西方美术家（精选8篇）
人物简介
保罗·塞尚（PaulCézanne，1839年—1906年），法国人，是印象派到立体主义画派之间的重要画家。塞尚由毕沙罗（CamillePissarro）介绍加入印象派，并参加了第一届印象派画展。有人依他的风格也归于后印象派。从塞尚开始，西方画家从追求真实地描画自然，开始转向表现自我，并开始出现形形色色的形式主义流派，形成现代绘画的潮流。塞尚这种追求形式美感的艺术方法，为后来出现的现代油画流派提供了引导，所以，其晚年为许多热衷于现代艺术的画家们所推崇，并尊称他为“现代艺术之父”。毕生追求表现形式，对运用色彩、造型有新的创造，被称为“现代绘画之父”。
塞尚重视绘画的形式美，强调画面视觉要素的构成秩序。这种追求其实在西方古典艺术传统中早已出现。而塞尚始终对古典艺术抱着崇敬之情。他最崇拜法国古典主义画家普桑。他曾说：“我的目标是以自然为对象，画出普桑式的作品。”他力图使自己的画，达到普桑作品中那种绝妙的均衡和完美。他向着这方面，进行异常执着的追求，以致于对传统的再现法则不以为然。他走向极端，脱离了西方艺术的传统。正是如此，他被人们尊奉为“现代绘画之父”。(Paul Cezanne,1839-1906)
生平经历
1839年保罗·塞尚出生在法国南部埃克斯小商人家庭。他先在小学和圣约瑟夫学校就读。
1858年，保罗带着坚实的基础知识、完整的宗教信仰以及对同学米尔·左拉的真挚友谊从中学毕业，通过了文科毕业会考，并按照父亲的意愿进入了大学法学院。不过，他并不因此而放松在埃克斯素描学校的课程。
1859，他父亲在埃克斯附近购下维拉尔侯爵在十七世纪建造的热德布芳花园，带着妻子、儿子、两个女儿在那里避暑。保罗在别墅中安排了自己的第一间画室。他已经决定了自己的前途：不管父亲如何反对，他也要作画家。
1861年4月，保罗·塞尚来到巴黎，他在弗昂蒂纳街租了一间带家具的房间，在瑞士画院习画，与基约曼和毕加索交往，并继续和左拉保持着友谊。他靠着父亲每月寄给他的一百二十五法朗，艰难地维持着生活。他丝毫不能适应首都的嘈杂，初期作品也远不能使自己感到满意，他也始终未能考入巴黎高等美术学校。
绘画风格
塞尚认为，画家创作一幅画，“哪一条线都不能放松，不能留有任何缝隙，以免让感情、光、真实溜了出去”，这是他的创作经验。从静物画《水果盘、杯子和苹果》，可以看出塞尚的探索精神和画风特色。
在《水果盘、杯子和苹果》这幅画中，物体成了画家借以分析形体和组建结构的媒介。塞尚将它们高度地简化，并以深色线条勾出轮廓，使其看起来显得明晰而坚实。为实现画面有秩序的布局，他有意地歪曲画中的透视关系，将水平的桌面画得仿佛前倾，使桌上的物品得到充分的显示。他也不在意物象的远近不同而产生的视觉上的虚实差别，而将画中物象在清晰度上，处理在同一个平面。这样既强化了物象的实在性，又可以加强平面上构成的意味。塞尚通过画中的图象，在画上组成了两道交叉的对角线——其中一条起于左上方的叶子，并通过果盘上部、画中央的那堆苹果，直到右下方的小刀和桌布边结束；另一道虽色彩偏暗，却也清楚可辨：从右上方的叶子开始，经玻璃杯、中央苹果堆，一直延伸到左下方的桌角。这两道斜线在画的中央交叉，构成了画面稳固的框架。
历史评价
塞尚的画具有鲜明的特色。他强调绘画的纯粹性，重视绘画的形式构成。塞尚作品通过绘画，他要在自然表象之下发掘某种简单的形式，同时将眼见的散乱视象构成秩序化的图象。为此，他进行了一系列艺术探索。首先，他强调画中物象的明晰性与坚实感。他认为，倘若画中物象模糊不清，那么便无法寻求画面的构成意味。因此，他反对印象主义那种忽视素描、把物象弄得朦胧不清的绘画语言。他立志要“将印象主义变得象博物馆中的艺术那样坚固而恒久”。于是，他极力追求一种能塑造出鲜明、结实的形体的绘画语言。他作画常以黑色的线勾画物体的轮廊，甚至要将空气、河水、云雾等，都勾画出轮廓来。在他的画中，无论是近景还是远景的物象，在清晰度上都被拉到同一个平面上来。这样处理，既与传统表现手法拉开距离，又为画面构成留下表现的余地。
在塞尚生命的最后时刻，他向一个特意来请教的青年画家透露了自己30年所崇尚的信条：“应当把大自然当作一个圆柱体，一个球面，一个圆锥体，一切都可入画。”这句话推开了现代绘画理论的大门。世界艺术由此走向了一个新天地。
我眼中的保罗塞尚
塞尚从小受到家庭的庇护，衣食无忧，他的故乡艾克斯，散发着一种安谧的气息，而塞尚的大半生都住在这里，精心完成着他的创作，金星水瓶带给他脱俗的审美观和革新的气质，使得他拥有现代艺术之父的美誉，人们多少年之后，仍然可以感受到塞尚，跳脱他所在的时代的气质。而月亮双鱼对他的影响，则是让他的感受性比一般人更丰富和细腻。
一、西方网络游戏美术设计的特征分析
西方网络游戏内容多为魔幻、奇幻类见多, 这里以当前最为流行的魔兽系列为代表案例进行特征分析。
1.游戏角色的形象特点
魔兽系类游戏中有三种类型的角色, 即智力型角色、力量型角色和敏捷型角色。这三类角色在造型设计方面都有着自身的特点, 并且通过形体的不同, 区别出了各自的特性。
力量型角色大多数是承担伤害的主要角色, 自身也是吸引敌方火力输出, 对敌方的伤害方式多是近身攻击。在冷兵器时代, 士兵作战大多都是面对面的白刃战, 身材魁梧的战士无疑会给敌方造成很大的心理压力, 强壮的身体同时也暗示着有顽强的抗击打能力。便以此为依据来设计“魔兽”中力量型角色, 他们身形都比较庞大, 肌肉十分的发达, 尤其是上半身的形态, 会十分的夸张, 给人感觉沉重, 稳健, 以及很大的压迫感。
智力型角色与力量型角色有着鲜明的反差, 其攻击方式多为在远距离魔法攻击, 此类角色一般对敌方的攻击伤害较大, 在远距离便可攻击敌方, 但是致命的弱点就是生命值低, 抗打击能力较弱, 且行动相对比较迟缓, 一旦被敌方靠近便很容易被消灭。为突出其特点, 在设计智力型角色时要在身材的设计上加以限制, 使其身材单薄, 而为突出其智者的一面则要适当的夸张其头部的比例。
敏捷型角色的特性则介于二者之间, 其攻击方式也多样化, 既有近身攻击的角色, 亦有远程攻击的角色。此类角色就像特种部队, 来无影去无踪, 隐蔽性强, 出其不意, 攻其不备是该类角色制胜的法宝。此类角色的身躯必然不会庞大, 但其较多的近身攻击方式则又要求不能过于瘦弱。比力量型角色的上肢窄小, 但是极具上升感;比智力型角色的体型更加修长, 下半身的刻画较为突出, 腿部的特征较为明显。来凸显出此类角色身手灵活, 灵敏。
2.游戏中的色彩特点
“魔兽”系类游戏中每个种族都有一种属于自己种族的色调。“魔兽”系列游戏通过运用色彩的象征性, 强化出不同种族的特点。
(1) 人族
根据人族的文化背景, 设计出人族的主颜色以为白色、金黄色、红色, 色调比较明亮。白色模拟了盔甲钢铁的材质色, 而红色则表现了法师袍的颜色, 用金黄色作为辅助颜色使人族的角色充满了崇高感。红色和黄色的色温感觉较高, 给人一种温暖的感觉。
(2) 精灵族
由于精灵族在设定上是以自然力量为源泉的一个种族, 所以在设计颜色时是以优雅的蓝色为主体, 亮度较低, 给人一种神秘感。游戏中, 精灵族和不死族是两个以魔法见长的种族, 而精灵族对魔法研习的目的是探知自然力量的秘密, 为了体现这种魔法的感觉, 所以精灵族角色, 色彩的明度较高, 给人一种神秘而纯洁的感觉。
(3) 兽族
兽族是一群长期生活在野外, 性格狂野不羁, 且充满力量和野性的种族, 而褐色和绿色又分别是荒野和草原的颜色, 所以该种族角色的颜色以褐色为主, 同时为了彰显其旺盛的生命力和野性, 部分角色以绿色为主。
(4) 不死族
不死族算是游戏中的最大反派, 代表着邪恶的势力。为了体现出死亡气息, 该种族角色以黑色为主题, 充满了恐惧与压迫感。同时不死族也是一个善用魔法的种族, 为了区别出不死种族魔法的邪恶性质, 该种族的辅助色多为紫色和深灰色, 且亮度较低, 所以整个种族给人感觉压抑, 营造出一个阴森恐怖氛围。
二、国内网络游戏美术设计特征分析
近年来, 由中国自主研发的网络游戏已经在市场中占领了一席之位, 当前国内网游戏造型设计比较流行是Q版和写实风格。下文就Q版风格进行分析。
