高校美术艺术设计

高校美术艺术设计（精选8篇）

高校美术艺术设计 篇1

【内容摘要】民间美术是一切美术形式的源泉和基础，将民间美术引入高校艺术设计教学既可以促进民间艺术与现代设计理念的融合，丰富课堂内容，又能传承民间文化，增强现代艺术设计的文化内涵和历史厚度，保证我国现代艺术设计的独特生命力。本文从高校艺术设计教学现状的角度出发，对民间美术引入高校艺术设计教学的重要性进行分析，并在此基础上对民间美术引入高校艺术设计教学提出对策。

【关键词】高等学校;民间美术;艺术设计教学

民间美术是我国各族劳动人民在生产劳动和社会活动之余为满足精神生活需要而创造出来的一种艺术表达形式，是中华民族美学艺术的集中体现，蕴含着独特的文化意识、情感气质和审美观念。［1］民间美术是一切美术形式的源泉和基础，其独特的艺术魅力不仅为现代艺术设计创作提供了丰富的资源，而且还增强了艺术设计的效果，拓宽了艺术设计的视觉表现语言。将民间美术引入高校艺术设计教学中，既可以促进民间艺术与现代设计理念的融合，丰富课堂内容，还能传承民间文化，增强现代艺术设计的文化内涵和历史厚度，保证我国现代艺术设计的独特生命力。

一、高校艺术设计教学的现状

我国现有艺术设计教学多以西方文化体系为中心，“国际化”视觉符号的泛滥不仅忽视了我国本元设计文化的发展，还造成高校艺术设计教学对民间美术重要价值认识不到位以及艺术设计教学缺乏对民间美术匹配的重视度和价值认知。［2］同时，我国多数高校照搬西方艺术教学框架，在课程内容设置上侧重对西方设计理论和实践的学习，缺乏对民族设计元素的重视，长此以往不仅导致学生对西方艺术设计理论的狂热追捧，而且还影响了学生的设计思维，民间美术成为教学空白点，在这种状况下，学生对民间美术缺乏兴趣和认同，更无从谈在设计中创作利用。民间美术属于民间艺术的分支，但由于民间美术种类繁多、地域性较强，加之缺乏系统的收集和整理，致使民间美术中富有实用和审美价值的技艺因得不到传承而处于自生自灭的状态，更别说融入到高校艺术设计教学中。世界文化的融合在促进民族文化传播的同时，也给民族文化带来了严重的冲击。当前，国内部分院校常邀请国外相关教授和学者讲学，其中不乏国际知名学者和设计师，他们为我们带来了新的设计理念、设计手段和全新的设计技能，但也有一些学者将我国的“风水”、“太极”等传统文化成果作为增加其教育的砝码，在国内遭受冷落的民间美术，在国外却被视为珍宝。同时，由于受崇洋媚外思潮和民族虚无主义的影响，加之部分艺术教育者缺乏振兴民族艺术的责任感和使命感，致使民族文化出现了断层现象，影响民间美术在高校艺术设计教学中的运用。

二、民间美术引入高校艺术设计教学中的重要性

(一)民间美术是艺术设计的源泉。艺术是从艺术中产生的。形式纷繁复杂、内涵深远丰厚、题材丰富多样的中国民间美术是直接来源于人民群众的`美术形式，不仅具有稚拙、自然和质朴的原发性，还具有浓郁的地域乡土气息，蕴含着中华民族审美的原始精神，是实用性和审美价值的统一体。现代艺术设计从民间美术中汲取造型、色彩、内涵等养分，不仅极大地丰富了现代艺术设计的艺术语言和思想内涵，而且还使作品极富现代艺术意味、民族精神和气质。

(二)民间美术是对高校艺术设计教学的有益补充。民间美术具有独特的审美特性，其最大的特点就是以视觉感强和富有时代特征的视觉元素强调主观精神的表现。［3］当前，国内各艺术设计院校学生接触和了解的多是西方设计理论和实践知识，对民间美术缺乏必要的了解和深入系统的学习，这不仅导致民间美术在高校课程资源设施方面普遍落后，而且还造成学生设计作品风格的单一和西化。民间美术在高校艺术设计教学中的运用不仅为学生打开了一座资源宝库，而且还启发了学生艺术设计的创新性思维和表现形式，对高校艺术设计教学形成有益的补充。［4］

(三)民间美术有助于构建具有地域特征的高校艺术设计教育体系。地方高校艺术设计院校只有形成自身特色才能培养出适应社会多样化需求的人才，才能培养出适应市场需要的合格人才。随着高校艺术教育竞争的日趋激烈，各高校在设计艺术理论研究、人才培养模式以及教学体系改革方面做了许多研究，但由于缺乏对独特区域文化背景的研究，导致各高校培养出来的人才千篇 一律，设计作品中地域性视觉元素严重匮乏。［2］民间美术作为富有民族特色的地方性文化资源有着独特的表现题材和审美形态。在全球化时代的今天，将地域个性鲜明的民间美术引入高校艺术设计教学中打破了现代教学的趋同性，有利于构建具有地域特征的高校艺术设计教育体系，进而形成各高校自身的办学特色。

三、民间美术引入高校艺术设计教学的对策

(一)在艺术设计专业开设民间美术课程。学校不同、专业不同，课程设置计划也各异，在高校艺术设计专业应开设民间美术采风考察、美术作品临摹、民间美术作品赏析等民间美术课程，采用“讲授和欣赏为辅，实践创作设计为主”的教学方式，合理安排课时。以必修课程为例，学时可安排在36～108学时之间，学习内容以民间造型、民间传统的设色勾线等为主;对于课时较为充裕的学校在教学过程中可以增加主题创作或设计，采用民间美术造型、民间视觉符号和民间美术观念自主选题进行设计创作，激发学生学习兴趣，拓宽学生视野，增加实践经验。同时，专业课程设置还必须与市场实习、学生学科竞赛紧密结合，通过专业学习培养学生兴趣，通过市场接轨找出传统民间美术与现代社会审美之间的契合点。［5］

(二)邀请民间艺人走进课堂。邀请实践经验丰富的民间艺人、知名的民俗研究者以及民艺专家走进课堂为学生授课，让学生更深入地了解民间美术的艺术特征和艺术魅力，使他们对民间美术产生向往和追求，通过目睹民间艺人的创作激发学生向民间艺人学习精湛技能的兴趣，为创作积累素材与激发创作灵感。同时，学校还可以安排专业老师指导学生收集民间美术相关资料、开展以民间美术为主题的创作活动、定期组织专题讨论会。有条件的学校还可以聘请民间工艺大师到校进行教学，提高学生的学习兴趣。［6］

(三)实践考察。民间美术多出现在风俗礼仪中，这就要求学生走出校门参加实践考察，借助手机、相机等设备对具有代表性、启发性的民间美术作品与工艺流程整体记录，了解民间美术的创作思想、传承背景、制作流程、工艺造型、色彩运用等。同时，学校还应最大限度地运用各种资源和渠道拓宽学生的视野，如与一些民间美术机构联合建立实训基地、组织学生参观当地特色民俗博物馆、聘请民间优秀艺人讲授技巧、在校外建立民间美术采风实习基地等，加强学生对民间美术的认识，有意识地汲取民间美术营养，促进民间美术的传承和发展。民间美术是民族文化的灵魂，将民间美术引入高校艺术设计教学，不仅能培养学生多元的审美能力，提高学生的综合素质和专业创造力，而且还能将民间美术的优点化为现代艺术设计的血液，赋予设计作品新的活力，强化设计作品的张力，填补高校艺术设计教育中民间艺术的空白。

