了一两万年的《拉斯科洞穴岩画》与人重逢了。
这些岩画所表现出来的娴熟的技巧以及绘画者的观察力和表现力，比现代人也不逊色，但学术界一般认为，创作这些岩画的动机并非为了观赏，而是一种与原始巫术和宗教有密切联系的行为。(看图片分析，从内容、形式、形象、色彩等方面切入并讨论)
史前雕刻最著名的有法国劳塞尔执牛角的女祼浮雕和奥地利维林多夫的女祼石雕像，大约产生于三万年以前，这些雕像竭力夸张突出的是人的性特征，比如胸、腹、腿，不刻画五官，实际用途是作为当时女性崇拜或生殖崇拜的偶像。
这些我们今天所能看见的人类最早的具有一定审美价值的作品，对于创作的原始人来说，其主要价值却并不在其审美属性而在其实用功利属性上。
那么艺术是怎样产生的呢？
用心
爱心
专心 1
关于艺术的起源，学术是一般认为有以下几件观点：艺术起源于模仿，艺术起源于情感和思想交流的需要，艺术起源于劳动，艺术起源于游戏，艺术起源于巫术。追寻艺术的发生历程，我们不难发现，艺术原是从非艺术活动中产生的，导致艺术发生的最初的也是最基本的动力，乃是人类的社会实践活动，尤其是维持自身生存和取得发展的生产劳动。艺术的发生不是偶然的，它是为了满足人类的某种精神需要并由人自己创造的，而导致这种需要产生的原因和准备了艺术创造所必需的生理和心理条件的，则是人类的劳动实践。
史前美术的洞穴岩画都有一个共同题材——动物：野牛，野猪，鹿等，这些都是原始人的主要狩猎对象，是他们赖以生存发展的主要食物来源，正因为如此，他们才会对这些动物的特征把握得那样精细准确，刻画得栩栩如生。
学生分析史前时代的雕塑，合作探究。(由司芬克斯之谜引述到古埃美术)
古埃及美术在建筑，雕刻，绘画和工艺美术等领域，都有辉煌的成就。
埃及人想信人死后可以在另一个世界里继续“过活”。就像植物在冬季死去，来年可以再生一样。他们崇拜的大神之一——执掌“阴司”的奥西利斯，就同时掌管着给植物带来苏生的洪水，而奥西利斯本身，也曾是给敌人杀死，后来经他的妻儿的法术才得以重生的。所以埃及的祭司们相信：只要把法老王的遗体保存起来，他们就可以在墓室内和墓室外继续“生活”。这样产生了著名的“木乃伊”(经药物泡制、包扎和密封的尸体)以及装饰豪华的棺匣和牢固的金字塔。
古埃及人的宗教思想还宣扬人的灵魂无所不在，金字塔越是庞大稳固，法老王也就可以永生不朽。有力学上说，这个底边广阔，体积宏大的方锥体，的确最为稳固，而在心理的感受上它也确实让人觉得“不可动摇”。
在卡夫利法老王的金字塔旁边，伏卧着高达二十米的巨大石雕“司芬克斯”——人首狮身像，这个怪物在战乱和风沙的侵袭下，其面部呈现出一种朦胧的神秘感，所以人们常把“司芬克斯的笑容”作为一种神秘表情的同义语。
古埃及的雕刻和绘画的独特面貌，令人一眼就能看得出，而且留下深刻的印象。对于神和君王的崇拜，要求按照“应有”的样子，而不是实际看到的，把他们表现为尽可能地充分和完满，由此而造成了一定的格式。比如，法老王的立像常是左脚在前，坐像则必是两手搁在膝上，右手握拳左手平伸，并且保持着丝毫没有转侧的所谓“正面律”。
作品《拉荷特普及其妻诺夫尔特公主像》是古埃及双人坐像的最初代表，按照古王国时期人像雕刻的惯例，用石灰岩制作的雕像通常是着色的。因男子常在户外活动，风吹日晒，故躯体涂以棕色。女子深居简出，躯体涂以淡黄色，这两尊雕像线条柔和，舒展。为追求人物相貌的逼真，埃及雕像善于运用各种材料突出人物眼睛的生动性，用铜做眼睑，乳白石英作角膜，透明水晶作虹彩，并嵌以磨光的微粒黑檀木作瞳孔，使之在透明的水晶中发生光辉。
涅菲尔蒂王后像》是埃及新王国时期具有革新精神的代表作，强调艺术要从理想化的表现中解放出来，真实地描绘人及其周围的世界，作品摆脱了长期以来的神化倾向，努力表现出人的特性，真实地刻画了一
用心
爱心
专心 2
个古代东方美丽女性的形象，自然生动，脸部洋溢着活力和女性的美，完全摆脱了过去王后雕像只是强调其高贵地位的旧手法。
古埃及人由于崇奉太阳神“拉”和地方神“阿蒙”，所以各地为“拉”和“阿蒙”神建造了许多神庙，卡纳克阿蒙神庙便是其中最著名的。建于公元前1800多年，占地24.28公顷，由许多部分组成，其中最主要的就是柱厅，站在大厅中央，四面森林一般的巨大石柱，给人造成一种神秘而又幽深的感觉。
阿布辛贝勒神庙是埃及石窟神庙的代表作，是在尼罗河岸的一个悬崖上开凿的。神庙前耸峙着四尊高21米的摩崖巨像，这是新王国时期拉美西斯二世自己的雕像。雕像面向东方倚山而坐，好像是从山崖中长出来的。
在埃及东北方的亚洲的西部，位于两条大河，即幼发拉底河和底格里期河，之间有一块肥沃的大平原，叫美索不达来亚，美术史家的不断发掘和研究，发现这西亚的艺术有着自己的风貌。
学生讨论分析:
亚述雕刻《人首翼人牛像》浮雕《受伤的母狮》。
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第6课 艺术美与形式美
教学目标：
1、知识目标：通过本课的学习，让学生了解什么是艺术美以及掌握形式美的语言元素、语言手段、语言规则等相关知识。
2、过程与方法目标：通过一些美术作品的赏析，让学生学会运用形式美的相关知识和自己的经验，描述、分析自己身边的美与艺术的美。
3、情感、态度和价值观目标：通过本课的学习，让学生体验与感受美术作品的艺术美与形式美的同时，激发学生的审美欲望，促进学生审美观的发展。
教学重点：对艺术美与形式美的相关知识的掌握。教学难点：运用艺术美与形式美的相关知识，对美术作品进行描述与分析。教学过程
一、直观导入 欣赏、判断
让学生欣赏“自然美、社会美”的图片及“艺术美”的作品，并判断其类别。
[提问]（1）、请指出哪几件作品是体现自然美、社会美、艺术美？并举例出生活中我们所熟悉的美。
自然美：“好雨知时节，当春乃发生，随风潜入夜，润物细无声”（杜甫）；“北风卷地百草折，胡天八月即飞雪，忽如一夜春风来，千树万树梨花开”（参岑）
社会美： 社会美可分为两种形态，一是直接形态，如物质环境、物质产品、人的服饰仪表、行为举止、话语谈吐等，这类社会美是形之于外的，可以直接感知的，我们的审美活动大都体现在这一范围之内。
社会美的另一种形态是间接形态，如政治制度、经济状况、时代精神、社会治安、社会风尚等等，这类社会美并不体现在某一具体现象上，而是体现在社会生活的各个角落。因此，我们需要透过复杂的现象，经过分析思考，才能掌握其中的本质。总之，这类社会美我们无法直接欣赏，只能间接地进行体味，这无疑增加了欣赏活动的难度。
（2）、罗丹的《欧米艾尔》，我们能不能用“漂亮”、“好看”来形容这种作品的艺术美呢？
[讲述] 《欧米艾尔》既不“漂亮”，也不“好看”，但给我们以心灵和审美上的震撼。作品传递给我们一种“残缺美”或是“凄美”。