《QQ三国》就是一个典型的Q版风格的游戏, 从字面上的意思来理解, 我们就可以知道此款游戏的蓝本是《三国演义》, 依据当时的时代特色游戏玩家可以选择四种人物形象, 基本分为剑侍、豪杰、阴阳士和仙术士, 根据不同的职业他们使用不同的武器, 具有不同的攻击方式和法术, 又具有不同的弱点, 玩家可以依据个人喜好选择扮演的角色。
剑士:精通战斗技巧的勇士, 以剑为武器, 是一名勇士, 具备勇士特征, 身穿盔甲, 形象英武, 各方面能力平均, 具有较强的躲闪能力, 所以外型灵活, 属于平均型角色。那么在造型设计上就要体现出这个角色的特性, 体型不能太瘦, 也不能太胖;服饰也要方便于作战, 如果设计出笨拙的铠甲会让人物的特性大大折扣, 颜色要符合游戏整体的色彩设计, 明快一些, 艳丽一些。
豪杰:防御能力比较突出, 身批盔甲, 使用斧为武器, 擅长斧系攻击, 对物理伤害有很强的防御能力, 拥有很高的物理防御力, 命中、回避能力则相对较弱, 属于高防型角色。由于此类角色属于抗击打能力比较强, 所以在造型设计上要体现此类角色的硬朗性, 服饰设计要相对于剑士厚重一些, 为了能体现角色特性用色也要比较厚重。
阴阳士:属于法术高超, 所以道具使用杖, 但是身体不很强壮, 擅长强大的伤害法术, 以杖为武器, 使用狂暴炽烈的火焰催毁一切敌人, 拥有很高的法术攻击力和相当高的法术命中, 但体质很弱、回避能力普通, 造型具备神仙的特点。属于强攻弱型角色。为了符合此类角色的特性, 造型上大多数都比较偏瘦, 而且身着也都是一些布衣等轻便的服饰, 但是此类角色觉多数都使用魔法, 所以配饰会很多, 比如说挂坠, 腰佩, 拐杖, 发簪等, 体现出角色的华丽性。
仙术士:属于救死扶伤型, 擅长治疗, 是唯一拥有回复技能的职业, 攻击能力普通, 但体质脆弱, 回避能力一般, 总是承担救死扶伤的责任, 回复补给型角色。手拿羽扇有点诸葛亮的味道, 令人尊敬。所以在设计上会参照一些诸葛亮的造型。因为都属于魔法系角色所以和阴阳师的设计比较相像。
运用Q版设计风格会让游戏的趣味性提升, 游戏本身的亲和力大大提升, 使游戏针对的人群也不只是男性玩家了, 女性玩家也会因为这些趣味因素的吸引, 从而游玩这些游戏。
三、中西方游戏美术设计的比较
在整体美术设计上西方游戏造型线条刚劲有力, 人物造型夸张, 画面色彩比较浓厚, 多用纯色, 鲜亮干净, 视觉冲击力强, 整个美术设计的技法属于西式画法。国内游戏的美术设计线条柔和, 人物造型写实或者Q版, 在画面色彩上多为传统颜色, 邻近色, 比较清单, 画风柔美, 在技法上偏于水墨风格, 同时又吸取
浅谈平面设计中的创意来源与方法
史地 (北华大学师范分院吉林吉林132013)
摘要:作为艺术设计中的一个重要部分——平面设计是应用领域比较广泛的设计类型。优秀的平面设计作品, 不是简单地堆砌图形和色彩, 而是在于对设计作品意境韵味的表现。设计师必须让受众从文字和形式中获得丰富的想象空间, 进而再上升到情感层面的体验。所有这些全都来源于设计师的创意。创意并不是与生俱来的, 可以通过一定的方法形成获得。本文就创意的来源与方法进行了探讨。
关键词:平面设计;创意思维;来源;方法
何为创意?如果我们仅从单纯的文字释义上来看, 创意可以解释为有创造性的想法与构思。著名的创意大师赖声川认为创意是破除原有的种种束缚, 创意还需要跨越原有界限。创意在平面设计当中通常是指对于作品的独特构想和由此而表达出来的各种意境, 伴随着创作构思的整个历程。创意并不是与生俱来的, 下面就创意的来源与方法进行探讨。
一、创意思维的来源形成
(一) 继续加强平面设计的基础理论知识体系的丰富和完善
作为一个合格的平面设计师, 必须继续加强基础理论知识的学习, 建立自己对文化知识的独到见解。也就是说, 看似什么都没学, 但却什么都学到了, 在“无用”中寻找“有用”之处。纵观艺术世界史, 任何伟大的艺术家的非凡成就, 都与他们广博的知识内涵分不开的。例如, 留下无数传世画作的达·芬奇。除了被人们公认是一位伟大的艺术家之外, 实际上他还是一个颇有建树的数学家、机械师和工程师, 并且在物理和其他自然学科方面有着重要发现。当他在进行艺术创作时, 会将自然科学的理性思维融入充满想象的艺术设计作品, 增添了艺术作品的无穷魅力。其中一个最为典型的例子是《蒙娜丽莎》, 至今都吸引了无数艺术爱好者对它的研究。历史证明, 艺术家只有尽可能多的吸收多种学科的丰富养分, 才能走向成功。站在平面设计现实的角度, 由于设计作品被用于社会生活方方面面, 必然要求设计者对这些领域有所了解, 运用丰富的知识储备形成创意思维, 以便更好地表现主题。
(二) 以饱满的热情细致观察生活
从某种意义上来说, 热爱生活是设计师追求创意的必经之路。只有热爱生活动, 设计师才会时刻注意生活细节的点点滴滴, 保持艺术敏感度, 抓住那些创意灵感迸发的瞬间。平面设计作品大多服务于普通百姓的日常生活, 而运用日常生活中的事情、语言作为设计元素, 其作品很容易被公众所接受。一个聪明的设计师往往就是从最普通、最习以为常东西上面找到创意, 并赋予它另一个新的象征意义。从另一个方面来看, 细致观察生活可以锻炼设计师的观察力、分析判断力和创造力。这些能力的结了西式画法的精髓。
文化对一个国家或者一个地区有着特定的影响, 它决定人们生活的方方面面, 当然对游戏产品也起着至关重要的作用。诸多游戏形态与文化有着密切的关系, 在设计游戏时要考虑游戏所面向的区域和对象, 进行准确的市场定位, 针对不同的市场, 需要采取针对性的文化策略。这使得本土设计师有更大的优势, 设计师长期受到本土文化的影响, 比较容易把握玩家的审美趣味和价值观念。人们在看到自己心中的英雄形象, 自然会感到亲切, 更具有亲和力, 这样有助于保护本土文化。
合运用影响了设计创意的形成。设计师必须在日常社会生活中将重点放在那些能力的提高上, 促进创意创造性思维的形成。
(三) 天马行空的想象力和联想力
对设计师来说, 最有价值的能力是天马行空的想象力和联想力。当设计师处于创作状态时, 思维活动是极其活跃的, 不能受到固有观念和定势思维的制约。生活中的任何事物和现象都有设计师进行深入研究、想象和联想的价值, 让设计师的创意思维在无尽的空间里弛骋。例如, 一个非常简单的圆形图案, 在设计师的眼中, 可能会被联想到是一个句号、星球、眼睛、甚至可以是万物圆满的结局等等。在平面设计的实践中, 往往设计师的创意过程就可以被理解一个对事物进行想象和联想的过程。设计师在创作过程中, 能够通过各种创造性的想法和创造性构图表达设计作品的主题意义和艺术表现力, 这是一个相当漫长而复杂的构思过程。这个过程的最终实现不仅考验了设计师的艺术修养, 更需要充分运用好天马行空的想象力和联想力, 从而寻求到作品形式和情感的最佳组合。
二、平面设计创意方法
当前, 我国许多设计师以西方设计价值取向为主, 设计作品风格趋向西方的作品风格, 使得作品的模仿痕迹无处不在。如何才能突出中华民族文化的鲜明特征, 摆脱当前的发展困境, 成为中国设计界一个十分紧迫的现实任务。
中国的设计文化要想真正地确立, 就应该从传统和现代两个方面深入地研究, 以形成自己明确的设计理念。这需要吸取传统文化中的设计思想精华以及工艺美学的哲学观念, 并结合今天的时代精神和物质需求、科技水平和生活方式, 来创造出我们这个时代的“传统”。要把中国传统文化的精髓, 融入到西方现代设计的理念中去。这种相融不是简单相加, 而是在对中国文化深刻理解上的融合。例如中国银行的标志, 整体简洁流畅, 极富时代感, 包含了中国古钱币, 暗合天圆地方之意。中间一个巧妙的“中”字凸现中国银行的招牌。这个标志可谓是靳球强融贯东西方理念的经典之作。
作为一名设计师, 将中国五千年文化资源应用于我们的设计, 设计出具有中国传统文化特色的设计作品, 是每一位设计师的责任与义务。只有这样设计作品中创意才更有意义和价值, 也只有这样中国的设计才能越走越好。
参考文献:
[1]赖声川.赖声川的创意学[M].北京:中信出版社, 2006
[2]刘西省.字体设计在平面设计中的重要性[J].包装工程, 2007 (10)
参考文献
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[2]孙立军, 李捷.《现代动画设计》河北美术出版社2001_3.