【参考文献】

［1］皇甫娟．中原民间美术与高校艺术设计教学融合的宏观思考［J］．学术论坛，2015，2

［2］袁浩鑫，肖宇窗．传承与超越―――民间美术对现代艺术设计教育的几点启示［J］．重庆文理学院学报(社会科学版)，2007，4

［3］明兰．民间美术融入艺术设计专业教学体系价值研究［J］．中国科教创新导刊，2011，13

［4］李长福，郭艳．将民间美术融入高校艺术设计教育的探讨―――构建具有地域性特征的高校艺术设计教育体系［J］．赤峰学院学报(自然科学版)，2012，1

［5］宋志春．论地方民间美术资源在艺术设计教学中的作用［J］．艺术教育，2011，7

高校美术艺术设计 篇2

1 民间美术与艺术设计的关系

1.1 民间美术是艺术设计的重要创意来源

瓦尔格说:艺术是从艺术中产生的而不是从自然中产生的。中国民间美术是中国艺术宝库的重要组成部分, 其形式丰富多彩、文化内涵深远丰厚, 蕴含着中华民族创造和审美的原始精神, 现代艺术设计从民间美术中吸取营养, 从创作观念、表现手法、意蕴意境、造型元素、色彩语言等方面深入研究民间美术对现代艺术设计的启示, 借鉴其内涵和技巧, 进行创新设计, 使其既具有现代艺术的意味, 又具有民族气质和精神。当今一些成功的设计师都非常重视民间美术, 并都得到过民间美术的滋养。

1.2 民间美术通过现代艺术设计的全新演绎得以继承和发展

随着经济的发展和现代文明的涌现, 很多传统工艺被新科技、新材料、新工艺所替代, 民间美术艺术资源正在逐步减退甚至消失, 很多优秀的地方民间文化艺术作品如今只能作为一种艺术形式存在于博物馆中, 已经失去了当初为民间所用的实际意义。只有将民间美术与现代艺术设计高度融合, 通过现代艺术设计的全新演绎才会使古老的民间美术脱离固定的程式, 焕发新的生机。

2 将民间美术引入高校艺术设计教学的必要性

2.1 是凸显民族文化精神的重要途径和手段

在目前的艺术设计教学中存在着一个普遍的问题, 就是一味向西方学习, 以西方设计为创作标准, 所谓创新也仅仅是“西方的形式加中国的元素”的简单拼凑, 设计做出来不中不西, 既没有西方设计的风格水平, 又缺乏精神内涵和民族气质, 沦为无源之水无本之木。

纵观世界的发展, 各国的经济发展水平不同, 文化背景不同, 风土人情迥异, 各国设计的风格水平参差不齐, 但在挖掘本民族优秀底蕴上却有其共通性, 即使是发达国家也在寻求自己的风格化道路, 也非常注重从本国传统美术中吸取营养来发展现代艺术设计。

我们可以看看日本是怎么做的, 在日本的文化发展历史上, 不断地受到外来文化的冲击和影响, 日本设计师在学习、吸收外来文化同时, 并没有抛弃本民族的优秀文化传统, 在接受外来文化的同时融入日本本身的文化传统, 融会贯通, 努力探求“东洋风韵”。这一点在日本的包装设计中尤为突出, 比如日本米酒、日本礼品、日本糕点及日本陶瓷等产品的包装设计, 都具有相当鲜明的民族特征, 在世界包装之中独树一帜。小至竹篓、陶瓶、木盒、草编与包装, 大到一些高科技产品, 无不表现出民族美学标准, 优雅、简洁、疏密把控得当, 同西方设计有着完全不一样的风格, 体现出日本人特有的审美情趣。吸收外来文化走自己的路, 是日本设计师们最成功的经验。在一定程度上讲, 民族文化的特质就是以它的民间文化为主干的。民间文化同外来文化相区别的内涵, 也正是一个欲自立于世界民族文化之林的民族文化内涵, 所以, 对本民族民间美术的继承、发展、创新是凸显民族文化精神的重要途径和手段。因此, 中国的现代艺术设计理应将建立具有民族文化内涵的特征、民族风格放在重要的地位, 这就必须以民间美术为基础, 重视向民间美术学习, 通过在高校艺术设计教学中引入民间美术, 发展民族化的现代艺术设计, 设计出既有现代意识又兼具民族文化精神的设计作品。

2.2 是对高校艺术设计教学的有益补充

目前国内各高校的艺术设计专业基本都没有开设民间美术的相关课程, 《三大构成》这样的基础课程也是着重引导学生理性的认识、组织视觉元素, 学生所了解、接触的更多的是西方现代设计师的设计理念和设计作品, 觉得民间美术与设计无关, 对民间美术缺乏兴趣和认同。忽略民间美术的审美、传承教育, 导致民间美术在高校课程资源的开发、实施空间、资源内容等方面发展普遍落后。信息的泛滥, 各种当代艺术思潮的冲击, 加上缺乏对民间美术系统深入的学习, 使学生的设计作品中本民族的视觉元素严重匮乏, 设计风格显得单一和西化。

而民间美术是艺术设计的重要创作源泉, 具有实用性、象征性、概括性、抽象性、程式性的中国民间美术有着独特的审美特性、造型语言、色彩装饰, 对其进行形式、色彩、材料、工艺等方面的重组与开发, 将会启发艺术设计的创新性思维和表现形式。民间美术最大的特点就是强调主观精神的表现, 追求神似, 而忽略外在的形式感。这种视觉感强、富有时代特征的视觉元素, 在准确传达信息的同时, 图形本身也给人留下深刻的印象, 这种表意的造型也符合现代审美观的要求。在色彩的运用上, 民间美术大胆而生动, 或淡雅或艳丽, 个性鲜明、风格突出, 成为思想观念表达的重要途径。在很多名家的设计中我们都会感受到民间艺术的意蕴, 如中国联通的公司标志是由中国古代吉祥图形“盘长”纹样演变而来。回环贯通的线条, 象征着中国联通作为现代电信企业的井然有序、迅达畅通, 又在竖式组合中巧妙的构成了吉祥穗造型, 强化了联通在客户心中吉祥、幸福的形象。2008北京奥运会申奥标志就采用了民间五色红、黑、蓝、绿、黄, 以中国太极的形式表现出来, 富有浓郁的中国特色。在教学中, 我们可以在标志设计中融入传统吉祥纹样, 在纤维艺术中加入古老的中国结编织技艺, 在布艺玩具设计中把传统虎头鞋的元素应用进去, 在家纺设计中把剪纸艺术的图案形式演绎出来等等。通过这些民间美术资源的学习和利用, 不断提高学生的创作水平。所以, 民间美术的引入必将为学生打开一座资源宝库, 对高校艺术设计教学形成有益补充。

2.3 有助于构建具有地域特征的高校艺术设计教育体系

随着高校艺术教育日益激烈的竞争和社会需求的多样化, 地方高校的艺术学院或专业必须准确定位, 加快建设, 优化课程结构, 形成自身特色, 保证人才质量, 以实现可持续发展。每一所学校都是一个独特的实体, 教学体系要能体现学校的办学特点, 更加符合独特的地方环境和教育需求, 培养出适应市场需要的合格人才, 较好地满足地方用人需要。从现状来看, 各地高校在设计艺术理论研究和人才培养模式上作了很多研究有着许多共性, 但也显得缺少地方特色, 培养出来的人才千篇一律, 做出来的设计也是如出一辙, 这与艺术教育的宗旨相违背。我国的地方高校一般都是每一个区域的文化中心, 有着独特的区域文化背景, 需要在教育特色和文化实践上因地制宜, 关注该区域的民间美术并进行有效的开发和重组, 这必将构建具有地域特征的高校艺术设计教育体系。