[提问] 漂亮、好看是美术鉴赏的标准吗？
[讲述] 如果我们要掌握美术鉴赏的标准，那么我们必须要了解什么是艺术美和形式美。
二、展开新课
1、什么是艺术美？它有哪些表现？ 比较、分析
（1）《开国大典》的摄影相片与油画作品比较 摄影作品是真实的场面和形象——分散、零乱、主题不突出。
油画作品是经过改造后的艺术形象——庄严、气势宏伟、形象典型、主题突出、鲜明。提问：自然美或者社会美可以代替艺术美吗？为什么？
（首先，社会美与自然美本身的形式与内容，无论是在历时性方面还是在共时性方面都难以做到完全一致。社会美的内容是普遍的、自由的，但它的表现形式常被特定的情势所限定，常常是不自由的、偶然的，缺乏普遍性的。例如“勇敢”品质作为一种审美对象，在不同情况下，就会有不同的表现形式。自然美的形式是规律性和自由性的统一，但是与之契合的内容，常是多义的、游移的，甚至是与形式相冲突的。因而自然美也难以表达普遍自由的内容。
其次，自然美与社会美总是存在于现实的一定时间和空间之中，没有空间流动的自由性和时间流传的永久性，即它们常处于活动状态，缺乏稳固性和普遍性。社会美的直接现实性消逝后，如无富有艺术性的传播媒介的帮助，美感影响也就消失了。而自然美则依赖于自然状态，时序的更替和环境的变化必然影响到自然美存在的永恒性和自由性。
再次，现实美还常带有芜杂性。美的成分与不美的成分或可有可无的成分共处一体，各成分之间内在的联系不够协调，因而作为整体，和谐程度不够。毕竟现实美是缺乏充分加工的自然形态的美，即便经过加工改造，也常常带有强烈的功利目的，因而，也就不能充分地体现出实践主体的自由自觉的创造性。日本美学家竹内敏雄就曾指出：“自然美（社会美也类似）和艺术美在下面这一点上有着本质的区别：即归根到底自然不像艺术那样有意识地把美的创造作为目的。”
①自然美与社会美的缺陷，使它们不能充分满足人们更高级更全面的审美需求，也不能充分表现人们的审美意识和审美情感，因而需要艺术美。）
艺术美是艺术家自由自觉创造出来的，艺术家将社会美和自然美纳入心灵，用情感去冶炼它，用想象去完善它，将自己的审美理想、审美趣味、审美激情熔铸进去，化为作品的血肉和灵魂，从而使现实美升华，成为心物一体的美的对象。
黑格尔曾指出：“艺术理想的本质就在于这样使外在的事物还原到具有心灵性的事物，因而使外在的现象符合心灵，成为心灵的表现。”
②这种对现实美的升华，主要是通过典型化和理想化来实现的。艺术家对现实材料进行加工，把现实美中不美的部分“清洗”掉，把分散的美集中起来，创造出典型形象，使之更符合美的规律，更纯粹、更精致。同时，艺术家建构的艺术形象具有十分紧密、协调的内在联系，是用一种完整的面貌向世界说话，表现出一种理想美的色彩，因而是普遍自由的形式与普遍自由的内容相结合的一种新的美的形态。“艺术美高于自然。”①黑格尔的论断是正确的。
讨论、交流
（2）《欧米艾尔》 [讨论内容] 请从社会、自然、艺术的角度来比较是“美”是“丑”，罗丹是如何使我们感到“艺术美”的？
[引导分析] 社会的角度——出卖肉体的妓女——是“美”还是“丑”？
自然的角度——风烛残年、浑身皱纹等——是“美”还是“丑”？
艺术丑和艺术美
艺术丑是指艺术作品的丑，艺术丑和艺术美是相对应的。
衡量艺术作品的美丑的标准主要不是看作品所反映的对象的美丑性质，而是看艺术家怎样去表现对象。艺术家反映事物，由于自己主观条件的影响，可以使作品成为美的，也可以使作品成为丑的。在艺术中使用丑的概念常有不同的含义。例如：
1、艺术丑指艺术作品的内容虚假、腐朽、技巧低劣。
罗丹说：“在艺术中所谓丑的，就是那些虚假的、做作的东西，不重表现，但求浮华、纤柔的矫饰，无故的笑脸，装模作样，傲慢自负------一切没有灵魂，没有道理，只是为了炫耀的说谎的东西。”
2、艺术作品中反映丑的对象不等于艺术丑。
例：委拉斯开兹《教皇英诺森十世像》、列宾《祭司长》、达分奇《最后的晚餐》中的犹大。
3、某些艺术中的丑角不等于丑。
4、在园林艺术中山石以丑为美。
刘熙载在《艺概》中写到：“怪石以丑为美，丑到极处，便是美到极处。”实际上这里所说的丑，是指山石的错踪变化的美。
正是因为丑得让人惨不忍睹，才激发出人们对现实中丑恶的恨。艺术作品中的形象是丑的，但蕴涵着作者“构思美”和其对受欺凌妇女同情的“心灵美”的艺术作品本身是美的。艺术作品中反映丑的对象不等于艺术丑。
历史上，许多美学家都对这个问题做了有益的探讨。亚里士多德从审美认识的作用来阐释艺术丑。他说：“经验证明了这样一点：事物本身看上去尽管引起痛感，但维妙维肖的图像看上去却能引起我们的快感，例如尸体或最可鄙的动物形象„„我们看见那些图像所以感到快感，就因为我们一面在看，一面在求知。”②雨果认为艺术应将美与丑结合起来，“正是从滑稽丑怪的典型和崇高优美的典型这两者的圆满结合中，才产生出近代的天才。”③罗丹更是强调丑在艺术中的意义，“在自然中一般人所谓‘丑’，在艺术中能变成非常的美。”④
生活丑能转化为艺术美，是被艺术创作的特性所决定的。艺术家认识到生活丑的本质及其背后所隐藏的社会意义，将丑真实地展示出来，就体现了合规律性的“真”；同时，进入到艺术殿堂中的丑渗透着艺术家否定性的评价，便从反面肯定了美，又体现了合目的性的“善”；并且，由于优美的艺术表现形式，生活丑在艺术上构成了具有审美价值的艺术形象。因此，当生活丑进入艺术意境，就会蕴含生活丑本身所无法包含的审美意义。这是一种以其艺术性的存在否定其自身现实存在的美，能够使人们的心灵震颤，产生强烈的美感，即所谓的化腐朽为神奇，于丑怪中见光华。例如罗丹的雕塑《老妓》，雨果的小说《巴黎圣母院》中的加西莫多等等，都是通过艺术的审美性，使“丑”的人物形象获得了不朽的艺术魅力。
艺术的角度— 和精湛的技巧所创造的形象，构思美（揭示社会的丑,(丑得如此的精美,矛盾,使我们产生无限的联想及心 暗示对理想社会的向往）的对立统一）
心灵和审美上的震撼。（社会丑和自然丑）（社会丑和自然丑的提升）小结
艺术形象源于现实形象，而高于现实形象。艺术形象其实就是“典型形象”或“艺术典型”。艺术美是艺术家对现实生活的美的再现和美的表现。艺术美是通过形式美表现出来的。
2、什么是形式美？ 在原始社会的时候，人们经常把动物的牙齿串起来挂在脖子上，同学们知道这是为什么吗？在开始他是作为一种勇敢的象征，或乞求神赐于力量。久而久之，随着时间的推移，这种形式逐步脱离了原来的使用价值。人们看到他们时会自然而然的产生一种亲切感，这时候，他已经成为一种装饰品，成为一种时尚，一种形式上的美感。这就是形式美。因此，形式美是人类独特发现和创造之一。到了古西腊时期，人们开始对形式美的研究和探讨，并归纳总结了许多关于形式美的法则。比如，均衡、比例、对比、节奏、对称、和谐、多样统一等，形成了一个有机的整体。这节课我们就来了解一下美术作品的形式美。