[3]信息产业部软件与集成电路促进中心等编著.《游戏架构设计与策划》电子工业出版社.
神人同形同性
由于历史原因，遗留下来的古希腊、古罗马的美术作品多展现为雕塑、壁画，我们只有从其中窥视当时艺术风格下的女性形象。
原始时期对女性生殖的崇拜，在这个时期逐渐降温，取而代之的是“神人同形同性”，艺术家们创作的女性自然开朗、优美健康，展现出作为人的个性和完美。
《萨摩色雷斯的胜利女神》、《米罗岛的维纳斯》均为古希腊雕塑的杰出代表，与之后出现的文艺复兴时期的代表作、达芬奇的《蒙娜丽莎》同被誉为法国卢浮宫的镇馆“三宝”。而巧的是，这“三宝”均为女性。
这两座雕塑完美地展现出女性人体美的魅力，完美的线条、完美的比例甚至完美的残缺，造就了后世艺术的不朽典范。皈依的虔诚
纵观长达近千年、被称作“黑暗时期”的中世纪，宗教思想弥漫在每一丝空气中，也渗透进了美术作品的肌理。这时期的艺术作品中的女性形象多与宗教相关，如圣母、信教女性，她们肃穆端庄、面无表情，甚至有些呆板僵硬，人物形体被人为地拉长，以显示虔诚或庄重。绘画脱离生活，趋于象征化、观念化的表达，几乎不考虑透视、远近、质感、光线等写实性技法，而是采用变形、抽象等手法。
镶嵌画《亚当与夏娃》描绘的是亚当和夏娃在蛇的诱惑下吃下苹果的情景。画面中亚当和夏娃都赤裸身体，造型呆板，没有什么体积感，夏娃也不具有女性美感，脸部和手也很简单概括，这种塑造方法是中世纪艺术的典型风格。
创作于13世纪晚期的蛋彩画《宝座上的圣母》是一幅严谨尤加的宗教绘画。端庄肃穆的神态和对称的布局，让人们感受到圣母子神圣、超凡的气氛。非写实和平面化的风格更加凸显，如强调人物的苗条身材、小巧的手和杏仁般的脸庞，忽略了宝座与圣母的透视关系等，但是圣母的神态描绘、放射状线条所显示的人体结构，展现着此画的非凡独到之处。
中世纪的绘画虽受到宗教限制，但作为一个承前启后的时期，它仍在一定程度上继承古罗马、古希腊文化，并为文艺复兴的到来奠定了基础。
人是万物的尺度
科学的进步和宗教的解放，让人们打破坚冰，开始感受到长夜之后的第一缕阳光。人们打着复兴古希腊、古罗马文化艺术的幌子，将人的价值推上了一个前所未有的高度——“人是万物的尺度”。这时期的绘画女性，个性鲜明，形象饱满，安详优雅，生活气息浓郁，彰显着人文气息。
波提切利被视为佛罗伦萨画派的重要画家，他笔下的女性形象具有优美的节奏感和淡淡的忧郁情调，充满了理想主义气息和个人化风格。《维纳斯的诞生》展现了当时女性裸体的独特魅力，画中的维纳斯婷婷而立，优雅而庄重，飘逸的长发增添了动感的美丽，迷茫的神情仿佛完全沉浸在自己的内心世界中。作者通过对神话人物世俗化的表达，体现出理想美与肉体美的完美结合。
拉斐尔画出了世间最美的圣母。他笔下的圣母典雅温柔，世俗化、人性化，绝无中世纪圣母的呆板僵硬、高高在上。这些圣母形象既有人性的美好纯真，又升华到一种完美崇高的境界。《椅中圣母》作为拉斐尔圣母画像中的珍品之一，构图精心，画法成熟，艺术家通过圆盘化形式强化了人物的柔美，而圣婴处于画面的中央，没有丝毫牵强附会之感，暖色的巧妙运用更是平添了无比亲切的吸引力。
威尼斯画派的代表提香创作了许多关于神话故事的作品，特别是晚年更加大胆自由，注重人物内心世界的刻画。《乌尔比诺的维纳斯》是人体美的新开端，提香退去了维纳斯的神话色彩，而是将她以世俗女性的形象展现在观者面前：手拿一束玫瑰，戴着珍珠耳环和手镯，优雅美丽而自由自在。暗色的背影和白色的床单更衬托出女神的独特魅力和勃勃生气。
关于女性的理想
17到18世纪，西方绘画先后经历了巴洛克、洛可可和新古典主义艺术流派，每个时期艺术理念的变动也同样引发着女性形象的变动。
巴洛克艺术追求豪华激情，强调浪漫动感，气势较之以往更加恢弘，具有很强的观赏性。这时期的女性充满了肉欲和享乐精神。鲁本斯被称为巴洛克画家之王，他的作品《吕西普斯女儿被劫》充分展示了女性丰满的肉体、满足的表情和扭动的身形，都是肉欲和享乐的代表。画家成功运用对角线的构图、远近的冲突、十足的空间动感、大量原色的对比，展现出肉欲享受的巴洛克风格。
具有浓郁贵族气息的洛可可艺术以描绘上流社会男女的享乐，以及贵族特有的生活情调为描绘对象。在表现女性人物上喜欢描写全裸或半裸的妇女，色彩追求柔和、艳丽、轻盈，可以说是对巴洛克精巧化的发展。代表画家华托是洛可可风格的开拓者，他的作品如《梳妆》，画面上的裸女色彩柔和，与身后的鲜红色帷幕形成鲜明的对比，体现出白皙丰满的肉体。而与巴洛克风格有所不同的是，艺术家巧妙地抓住了春光欲收的瞬间，展露出女性特有的诱人风情。
新古典主义以古希腊、古罗马艺术为榜样，注重素描，讲究造型和结构的严谨。新古典主义的那种古朴简洁、高贵典雅的女性形象，完全区别于洛可可艺术的娇美华丽。这个时期最杰出的艺术家当属安格尔。他所描绘的女性形象具有一种永恒的美感，线条平滑但又不乏韵律，色彩柔和却不失生动，通过展现女性理想的形体进而揭示精神意义。《大宫女》、《泉》、《土耳其浴场》等传世之作展现出艺术家对女性形体全部理想的美。虽缺乏生活气息，但他所描绘的女性形象成为学院派艺术的经典。
风格中的女人
浪漫主义注重表现个性化和强烈的情感，使用光线效果、绚丽的色彩对比、奔放的笔触和富有动感的构图来抒发情感。浪漫主义时期的女性形象更加立体形象、有血有肉，充满内涵和情感。在戈雅的《裸体的玛哈》中，玛哈懒散地躺在床榻上，双手枕于脑后，更显示出胸部的丰满；双腿并拢弯曲并遮挡住私处，使得女主角更显羞涩；突出的臀部把整个身体衬托得凹凸有致，暗示女性独特的魅力。艺术家通过玛哈来展示理性与感性的交织以及大胆创新的精神。
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随着时代的发展，写实主义逐渐成为一种艺术风格。这时期的艺术家描绘和推崇自然生活，关注并批判社会问题，艺术作品贴近生活，具有浓郁的生活气息。这时期的女性形象以平民为主，朴实自然。代表作有米勒的《拾穗者》、《牧羊女》、《晚祷》等，米勒笔下的女性形象给人以一种质朴而崇高、庄重而宁静的感觉。在地道的法国农村“以微不足道的东西来表现崇高”，从而展现艺术家心目中“真正的人物和伟大的美”。
印象派绝对是西方美术史上一个响亮的名字，这时期的画家们追求光、色和气的表现，具有清新、明亮、丰富多彩的特点。有不少印象主义画家醉心于女性形象创作，如马奈、雷诺阿、德加等，他们强调丰富的色彩关系和对生活状态的细致描绘。如马奈的《草地上的午餐》，通过对光的处理表现出女性裸体与周围环境不协调的对比；而雷诺阿《坐着的少女》则表现出光线在人体皮肤上的奇妙效果，展现了一个光影变幻的生活瞬间。
走向现代
印象派后，绘画进入了新纪元，各种艺术流派和艺术思潮如雨后春笋般纷纷涌现，女性形象也千差万别。
《阿维农的少女》作为立体主义的开端，亦是现代艺术的分水岭。创作者毕加索将五位裸体少女以超空间的形式排列在画面上，女性形体被拆解成几何造型，伴之锐利的直线和醒目的边角。多视角的构图和光线的多重分解使此画现代味道十足。《梦》描绘了一个正在休息的少女形象，少女闭着双目，表情甜美，画面用线条流畅简单地勾画出女性的结构，虽然少女面部分成两半，但容颜依旧美丽甜蜜，色彩虽然极其单纯，但画面中那大片面积的红色块和小面积的绿色块对比给人以强烈的视觉震撼。
野兽派代表马蒂斯喜欢明亮、清晰、纯净的色彩，注重画面的节奏感，从复杂的线条中抽离出简单的、概括性的线条，留下最真实、最直观、最简单的画面。《罗马尼亚人的上衣》便是代表，夸张的上衣，简单的线条，配以大块的色彩，在冲突中表现女性的自然优美。
表现主义先驱蒙克最具表现力的作品也是借女性形象来表达的，他笔下的女性暗示着对性觉醒的渴望与不安。《青春期》就是蒙克典型的性暗示作品，心神不宁的少女赤裸着坐在床边，交叉的双手和并拢的双腿烘托出紧张不安的氛围。
