写意山水教案（共8篇）
海南大学艺术学院
李德真
《写意山水画》教案
班
级：2007级国画班
授课时间：2010年04月27日至05月14日
科
目：写意山水画
课
题：中国写意山水画的笔墨技法 课
时：48学时 学
分：3学分
一、教学目的及要求
写意山水画的教学目的是为了培养学生掌握写意山水画的表现技法和艺术形式，要求学生从临摹古今优秀的写意山水画作品中入手，逐步掌握写意山水画独特的造型、章法和绘画技法。写意山水画在表现形式上的主要特征是笔墨的运用，并以笔墨为媒介来体现作品的思想情感和境界。通过本课程的学习,要求学生掌握写意山水画“意象造型”的特点，学会运用哲理性的思维去感悟写意山水画的意象造型原则、笔墨表现形式和意境要素的生成以及对时空处理的特殊性。
二、教学内容
1．写意山水画的意象造型
中国画的造型，一直主张“以意立象”，而不是自然物象的完全模拟。这里的“意”有两层意思：一是指物象的内在规律和生命力； 二是指画家的主观感受和情思。用这种“意”去“立象”，必然包含着主观与客观的因素。这里的“象”既有客观的“形”，也有主观的“象”。所以，由客观的“形”变为主观的“象”这当中有一个加工改造过程，即是意象造型的过程。
山水画意象造型的核心是对自然景物形神的总体把握。东晋画家顾恺之不以自然物象的形似为满足，明确地提出“以形写神”的主张，把“传神写照”作为绘画的最高境界。从此追求神似成为中国画造型方法上的准则，人物画家要刻画出人物的精神气质，花鸟画家要写出花木禽兽的勃勃生机，山水画家要描绘山川的神采气韵。为了一幅画的神似、意似，画家甚至采取“遗貌取神”的表现手段，以达到神完意足的目的。近代山水画大师黄宾虹说：“画有三：
一、绝似物象，此欺世盗名之画；
二、绝不似于物象者，往往托名写意，鱼目混珠，亦欺世盗名之画；
三、唯绝似又绝不似于物象者，此乃真画。”这是对意象造型核心内容精辟的论述。
2．写意山水画的笔墨表现
写意山水画在表现形式上的主要特征是笔墨的运用，如同西方绘画的色彩运用一样。笔墨不仅是画家表现自然物象的媒介，还是画家抒情达意的载体。也就是说，笔墨是主观世界反映客观世界的一种手段，画面中山川树木的神情生气完全是通过笔墨体现出来的。因此，历代画家十分注重笔墨，而且总结出完整的山水画用笔用墨的理论，讲究笔法、墨法，追求笔情墨趣之美。在用笔墨表现自然景物时，由于画家对客观物象的思想感情、感受不同，笔墨的表现就各不相同，就形成山水画多姿多彩的艺术风格。山水画笔墨之美还表现在以书法的笔意入画的形式美。中国有“书画同源”的理论，从晋、唐时代起，画家就把书法艺术引进了绘画，使中国画的笔墨发展成为具有丰富形式趣味的、有艺术强度和力度的表现手法，更具有独立的审美价值。
3.中国山水画笔墨技法
（1）.笔法：笔法就是用笔之法。用笔首先是执笔，正确的执笔方法应该是指实、掌虚，握笔略高为好。以拇指和食指捏住笔管（拇指向上倾斜，食指向下倾斜，两指相对捏住笔管），中指由外向内勾住笔管，无名指由内向外抵住笔管，再以小指贴在无名指内下侧，协助无名指推挡。这样笔管在手中既稳当又灵活。指实就是手指捏笔管要实在，要用力捏紧，又不可太紧。掌虚就是掌心要空灵。捏毛笔切不可像捏钢笔那样，握笔略高为好，便于使转。
在掌握执笔方法之后，还要懂得运腕方法。正确的运腕方法应该是“腕平掌竖”。掌能竖起，腕才能平；腕平，肘才能自然悬起。肘腕并起，腕才能够灵活运用。小画提腕，大画悬肘。一般作画只运臂、运肘、运腕，惟极精微处可以运指。这虽属常识，但总关全局。初学者起手入门要有个高的标准，否则一旦养成了坏习惯就难改了。
用笔的内容包括“起笔”、“行笔”、“转折”、“收笔”四个方面。“起笔”是指笔画的开端，“收笔”是指笔画的结束，起笔和收笔是线条形成的关键。按照笔法要求，起笔要像书法楷书下笔那样，做到“竖笔横下、横笔竖下”，“欲右先左、欲下先上”的笔意；收 笔要“无垂不缩，无往不收”，即勾线至尽处，应把笔收回，通常称为回锋。笔的运行造成各种线的动势，直接关系到线条的气质和绘画的气韵。因此，行笔的过程中是很讲究波折的，通常称“一波三折”。所谓“波”是指掌握用笔起伏的形成，“折”是指行笔运转的方向变化。行笔中，要使笔锋始终在笔线的中间，用力要均衡、沉着，有分量、压得实，线条才不至于飘浮；行笔要自然流畅，洒脱自如，就要求在勾线时胸有成竹、一气呵成，富有连贯性；行笔要富有节奏，富有弹性，笔画有轻重、缓急、起伏、顿挫的变化。总之，行笔要做到“快而不飘，重而不板，慢而不滞，松而不浮”，以追求自然流畅、生动灵变、沉稳有力的艺术效果。