（形式美的基本含义）
什么是形式美？广义地说，它是客观 事物外观形式的美，狭义地说，它是大量 具体美的形式提炼、概括出来那种抽象形 式所具有的美。它是相对独立的外部形式 诸因素的美，即点线面、色彩、空间、构 图、质材等形式因素的组合构成的美术作 品的形式之美。
[提问] 美术作品的形式美有哪几个方面的内容？（1）语言元素：点、线、面、色（构成形态变化）
（2）语言手段：明暗、空间、透视、构图、肌理（构成审美意象）
（3）语言规则：变化与统一、对比与和谐、对称与均衡，比例与尺度、节奏与 韵律（构成审美关系）
美术的语言元素和手段还必须按照一定的规则来运用才能创造出具有美感的形式。形式美是以上三个方面相互融合的综合体。
作品剖析
（1）《雄视》（中国画，局部，潘天涛）
语言元素的构成 语言手段的运用 语言规则的体现 艺术美
（点、线、面等）[构图、肌理（墨韵）等] [在险峻中求平衡（掉毛、松乱的善斗雄鹰；
（矛盾的对立统一），雄健的傲骨）点、线、面的比对与和谐]
下面，我们就列举并结合一些实例做简单的解释。
1、变化和统一：达·芬奇的名作《最后的晚餐》宋人所作的《秋浦蓉宾图》《清明上河图》的虹桥一段
2、对比与和谐：林风眠的《静物》潘天寿的《水仙》
3、比例与尺度：刚欣赏过的雕塑《维纳斯》法国古典主义画家达维特的《萨平妇女》的构图
4、对称与均衡：如（学生回答：螃蟹、蝴蝶、人体、贵州的《蜡染头巾》、马蒂斯的《蓝衣妇女》、花瓣）；王雪涛的《牡丹》、马蒂斯的《静物》
5、节奏与韵律：如葛饰北斋《神奈川冲浪》《朝元仙仗图》《古代塔》
学生作品欣赏：《西斯庭圣母》《巴黎圣母院》提问：请指出这两张作品中五种形式美，教师小结。《西斯庭圣母》《巴黎圣母院》
课堂总结
形式美的法则不是固定不变的，法则本身是在不断的发展和变化的。在西方美术史上，哥特式艺术大师对教堂建筑形式规则的理解和运用，和古西腊完全不同。巴洛克美术为了强调动态和激情，也背离了古西腊和文艺复兴时期古典艺术的形式规范。尤其是在现代艺术中，为了达到创新而打破传统形式法则的创作，更是层出不穷。所以，我们对形式法则的理解，应该是作品产生的主观条件，更好的欣赏美术作品。讨论、交流
[提问] 观察生活，发现自己身边的美，说说它们符合哪些形式美的法则？（1）《校园风景》
（2）《自然景观——月亮湾》
三、互动实践
请几个学生上来，根据自然美、社会美、艺术美和形式美，以身体为元素（也可以加其它道具）来完成一幅画。
四、教学总结
一、形式美在艺术创作中的作用
一幅完美的画不光要有艺术家的灵感和激情，还要有美的形式，从而使令人眼花缭乱的现代艺术呈现出有序，可以让人去把握的`图象。在绘画构图中，对画面的各种元素进行恰当的组织，讲究一定的形式美法则是十分必要的：（1）对称。对称的形态给人以平衡稳重协调的感觉。（2）均衡。在平面造型里它属于视觉的均衡，各个物象在画面的上下左右力度配置根据视觉和心理的需要，合理安排和协调画面的色块，形状的轻重与大小，从而使画面处于一种稳定与平衡的状态。（3）夸张。在创作中，为了表达作者的情感和意图，以吸引观者的注意需要对画面的某个部分或对形象的一些特征作适当的渲染和夸张。（4）节奏。画幅上的节奏是视觉上能够感受到的，同样具有周期性，起伏性，交替性。（5）重复。在构图中运用重复的表现法则，让画面有理性的秩序美感，可以让人产生有序，延绵不断的韵律。（6）对比。这是一种基本的形式法则，在一幅绘画作品中，适当的运用对比来造成视觉的扩张力，强调整体与各局部的差异，可以使画面效果更感人。（7）指向。线条，色彩，形态等要素具有方向性和运动性，这种方向性和运动性能够在视觉上产生巨大的扩张力。（8）统一。统一的策略可以对整体进行组织和布局，使某部分具有具有支配制约的能力，使某部分在形式、构图的框架中对画面形成绝对优势，让其余部分顺应这种趋势。形式美法则中的以上这些手段对于构图能否成功，在整体统一的基本框架下灵活自如地运用和兼顾上述手段，是每个画家应该掌握的理论和技能。
形式是任何特定事物的所有感知特点的结合，其转变必定意味着内容的转变，我们曾做过这样一种练习，针对同一主题和题材，择定不同形式构造的视觉表现，通过对画面的构成，不同纹理质材的组合，具象到抽象的演变等诸多因素来表现这一主题，这些来自同一主题的不同形象展示了不同的人的不同感受，如罗丹的《吻》和布朗库西的《吻》体现了两件雕塑对拥抱是如何表达的。罗丹的《吻》以逼真的形象描绘了男性与女性的完美形式，人体的小块面的跃动，从而引发了时间感，特别是那未完成的大理石底座的粗犷纹理，将他们的身躯衬托得更加自然柔美;至于布朗库西，他却喜欢抽象的几何形式而不是自然主义，性感的美来表现人类的爱，大块面的转折具有绝对的人间张力，虽然雕凿甚少，但它却象征了爱情将两个人融为一体的主题，所以说，艺术作品的内涵绝对是自己感悟人生，自然和艺术的结果，它在不知不觉中溶入了个人的喜怒哀乐，悲欢离合的思想意识，故而，每个人的人生感悟不同，艺术的形式和内容的表现方式也就千般面貌。我们只有通过对这些潜在的有意味的形式不断深入理解，来探索艺术形式的深刻内涵。
二、构成要素在艺术创作中的运用
画面构成是另一个我们不得不谈到的理由，点、线、面是绘画的形式和要素，画面的形、色从具象到抽象得以概括和归纳时，画面的形象就形成了点、线、面构成的组合关系。构成一般是设计基础中常运用到的一些图案设计规则，而在绘画中它是一个庞大的体系，其中包含着形态、材质、制作、视觉心理、直觉意识、色彩（黑、白、灰）等诸多因素，概括的看，点的价值取决于点与其存在的空间和位置关系。在设计中点的组织往往体现出一些规律，更强调有规律的的排列，在绘画中点的不规则分布被运用于构图的组合，可以产生自由、随意、丰富的构成关系。线作为表现策略，在绘画中可以对画面进行分割，对构图效果有不可低估的作用在构图中不同线条聚集，形状，甚至借助中国画白描线条烘托渲染作品的气氛来反映物象的精、气、神。
三、形式和构成的综合运用
“图”通常和前景形，被叫做积极的形。而“地”通常是背景形，称作消极的形。这两者对于一个形象的总的效果是同等重要的。在安排二者关系时，我们首先考虑的是位置（即图形与周围的关系），在运用辅助材料如（拼贴、喷、洒、烧等）媒介策略时，一定要把握好形与形、图与地之间的相互关系，运用材料时，必须事先了解它的特点及给人的视觉感受，是直接使用或是经过再加工，进行再使用，这是不能忽视的理由，同时，面对众多的材质，我们不能为使用而使用，应当在分清主次的情况下，以一种材料为画面的主导动机，其余的则是起辅助和调节作用，其目的是为了更好的突出主题，从而获得最佳的审美感受，反之，那种势均力适度的盲目运用，则会减弱主题的感染力和震撼力。另一个应该注意的是：形与周围的关系切忌“图案化”。