维也纳分离画派的克里姆特创作的《达娜厄》，运用了写实手法，描绘了一位体态丰满、娇艳欲滴的裸女。达娜厄身体刻意地扭动，紧闭双眼，鲜红的嘴唇微微张开，表情迷醉销魂；紧张的手指按压着乳房，臀部及大腿的肉感明显是作者刻意夸张的；织物的质感和漂浮的红发给人以梦境般如真似幻的状态。
无论时代如何变迁，西方绘画中的女性形象具有永恒的生命价值和艺术价值。这些绘画中所塑造的不同的女性形象，都是艺术家个人情感的流露和艺术追求，并给我们以美的享受与心灵的启迪。
（责编 知闲）
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1.以作品为例谈谈古希腊雕塑的魅力。
答：古希腊雕塑的魅力在于一种“真实的美”，它创造了一种美的综合，对于人体本身也充满了赞美，这些我们可以从这一时期的许多裸体雕塑上得以体会。米隆的作品《掷铁饼者》 高约152 厘米，雕像选取运动员投掷铁饼过程中的瞬间动作，这正是铁饼出手前一系列瞬间万变动作中的暂时恒定状态，运动员右手握铁饼摆到最高点，全身重心落在右脚上，左脚趾反贴地面，膝部弯曲成钝角，整个形体有产生一种紧张的爆发力和弹力的感觉。形体造型是紧张的，然而在整体结构处理上，以及头部的表情上，却给人以沉着平稳的印象。而且在作品中，运动员身体的线条和肌肉的雕刻都栩栩如生，这正是古典主义风格所追求的，既自然又真实。
2.米开朗基罗的艺术特色体现在哪里？
答：如果说，达•芬奇把艺术视为科学、赋予艺术以理性的话，那么米开朗基罗
则把艺术视为神圣的个人创造、赋予艺术以力量和激情。米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。他对男性人体美极力表现,甚至对女性人体的刻画也趋于男性化。他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加
姓名：pcy_Astrid
班级：默认班级 成绩： 100.0分
一、单选题（题数：50，共 50.0 分）
下面关于安格尔的描述不正确的一项是？（）
1.0 分
A、是大卫的学生
B、热衷革命
C、他的古典主义是唯美主义的古典主义
D、代表作《里维耶夫人肖像》
正确答案： B 我的答案：B 2
雕像《拉奥孔》讲的是下面哪两者之间的战斗?（）
1.0 分
A、希腊人和特洛伊人
B、罗马人和希腊人
C、罗马人和埃及人
D、埃及人和特洛伊人
正确答案： A 我的答案：A 3 拉斯科山洞位于下面哪一个国家?()1.0 分
A、德国
B、法国
C、美国
D、英国
正确答案： B 我的答案：B 4
雅典卫城的建筑主要分为几个部分？（）
1.0 分
A、4.0
B、5.0
C、6.0
D、7.0
正确答案： A 我的答案：A 5
表现主义产生在下面哪一个国家？（）
1.0 分
A、德国
B、意大利 C、西班牙
D、希腊
正确答案： A 我的答案：A 6
下面哪一个不是夏尔丹的代表作？（）
1.0 分
A、《午餐前的祈祷》
B、《肥皂泡》
C、《铜水壶》
D、《破壶》
正确答案： D 我的答案：D 7
希波战争于下面哪一年结束：（）
1.0 分
A、公元前451年
B、公元前450年
C、公元前449年
D、公元前448年
正确答案： C 我的答案：C 8 米开朗基罗的雕塑《大卫像》高（）米：（）
1.0 分
A、5.0
B、6.0
C、7.0
D、8.0
正确答案： A 我的答案：A 9
下面哪一个是宣纸的特点？（）
1.0 分
A、结构紧凑
B、不渗水
C、结构松
D、密度低
正确答案： C 我的答案：C 10
下面哪一位组织的宗教改革废除了对阿猛拉神的崇拜？（）
1.0 分
A、阿蒙霍特普四世
B、哈夫拉 C、门考拉
D、萨丁
正确答案： A 我的答案：A 11
下面哪一位将现代残存的原始部落称为社会的化石？（）
1.0 分
A、恩格斯
B、马克思
C、尼采
D、康德
正确答案： A 我的答案：A 12
世界三大雕塑体系不包括下面哪一个？（）
1.0 分
A、中国雕塑
B、埃及雕塑
C、古希腊罗马雕塑
D、印度雕塑
正确答案： B 我的答案：B 13 洛可可风格首先是从（）开始的：（）
1.0 分
A、家庭装饰
B、人物肖像
C、风景描述
D、民俗生活
正确答案： A 我的答案：A 14
下面哪一个不是法国卢浮宫的镇馆之宝?（）
1.0 分
A、《萨摩色雷斯的胜利女神像》
B、《思想者》
C、《米罗的维纳斯》
D、《蒙娜丽莎》
正确答案： B 我的答案：B 15
注重心理描写和幻觉是下面哪一项艺术的特征？（）
1.0 分
A、后现代
B、巴洛克 C、洛可可
D、达达
正确答案： B 我的答案：B 16
下面哪一位创作了肖像画《戴钢盔的人》？（）
1.0 分
A、卡拉瓦乔
B、毕加索
C、达芬奇
D、伦勃朗
正确答案： D 我的答案：D 17
下面哪一个不是多立克式的别样称呼? 1.0 分
A、多立安
B、陶多丽
C、陶立安
D、多立斯
正确答案： B 我的答案：B 18 下面哪一个是古罗马的雕塑？（）
1.0 分
A、《布鲁特斯像》
B、《巴特奥神庙》
C、《拉奥孔》
D、《萨摩色雷斯的胜利女神像》
正确答案： A 我的答案：A 19
下面哪一项不是洛可可风格的特点？（）
1.0 分
A、华丽
B、刚健
C、纤巧
D、繁缛
正确答案： B 我的答案：B 20
西方抽象绘画出现于下面哪一年？（）
1.0 分
A、1911.0
B、1912.0 C、1913.0
D、1914.0
正确答案： A 我的答案：A 21
样式主义又被称为下面哪一项？（）
1.0 分
A、抽象主义
B、印象主义
C、风格主义
D、表现主义
正确答案： C 我的答案：C 22
《拿破仑加冕典礼》是下面哪一位的作品？（）
1.0 分
A、大卫
B、赫尔岑
C、普桑
D、布歇
正确答案： A 我的答案：A 23 中国字最早的字体是下面哪一种？（）
1.0 分
A、楷书
B、行书
C、篆书
D、隶书
正确答案： C 我的答案：C 24
下面哪一个是丢勒的作品？（）
1.0 分
A、《埃森海墨祭坛画》
B、《盲人的预言》
C、《基督升天》
D、《四圣徒》
正确答案： D 我的答案：D 25
下面哪一个是欧洲的第一个史前原始洞穴壁画？（）
1.0 分
A、云冈石窟壁画
B、拉斯科洞窟壁画 C、阿尔塔米拉洞穴壁画
D、埃及金字塔壁画
正确答案： C 我的答案：C 26
下面哪一个是希腊神话中的酒神?（）
1.0 分
A、雅典娜
B、狄奥尼索斯
C、菲迪亚斯
D、德墨忒尔
正确答案： B 我的答案：B 27
绘画中把物体变成几何体的概念是下面哪一位提出的？（）
1.0 分
A、乌切诺
B、马萨乔
C、杜尚
D、塞尚
正确答案： D 我的答案：D 28 荷兰共和国成立于下面哪一年？（）
1.0 分
A、1619年
B、1609年
C、1719年
D、1709年
正确答案： B 我的答案：B 29
元代蒙古族将人划分为（）等：（）
1.0 分
A、1.0
B、2.0
C、3.0
D、4.0
正确答案： D 我的答案：D 30
“巴雪利卡”指的是下面哪一个？（）
1.0 分
A、皇宫
B、耶稣 C、教堂
D、金律
正确答案： A 我的答案：A 31
图拉真纪功柱的外表有（）圈螺旋式浮雕：（）
1.0 分
A、20.0
B、21.0
C、22.0
D、23.0
正确答案： C 我的答案：C 32
拼贴的立体主义又被称为下面哪一？（）
1.0 分
A、简单立体主义
B、综合立体主义
C、复杂立体主义
D、立体主义思维
正确答案： B 我的答案：B 33 下面哪一个神具有全埃及的意义？（）
1.0 分
A、宙斯
B、奥西里斯神
C、智慧神
D、爱神
正确答案： B 我的答案：B 34