各地的民间文化遗产资源都有其独特的表现题材与审美形态, 作为富有民族特色地方特色的民间美术, 由于不同时代不同民族不同文化背景下的民众, 其思维方式、价值观念、审美情感, 乃至整个社会的风尚等都有或多或少的差异, 从而表现出各自的特质。在全球化时代的今天, 这种地域个性鲜明的艺术便成了独有的文化财富, 不同的民间艺术资源, 可以产生出更多的艺术风格, 打破现代教学的趋同性, 通过开发一系列基于民间文化遗产的具有地方特色的课程, 有利于地方高校艺术类专业构建具有特色的课程体系, 进而形成自身的办学特色。

3 将民间美术引入高校艺术设计教学的具体办法

3.1 考察

参加实践考察, 走出校门体验生活。民间美术一般展现在如春节、中秋节等特定的民俗节日或婚嫁等风俗礼仪中, 往往在乡村集市、庙会等场合买卖, 有的民间美术还与当地的宗教信仰有关, 因此学生要做有心人, 可以根据民间工艺资源种类, 考察周边的民间美术手工作坊与作品, 选用具有代表性、启发性和历史价值与学术价值的作品案例, 借助手机、相机、录像机等简易设备进行观摩、采访, 对工艺流程整体记录, 了解材料的采集、制作的流程、生产经营方式相关传承背景等, 回校后作出调研报告, 在理论上分析民间美术的创作思想和工艺造型、色彩运用及象征意义, 并进行不同种类的研究对比, 从而有更深刻的体验和理解, 有利于进一步创作。

另外, 还要最大限度地运用各种资源, 充分利用博物馆、手工作坊、美术展、民俗活动等各渠道媒介拓宽学生的视野, 激发学生学习兴趣。比如, 可以与校外一些民间美术制作机构联合建立实训基地, 聘请民间优秀艺人讲授技巧, 在实训基地引导学生从模拟开始向自主设计、自主创作的方向发展, 学生也将自己所学的美术知识带到实训基地, 促进民间美术的传承和发展。

让学生去参观当地特色的民俗博物馆, 调研特色手工艺, 从专业的不同特点出发, 有意识地去汲取民间美术的值得借鉴的元素, 挖掘其深厚内涵和朴实的情感, 为艺术创作与艺术设计做准备。同时, 学校可以结合本土的民间美术资源, 在校外建立民间美术的采风实习基地, 加强学生对于民间美术的深入认识, 变被动接受民间美术为主动去学习研究民间美术。

3.2 聘请民间工艺美术师

课堂上可以聘请本地的研究民俗、民艺的专家和权威人士及有丰富实践经验的民间工艺美术师到学校给学生授课, 学生可以直接从民间艺术家身上学习精湛的技能和优秀的人文精神, 民间工艺美术师也可以从现代艺术设计的创作中得到一定的启示。

工作室可安排指导老师对工作室与兴趣小组进行管理与指导, 学生通过到图书馆或网络收集民间美术作品、视频、报道等相关资料, 定期组织小组专题讨论会, 把自各收集的资料与知识进行交流。并由专业指导老师组织以民间美术为主题的创作活动, 设计相关作品。如果在有条件的情况下, 可以与企业合作, 进行相关项目的设计。同时学校邀请民间艺术研究专家与工艺大师走进学校美术课堂进行教学与专业讲座, 让学生更深入地了解民间美术的历史及文化、艺术特征, 目睹民间艺人的创作, 体验民间美术的朴实和美, 提高学生的学习兴趣, 使他们对民间美术的学习产生向往和追求, 为创作积累素材与激发创作灵感。

3.3 开设课程

开设民间美术课程, 学时可在36~108学时之间, 教学方式以“讲授和欣赏为辅, 实践创作设计为主”。学习内容主要有民间美术概论、民间美术作品赏析、民间美术采风考察、民间美术作品临摹、民间美术工艺品的简单制作、借鉴创作设计等……”由于学校不同, 专业方向不同, 课程设置计划各异, 有的在二年级下学期开设 (专科) , 学时一般为36~72学时, 有的在三年级下学期或四年级上学期开设 (本科) , 学时一般为72~108学时。

以必修课程为例, 学生通过临摹、感知、理解和再现民间美术造型, 如学习民间传统的设色勾线, 模仿民间美术夸张概括的主观造型等。学习内容包括民间剪纸、年画、刺绣、蜡染、壁画、印花布、社火脸谱、皮影等平面造型, 也有风筝、民间傩面具、彩陶、青铜器皿等立体造型。有的地方高校课时设置比较充裕, 在欣赏临摹的教学后期会要求学生进行主题创作或设计, 比如通过查阅和搜集资料学生自主选题, 采用民间美术的观念和民间视觉符号进行设计创作。同时, 专业课程的学习设置尽量与大学生学科竞赛以及市场实习紧密接轨 (如参加旅游产品开发或参加传统民间庙会) 。民间艺术是民族文化的根基与灵魂, 民间美术资源可以反映一个民族或地区文化的层次。通过专题设计锻炼与参展参赛, 可以培养学生兴趣, 增加实践经验, 获得知识积累;通过市场接轨, 可以发现自身不足, 找出解决问题的方法, 通过自己努力找出传统民间美术与现代社会审美需要的切合点。

摘要：民间美术是我国传统民俗文化的重要组成部分, 民间美术与现代设计之间有着密切的联系, 在审美理念、造型手法、艺术功能等方面有许多相似之处, 将民间美术融入高校设计教学有助于民间艺术的传承和现代设计艺术的发展。因此, 应通过多种方式强化民间艺术在高校教学中的应用。

关键词：高校艺术设计,教学,民间美术

参考文献

[1]李砚祖.装饰之道[M].北京:中国人民大学出版社, 1993.

[2]周旭.中国民间美术概要[M].北京:人民美术出版社, 2006.

[3]郭声健.艺术教育论[M].上海:上海教育出版社, 2001.

[4]王受之.世界现代设计史[J].北京:新世纪出版社, 2001.

高校美术艺术设计 篇3

【关键词】美术专业 艺术理论 理论素养

美术理论课是艺术概论和中外美术史等课程的总称，是一门重要的专业必修课和基础课。学生通过学习美术理论课程，能够了解美术发展历史和中西方美术风格的演变，并掌握其本质和发展规律。学好这类课不仅能够提高学生的专业理论知识和艺术鉴赏能力，也能帮助学生建立起一个广泛的认识空间，充分开拓学生的艺术思维，挖掘潜能，培养学生的人格。因此，美术理论课在高校美术课程中是一门重要专业，提高高校美术专业学生艺术理论素养是迫切而重要的。

一、高校美术专业学生艺术理论素养现状及原因

当前，美术理论课的实际效果教学效果不容乐观。多年来，美术理论教学与技能实践课脱节，大部分美术专业教师和学生只重视美术技能而忽视理论知识，使美术理论教学一直处于不被重视的低迷状态。