在艺术创作中，艺术家不仅应有艺术灵感和激情，还应当在作品中融入美的形式，画家在作画之前总是按照自己的创作意图对作品中的构成元素进行选择和布局，遵循与参照其构图的基本规律。构图的优劣，常会影响到作品的主题是否表达得明确，艺术形式是否具有强烈的感染力。构图的法则和规律，也只能是艺术家的在创作构图的手段，而不是束缚的条件。
四、结语
我们的审美意识和思维习惯，需要剔除中西之所短，当代艺术形式和构成中寻找艺术语境，汲取中西之所长。形式是构成的一个补充方面，是构成存在的依据。形式普遍存在于情感的唤起中，其中的隐喻，思想的表达都需要画面的构成来完成。（作者单位：华中农业大学楚天学院艺术设计学院）
注解：
①（转引自阿斯特里德·费兹捷勒著《艺术箴言录》，上海人民美术出版社版，第168页）
参考文献：
[1]陈宏，向新元《构图创作》[M]四川美术出版社，2005
[2]杰克.德.弗拉姆《马蒂斯论艺术》[M]河南美术出版，1987
[3]汤姆.安德森《为生活而艺术》[M]湖南美术出版社，2009
[4]康定斯基《康定斯基论点线面》[M]中国人民大学出版社，2003
三大美术类型
1、具象艺术，真实地再现现实。作品如：《簪花仕女图》《荷拉斯兄弟宣誓》《维纳斯的诞生》《韩熙载夜宴图》等。具象艺术的定义
指艺术形象与自然对象基本相似或极为相似的艺术。具象艺术作品中的艺术形象都具备可识别性。
具象艺术的特点
（1）视觉真实性或客观性，即具象艺术是以客观世界为表现对象，并且把对象表现得就像我们所看到的一样真实；
（2）艺术形象的典型性，即具象艺术是通过典型的艺术形象的创造来表达艺术家的个人情感和观念的；
（3）情节性或叙事性，即具象艺术中往往蕴涵着一个或多个故事情节，它可以用文字语言直接来讲述或描述。具象艺术的功能
审美功能、记录功能和社会干预功能。具象艺术的意义
首先表现在记录功能上，在摄影技术发明之前，它是我们认识当时社会各方面的最重要的形象依据，其次是他的社会干预功能，他以生动地而具有个性的艺术形象直接作用于我们的视觉，并由这些形象构成的故事、情节或主题影响我们的价值判断，从而产生认识和教育的作用。
具象艺术的鉴赏
首先要分辨出它是肖像还是主题性作品。所谓肖像就是它表现历史上具体的人，而主题性作品中即使个别人物形象也集合和抽取了众多人的特征后塑造出来的，以而他们更具有广泛的代表性，成为一个时代甚至一个民族的历史写照。其次我们要看作品的环境表现，在具象美术作品中典型形象是与典型环境直接相关的，不是孤立存在的，它们相辅相成共同构成了美。
2、意象艺术不以纯客观再现为目的，而是重表达艺术家主观的精神世界，其中包括艺术家的感受、情感、观念和审美理想等。作品如：《泼墨仙人图》、《虾》、《蓝马》、《走下楼梯的裸女》等。意象艺术的定义
所谓“意象”是与“具象”相对而言的，既不是艺术家客观描摹现实的再现性形象，而是“意”中之象，是由艺术家感觉、想象和表现意图所呈现出来的形象。理解意象美术
一种是艺术家按照“我”感觉到的样子来表现世界的角度，一种是从艺术家根据“我想”表现的意图角度，这个角度是一意象性的或象征的主观形象展开一个综合的、多维的时空关系或者说是超时空的或超现实的。意象艺术更倾心于心理真实而不是眼见的真实传达，在艺术上更集中、更典型，形成它突出的长处，从整体上超越了具象美术在形象上和时空上的限制，延伸到我们对事物和现实有了更为全面和宏观地把握，所以说意象艺术更为本质的揭示了世界的真实，是最真实的艺术。
3、抽象艺术
热抽象 完全或主要用色彩和有变化的线条来创作的作品。作品如：《牛顿的色盘》 冷抽象 以几何块面构成的作品。作品如：《红、黑、黄、蓝构成》，《1954》
专心
爱心
用心
抽象艺术的特点
分析性、即把艺术的各种语汇分析、抽离、孤立出来并加以夸大，甚至绝对化，就形成了抽象艺术特殊的艺术美，A、形式与色彩B、构图与笔触C、材料与肌理D、空间与透视E、光影与运动。抽象艺术产生的原因
人们在工艺美术运动、象征主义、印象主义、新印象主义、后印象主义等艺术家的实践中发现美术形式可以通过表现性处理提升为自为的抽象艺术形式：人们从音乐的类比中认识到，既然音乐可以通过没有具体形象的声音而为人们所接受，美术为什么就不能用纯粹的色彩和形式来组成具有什么意义的画面呢,抽象艺术在这两种认识下形成了。
专心
爱心
课时结构：一课时 教学目标：
1.通过本课的教学，使学生初步了解什么是美术鉴赏;
2.美术鉴赏的一般过程和特征，以及学习美术鉴赏的意义，由此掌握美术鉴赏的方法，培养学生“审美的眼睛”。教学重点：
培养学生送审美的眼睛，让学生掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。教学难点：
如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏一般过程或方法。教学过程： 引入新课：
随着社会的进步和经济的发展，人们在满足了物质生活的需要之后，对精神生活的要求也越来越高。当我们面对数量众多，风格各异的美术作品时，如何来辨别作品的好坏，如何认识和理解艺术家的表现方法，作品的意义，对作品的价值的判断以及会从内心产生喜欢或厌恶等的情绪反应。所有这些疑问的产生，都涉及到了美术的鉴赏问题。这节课我们一起来学习美术的鉴赏及其意义。板书设计：
美术鉴赏及其意义
一、含义
二、美术作品的分类 1.艺术门类划分 2.形式语言划分
三、意义 教学内容：
一、含义首先，我们要了解美术鉴赏的含义（板书）。（拿出天安门这张图）同学们看这张图片，当我们置身于天安门广场的时候会有一种什么样的情感呢？这位同学来回答一下，对，崇高、壮丽、神圣的情感，好，请坐。我们对天安门的这种情感不仅来自于天安门广场的建筑，更来自于我们对天安门的认知、回忆、和想象。我们对中国历史认知越深入，从中获得的审美想象就越丰富。这个过程其实已蕴含了美术鉴赏的基本特征。我们再来欣赏这两幅图，这一幅是张萱的《捣练图》，这一幅是法国画家米勒的油画《拾穗者》。这两幅图都是以妇女为题材，前者画的是宫廷妇女捣练的场面，给人以优雅和平、富富有劳动节奏的美感，后者画的是三个贫穷的妇女在麦地里向前拾穗的情形，看了不禁让人产生同情。为什么两幅都是描绘妇女的劳动场面的绘画会给人不同的感受呢？这位同学来回答一下，作品的社会背景，好，请坐，这就需要对作品的产生的社会背景及画家本人加以考察，才能理解画家的表现意图并对作品作出价值判断。两幅不同国度、不同艺术形式的作品，分别具有不同的艺术价值和社会价值。由此可见，所谓美术鉴定就是运用我们的视觉感知、视觉经验和相关知识对美术作品进行归类、分析、判断、体验、联想和评价，从而获得审美享受，它是一个综合的审美活动。由此，我们可以知道，美术鉴赏的对象是美术作品；美术鉴赏的过程是从感受、归类、分析和判断体验、想象和评价；美术鉴赏的目的是获得审美享受，并理解美术作品和美术现象；美术鉴赏的本质特征是综合的审美活动。