下面哪一种砚台是中国最好的砚台？（）
1.0 分
A、澄泥砚
B、端砚
C、歙砚
D、洮砚
正确答案： B 我的答案：B 35
下面哪一项是“尼德兰”的意思？（）
1.0 分
A、低洼地带
B、高山地带 C、平原地带
D、三角洲地带
正确答案： A 我的答案：A 36
多立克式柱式建筑分为几个部分：（）
1.0 分
A、3.0
B、4.0
C、5.0
D、6.0
正确答案： C 我的答案：C 37
下面关于勃拉克描述不正确的一项是？（）
1.0 分
A、立体绘画代表人物之一
B、作品有《埃斯塔克的房子》
C、经历了20世纪最重要的两个美学运动
D、英国启蒙思想家
正确答案： D 我的答案：D 38 君士坦丁大帝于下面哪一年颁布了米兰赦令？（）
1.0 分
A、公元343年
B、公元333年
C、公元323年
D、公元313年
正确答案： D 我的答案：D 39
下面哪一个不是未来主义画派的特点？（）
1.0 分
A、强调速度
B、强调静止的表现
C、强调运动
D、强调暴力
正确答案： B 我的答案：B 40
下面关于塞尚描述错误的一项是？（）
1.0 分
A、塞尚把绘画由对客体的模仿转向了对人的心灵的表达
B、他最崇拜德国古典主义画家普桑 C、《圣维克托尼尔山》
D、重视色彩视觉的真实性
正确答案： B 我的答案：B 41
达达主义画派在绘画艺术上的两个主张分别是：（）
1.0 分
A、有意义的符号；创造品
B、有意义的符号；现成品
C、无意义的符号；创造品
D、无意义的符号；现成品
正确答案： D 我的答案：D 42
下面哪一个是埃及最大的室外雕像？（）
1.0 分
A、兽首雕像
B、狮身人面像
C、公主雕像
D、神灵雕像
正确答案： B 我的答案：B 43 名画《最后的审判》取材于下面哪一项？（）
1.0 分
A、《格林童话》
B、《奥赛罗》
C、《特洛伊》
D、《马太福音》
正确答案： D 我的答案：D 44
下面哪一个作品是薄伽丘的？（）
1.0 分
A、《神曲》
B、《十日谈》
C、《大卫》
D、《蒙娜丽莎》
正确答案： B 我的答案：B 45
下面哪一个不是《圣三位一体》画面中的内容？（）
1.0 分
A、供养人
B、圣母玛利亚 C、基督
D、犹大
正确答案： D 我的答案：D 46
苏联的至上主义画派运用（）原则。
1.0 分
A、经济思维
B、简约主义
C、抽象思维
D、精神至上
正确答案： A 我的答案：A 47
下面哪一个不是陶瓶画的四个时期？（）
1.0 分
A、几何纹样时期
B、黑绘式
C、白底线绘
D、黄绘式
正确答案： D 我的答案：D 48 下面哪一个是拜占庭艺术镶嵌画的代表作？（）
1.0 分
A、《掷铁饼者》
B、《皇后西奥多拉和她的随从》
C、《蒙娜丽莎的微笑》
D、《哀悼基督》
正确答案： B 我的答案：B 49
《博士来拜》是一幅关于（）的画作：（）
1.0 分
A、田园
B、山水
C、祭坛
D、人物
正确答案： C 我的答案：C 50
下面哪一创作了雕塑《马赛曲》？（）
1.0 分
A、大卫
B、吕德 C、达芬奇
D、卡尔波
正确答案： B 我的答案：B
二、判断题（题数：50，共 50.0 分）
马蒂斯、勃朗特都是野兽派的代表画家。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
雅典卫城的帕特农神庙是典型的多立克柱式的神庙。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
浮雕是一种介于圆雕和绘画之间的艺术表现形式。
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
西班牙一流画家马萨乔创作了著名画作《圣三位一体》。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
早期的基督教是底层劳动人民的宗教。（）
1.0 分 正确答案： √ 我的答案： √
罗可可风格是十八世纪贵族们走向没落时所崇尚的一种审美风格。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
“画身边的生活”是19世纪欧洲浪漫主义画派提出的口号。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
《萨摩色雷斯的胜利女神像》充分表现了希腊化时期的雕塑艺术风格。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
波普艺术是写实艺术的极端。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
未来主义画派最早出现在法国巴黎。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
希腊建筑艺术的伟大成就集中表现在祠堂建筑上。（）
1.0 分 正确答案： × 我的答案： ×
超现实主义代表画作《人类进化图》是恩斯特创作的。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
达达主义者采用虚无主义的态度，否定一切。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
所谓绘画性，就是绘画自身的内容。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
为了分清主次，埃及雕像中随从人员的比例大大缩小。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
文艺复兴时期的威尼斯画派的画家们注重艺术的直观感觉。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
塞尚的作品《小便池》打破了艺术作品和日常生活用品的界限。（）
1.0 分 正确答案： × 我的答案： ×
马格里特是西班牙著名的超现实主义画家。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
图坦卡蒙是古埃及新王国时期第十六王朝的法老。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
《印象日落》第一个印象画派画家莫奈的成名作。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
希腊化时期的雕刻艺术脱离了理想主义古典美的表现。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
古希腊雕像严格遵循印度人的规范，将最有特征的东西展示给观众。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
罗马人提倡宏伟、实用、力量，反对浮华、虚饰和纤巧。（）
1.0 分 正确答案： √ 我的答案： √
人类艺术历史发生在欧洲旧石器时代之前。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
《德尔夫特远眺》是维米尔风景画的代表作。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
中国古代彩陶最著名的纹饰是宽带纹。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
乔尔乔内是文艺复兴时期威尼斯画派的代表画家。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