造成当前高校美术专业学生艺术理论素养低下的原因是多方面的。这里既有学生自身的原因，也有教师素质、学校教育和社会等方面的原因。

首先，学生对美术缺乏真正的兴趣及对艺术理论缺乏正确的认识，认为技法重于理论。有一些学生是因为自身文化科学习跟不上而转到美术学习班，考美术只是为了考上大学而选择的一种较为保险的方式，并非发自内心喜爱美术。此外，高校美术专业学生由于自身文化程度较低，加上缺乏学习目标，在专业学习时只是一味重视专业技能技巧的训练，在思想认识上忽略了艺术理论的学习，致使学生对艺术的内在本质和精神境界的认识不够，最终会制约他们创作实践水平的提升。

其次，高校的扩招，美术专业学生增多，生源质量下降，加剧了美术理论教学的难度。高校美术教师重视创作指导而忽视理论引导，且教师自身理论素养有待提高。有一些教师受市场经济的负面影响，急功近利，重视对学生进行技法的指导而忽略了理论知识的教授，只用学生的创作成果来体现自己的教学效果，而不重视对学生进行全面的培养，缺乏应有的敬业精神和责任感，长期以往，会导致美术专业学生发展不平衡，理论素养偏下，不利于美术专业学生的长远发展。

再次，高校美术教育观念陈旧，美术理论教学与技能教学不平衡。在目前美术教学中，缺乏自由开放精神和艺术创新意识。许多高等院校美术专业在课程安排上不够合理，实践教学明显重于理论教学，这与现今的课程标准相差甚远，没有从根本上对美术课程进行深入研究探讨，没有处理好美术课程和其他课程的关系，限制了学生的艺术理论素养的发展提高。

二、艺术理论素养的重要性

我国著名美术教育家陈传席先生曾说过这么一句话：只有技能的学习，没有理论学科的学习，不能叫美术教育，文化才能提高学生的素质，而技能不能。可见，高校美术理论在美术教育中的地位举足轻重。

理论知识是引导情感表达创作的基础，理论知识的积淀能够为美术创作者带来灵感。艺术理论是无数画家经过长期实践而孕育出的结晶，是艺术发展的指明灯，为画家、美术学习者及观众提供了理论指导找到自身评判艺术的方位和标准。艺术理论素养对一名美术专业学生来说，不仅仅是学习专业知识，不是单纯地了解美术发展历史和中西方美术风格的演变，掌握其本质和发展规律，更重要的提高他们自身的艺术鉴赏能力，丰富他们的精神，充实心胸，提高品质，增益学问。其中的影响和作用的深意需要每一位志在艺术方面有所建树的学习者细细摸索和玩味，以期对自己有所启发和帮助。

西方美术教育家对艺术理论素养的重视程度是比较高的。美术教育家格内尔和艾斯纳认为，美术教育是现代大众化教育的生力军，应具有合理的专业课程设置，包括以下四部分：美学、美术史、美术批评和美术创作。我们可以看出在他们的课程列表中，美术理论占了很大的比例。高校美术专业学生通过对美术史和美术理论的学习，可以使学生了解过去美术的发展历程和现在的发展状况，并保留和继承其中的优良部分，开拓艺术思维和视野。更重要的，美术专业学生可以从我们丰厚的艺术文化积淀中汲取精华，获取灵感，为自己的艺术创作打下良好坚实的基础。

理论无论是合理的还是有失偏颇的，它对现实艺术发展都有着重要的影响。回顾过去中国美术界经历的艺术浪潮，我们可以看到几乎每一次的艺术浪潮都是因美术理论观念的变革而引发的。从“85美术”到“波普”“玩世”“泼皮”“艳俗”等。在这一次次的浪潮中，由于一些艺术家欠缺深厚的理论知识基础，对中西方艺术发展史缺乏系统的认识和了解，导致他们在艺术浪潮当中，迷失艺术发展方向，创出一些矫饰作品，单纯模仿西方艺术样式而缺乏本土特色和自己的创造灵魂。由此可见，不重视理论学习会使美术教学中技能和理论教学不协调发展，影响学生艺术素养的提高和改进，不利于学生的长远持久发展。

三、如何提高高校美术专业学生艺术理论素养

第一，从根源和制度方面着手，当前美术教育和高校招生须有当下意识，注重学生全面知识的学习和掌握，在招生和教学上不应一味地看重速写、素描，彩等专业训练，而忽视了对学生进行全面知识的传授。我国高校美术专业学生对传统文化和艺术理论的漠视和缺乏，过度关注绘画技法的现状令人担忧，因此，我们必须改变当前高校美术专业的招生和教学，与时俱进，把当下意识融入其中。

第二，革新教育理念。在课程设置中，合理平衡美术理论课与美术技能课，准确定位理论教学。高校美术院系应提高思想认识、开展多种形式的教学，将美术技能和理论学习相结合，正确认识艺术理论素养的提高对学生、学校乃至整个社会都有着重大的影响和作用。高校可以通过多种形式来开展有效的理论教学，邀请校内外的理论素养高的学者到校开讲座，将自己多年积淀的理论和经验与大家共同分享，由此提高学生学习、研究理论的兴趣，并提高学生的创新能力。

第三，开展丰富多样的课堂教学方式，增强学生理论学习的兴趣。目前的教学方式大多是教师只单纯讲授教材内容，往往忽略了对学生艺术鉴赏和感受力的培养，致使学生缺乏独立思考分析，难以形成自身的一个理论系统，对美术理论不感兴趣。在教学中，教师应改变过去单一的由教师讲学生听的教学模式，适当融入实践教学，可以组织学生参观美术馆、博物馆，观赏美术作品，也可以组织他们参加美术创作活动。在实践中融入理论教学，能够让学生更深切感受和理解古今美术风格，了解美术与生活的关系。另外，教师应当有意识地培养学生的艺术思维和感受力，在学生学习过程中，教学应引导学生学习、分析美术作品背后蕴含的审美意味和价值取向，重点培养学生健全的人格、独特的表达方式、自由开放的艺术精神和艺术创新能力。

第四，不断提高完善教师的人格魅力及理论素养。教师的人格魅力对学生有着巨大的渗透力和感召力，影响着教师在学生心目中的地位。在教学活动中，教师处于主导地位，教师的素质和责任感决定着教学内容的跟进与否，教学方法和教学理念先进与否；理论抽象枯燥的特点，决定了高校美术专业教师须由深厚、扎实的理论功底教书育人，同时以生动的教学方式和自身的理论素养影响学生，启发学生独立思考。激发学生自觉提高自身理论素养。教师的人格魅力和理论素养对学生专业学习的影响是深远的。

四、小结

总之，提高高校美术专业学生艺术理论素养重要而迫切，要改变重美术技能而轻美术理论的现状，需要革新美术教育理念，创新教学方式和内容，需要学生、教师、学校和社会各方的努力与协作。

【参考文献】

［1］黄先明.高师院校美术理论课教学初探[J].读与写杂志，2011，3（8）：64.

［2］张宽武.对当下高校美术专业学生提高艺术理论素养的忧思[J].中国高等教育，2010（17）：55-56.

高校美术基础教学的思考 篇4

高校美术基础教学的思考

美术基础教学,在专业的美术教育中,是一个阶段性教学范畴的概念,是美术专业人才培养中所必须奠定的.基本技能和意识素养的训练阶段.本文对高校美术基础教学主要围绕信息技术整合、优化训练内容和课堂教学环境进行了思考,为色彩、创作等课程教学奠定坚实的基础.