二、分类
我们看这些作品，我们发现在艺术形态和作品形式上它们有很大的差异。它们属于不同的美术门类，我们首先要将其分门别类，按各自的艺术特点去鉴赏。（板书）这就涉及到了美术作品是如何分门别类的问题。美术作品都被归为空间艺术的范畴，美术根据其（板书）艺术门类划分为：绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影六大类。在这六类中又可以按照材料、题材、形制、功能等划分出不同的美术种类，如中国画、油画；历史画、风景画；浮雕、圆雕；建筑设计、环境设计等，比如这两张图这一张是建筑设计，这一张是家居设计，就是按功能分类的。按照美术的（板书）形式语言上的不同特征划分出了以写实性客观再现为主的“具象艺术”、以写意性主观表现为主的“意象艺术”和以艺术语言的本体性表现为主的“抽象艺术”。
三、意义 讲到这里，我们为什么要学习美术鉴赏呢？那么我们就要理解美术鉴赏的意义（板书）。我们知道美术社会存在的产物，因此它负担着社会功能的角色，美术的社会功能体现在三个方面，即认知功能、教育功能和审美功能。有一位名家赫伯特·斯宾塞说：“没有油画、雕塑、音乐、诗歌，以及各种自然美所引起的情感，人生的乐趣会失掉一半。”
四、总结
这节课我们学习了美术的鉴赏，同学们下来可以选取一件自己喜欢的美术名作，搜集资料并做出总结，谈谈自己的想法和感受。下一节课我们将学习“美术作品的艺术语言”，希望同学们做好预习。
作业布置：
选取一件自己喜欢的美术名作，搜集资料并做出总结，谈谈自己的想法和感受。
美术鉴赏及其意义
一、教材分析
（一）教学目标
本课作为高中整个美术鉴赏教学的开篇，对后面的教学具有指导意义。通过本课的教学，使学生初步了解什么是美术鉴赏、美术鉴赏的一般过程和特征，以及学习美术鉴赏有什么意义，由此掌握美术鉴赏的方法，培养学生“审美的眼睛”。
（二）教学的重点与难点
本课教学的重点在于培养审美的眼睛，掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。本课教学难点，主要是如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏的一般过程或方法。
二、内容结构
本课主要包括四个部分：
第一部分从现代人的全面发展出发，指出培养审美的眼睛是现代人全面发展的需要，而美术鉴赏则是培养审美的眼睛的必要途径。
1、什么是美术鉴赏。
先从对身处天安门广场的感受和对天安门的认知中，说明美术鉴赏并不神秘，而是与我们的生活息息相关，并由此引出美术鉴赏的问题。然后再从具体的美术作品入手，以中国唐代画家的中国画《捣练图》和法国画家米勒的油画《拾穗》为例，简单介绍了美术鉴赏的一般过程或方法，由此导入，进入概念分析，阐明什么是美术鉴赏、其特性以及在美术鉴赏中被动接受与主动参与的关系等。这里没有涉及什么是美术或什么是艺术的问题，而是直接谈什么是美术鉴赏，这是因为美术或艺术的概念本身就十分复杂，它将涉及到更为复杂的专业知识，这对于学生的理解来说是困难的，也将影响本课的主题。更由于当代艺术已模糊了艺术与非艺术、艺术与生活的界限，“什么是艺术”在学术界也是一个正处于争论之中的问题，对于那些还没有定论的问题我们只好在教学中暂时悬置起来。
2、美术作品是如何分门别类的。
简单介绍了美术的基本分类方法，这里只列出了一个简略的艺术分类，学生了解这些就可以了。但教师还应明白，在美术的六大分类——绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影中，还可以按照其材料、功能、题材、内容等作更细致的划分。以下列出的分类并不完整，仅供参考：
（1）．绘画
按材料和功能：油画、中国画(其中按技法分为工笔画和写意画；按题材分为人物画、山水画和花鸟画)、版画(按材料分为木版画、石版画、铜版画、锌版画、丝网版画；按技法分为镂版画、腐蚀版画、水印版画、套色版画)、素描(其中也包括速写，按工具分为钢笔素描、铅笔素描、碳笔素描、毛笔素描等；按题材分人物素描、风景素描、静物素描)、水彩画、水粉画、丙烯画、连环画、年画、壁画、宣传画或招贴画、插图或装饰画等。按内容和题材：人物画（包括人体画、肖像画、风俗画、宗教画、军事画、历史画等）、花鸟画、静物画、风景画或山水画等。
按形式语言：具象绘画、意象绘画、抽象绘画。
（2）．雕塑
按题材和功能：人体雕塑、肖像雕塑、动物雕塑、架上雕塑、纪念雕塑、环境雕塑或公共雕塑、实用装饰雕塑等。
按空间：圆雕、浮雕。
按放置地点：室内雕塑、户外雕塑。
按工具材料：石雕、木雕、泥塑、金属雕塑（包括钢铁雕塑、铜雕、不锈钢雕塑等）、根雕、冰雕、沙雕、雪雕、软雕塑等。
按形式语言：具象雕塑、意象雕塑、抽象雕塑、观念雕塑。
（3）．建筑
按功能：园林建筑、纪念建筑、住宅建筑、公共建筑。
（4）．设计
按功能：实用美术、商业美术、特种工艺美术。
按内容和材料：服装设计、陶瓷设计、工业设计、广告设计、网页设计、环境艺术设计、家具设计等。
按形式语言：平面设计、立体设计、构成设计。
（5）．书法
按形式语言：楷书、隶书、草书、篆书。
（6）．摄影
按内容：人物摄影、风景摄影、动物摄影、静物摄影。
按形式语言：具象摄影、意象摄影、抽象摄影、观念摄影。
三、美术鉴赏有什么意义。
以美术的三大功能为基础，说明美术鉴赏不仅是对知识的学习，更重要的是对培养学生认识世界的能力、审美的眼睛和健康的审美情趣以及未来的人生发展，都具有十分重要的意义。
四、教学内容资料
（一）作品分析
1天安门广场、黄山日出（摄影）