19世纪欧洲印象派将自己的视野放在光和色彩上。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
希腊人建造的科洛姆竞技场存在的最大问题是人员无法快速疏散。（）
1.0 分 正确答案： × 我的答案： ×
鲁本斯的画作对于人物内心和性格的探索主要表现为对于放纵的生命力的赞颂。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
宏伟的建筑和个性突出的动物雕刻是罗马人最突出的伟大成就。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
古埃及文化深深地受到了希腊文化庄严、肃穆和雄伟气势的影响。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
《赫尔墨斯像》是古希腊雕塑家伯拉克西特列斯的著名作品。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
威冷道夫的维纳斯是人类最早的雕塑艺术作品。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
中性色指的是无色或白色。（）
1.0 分 正确答案： × 我的答案： ×
古典主义追求的是一种理念的美。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
米开朗基罗的雕塑充分体现了现代主义“高贵的单纯和静穆的伟大”的特点。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
古埃及人在绘画时非常重视画面的充实。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
《拿破仑在雅法鼠疫病院》是普吕东的浪漫主义代表画作。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
马蒂斯的作品《红色的和谐》很好地表达了野兽派的想法。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
荷尔拜因是一名法国文艺复兴时期的肖像画家。（）
1.0 分 正确答案： × 我的答案： ×
雕像不着色是埃及雕塑的最大特点。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
埃尔格列柯在画作中大胆地蔑视自然的形状和色彩。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
埃及的雕塑完全摆脱了尘世化的规则限定。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
《爱普松赛马》是意大利画家籍里柯的成名作。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
波普艺术就是把生活上的废弃物、生活上的日用品等拿来构成艺术作品。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
欧洲的原始时代的陶器表面没有图案。（）
1.0 分 正确答案： × 我的答案： ×
《树》是蒙德里安早期的作品，也是纯抽象的解构关系的具体体现。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
摩尔根的《古代社会》和弗雷泽的《金枝》是两部关于原始部落研究的学术著作。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
透明画法是中国手指画中的一种常见画法。（）
1.0 分
杨艳
（湖南城市学院建筑与城市规划学院0801404班24号）
摘 要：达利的早期油画作品“记忆的永恒”中, 柔软的钟表是对时间消解和质疑,聚集的蚂蚁显现为生命力的躁动。通过这些象征性形象来诠释着他的潜意识梦境, 钟表和蚂蚁都不是它的自身, 而被达利赋予了特殊的涵义。本文通过对其作品的解读, 揭示出这些烙有达利独特印记的形象所具有的独特意义和美学内涵。
关键词：软表;时间;欲望;幻象
解读达利的超现实主义创作，感受达利内心世界中激烈的斗争，从作者经历、时代背景、画的内涵。风格特点等方面剖析达利对人的意识世界的洞幽察心理分析和表达能力，深入认识理解达利通过精妙的写实语汇和永不枯竭的想象力的结合，创作出一种迥异于现实世界的，完全不同于他人的专属于达利的艺术世界。1 整体解读
油画“记忆的永恒”创作于1931 年, 典型地体现了达利早期的超现实主义风格。画面由海市蜃楼般的远景和四块钟表构成的近景组成,整幅作品制造了狂烈的视觉幻象, 并给欣赏者产生了强烈的震惊。远景: 湛蓝、淡黄与亮白色相间的天空衬托褐色、棕色的低矮山脉;山脉纹理清晰有力,天空宽阔却不高远, 刺目、迷离又带压抑。整个远景似天空映照山脉,又似海洋把山脉生成,仿佛虚无迷幻的海市蜃楼。深褐色的地平线不仅将作品分为近景和远景,而且占三分之二画面的深褐色将作品带入了深褐色营造的滞重和苍凉。然而这片苍凉生成着令人吃惊的景象:灰色的折断了的枯枝生长在褐色的石台上,一块浅灰色的软表软软地从唯一的细枝上耷拉下来,低垂而又哀伤。它似乎要唤醒斜下方白色的软体动物, 第二块浅灰色软表如同马鞍一般斜跨在这白色的软体上。这白色的半遮掩着的隐约可辨的似乎是人体,她躺卧在浓重的阴影中,无力、衰弱和颓败。软体的左侧是支撑着枯枝的石台,一块镶着金属边框的灰色软表一半儿贴着石台,一半儿沿着石台的边缘漫不经心地垂落着。它正对着一块平摆着的红色钟表。红色, 整幅作品唯一的暖色;钟表, 整幅作品中唯一没有软化保持常态的钟表。但在这红色钟表上爬满了黑色的密密麻麻的群蚁,令人骚动、不安、烦躁,甚至有些抓狂,使人闻到衰败和死亡的气息。在阳光投射的大片黑色的阴影中,这些浅灰色的软表和红色的钟表触目惊心:它们柔软无力、坚实躁动, 让人产生一种莫名的不安。2 元素分析
2.1 软表
软表(melting watch)是达利创造的超现实主义绘画中标志性形象之一,是对大众习以为常的钟表的夸张与变形。日常生活中,钟表的质料特性往往表现为金属,它们坚硬、精确、冷漠甚至是残酷地展现着自身最根本的功能———记录时间。在日常经验中,时间更准确地说是一种关于不可逆转的永远向着未来开放的时间意识。在这样的时间意识里,以谈论者自身为立足点的“现在”具有绝对优先性,凭借于现在而不是过去,过去是那已经过去了的不再是现在;同时现在不是将来,但是现在向将来敞开,将来是那即将要到来的现在。
在“记忆的永恒”中,时间表达为柔软的钟表,曲线柔和宛转,色彩灰暗,呈现出软而无力的情绪。这种“宛转软弱”如流水一般具有流动性,这种“不经意的无力”,如弱水一般孱弱、温润却又不乏韧性,如达利所说: “时间是在空间中流动的,时间的本性是它的实体柔韧化和时空的不可分割性。”日常经验中, 时间是一种线性的依次更替,过去、现在和将来以不可重复、不可逆转的方式连续。“melting”这个特性,准确地传达了时间的这种流逝和消散性。流逝和消散了的是如同流水一般不可逆转的过去了的事件、情绪和关于过去的记忆, 甚至是对于记忆的记忆。然而, 熔化了的钟表还表达了另一个特性: 凝固。达利虽然对钟表以软化、熔化的方式加以形变,但是达利的软表始终保持着钟表的完整性, 封闭性, 而不是肆意流淌;这种密闭性以“垂落于树枝”、“耷拉在石台”和“如马鞍般紧贴”的情态,显示了凝固和沉重的审美感受。软表的这种“凝固”契合了时间的另一个特征: 随着逝去的物理时间, 消失了的是生命, 留下来的、凝结下来的是对情感、生命、生存的体验和认识。时间以“流动”的方式“凝固”过去, “记忆”以“聚集”的方式召唤了不可逆转的过去,从而使时间成为了清凉如水的“时间的河流”。时间的流逝性,在达利的作品中表达为“软表”,对于个体而言, 流淌在其中的是人的经验和智慧的成熟与丰盈;以及肉体的衰败和死亡———死亡, 显现了个体时间的终结。时间的这种终结有何意义呢? 死亡是对“有生命的”、“活着”的否定, 衰败、死亡以这样“反”的经验、“否定”的经验的方式提醒生命、生存的意义。