当代山水画大师黄宾虹对中国画的用笔，曾提出过这样的主张：（宜圆、宜平、宜重、宜留、宜变。）他阐明了中国画用笔的本质规律。
圆——是指圆笔中锋勾线，（如折钗股）线条圆润、有力、挺拔；平——是指行笔平衡稳健，（如锥画沙），用力均匀，处处着力； 重——是指用笔厚重，如（高山坠石）要有力度，有分量； 留——就是要沉着用笔，（如屋漏痕）控制住线条的运行，不至于留不住而“滑下去”；
变——这里一个“变”字很重要，“变”是灵活变化、不拘成法之意，要根据描绘对象的各种因素而有所变化，去追求用笔的气格、韵味。用笔要讲笔法。中国山水画的笔法主要有中锋、侧锋、逆锋三种。由这三种运笔方法又变化出点、厾、皴、擦、拖等多种笔法。
中锋用笔，是指执笔端正，笔锋基本上在笔线的中间。这种线饱满、丰实、壮健，取其圆、厚、重，多用于表现结构的主线。
侧锋用笔，是使笔杆倾斜，甚至横卧，不但用笔锋，有时候也用笔身乃至笔根接触纸面，笔锋常偏向线的一边。这种用笔变化多，既同画出线又可画出面，具有表现力强、变化丰富生动的特点。
逆锋用笔，是笔锋在前逆向而行，与通常用笔方向相反，既了画中锋笔线，也可画侧锋笔线。这种用笔由于笔锋在推进中遇到阻力散开，就会产生变化较丰富的飞白效果。这种笔法比较滞涩、泼辣，多数是结合其他用笔运用的。
以上三种笔法，在作山水画过程中，经常是综合交替运用的。画家必须根据内容表现的需要，恰当地把多种笔锋的运用结合起来，才富有表现力。
（2）.墨法：墨法就是用墨的技法。清沈宗骞说：（用墨之妙，在于以墨随笔），说明用墨与用笔是分不开的，墨法是通过笔法来完成的。用墨与用水的关系也很大，只有笔、墨、水三者的巧妙运用，才有“墨分五色”之说。即由于笔含的水墨多少不同，墨色可以呈现出从浓到淡五个层次——焦、干、湿、浓、淡。这是大体的划分，实际运用起来，深浅的变化还会更丰富。墨的运用宜在单纯中求复杂，在统一中 6 求变化。一般以一种墨色为主，兼用其他，局部的变化不宜过大，大了就会“花”而“乱”失去整体感。
对用墨的要求：干墨不枯，须腴润、不焦躁；湿墨不滑，不能涣漫、无笔力；浓墨不浊，不能呆滞，要笔迹分明；淡墨不薄，要有厚度，见骨力。
常用的墨法有以下几种：
浓墨法——墨中掺水较少，色度较深，用以表现物象的阴暗面、凹陷处和近的景物用浓墨不可过量，过多容易板滞、不生动。所以用浓墨必须沉着洗练。
淡墨法——墨中掺水较多，色度较浅，用以表现物体的向光面、凸出处和远处的景。淡墨容易产生软弱无神之弊，所以用淡墨要明净无渣，要“淡不浮薄”。
蘸墨法——将干净的湿笔笔尖蘸墨，使墨由笔尖向笔根自然渗开，形成由浓到淡的丰富色阶。这种墨法丰富而自然，富于韵律。破墨法——是指墨与墨重叠的方式，它是两种色度不同的墨、不同水量的墨在尚未干时的重叠，渗化处既分明又模糊，具有一种丰富、浑厚、滋润的美，墨韵随之而生。常取方式有浓淡互破、枯润互破、水墨互破等；形态上有点、线、皴、擦对面的破以及面对点、线、皴、擦的破。
积墨法——是指一种湿墨对一种干墨的重叠。通常是淡墨对浓墨的重叠，也有小面的浓墨对淡墨的重叠。积墨法在山水画中一般用在表现浑厚、浓郁的地方以及某些对比与气氛中的特殊效果，有时也藉以补救勾勒的败笔。
泼墨法——是泛指大墨量、大面积、大笔头的作品绘制方法。这种方法有一种自然感和力度，有很大的偶然性和随意性，容易出现既在情理之中又有意料之外的效果。泼墨法之难在于形的概括，在于既不能混沌一片，又不能笔笔分明，要既分明又朦胧，适用于追求情趣、感觉以及在造型上无需很严格的题材与物象。
焦墨法——是指以浓墨渴笔来描绘自然物象的表现方法。因笔中水分少，勾出线来有“毛”的感觉，另有一番效果。
此外还有宿墨法、胶墨法、没骨法等等，但是不论采取哪一种或是混合运用的墨法，都要注意墨色浓淡干湿的变化以及墨自由渗透的特点。
4．写意山水画的意境要素