随着历史的发展、社会的进步，未来社会对人的素质有了更高的要求。人不仅要学习和掌握各种专门的技术以维持自身的生存，更需要养成健康的审美情趣，完善美好的人生。只有这样，我们的人生才是完满和有意义的。要做到这一点，首先要培养审美的眼睛。培养审美的眼睛有两个途径：一是欣赏大自然；二是欣赏第二自然——由人创造的艺术品。我们许多同学可能都喜欢旅游，希望到北京去看看雄伟庄严的天安门，到黄山去观赏烟波浩淼的云海和壮观美丽的日出。但这是两种不同的美——一种是自然景观，一种是人文景观。当我们置身自然景观中的时候，我们似乎完全融入自然之中，成为自然的一部分；而当我们置身天安门广场的时候，我们都会不禁在内心升起一种崇高、庄严和神圣的情感，这种情感不仅来自天安门广场的布局、空间和周围的建筑，更来自我们对天安门的认知、回忆和想象。表面上看，天安门只是一座古建筑，但从审美角度说，它已成为象征中国历史的一个审美符号。它经历了古代中国的文明和近代中国的屈辱和奋起，更见证了中国二十多年来改革开放的巨大成就。可以说，我们对中国历史的认识越深入，从中获得的审美想象就越丰富。这个过程其实已经蕴涵了美术鉴赏的基本特征。2捣练图（中国画，宋代摹本，绢本设色，37厘米×147厘米，美国波士顿博物馆藏）张萱（唐）（生卒年月不详），是盛唐时期著名的人物画家，长安（今陕西西安）人，唐玄宗开元年间（公元713—741）入禁做宫廷画师。他特别擅长画女性和婴儿，所作人物雍容华贵，形成“丰颊肥体”的人物造型，成为唐代名重一时的人物画大师。尤其是他突破了汉魏以来中国人物画主要描绘“列女”、“孝子”的传统题材，开始表现现实中的人物形象，在美术史上产生了深远的影响。
张萱一生只留下了《虢国夫人游春图》和这幅由宋人临摹的《捣练图》两件作品。《捣练图》描绘的是宫中妇女“捣练”的情景。“练”又称“缣”，是一种古代的丝织品，织成时质地较硬，须煮熟后加漂粉用杵轻捣使之柔软，并经熨平后才能使用。全画共分三个部分：右边一组描绘的是四个妇女用木杵捣练；中间一组描绘的是两个正在理线的女工；左边一组描绘的是四个妇女在熨练，其中两个拉平白练，另两个在熨练，在白练下面还有一个来回穿梭玩耍的小孩。画面形成一个完整的捣练过程，具有连环画的性质。这里既让我们看到了唐代人的衣饰、生活等，其人物造型和工细劲健的线条、富丽华贵的用色也明确传达出唐代人的审美观和审美趣味。
3拾穗（油画，83．5厘米×111厘米，1857年，巴黎卢浮宫藏）米勒（法国）
米勒（Jean-Francois Millet，1814—1875）从35岁起就定居巴比松，之后他一住就是27年，几乎一生没有离开过那里。他在那里生活、劳动、创作，画出了他一生最重要的作品。他与巴比松许多画家来往，和他们交流创作思想。他的作品反映了巴比松农民的生活和那里的自然世界。但是从米勒作品的意义来看，他又超越了巴比松派，他把人性中质朴、善良、高贵、永恒的一面呈现出来，从而感染了全世界的人。
米勒出生在法国诺曼底半岛距瑟堡和格雷维尔城不远的一个叫格律希的村子里。他的父亲是一个从事音乐并有较好艺术素养的人。他不仅指挥着一个乡村合唱队而且还搞些小雕塑什么的。米勒的母亲出身在一个较富裕的农民家里，其亲属都有着良好的文化修养。米勒从小就是在农田里长大的，直到20岁他才正式去学画，所以家庭的教养和劳动的经历培养了米勒朴实勤劳的性格，也决定了他以后的审美取向。不过米勒并不是一开始就发现自己真正的方向的。米勒17岁那年曾无师自通地画了一幅大画《看守羊群的牧羊人》，画面虽幼稚，却体现了米勒对周围熟悉生活的观察和对艺术的热爱。以后他进入瑟堡画家朗格鲁画室学画。1837年在朗格鲁的推荐下，米勒获瑟堡市政府600法郎奖金而进入巴黎一所美术学校深造。同年又成为当时巴黎著名画家德拉罗什的学生。他最初的老师无论是米歇尔•朗格鲁，还是德拉罗什，传授他的都是学院派的那一套。由于米勒是一个质朴而腼腆的人，所以尽管他内心里并不喜欢这些装腔作态的东西但还是接受了。他听从了德拉罗什的劝告去参加罗马大奖赛，但没有成功。从德拉罗什的画室出来后，米勒常出入卢浮宫博物馆，向古代大师，尤其是米开朗基罗和普桑学习。他一面学习，一面和一个朋友租房以卖画为生。为了生活他不得不去画那些受欢迎的布歇风格的作品，甚至这种风格的《卖牛奶的女人》和《骑术课》还在1848年的沙龙上展出了。这时的米勒是矛盾的，一方面他厌恶他目前的状态，另一方面又不知自己今后的道路该怎么走。一个偶然的机会使他终于清醒了。1849年的一天，他到一个画商家里办事，画商不在，正巧另两个陌生人也在等画商，只听他们指着墙上米勒的一幅布歇式的女人体说：“这就是米勒的画，他只会画这种低俗的画。”米勒羞愧难当，他决定离开巴黎，到巴比松去，即使生活再艰苦，也要走自己的路。米勒曾在给朋友的信中说过，他讨厌“夸张、装腔作势和虚情假意”，他指责那些为了职责而忘记自己品格的人（即那种被社会扭曲和异化的人），因为他们已失去了他们的本性和真实性，而这些正是艺术家所必备的。因此他要求自己一定要真实地生活、真实地创作。我们从他的作品中可以明确看到，他努力将自己所见真实地表现出来的意图。无论是《簸谷者》、《扶锄者》、《播种者》、《晚钟》、《拾穗》等著名作品，还是《牧羊女》、《喂食》、《折枯枝的人》、《砍柴者》、《在休息的葡萄工人》等这些不太有名的作品，我们都能深深感受到真实的生活气息和艺术家对生活观察之深入。播种者和簸谷者之艰辛、扶锄者和休息者之劳累、拾穗者和喂食者之贫穷，都以其深刻的真实性给观众以震撼，这与以往富丽堂皇的罗可可艺术，甚至与当时巴比松画家那阳光明媚、美丽轻松的风景画是多么的不同。当来自官方和保守势力的批评家对他大加指责时，米勒给予了坚决的反击。他说：“我将坚强地站着，即使他们称我是表现丑的画家，是妨碍我们民族进步的东西，但我决不做把农民加以美化的蠢事。如果只能无力地表现我自己，我宁愿不表现。”他又说：“表现大地的呐喊这不是我的发明，古已有之。我想诸位评论家们是有学识有教养的人，可我不能人云亦云，因为我生来只知道土地，我只能忠实描绘我对劳动时的观察和感受。”米勒从生活中发现的是悲壮、内在、深沉的美，他使人们看到了生活中惨烈的一面。这其中既有同情又有控诉，从这一面说，他与杜米埃一样都是批判现实主义的画家。也正因此，米勒的画使资产阶级以及他们的评论家大为惊恐，他们把他看作是社会主义者，说他企图骟起爆动，比库尔贝更危险。他们从《播种者》中看到了起义者的步伐，从《拾穗》中看到了“在这三个拾穗者背后的地平线上，隐现出造反派的长矛和1793年的断头台”。因此他们叫嚣“要把这位无政府主义的画家从画坛上清除”。在19世纪欧洲美术史上，作为农民画家的米勒是无与伦比的。他塑造的大量感人的农民形象艺术地展示了当时法国农村的真实状况，因此不少肯定者亦把他说成是革命者，是一个无产阶级的艺术家。其实，米勒是个不问政治的人，他曾说过，“一个搞艺术的人干预政治是不明智的”。所以当库尔贝邀请他做巴黎公社委员时他拒绝了。他的作品只是由于它们的极度真实性而被不自觉地赋予了社会的意义。不过他的真实性与库尔贝也是不同的，他借助的是印象和气氛，他在自然中寻找的是那些特征性的东西，因此他反对用准确无误地描摹自然和具体的细节来说话（这与勒南兄弟亦大有区别），因为这些细节会破坏他常说到的那种“思想”和感觉。他认为那些具有独特造型的动作和特定的环境就足以表达他的思想，这就是为什么我们常看到他只画一个人，或把人物变成环境一部分的原因。另一方面，他从不像库尔贝那样使人物突现在画的表面上，也不以强烈的肌理来造成直接的真实性，他将这一切都融入画面之中，所以他在保持人物结实的造型的同时，又赋予画面以诗意。在《拾穗》中，农民的贫穷与地主的丰收形成鲜明的对比，但这种对比不是利用脸部的表情而是略去细节的人物动作与环境，他使人物具有了雕塑的力量，从而歌颂了劳动者质朴、勤劳的美德。而《播种者》则更确却地只通过一个人的动作就把米勒的思想表达出来了。难怪有人通过他的画看到了起义者的脚步。米勒作品的象征意味是十分明显的，因此象征派画家雷东也给他的画以高度评价。但是米勒艺术的根本特性还在于它的质朴与真诚，它是艺术家内心情感的自然流露，这种质朴与真诚也将是开创20世纪艺术的起点，我们将在十分崇拜米勒艺术的凡高那里看到这一点。4萧景墓石辟邪（石雕，南朝•梁）