在“软表”中, 我们能感受和分析到达利对于时间与生命的极端复杂的体验: 一方面,时间的确如日常经验中感受到的那样残酷,它不停的流逝、不可逆转、不可重复,另一方面,它的流逝如同弱水一样,在漫不经心中逝去,它温婉地流动着让人感受不到它尖锐的残酷;在人们突然发现身体的腐朽和生命即将终结的时候, 时间却又能温柔地通过记忆的聚集,召唤过去了的事件、情绪和人们的认识与智慧。对于达利而言, 时间不是硬质的, 尽管钟表的外壳铸着坚硬的金属;时间是温情的,因此表征着时间的钟表也是“柔软”的。在“软表”的温柔、哀伤、无力、无助和不经意的特性中, 达利表达了时光无情的感叹, 对生命有的无奈, 对美妙过去的追思与怀念,但也有面对过去、现在和必将到来的死亡的从容。也正是在时间的过去、现在与将来的同时到时中,记忆才能真正地持续,成为永恒———“将来”必将到来的死亡提请我们“当下”生存的意义,“当下”的躁动与不安, 召唤我们回忆“过去”———时间, 通过个体的“记忆”完成了“过去”、“当下”和“将来”的连续与永恒。
2.2 红色钟表上的蚂蚁
打破“软表与时间”中死样寂静的是爬在没有变形处理的红色钟表上的群蚁。与衰弱、哀伤的软表相比,这块红色的钟表是坚硬、甚至是热情的。在“记忆的永恒”中,蚂蚁以群体聚集的方式覆盖了大半个钟表面,它们没有目的、没有秩序、不知疲惫忙乱着,消耗着时间、消耗着生命,它们扰乱了人们对时钟显现出来的时间的判断。在物理时间的丧失中, 红色钟面上黑色的忙乱蚁群刺激了人们的烦躁、不安和惶恐。
2.3 白色的怪物
白色的软体怪物在“记忆的永恒”中是最让人疑惑和猜测的地方,它看起来像一张有鼻子、眼睛和嘴的人脸,被认为是达利的自画像。但是不需要把它如此具象化,需要关注的是这个白色软体的细节。睫毛一样的东西紧闭着,仿佛深陷沉沉的睡梦不愿苏醒;“睫毛”上方几条纹路如同老人额头上深刻的皱纹;这两个细节显示出宁静的颓败。然而,它细长的身躯匍匐在暗黑的大地上,起伏的曲线似乎在攀爬与挣扎。这粉色的身躯与沉睡的头颅展示出截然不同的力量,仿佛要爆发出暗藏的肉感与欲望。令人焦躁的蚁群和蠢动着欲望的身躯,打破了软表制造的哀伤情绪,挑起了欣赏者的骚动和浮躁。在这白色的软体动物中, 睫毛和皱纹暗示着生命力的衰败、欲望的衰退;而蠢动着的躯体却做着困兽犹斗般的抗争,企图挽回颓败、得到新生。然而这种抗争本身就是人对欲望的一种焦虑和克服:死亡在人们前面,人们无法追及但它并不遥远;肉体在人们自身之内,它太紧迫,人们无法拒绝。人们不仅感觉到时间的压力,而且感到感觉自身,尤其是身体的压力。身体的焦虑与解放, 其本性是人的生存的特殊情态, 然而当人们试图以身体、性的满足来克服自身的焦虑时,却隐藏着一种危险:在身体的快乐中忘掉生死,性脱离并掩盖了生死,显现为一种虚幻的自由。其它“符号”及意义
除了上述提到的软表、蚂蚁，还有面包、拐杖、抽屉等。通常用这些符号来诠释他的梦境。在达利的作品中，每一种东西都不是它的本体，都被达利赋予了特殊的涵义。面包是达利喜欢描绘的对象，借助它，达利可以尽情表达他对情欲的幻想。对于抽屉，达利也做了如下的解释：“有抽屉的人体与弗洛伊德精神分析的理论有关。弗洛伊德认为，抽屉代表女人潜藏的情欲。在达利的作品中，抽屉基本上是在女人体上出现，表现了达利对情欲的幻想。”达利赋予了拐杖以象征意义与前面的两种形象是不一样的。达利认为，拐杖给他的感觉是一种自信心的缺乏，然而又要表现出一种不同于往日的傲慢，因此达利曾说，拐杖在他的眼中是“死亡的象征”。结语
“记忆的永恒”揭示了这种衰败的现实与虚幻的自由间的冲突。达利的一生几乎经历了20 世纪资本主义最波澜起伏的时代:资本主义财富的积累并没有减轻人们生存的压力,相反激化了各阶级、阶层间的矛盾;世界大战导致了人们对生命的困惑、对生存的反思,这种困惑和反思在另一个极端上表现为技术主义、享乐主义、虚无主义的泛滥。技术的进步带来了巨大的生产力,同时导致了人们日益被自己创造的技术奴役,技术主义盛行。社会财富的增加使人的欲望和生存得已满足, 但同时人的欲望也变的没有规定和没有边界,一切事物和人都可成为欲望的对象。这个世界理性不再被称为绝对正确,绝对性的价值受到人们的质疑, 然而关于人的存在的智慧却还没有到来。对达利个人而言,不愉快的童年记忆、对超现实的梦境和潜意识的迷恋、对金钱的崇拜、对性的焦虑以及对无情时间的憎恨、对生命的渴望⋯⋯构成了他的全部生命存在经验。这种经验如此丰富而又矛盾,古典主义的学院训练,帮助达利创造了细腻具体、生动逼真的幻想世界。这种真实毫不留情地将欣赏者置入了达利幻想出来的艺术世界,暂时中断了人们与日常生活世界的联系,在巨大的震惊与迷惑中,反叛现实的被假想的本性。在“软表与时间”中,整幅作品充满着矛盾与冲突: 广袤的大地与细狭的天空,焦虑的蚂蚁与安详的山岩,枯萎的树丫与挣扎的怪物,软化的钟面与规整的时间,闭合的睫毛
与彰显的皱纹⋯⋯达利用精湛的技艺、奇诡的想象和超常的组合,将矛盾在幻想与思考中陈列。然而达利囿于自身的局限,他的作品似乎无力以所谓的智慧指引人们的生存该往何处去的问题。达利的作品更多地是在幻想的世界中显现人们不觉察的生存状态,他似乎要撕裂日常的平庸,揭示生命中真实的残酷、不安和焦虑。因此,达利的作品在风格上呈现出摄人心魄的震惊而不是温和的启示。这种震惊, 正是衰败的现实与幻想的自由的冲突带来的艺术感染力。
参考文献
诗词歌赋是文字艺术, 依靠文字来传情达意。 对于此类作品的欣赏, 在于遣词造句和字里行间, 在于篇章结构的建构, 在于文字所展现的意象中, 但艺术作品很大程度上是视觉的艺术, 依靠艺术作品本身在视觉空间的形象展现主题[1], 从而使得艺术文献有着独特的文体特征。
The painting, Girl with a Pearl Earring depicts a European girl wearing an exotic dress, an oriental turban, and an improbably large pearl earring. The work is oil on canvas and is 44.5 cm (17.5in) high and 39 cm (15 in) wide. It is signed “IV Meer” but not dated. It is estimated to be painted around 1665. After the most recent restoration of the painting in 1994, the subtle color scheme and the intimacy of the girl’s gaze toward the viewer have been greatly enhanced. During the restoration, it was discovered that the dark background, today somewhat mottled, was initially intended by the painter to be a deep enamel-like green.