作 者：陈杰 作者单位：浙江传媒学院,浙江,杭州,310018刊 名：大众文艺英文刊名：ART AND LITERATURE FOR THE MASSES年，卷(期)：“”(12)分类号：G64关键词：高技美术 基础教学 思考

对高校美术通识课改革刍议 篇5

在知识经济时代,大学开设美术通识课的目的,是通过形象思维的艺术手段与途径,培养大学生内在丰富的情感,使他们树立高尚的人格,这涉及做人、做事、治学的创造性思维方式和方法,既有人文教育意义,又有科学意义。但是现行的高校美术通识课运行模式还有种种不如意的状态和问题存在,这值得我们进一步探讨与改革。

一、目前高校美术通识课的教学方法

现在高校美术通识课选修大体有三种类型:一是纯鉴赏型为主的偏重理论灌输的美术通识课。尽管老师备课很认真,课上讲了很多道理,可是学生却昏昏欲睡,因为学生还是觉得和其他课一样处于被动(灌输)一方。由于他们一定的生活阅历与感受,加之缺少较多的艺术实践,所以学生很难理解并认同这些高深的文艺理论。二是以传授技术为主的偏重单纯实践的美术选修课。老师按美术专业训练办法,不考虑非美术专业学生的想法,一开始就教学生们素描、速写等,然后再上色彩写生课,从头到尾,学生只是学到了一些素描、色彩的模块技术,其实他们仍然不懂得艺术。三是只强调继承,不强调发展的美术通识课。老师从工笔花卉临摹为起点教学生,历经山水、人物,让学生学到一些传统中国画的技术。好处是有继承,坏处是难发展,也难创造等。这些教法固然有一定的益处,但确实也有偏颇之处,表现为这种不以学生为中心,单一的,重技术、轻艺术与人文的教学模式,往往容易形成千人一面、大同小异的艺术教学效果。这不是当今时代培养创新人才、培养创新精神的理想通识课教育模式,这种脱离社会实践、知行分离、“闭门造车”的教学模式迟早要被新的美术教育模式取代和改造。

二、构建新的美术通识课教学模式

面对高校美术通识课普遍课时少、一般大学生又缺乏美术基础的实际矛盾,我们选择了利用乡土人文景观资源,以构建学生实践创造能力为主、边做边学的综合美术创作教学方法。这让不具有写生基础的学生一开始就较快地进入我们所倡导的重过程、重行动,以创造为主的美术学习,把专业技能掌握与创作、综合运用结合起来,这种互相融合的创作与技能训练,会使学生在动眼、动脑的认知训练和动手、动口的实践过程中,更快地懂得艺术与技术的不同之处,开阔他们的艺术创作视野,培养他们的艺术创作修养,积累他们的艺术创作经验。在此基础上,加快形成非专业学生的艺术诸元素的应用经验和形式美构成能力,如对构图、形体、黑白、色彩关系、疏密、点、线、面的处理能力等。创作课强调美术与社会生活的联系,重视培养学生们的人文精神和审美能力。我们期盼用全面综合的美术教育手段,去提高学生富有创造性的、积极的认知、动手技能和情感体验水平,使他们内在发展需求与美术学习相吻合,从而促进学生身心全面健康发展这一教育目标的实现。

三、美术通识课创造性思维的本质特征

结合美术通识课的特殊要求,笔者着力把激活学生的创造力作为教学重点,把创造性思维的本质特征——标新立异,具体运用到美术创作的各步骤与各阶段学习实践中,结合各个环节中的问题与困难,通过美术教学平台,贯通与开发学生的认识方法、思维方法、实践动手方法、解决问题能力和表达他们情感的能力。因此笔者在教学中充分鼓励与肯定学生表现出来的任何有个性的想法与做法,在形象思维与创造中,发现与张扬每个学生的天性与爱好,用平等、民主、协商的态度,营造创造性思维发挥的教学氛围,积极与学生切磋、讨论,解决碰到的各种问题,想方设法让学生逐渐认识自我的价值,鼓励学生自信,充分发挥自身无穷的潜力与智力,和老师共同努力,实现美术创造的成果。

那么,我们应该如何激发学生“标新立异”的创造力呢?可以从以下几个方面入手。

1.选择本地人文景观,突出美术课程“视觉直观”的特点与优势,强调“开眼”“开心”的艺术学习方法

我们学院地处珠江三角洲腹地,是典型的南国水乡景观。我们可以把学生从苦读多年的书斋带到水乡深处,带到既熟悉又陌生的桑基鱼塘,“小桥流水人家”的景色之中,这样他们满眼都是富有人文景观的教学环境,处处都有新鲜生动、无限多样的创作原料,无疑会使学生美术写生的情绪高涨。但是,作为美术通识课程的组成部分,自愿报名参加学习的学生实际都没有受到专业写生绘画的训练,面对崭新、陌生的美术创作课,学生难免既缺乏方法又有点紧张。为此,教师应先在校园内做大约十课时左右写生技能的练习铺垫,着重教学生“开眼”的线描写生方法。面对没有美术基础的学生,虽然他们在美术技能上如一张白纸,但是只要善于调动学生已有的学习经验,培养他们学会“开眼”的观察方法,也能让他们画出新颖、别致的画。在教学中,老师要特别强调用朴素的唯物主义观点为基础,引导他们客观地看待周围的物象,提倡独立思考和认知,让他们各自选择喜爱的景观,注重每个学生的差异,充分尊重学生用新的角度和方式看待平凡事物。特别带学生到水乡写生的时候,更要保持这种方法来激发学生的创意,通过写生手段提供教育机会,来帮助与鼓励学生形成独立的、积极的认知能力,让学生非常自主地看待客观景物,培养他们敢于形成自己创新画法的行为。

老师让学生各自学习运用唯物主义观点看自己喜欢的、画自己看到的,甚至想到的物象。他们绘画表达时,要完全自我地、自由地画出来。对处于这种敢于“开眼”状态的学生,老师的任务是肯定与表扬,让他们“开心”,更有信心地去画。老师要让学生了解到只有“开眼”,才会“开心”,也才能“开心”。我们要关注和突破这个重点,对提高艺术创作质量和效率,用美术发展学生认知智能,促进学生形象思维能力与创作主动性可以起到重要的、示范性的作用。由于非专业学生没有美术专业学生的清规戒律,在老师的“开眼”“开心”教学氛围的引导下,学生容易形成自己的个性想法以及他们喜欢的写生画面。至于他们的技法教学问题,通过多次下水乡写生,可以逐渐提高。通过写生,学生也为创作积累了很多不同的视觉表达的原始素材。同时,学生在写生过程中,用美术的手段,培养了唯物主义认识观,也容易理解那些观察、选择、思考等知识创新的道理。在贴近生活的过程,学生们了解到了社会的实际生活情况,陶冶了学生的情感。

2.下乡写生后的专题座谈,有益于师生互相交流“开眼”“开心”的学习心得

回到学院后,我们采用讲下乡心得体会的方式召集同学座谈,总结所见、所闻、所感。他们可谈与美术创作有关的专业内容,也可以联系写生谈社会、政治、哲学、经济、文化、科学等。在让同学们互相讨论的过程中,老师也会乘机从画写生入手,谈“开眼”“开心”在知识学习过程,艺术与科学的方法过程,艺术与哲学的过程,艺术与人文创造过程,艺术与人生过程的同样重要意义。让学生在民主的气氛中自由畅谈,让学生在深入生活中“开眼”后,不仅画得“开心”,而且在课堂中要谈得“开心”。如何把“开眼”的写生画,变成“开心”的创作画,是老师要具体解决的一个棘手的教学问题。如何把“开眼”“开心”的艺术过程,迁移到做人、做事,以及贯通到求学基本能力的学习过程,是老师想追求的教育目标。