在南京和丹阳一带，已发现有南朝的宋、齐、梁、陈四个朝代的帝王贵族的陵墓石雕31处，其中29处的石雕保存较好。这些石雕，包括神道两侧的石柱、石兽和石碑等。石兽相对而立，头上长双角的称“天禄”，长独角的叫“麒麟”，均是传说中的灵异瑞兽，只能用于帝王陵墓。王公贵族墓前的石兽无角，称“辟邪”。这些象征权势的镇守、护卫陵墓驱邪的石兽，形象在狮虎之间，更似以狮子为基础的夸张变形，肩有羽翼，多作昂扬张口、挺胸迈步状，形体硕大，粗壮厚重。其雄强威武的气势，具有很强的艺术感染力和很高的艺术价值，是南朝时期雕刻的代表。
萧景墓石辟邪，是上述石兽之一。其形态为挺胸昂首、张口吐舌，似正在发出震天吼声。它是用整块方形石雕刻而成，在平原之上硕大的体量具有很强的艺术辐射力，仿佛在控制着这一地域。从各种角度观看，它都给人以气势宏大、雄浑稳定的感觉。艺术家为了突出给人这一感觉，在造型上强调前挺的胸脯，夸张胸部的圆弧线，缩短腹部，夸大后腿上部肌肉和臀部的圆弧线，加粗四肢，弱化关节，夸张巨爪和大口巨舌，强调壮实和硕大的体量感，突出凶猛有力，又能使四肢非常协调地支撑身躯。它头部稍小且向后，既恰到好处地表现了昂首动态，体现灵巧性，又能造成金字塔般的稳定感。该辟邪厚重而不笨拙，稳定中又有动感，雄浑威猛，似内蕴无穷的力量。它头颈不分，全身处处运用弧线、圆形，除肢腹之间镂空外，全身无繁琐细节，连尾部也紧贴臀部扎地，羽翼仅用线刻而成，加之变形加粗的四肢和夸大的巨爪与底座紧紧连在一起，都使其不易破损，所以历经千余年至今仍较完好，不能不说与其造型有关。石辟邪的单纯、完整和矫健的外轮廓，富有很强的表现力，至今仍给人以难以忘怀的印象和美的感受。5奔马（中国画，1951年）徐悲鸿 作者简介请参照第14课相关内容。
这幅《奔马》在表现方法上，将西洋画中的解剖与中国传统笔墨相结合，显示出徐悲鸿以中西融合的方法改造传统中国画以使之具有面对现实的能力的思想。在主题上，他以昂首飞奔的骏马来表达对民族前途的关怀和希望。徐悲鸿给这幅作品起名《山河百战归民主》，表达了他对新中国成立、人民从此当家做主的喜悦心情和对祖国未来的期望与情感寄托。
6根扎南国（纸本彩墨，1998年）吴冠中
吴冠中（1919—）江苏宜兴人。1942年毕业于杭州国立艺术专科学校，1947年留学法国，入巴黎高等美术学院学习油画。1950年回国后先后任教于中央美术学院、清华大学、北京艺术学院、中央工艺美术学院等，并曾担任中国美术学院客座教授、中国美术家协会常务理事等。吴冠中在杭州国立艺术专科学校读书期间受到他的老师林风眠和吴大羽的深刻影响，一生从事中西融合和油画民族化的实践，逐步形成了清新、明快，注重美术的本体语言——点、线、面、色相结合的韵律美和形式美的独特风格，具有强烈的艺术个性和时代气息。在《根扎南国》中，吴冠中以他特有的手法，以点、线、面、色的结合，塑造出南方特有的郁郁葱葱、繁茂似锦的大榕树形象，给人以强烈的形式美享受。吴冠中还十分注意理论上的总结和著述，他对美术的形式美的论述在20世纪80年代的中国产生了广泛的影响，出版有《绘画的形式美》和《风筝不断线》等文集，以及各种个人画集。1991年吴冠中获法国国家文化部授予的文学艺术最高勋章。7太白行吟图（中国画，局部，纸本水墨，81．2厘米×30．4厘米，日本东京国立博物馆藏）梁楷（宋）
梁楷(生卒年不详)，是南宋著名的人物画家。性情豪放，不拘礼法，自号“梁疯子”。梁楷早期的人物画细密工致，后变为简练粗放、纵笔挥洒，寥寥数笔便能画出人物的精神气质，具有很强的艺术感染力。后人称他的这种画风为“简笔画”，这是梁楷对我国古代人物画的突出贡献。现存的《太白行吟图》描写唐代伟大诗人李白的豪放性格，全画只用寥寥几笔，即把那种桀骜不驯、才思横溢的风度神韵，刻画得活灵活现。这既得力于画家对李白的性格特征的正确把握，也和他熟练地掌握了中国画的笔法密切相关。这是我国绘画史上最早具有代表性的“减笔画”之一，可谓之极品。中国奥运中心垒球场设计方案
这是为2008年中国北京奥运会设计的一个垒球场场馆方案。作为建筑设计，既要从审美的角度实现其造型上的美观，又要考虑其功能上的适应性，同时还要兼及其周围的环境（其中包括色彩、造型和高低等方面）。从造型上看，该设计极为简化，只在一面形成一个敞开的盖顶，这种极少主义式的设计显然是来自现代主义的设计观，就像里特维特的《红蓝椅》一样；在功能上，该设计以三角形来适应垒球比赛的需要，在其周围建起层级式的观看台，并在周围建有相应的配套设施；在环境上，我们虽然无法看到周围的情况，但从其视图上就可以看出其高度、造型和明亮的盖瓦与周围环境和谐相处。
8红蓝椅（木质上色）里特维特（荷兰）
《红蓝椅》是“风格派”最重要的代表作品之一，也是现代主义设计中里程碑式的作品。它完全采用最基本的几何元素或几何形态构成，没有任何隐晦或掩饰，色彩元素也仅限于红、黄、蓝三种原色，可以说，它完全是按照“风格派”创始人之一蒙德里安的艺术理论创作出来的，只不过蒙德里安的作品主要是平面的绘画，而里特维特的《红蓝椅》则是立体的。尽管我们所看到的是一把真实的椅子，但从功能上说，它却并不具有实用性，因为人坐在上面并不舒服。它的重要性首先在于它是由标准化的几何构件组成的，这就为此后现代设计产品的批量化生产提供了参照和依据，这一点是开创性的；其次，它的与众不同的现代形式语言，使之终于摆脱了传统家具设计的阴影，宣布了现代主义设计的出现和独立，由此成为现代形式主义设计的重要的里程碑式的作品，对整个现代主义设计运动产生了深远的影响。
9筛谷的妇女（油画，131厘米×167厘米，1854年，法国南特美术馆藏）库尔贝（法国）