通过上面这段关于荷兰画家扬·弗美尔的《戴珍珠耳环的少女》的描述, 美术文献的文体特征可见一斑。 首先, 美术文献具有艺术性。 艺术性是指作品通过各种艺术手段反映社会生活、表现思想情感所达到的鲜明、准确、生动的程度。 艺术性作为对一部艺术作品艺术价值的衡量标准, 主要是指在艺术处理、艺术表现方面所达到的完美程度。 美术文献主要是陈述艺术处理、艺术表现方面所达到的完美程度, 其语言具有相当的准确性和鲜明性。 例如关于《戴珍珠耳环的少女》的陈述中, 翔实描述了作品在通过线条、色彩、光线效果、布局和对比度等表现艺术家审美意境所达到的程度。
不同个体对于同一件艺术品的评价及感受不尽相同, 但这并不影响艺术品表达自身的美, 这说明艺术有客观性的一面。 美术文献写实地记载着艺术品本身的创作者、创作时间、材料运用及创作手法等。例如, 达·芬奇的《蒙娜丽莎》成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级妇女形象。 画面中的蒙娜丽莎呈现着微妙的笑容, 眉宇间透出内心的欢愉。 画家以高超的绘画技巧, 表现了这位女性脸上掠过的微笑, 特别是微翘的嘴角、舒展的笑肌, 即便是普通人也会感受到蒙娜丽莎笑容的平静安详及意味深长。 上文中关于 《戴珍珠耳环的少女 》的介绍中, 也体现出了主观性这一点, 文字描述了画作内容、作品尺寸、材料运用和色彩运用等。
美术文献的文体特征决定了美术文献翻译要运用特有的翻译方法和翻译理论。 文献型翻译强调的是源语作者同源语文化交际者之间的交际行为[2]。 译者把源语文化呈现给译语读者, 把他们放在源语文化的背景下, 让他们感觉到读到的东西本身是存在于他文化中的。 美术文献翻译不同于一般的文学性翻译, 无需特别强调感情色彩与辞藻的华丽, 但必须准确展现原文, 做到通顺易懂。
理顺逻辑关系, 整合偏长的复合句式。 翻译实际上是在理解的基础上, 在两种语言思维间相互转换的过程[3]。 译者需要用源语言的思维模式去理解原文, 然后按照目标语言用词习惯去展现原文。 示例如下:Like most revolutionary styles Im-pressionism was gradually absorbed into the mainstreamand artists such as Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin and Georges Seurat, although steeped in the traditions of Impressionism, pushed the boundaries of the style in different creative directions and in doing so laid the foundations of art in the 20th century.这一复合句, 乍看逻辑关系复杂, 我们需要层层剥茧似地理顺主次关系, “and”连接前后句, 呈并列顺承形式, “although”为后半句表示让步关系的符号, “in doing so”插入语表示结果。 翻译过程中, 应将复合句分解, 翻译成符合汉语文法及用词习惯的单句。 多采用平实的语言、简洁的用词、紧凑的句式并尽量保持原作的陈述风格。
美术文献中涉及外国艺术史、艺术流派、绘画技法、绘画材料及创作特点等专业方面的内容。 因而, 译者需要具备一定的艺术素养, 对其翻译的领域有所了解。 如果想翻译西方油画文献, 就必须熟悉其艺术流派、代表画家和代表作品。 例如, 印象派 (impressionism) 、Pre-cubist前立体派、Fauvism野兽派、Synthetic cubism综合立体画派、Cubism立体主义、Futurism未来派、Abstract art抽象派、Dadaism达达派、Surrealism超现实主义等绘画流派。 另外, 译者需要积累术语, 不了解术语不仅会阻碍翻译工作的进行, 而且可能会贻笑大方。 下面例句几个油画专题文献中经常出现的专业词汇:brushstroke一笔、perspective透视画法、finishing touch最后一笔、easel画架、palette调色板、spatula绘画抹刀、frame画框。 掌握了这些专业词汇, 才能使得译文专业准确。此外, 译者需要参照一些翻译工具书。 例如, 历史地名可以参照《泰晤士历史地图集》, 现代地名可以参照《外国地名译名手册》, 人名翻译可以查阅商务印书馆的各国姓名译名手册。
美术文献翻译需要运用一定的翻译技巧, 常用的翻译技巧如增译法、省译法、转换法都可以运用到文献翻译中。 在保持原文意蕴的基础上进行有限范围的发挥恰恰可以提高译文的可读性。 1.A basic rule of oil paint application is? “fat over lean”? 译文:油画颜料运用的基本原则要求最上层的颜料中的含油量要高于被覆盖的那一层。 译文中体现了增译法的运用。在此“fat”与“lean”指的是颜料中的含油量, 如果我们直译成“肥的覆盖瘦的”, 就会很令人费解, 因而需要采用在译文中加以解释。 2.While critics mocked at their work for its unfinished, sketch-like appearance. 译文: 评论家们嘲笑他们的作品就像是未完成的速写一样。 此句采用了省译法, 省略了名词ap-pearance。 3.Their works are recognized today for its modernity, its rejection of established styles, its introduction of new technology and ideas, and its depiction of modern life.译文:他们的作品因摒弃现存的风格, 采用新技术和引进新思想, 描绘了现代生活而在今天获得了大众的认可。 在翻译过程中将名词短语转换成符合汉语习惯的短小动词短语, 并对句式前后进行变换, 使得逻辑关系更明了。
美术文献翻译有助于国内读者更多地了解西方美术史和艺术发展现状。 由于文献本身具有文艺性和主观性的特点, 需要译者不能采用文学或是商务翻译的翻译方法和理论。 这对译者提出了更高的要求和挑战。 译者需要对美术史本身有了解, 并有一定的专业词汇量才能够胜任。 译者应深谙原文的思想内容和精神实质, 既要如实体体现原文的写作风格, 又要符合“信达雅”的翻译原则。
参考文献
[1]理查德·加纳罗, 著, 舒予, 译.艺术:让人成为人.北京大学出版社, 2007:139.
[2]王镛.中外美术交流史.湖南教育出版社, 1998:41.
一、把握名画作品中的典故
西方美术史上的名画作品通常描绘故事情节，正是这些描绘故事情节、记叙历史典故的意蕴丰富的作品才能成为名画作品。自有西方文明以来画家们常常以《圣经》故事、神话传说、历史故事、社会现实等为题材进行作品创作，因此，赏析名画作品时不知道名画作品所要表达与展示的内容，进行作品的欣赏与阐释就很困难了，体会名作传达的深刻含义与弘扬的精神就更困难了。所以说，要想赏析名画作品，体会其中蕴含的深刻意味，必须先把握西方名画作品所处的时代背景与特征、了解名画作品产生的深层原因，进而分析名作的形式与结构特点，把握作品的感情内涵。只有了解并把握了名作中典故的背景知识，才能领悟作品的深刻意蕴。
二、关注名画作品的表现特色
（一）了解构图、光线、色彩的运用技巧
构图规律是画家们系统、整体绘画的法则，众所周知，绘画中最经典的构图样式是金字塔形或三角形构图，西方美术史上很多圣母画像、肖像画等都是根据这种构图形式绘成的。后来西方画家们在这种构图样式的基础上用垂直线条加以装饰自己的作品，这种绘图方法经常被用于意大利的宗教绘画中。除上述经典的构图样式外，还有黄金分割构图、S形构图等多种构图样式。构图法则运用是否得当也体现着一个画家的艺术审美水平。三角形构图中区域的划分基本是在黄金分割构图的基础上进行的;画面中面与线的交叉运用，会使画面中的物体好像有远近、前后、高低之分，给人一种立体感;画面中的斜线以及它的平行线能够增强画面的动势，给人一种韵律感;画面中的物体如果是对称或平衡的，则能够凸显物体的静止静止状态，反之则凸显其运动状态。
绘画中能否取得最佳视觉效果，取决于画面中的物体颜色与画面整体背景的颜色对比是否明显。画面中强光的运用会降低强烈色彩的表达效果，强烈的色彩也会妨碍画作中的光线效果。了解了绘画中构图、色彩、光线、线条等的功能，会提升学生们赏析名画作品的能力，可以形成由表及里地系统分析，还可以加深学生们对西方美术史方面的知识的理解。
（二）了解西方名画中画家意念的表达
西方美术史可谓是人像的长廊，不管是具体的实物，如历史题材、宗教题材等，还是抽象概念，好像都是用人物画像来表达的。即使不是用人像来表达的，也有人的折射。西方名画作品中画面的捕捉以及意蕴的传达，来源于画家对人物的表现与处理。例如，现实主义观念的传达者米勒的名作《晚祷》就可以证明这一理论，画中辛勤劳作了一整天的农民夫妇在黄昏时分听到了从远处的教堂中传来的阵阵钟声，他们便停下手中的活进行虔诚地祈祷。画作中用金黄色这种暖色调来刻画黄昏，显然表达了画家对虔诚的劳动者的无比同情与真诚祝福，传达了画家致力于表现祥和、宁静的乡村景象，展现人性之美。
（三）体悟名画作品中的艺术精神
一个真正的、有担当的画家要有博大的胸怀与高远的志向，要致力于用自己崇高的价值观念去感染觀众。文艺复兴时期达·芬奇的著名作品《蒙娜丽莎》在此后数百年的时间内激发后代画家们创作了无数其他的艺术体裁。达·芬奇的作品《蒙娜丽莎》采用的是经典的金字塔形构图，在人物描绘上力求和现实中的人物保持一致，却又尽量删去现实中人物的缺陷，以追求理想的人性美。西方文艺复兴时期是去神性而表现人性的时期，“人”的自主意识、“人”的世俗观念、“人”追求物欲的权利等在人文主义者的倡导与追求下逐渐显露了出来。这一时期是人性、“人”的文化开始自觉的时期。所以，在教授学生们赏析名画作品时，一定要指导他们学会体悟其中的艺术精神与文化性。
三、结语
名画作品赏析是西方美术史的教学方法之一，本文通过对这种教学艺术的探析，希望美术学专业的学生们不仅要学会理论知识，还要学会感受画作独特的美，并且从中发现形成美的技巧与规律，从而提高他们对绘画艺术语言与形式的感受力，并不断提高他们的审美境界。