3.选取“开眼”的写生素材,构成“开心”的艺术画面

和每个同学讨论“开眼”后的写生,分析素材,找到每个同学最“开心”之处,并让他们形成最有画趣的画面,或每个画面最“开心”的部分,然后各自“搜尽奇峰打草稿”。对没学过画画的同学,只要让他懂得动手画画就是独立观察的个性反映过程,他们的画面自然会产生很新鲜的、富有创意的画法与画面形式效果。老师要有意识地鼓励学生,肯定与保持学生们各自表达出来的差异和特点,让学生们得到赞扬后,“开心”地画,自由地画,这就是在培养学生形成创造力的教学氛围。可惜我国艺术教育不太重视保护学生的个性,特别是美术教育,往往教出来是千人一面,没有差异,画得像一个老师画的,越教越没有真正意义的创新,越没有创造力。

其实学生有无穷的创新潜力,关键在于老师怎么引导、肯定、保护。我们的校园艺术创作为什么是闭门造车?为什么有人感叹创作上“江郎才尽”呢?关键就是师生不去体验与深入生活的大课堂,寻找挖掘艺术创作的源泉,体会人民的感情和生存现实。学生深入生活写生,通过自己独立思考、取舍后,可以形成很多“开心”的画面构图,有的同学还创造一些不太可能的、耳目一新的形式与构成,这是学生敢于突破陈规,从新的角度和方式处理平凡景物的富有创新性的具体成果。这就是艺术创新的思维过程,是艺术培养、启发人的创新精神、认知方法、过程的学科优势。在教创作的全过程中,对学生不断出现的阶段性困难与疑问,教师应及时加以引导和帮助,但是,要提醒自己保护学生色彩组合的创新、技法处理与形式的创新、情感表达的创新。例如版画创作,要放手让他们处理形,用什么色彩、采取什么处理手段都可以由他们自己做主,老师只是起引导的作用。

四、争取社会教学资源参与美术通识课教学

1.邀请专家进行指导,寻找差距

鉴于笔者所在院校是综合性的高职院校,建校时间短,美术师资、经验等方面比较欠缺,而美术创作仅仅是大学生选修的通识课程。要搞好校园高雅文化,做好人才培养方式的探索,肯定不能仅仅依靠校内资源,而要积极主动争取借用校外社会教学资源,获得各方面专家和教授的指导和帮助。我们主动邀请省级、国家级着名专家学者如广东着名版画家郑爽教授、现任广东省美协主席许钦松老师,请他们给同学们上课。他们的讲话与评述,指出了今后“开眼”“开心”努力的方向,以及现今艺术上存在的诸多问题,这满足了学生的求知欲,提升了课堂教学的成效,鼓舞了学生的自信心,进一步推动了校园文化的学术氛围。

2.积极参与高层次展览,进行学习对照

高校美术教育水彩画教学实践论文 篇6

高校美术专业的教师均有其不同的个性以及独具特色的教学方式，但无论哪种教学方式，其教育的主要目的是激发学生的潜力，并尊重每个学生的艺术个性。在教学的过程中，要发掘学生身上的闪光点，使每个学生能找到符合自己个性的水彩画语言。我国高校对学生的绘画基础有较为严格的要求，在入学的第一年开设了色彩基础的课程，主要目的是培养高校学生在绘画的过程中对色彩的观察以及感受色彩的能力，以此来丰富学生的色彩语言。在各种类型的画风中，水彩画的艺术性较强，适合带领学生去研究水彩画中使用色彩的基本规律。

一、积累学生绘画技法

高校学生在学习水彩画的前期过程中，选择临摹是提高学习效率的方式之一。从学习水彩画特点来说，学生学习水彩画是学习其精华，在掌握了这些精华后再进行创新。尽管有些人反对初学者在前期的学习临摹水彩画，原因是只关注了水彩画的规律，盲目的学习起不到任何作用。但冈布里奇在其著作中提到：“没有哪个艺术家与前辈的样式毫无关系”。这就充分地说明了临摹在水彩画学习最初阶段有着不可替代的作用。我们都知道，无论哪种形式的绘画都需要绘画者的创造精神，需要继承传统的绘画基础。学习的传统的技法能成为绘画者激发其创造力的基础，但也可能成为创新的阻碍，观念的转变主要是绘画者如何看待临摹的作用。优秀的作品会引起观众的共鸣和理解，绘画者仅仅通过观看和研读是无法领略到其中的内涵，只有经过临摹才能实现。绘画者在学习水彩画的过程中，要善于学习大师的技巧，并读懂其绘画语言，形成高层次的审美意识，让自己的画风显得更加自然和真实。并从临摹中得到感受到水彩画中色彩应用的魅力，以此让学生掌握到更多的水彩画表现技巧。这就需要学生重视水彩画的临摹，在教师的引导下，选择自己喜欢并适合自己的临摹范本。在各个名家的代表作品中，可以选择局部临摹和整体临摹，要逐步地深入学习。在临摹的过程中，要揣测大师绘画的具体步骤，明确大师绘画的意图。高校教师在对学生进行水彩画讲解的过程中，要将画家本人的生平事迹以及代表作品进行详细地介绍。并讲解选择水彩画范本的特点，然后教师对范本的绘画步骤以及程序进行示范，进一步指导学生更加熟练地掌握水彩画临摹的要领。总的来说，在水彩画初学的阶段采用临摹的方式，能让学生形成初步的表现模式和绘画技巧，在其脑海中形成图式。但对水彩画进行临摹并不是学生去学习水彩画的最终目的，高校学生在水彩画的临摹过程中，能快速地积累水彩画绘画的技巧和方法，使学生的水彩画更加自然和真实。积累到前人的经验后，才能为今后的绘画以及创造提供基础。

二、开拓学生视野

高校学生在进行通过对水彩画临摹后，可以在基本掌握水彩画的相关绘画技巧的基础上，对优秀大师的水彩画作品进行深入地赏析。学生对水彩画大师画作进行赏析的过程，能将直观的感受变为绘画的意识，从而有效地激发学生在水彩画上的创造力。纽曼曾说过自己的艺术教育是来自于面对真实的东西，比如一些画廊和博物馆等，这些均是纽曼的启蒙教师。学生只有真正地体验到真实存在的东西，才能形成绘画的意识，并激发其创造力。教师在带领学生对优秀的水彩画作品进行赏析的过程中，也要教会其学习水彩画的理论知识。教师在水彩画理论知识的教学过程中，讲解水彩画的发展史，学生在了解到国内外水彩画的发展史中，能提高其对学习的.兴趣。在水彩画绘画过程中，色彩的调和是用水作为媒介，在水和色彩的调和下，水彩画的画面便呈现出轻快和流畅的特点。有人将水彩画比作一首抒情诗，人们在欣赏优美的画风时，便如同朗读一首抒情诗。学生只有对水彩画大师的代表作品进行深入地赏析，才能了解水彩画独特的美。近些年来，我国的水彩画展览越来越多，包括水彩水粉、水彩人物等，这些展览的开办为水彩画初学者提供了很好的学习机会。因此，高校美术教育水彩画专业教师要鼓励学生尽量参加画展，让学生通过自己直观的接触加上其感性的认识，然后理性地去分析水彩画的特点和大师想要表达的意境，从而更深一步提高学生对水彩画的认识。