库尔贝（1819—1877）是19世纪后半期法国著名画家。生于法国东部的小城奥尔南市一个葡萄园主的家里，从小就直接接触到农民的生活，并接受他祖父给他灌输的革命的思想。家庭的宠爱和较好的生活境遇使他自小就养成了自信和敢说敢为、我行我素的性格，他对生活和未来充满了信心。库尔贝基本上是一个自学成才的画家，要说老师，对他来说就是先辈大师的作品和自然。他从先辈大师那里吸取创作灵感和技巧，而从生活和自然中寻找思想，他把二者有机地结合在一起——技巧服从思想，思想加强了技巧。这就是库尔贝艺术的主题：使艺术担负起社会的责任。在这一思想的指导下，库尔贝积极参加社会的斗争实践。1871年巴黎公社成立后，库尔贝积极支持这个无产阶级自己的政权，并担任了公社革命委员会委员、造型艺术委员会主席、公社第六区顾问、公社驻美术学院代表和教育委员会委员，他以极大的热情投身改造旧制度和建立新的美术趣味的工作。这一切行为使资产阶级恼羞成怒。公社失败后，便以“杀人、煽风点火和招兵买马、篡夺公职并合伙毁坏古迹”的莫须有罪名将他逮捕并处以323091法郎68生丁的罚款，将他所有的作品及财产没收。1877年12月31日库尔贝客死瑞士。
1855年，库尔贝为反对官方美术的虚伪并表明自己的艺术态度，在巴黎世界博览会对面自建了一个小棚子，举办了以“现实主义：库尔贝，他40件作品的展览”为题的个人展览，并发表了《现实主义宣言》，提出“绘画实际上就是具体的艺术，它不是别的，就是对现实的即存事物的描绘”的观点。他企图把他所看到的一切都按照它们原来的样子描摹下来。在这次展览上，库尔贝展出了他的许多重要作品，其中就包括《筛谷的妇女》，这些作品都反映了他企图客观地表现视觉真实的愿望。当有人要他画宗教画中的天使时，他一口回绝，说他无法画出一个他从未见过的长翅膀的人。因为库尔贝的目标是明确的，那就是像他宣言所说的，“我的心愿全然不是要达到为艺术而艺术那个无益的目标，„„要按照我的所见来表达我们时代的风格、思想、面貌，不仅做一名画家，还要做一个人，总之，要创造活生生的艺术这才是我的目标”。正因此，库尔贝在《筛谷的妇女》中真实生动地描绘了一个他所常见到的农村妇女劳动的景象，表现了劳动者特有的健康的美。
舞蹈（油画，260厘米×389．9厘米，1910年，纽约现代艺术博物馆藏）马蒂斯（法国）
亨利•马蒂斯（1869—1954）出生于法国北部的勒•卡图镇，年轻时曾从事法律工作。有一次生病住院，闲来无事读了一本绘画方面的书，使他对美术产生了兴趣，遂立志终身从事美术，这年他21岁。1891年马蒂斯考入巴黎朱理安学院，1895年成为当时著名象征主义画家摩罗的学生。
马蒂斯的艺术主要植根于后印象派，不过经过几个复杂的演变之后，马蒂斯彻底脱离了后印象派，但他更加强了色彩的表现力。从1904年开始，马蒂斯开始形成自己的风格，以强烈的原色对比和粗犷的线条去体现他对客观事物的感觉。传统绘画的透视和明暗手段被他弃置一边，只是在构图上还显示出有秩序的现实境界。也就是在这个时候，马蒂斯又开始了对日本绘画和非洲艺术、阿拉伯图案的借鉴，这使他的艺术日益个人化。马蒂斯不仅把东方的技法（毛笔画）发展到他的创作中来，还利用舞蹈、音乐等多种艺术元素来丰富自己的绘画语言。《舞蹈》创作于1909—1910年。马蒂斯在创作时，把模特儿带到地中海岸边，他认为这件作品跟地中海给他的喜悦情绪紧密相连，画中背景的蓝色，寓意着仲夏八月南方蔚蓝的天空，一大片绿色让人想起翠的绿地，人物的朱砂色则象征着地中海人健康的棕色身体。在这幅狂野奔放的画面上，舞蹈者似乎被某种粗犷而原始的强大节奏所控制，他们手拉着手围成一个圆圈，扭动着身躯，四肢疯狂地舞动着。据说，马蒂斯的这个主题可以追溯到希腊的瓶画和民间舞蹈。
（二）名词解释
1、审美教育
亦称美育或美感教育，是一种通过美的教育而使人性发展和完善的活动。审美教育的基本内容是：通过具体的审美活动而逐步培养人的正确的美丑观、善恶观、是非观、爱憎观，从而净化人的心灵；逐步培养和提高人鉴赏和创造美的能力，使人的潜能得到更好的发挥。审美教育的特点是寓教于乐，在没有任何强制的过程中潜移默化，最终达到人性的逐步发展和完善。审美教育不应仅仅局限于自然和艺术领域，还应包括社会实践，在社会实践中进一步培养人和现实的审美关系。在西方，柏拉图（Platon，公元前427—公元前347）、亚里士多德（Aristoteles，公元前384—公元前322）开始注意倡导审美教育；在近代，对审美教育给予极大关注的是德国美学家席勒（J．C．F．Schiller，1759—1805），他认为要把人性从自私和腐化中拯救出来，使人的感性冲动和形式冲动（又称理性冲动）协调一致，使不合理的社会变成合理的社会，惟一的途径就是通过审美教育。马克思主义认为，审美教育并非获得人性解放的最终条件，而是人认识世界、改造世界和自身的一个重要手段。因此，审美教育对人的发展具有重要的现实意义。
2、审美鉴赏力
是指人的一种历史地形成的鉴别、认识和评价现实现象和艺术品之美丑的能力，亦称审美判断力。它是审美主体（人）通过美的创造和美的鉴赏而培养起来的一种能力，具有社会性和个体性差异。从社会性的角度说，任何主体的审美鉴赏力都是受到一定历史发展所提供的可能性的制约，因而具有共同的地方；但是由于主体的生活经验不同、审美修养的不同，审美鉴赏力又表现出个体之间的差异性。它既是依赖于个人审美趣味的单独判断，同时又普遍有效。德国美学家康德（Immanuel Kant，1724—1804）把它归于“先天共通感”。但按照马克思主义美学观，共同的审美鉴赏力是同一社会关系的产物。审美鉴赏力的培养和发展，不但依赖于直接鉴赏经典艺术品，而且还依赖于社会实践，在实践中形成正确的是非、善恶、真伪、美丑观念。
3、美术分类
美术是人类特有的精神产品，是人类在长期认识和改造世界的过程中，为了更好地生存而以自然和人造材料，通过平面和立体的形式，表达人类思想、情感和意识形态的精神的物质化显现。可以说，有了人类，就有了美术。为了更好地理解美术，人们做出了各种努力。由于美术是由人创造并最终服务于人类，所以自西方文艺复兴时期开始，美术就被归入人文学科，与自然学科并列。在这其中，又由于美术的塑造性而被称之为造型艺术，与表演、诗歌、文学、音乐等艺术并列。但“造型艺术”这个概念也是有局限的，因为像舞蹈、戏剧、艺术体操等表演艺术也同样强调造型性。于是，人们又根据各个艺术门类在时间和空间上的特点而把美术划分在“空间艺术”的范畴之内。
由于美术既是一种具体的社会历史现象又是流动的文化精神形态，其中包含了丰富的美术现象、美术形态和美术门类，同时，美术的创作和鉴赏又是复杂而开放的，与不同时期、社会、历史、种族、文化、观念、心理等有着千丝万缕的联系，所以，从本质上说，任何关于美术的定义、概念和理论都是不完整的，只是我们理解美术的参照。
四、小结
(一)本课包含内容十分丰富，学生应把握住教学重点与难点，在如何进行美术鉴赏上下功夫。
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