三、写生到创作

学生在学习水彩画的初级阶段，属于写生，主要对事物的状态进行诠释。陈师将画表示为人类意识的符号，是人类表达事物状态的方法。所以，我们在一些大师水彩画作品中不难看出创作与写生之间的联系。大师喜欢借一些风景或者人物来抒发自己的情感。在高校美术教育专业水彩画教学过程中，写生的课程能帮助学生正确地把握事物的关系，用不同的色彩来塑造人物的形体。学生在不断地写生过程中，有效地提高了学生对色彩的把握以及如何准确塑造人物形象的能力，协调画面的色彩，能客观的反映事物。通过水彩画的色彩来塑造形体的方法有多种，水彩颜料的色彩对于其他类型的画风来说，水彩画的明亮度以及绘画中存在的偶然性都会让学生充满对绘画的新鲜感。教师在绘画教学的过程中，可以充分地利用周围环境的光源和，用不同的形式和色调进行基础绘画的训练。从而提高学生在水彩画创作中对色彩的应用，以便在绘画过程中更好地控制色彩以及更好地驾驭色彩。高校教师进行水彩画教学的最终目的是，培养出具有独立创作意识以及独特水彩绘画语言的绘画人才。这个过程包含的是学生从写生到表现的整个过程。学生在写生阶段，一般来说，水彩画写生多是遵从自然的本身来反映客观的现实，在水彩画的表现中掺加了绘画者独特的创造成分，因此，在水彩画的作品中存在较为强烈的个人诉求及其独特的绘画语言。这个转换的过程便是水彩画教学最重要、最关节的环节。在此过程中，高校水彩画专业教师要对学生进行短期的水彩画图片训练，然后对学生进行水彩构图实验以及水彩画综合材料技术和方法的实验。学生在短期的水彩画图片训练中，高校教师应该要求学生参考一些与水彩画相关的图片和照片，并进行水彩画实验。教师选择的关于水彩画的图片和照片，最好来源于个人的生活，并有体现其特殊的情感。在短期水彩画图片训练中，教师要着眼于选择的水彩画作品的图片以及照片的绘画性。在整个短期水彩画图片实验的过程中，教师应该要求学生将关注的重点放在水彩画图片或者照片的截取以及两者之间互相的组合，然后在这个过程中，从水彩画图片以及照片里提取出学生自己认为最具有强烈绘画性的信息，然后学生在画面中大量采用自己的主观色彩。短期水彩画构图实验对学生主观性的要求较为强烈，目的性也较强。在实验的过程中，教师应该要求学生针对一个题材，按照要求绘制出不同的方案，并采用不同的色调。水彩画的技法比较多，在绘画的过程中，选用的不同纸张、颜料以及不同的笔触都会在水彩画绘画过程中产生出不同的画面效果。高校教师经过短期水彩画图片训练以及构图实验教学，可以有效地让学生从写生转变为自己个人的独立创作，最终实现学生从写生到创作表现的过程。

四、结论

高校美术艺术设计 篇7

一、高校美术教育的发展瓶颈分析

(一) 缺乏明确的教学定位

在对学生进行培养教育的过程中, 大部分学校都设定了明确的教学目标, 但是有些学校却不能达标, 即课程设置不具备科学合理性, 教学内容以及教学模式也达不到预期标准, 无法满足美术及艺术设计专业学生的发展需求。另外, 有些高校虽然安排了相关的实践课程, 但是实践时间较短, 也不能落到实处。这样一来, 学生就无法将学习到的专业知识运用到实践中去, 在毕业找工作的时候, 他们就会面临诸多困难, 最后不得不放弃与本专业相关的工作。对于高校教育工作而言, 如果缺乏明确的教学定位, 不仅会阻碍高校的稳步发展, 还会对国家的教育资源造成浪费。

(二) 高校盲目扩招

当前, 随着社会主义现代化建设的不断深入, 高考扩招成了一大趋势。社会的发展需要高素质、高能力的人才, 艺术设计人才也一样。通过对相关数据资料进行分析可知, 近20年来, 我国某美术高校的招生人数一直在不断扩大, 已增加了将近30倍。高校扩招会促使艺术设计毕业生的数量大幅增长, 为社会提供了更多艺术设计方面的人才。但倘若高校不结合社会供需的实际情况进行盲目扩招, 就会导致大量问题的出现。比如, 为了获得更多的经济利益, 某高校进行了扩招, 但由于缺乏专业的师资队伍、完善的教学设备, 该高校的教学质量出现了严重下降, 学生无法获得优质的教育。

(三) 教学方式方法方面的问题

通过对我国高校艺术设计教育的现状进行分析可知, 现代教育中存在着很多不足, 是阻碍艺术设计教育工作取得进展的因素。现行教学大纲中的套话较多, 学生在课堂上所学的知识缺乏现实实践性和可操作性, 仅仅是烂熟于心的纸上谈兵。另外, 学校提供给学生的思考空间以及实践机会也十分有限。究其原因, 在于我国当前的高校美术及艺术设计教育体制存在着诸多问题, 即教学内容空泛、教学目标模糊、教学手段落后以及课程安排不合理。另外, 在许多高校, 美术及艺术设计专业的教师大多只注重学生的技巧培训, 而不重视对学生的实践指导。还有一部分教师不致力于做学问, 不及时对自身的教学方法以及教学内容进行革新, 过度追逐名利。在这样的情况下, 我国高校艺术设计教育工作就会面临诸多问题, 遇到教学瓶颈。

二、发展我国高校艺术设计教育的相关措施

(一) 课程设置要连贯

在设置美术及艺术设计专业课程时, 教师应将课程的连贯性放在突出位置, 既注重培养学生的基础技能, 又充分尊重学生的主体性, 提高学生的自主学习能力, 促进学生创新思维和创新能力的提升。而在培养学生的专业技能时, 要加强其理论、专业、设计以及造型等基础知识的传授。学校还要及时把握市场最新动态, 将教学与市场需求有机地结合起来, 不断提升学生的综合素养;或者通过定期举办相关讲座, 举行画展、设计制作展或摄影比赛等, 来不断拓宽学生的知识面。在教学过程中, 教师要不断创新教学思路和方法, 注重培养学生的实际创作能力、想象力以及表现力等, 同时还要坚持与时俱进, 实现科技与艺术设计专业的协同发展, 加强对网络技术的开发和研究, 帮助学生掌握美术及艺术设计专业软件的相关应用原理, 全方面地提升学生素质, 使他们更好地适应社会需求。同时, 学校要优化设置课程组合, 保证课程的连贯性, 节省教学成本, 减轻学生的课业负担, 激发学生的学习热情。此外, 高校在开展美术及艺术设计专业课程时, 要注意吸收传统文化的精髓, 将中国的传统文化融入到世界流行时尚文化中, 推进我国传统文化的不断发展和进步。

(二) 转变教学观念

随着时代的进步以及经济的发展, 具有良好的思想道德以及广阔知识面的综合型人才广受社会各界的欢迎。因此, 高校艺术设计专业需转变教学观念, 结合不同专业的基础教学和专业课程, 对学生的艺术潜质以及审美能力进行培养, 使学生的创新能力、艺术品位得到大力提升, 并引导学生将所学知识和实践充分结合起来。另外, 学校还需对当前社会的实际需求进行深入分析, 及时调整教学目标及专业课程安排, 针对学生的兴趣爱好及特长进行个性化的培养, 并为他们制定科学合理的学习计划, 真正做到因材施教。相信依靠这种方法, 艺术设计专业学生的综合素质以及美术技能才能得到有效提升, 高校才能为社会培养出更多优秀的美术人才。

(三) 培养学生的创新思维

艺术要取得持久的进步和发展, 就必须要创新, 而创新需要我们有+扎实的美术基本功和创新能力。对于高校美术及艺术设计专业的学生而言, 创新性就是指学生在学习过程中对不同的艺术元素进行想象和组合, 通过再创造所呈现出来的新的、合理的、完整的形象。对此, 在上专业写生等具体课程时, 教师应允许学生在具备了一定的功底之后, 适当地在作品中表达自己的观点, 发挥想象, 并将其作为考察的一部分。具体的创新内容既可以是空间上的创新, 也可以是构图上的创新。此外, 教师要合理把控学生的想象, 避免他们走弯路或不切实际的创作, 对他们的创造性思维及时予以肯定并指出其存在的问题, 提高其创新的水平。

(四) 完善教学内容

美术院校需结合实际对课程内容进行拓宽, 即将学生文化素质的提升作为教学的重点, 提供给学生更多与外界接触的机会。通过学习其他课程或办讲座, 学生与社会之间的联系就会得到深化, 他们的专业技能以及文化素养便会随之得到提升。另外, 教学内容的设置需具有针对性, 即要将学生创新能力的培养作为教学重点, 引导学生对艺术设计的文化内涵进行深入探索, 变之前的被动学习为主动学习。技巧、技法只是帮助学生完成绘画或设计的工具, 艺术设计学习的真正核心应是提升学生的文化素养以及创新能力。只有不断完善教学内容, 才能帮助学生获得全面发展, 进而为社会培养出更优秀的综合型艺术人才。最后, 高校艺术设计教育需结合自身实际以及社会发展的需要, 引导学生树立正确科学的艺术观。

三、结语

高校艺术设计教育目前正受到社会各界的高度关注, 通过对当前高校艺术设计教育的现状进行分析可知, 一些发展中出现的问题仍旧大量存在。因此, 我们需从实际情况出发, 对制约高校美术及艺术设计教学发展的相关问题进行深入分析, 并采取措施从教学内容、教学模式、课程设置等方面着手, 对学生的艺术创新能力进行有效培养, 最终推动高校美术及艺术设计专业教学工作的稳步发展。

参考文献

[1]张怡娜, 李红来.反思当前高校的美术教育模式[J].统计与管理, 2014 (6) .

[2]张莉君.对当前高校美术教育现状的思考与改革建议[J].黑河学刊, 2014 (4) .

[3]商树春.对高校美术教育创新的几点思考[J].净月学刊, 2014 (2) .

[4]谢朝玲.浅谈高校美术教育改革[J].邵阳师范高等专科学校学报, 2001 (3) .

[5]何奎.论民间美术进入高校美术课程体系的重要意义[J].鸡西大学学报, 2011 (1) .

[6]赵文生, 马云飞.高校美术教育的精神本质和文化意义[J].中国成人教育, 2007 (13) .

[7]夏阳.论高校美术教育[J].上海艺术家, 2007 (1) .

现代艺术在高校美术教学中的应用 篇8

关键词：艺术；高校；美术教学；应用

高校美术不再像中学那样被认为是小学科，它在高校中的地位相对比较高，是人们精神层面的艺术，也越来越被人们重视起来，但是很多大学教师只是为授课而授课，过度重视讲解知识点，极易引起学生情绪烦躁，而将现代艺术应用到高校美术教学中可以更好的引导学生进入学习氛围，使其在丰富、生动、轻松的教学场景中获取知识，加深理解，提升能力，有助于教学质量的提高，故值得推广应用。

现代艺术的内涵

现代艺术具有创造性，能够培养人的创新能力，越来越被现代社会所接受，艺术需要具有创造性，而且现代艺术通常会间接的揭露一些社会现象，具有一定的高度，学习起来能够锻炼人的思维，在高校美术教学中的应用更是能够丰富教材，激发学生学习兴趣，开发学生的智力，从而培养学生的探索精神和创新精神，使美术课堂更加丰富多彩，开阔学生的视野，提高高校美术课堂的教学质量，促进学生的全面发展。

高校美术的学习对学生将来的发展至关重要，学生只有具备一定的学习热情和能力方能做到美术的活学活用，然而当下很多学生只是理解一些美术理论知识，并没有将美术和艺术结合起来，严重偏离了素质教育要求，故放眼长远，立足实际，将现代艺术应用到高校美术教学中十分必要。

现代艺术在高校美术教学中的应用

现代艺术主要包括象征主义、抽象表现主义和超写实主义等。

1.象征主义在高校美术教学中的应用

象征主义主要是使主观的事物变得客观，能够培养学生的审美情趣，使学生对生活产生积极的态度，令学生精神饱满，而当学生没有兴趣做一件事情时，就会对事物产生厌倦感，没办法提高课堂效率，利用现代艺术增加学生学习的兴趣，可以巧妙的使学生融入于课堂教学中，使学生在一个相对快乐的情景中获取情感体验，从而增强学习欲望，为后续的知识学习、互动交流以及团结合作等的顺利进行奠定基础。

如美术作品中的在《莎乐美》，主要描画了圣经中的一位美女跳舞的姿态，她因跳舞而被国王喜欢，国王答应美女什么事都可以答应她，美女说要约翰的人头，这个作品正是描述的美女在国王面前跳舞的画面，这位美女全身都是金银珠宝，美女的形象具有一定的象征意义，画面看起来神秘而不可捉摸，在高校美术课堂上，教师可以应用这个著名的作品，首先让学生欣赏作品，发表自己的见解，激发学生的想象力，让学生在欣赏的过程中思考，然后把学生分组，小组讨论看到这幅作品能够联想到什么，通过小组成员的谈论，使学生的思维进一步得到拓展，并请小组代表发言各个小组谈论的结论，看大家能够讲出什么不一样的故事，然后教师进行总结，这个作品应用在美术教学中，能够给课堂带来活跃气氛，引发学生思考，假发学生的表现欲望，有利于学生智力的开发，丰富了教材内容的同时，优化了教学质量。

2.抽象表现主义在高校美术教学中的应用

抽象表现艺术是一种高于现实生活的艺术，是一种即兴创作的艺术，有着随意性，自发性，无规律性的特点，比较注重内心情感的抒发，自由自在，不受约束，现在欧洲的一些艺术学校已经将这种抽象表现主义的艺术应用在了教学中，这种艺术能够使学生更加自由的发挥自己的想象力，可以把学生内心的情感展现出来，内心或急躁或温和，或霸道或温驯，都可以在这种抽象表现主义的艺术中表现的酣畅淋漓。

如在美术作品中的《薰衣草之物》，在做这幅作品的时候，作者波洛克将画布铺在了地面上，基本上抛开了大部分的画家所常用的作画工具，他用一些简单的颜料和简单的树枝刀子等作画，没有刻意的勾勒，只有随意的渲染，这种艺术作品反而更接近大自然的本色，将这种艺术作品带到高校美术课堂中来，让学生更加自然的接触到表面看似杂乱却有着它独特意义的作品，进一步开发学生的想象力，引导学生思考和感受，有利于增长学生的见识，可以将各种情感通过艺术作品展现出来。

3.超写实主义在高校美术教学中的应用

超写实主义的主要特点是，作品非常逼真，让人看了就像是身临其境或者见到真人真物一样，能够生动形象的表现作品中的事物，超写实主义主要有绘画和雕塑两种形式，超写实主义的绘画和雕塑都表现得非常清晰和细致，甚至比照片还要清楚。

结束语

总之，传统的高校美术教学方法已难以适应现代社会的发展以及对人才的需求，也不利于学生对美术的更深一步的认识，而现代艺术在一定程度上激发了学生学习美术的兴趣，树立了学生学好美术的信心，而且其美术应用能力得到了显著提高，故在高校美术教学中应用现代艺术可行、可靠。