写意山水画很讲究用笔用墨，同时也很注重意境的创造。所谓意境，就是山水画所体现的思想情感的境界。意境的构成，是外界客观存在的自然景物在画家头脑里的反映结果。也就是说，是画家面对自然山川，从触景生情到寓情于景，画景是为了抒情，用笔是为了达意，最后达到了情景交流、物我两融的境界。这就是意境创造的过程。这时，画中所描绘的已不是单纯的自然景物，而是“山性即我性”，“水 情即我情”，两者交融在一起，倾注于画面，体现出画家的情愫和自然景物的神韵，由此而产生的意境，才能“夺人”。
山水画与诗的结合是唐代水墨山水画家王维开创的，使山水画赋有了诗的意境，“诗中有画”，“画中有诗”，两者相得益彰，使画中意境味之无穷，更具有感人的艺术魅力。5．写意山水画的赋彩特色
“随类赋彩”是中国画设色的基本原则，这个“类”即是指客观对象。同类赋同色，也是指不受客观约束，而是依据画家主观意识，因意而赋的“类型色”。遵循这个原则，山水画的设色基本上是从自然景物的固有色出发，色彩的变化一般也只是固有色明度上的变化，并通过整幅画，使色彩的配合达到相互的对比和映发。山水画的着色，虽着重平光下的固有色，不同于西洋画那样去描写在光的映照下色彩所发生的复杂变化，但并不完全排除自然光线影响下的环境色，在表达特定的内容和环境时也适当地采用。但是画家更注意的却是色彩对人的感情的感染力，不拘于对象的自然色彩，而是按所表现的主题需要，对色彩进行主观的设计和创造。
写意山水画的用色多数是在笔墨已完成基本造型之后进行，色彩是在这个基础上发挥作用的。在色与墨的关系上，既要“以墨为主，以色为辅”，还要“色不碍墨，墨不碍色”，又须“色中有墨，墨中有色”，使色墨交相辉映、相辅相成。除大青绿重彩山水外，一般水 9 墨山水着色与笔墨运用一样讲究用笔，要注意色彩浓淡干湿的变化，不宜平均填涂。这些都是中国山水画在设色上的特点。6．时空处理的灵活性
山水画“意象造型”的特点，决定了在章法布局上的“自由性”，决定了它能够灵活地处理空间与时间的关系，突破了自然真实的限制，以创造情景交融的意境。时空处理的灵活性表现在三个方面：
意象时空的处理方法――可以根据表现内容的需要，突破空间的限制，将天南地北的山川融为一体，也可以将水中陆地的景象巧妙地绘于同一画面；为了表现主题的需要，还可以突破时间的限制，将春夏秋冬景色置于一图，将日月星辰置于一景，让古代与现代在同一画面上共存。
“三远”及“散点透视”的处理方法――所谓“三远”即高远、深远、平远。高远就是仰视，深远是俯视，平远是平视。“三远”是中国山水画特有的远近处理法，奠定了中国山水画灵活地处理空间关系的基础。在有些山水画的章法里，同一画面采取了三远中的几种方法来画。可以上半幅用平视法，下半幅用俯视法；也可以上半幅用高远法，下半幅用平远法。长卷等横幅形式的远近关系，常用“散点透视法”，即画家的位置和视点是不固定的，可以上下、前后、左右移动，突破了空间制约来处理景物的表现方法。
空白背景的处理方法――山水画在构图时，常留有大块空白，或上空，或下空，或左空，或右空，也可中间空。白可以作为云烟回荡 于空间，白也可以作为水流穿行于大地。空白留得好，不仅突出了主体，并且使整个画面因此显得灵活而生动起来。
7．写意山水画是诗书画印结合的艺术
诗、书、画、印的结合，是在中国画发展过程中形成的，已成为我们民族的审美需求。如果一张画没有题款和印章，就像画未完成似的，总觉得有些缺憾。
题款中诗文、书法的好坏和钤章得当与否，都关系到整幅作品的艺术效果，甚至从画中的题款和印章来审定画家的艺术修养程度。因此，历代画家十分重视题款和钤章的研究。题款是一首诗还是一句话，是一段散文还是一个题目？款题在什么地方，题一行还是两行？包括用什么字体，用浓墨还是淡墨？这些都要深思熟虑。对于印章的内容、形状、大小，是朱文还是白文，是粗犷还是纤细，盖一枚还是两枚，均要反复推敲。有修养的画家，善于题跋和用印，会给画面增添不少意想不到的效果。应该说，题款和印章是山水画构图的需要，是立意的需要，是造境的需要，虽然诗、书、画、印都是独立的艺术品种，在山水画里却有机地联系在一起，发挥着各自的艺术功能，又相互配合、相互映衬，构成一件完整的艺术品，形成中华民族绘画形式上的传统特色。
1.历代写意山水画名师作品分析，重点分析作品的创作特点、手法及表现形式。2.教师示范及讲解。3.学生作业点评。
（三）重点和难点
重点：写意山水画的笔墨技法。难点：写意山水画情感意境体现。
（四）教学方法和手段
a)运用多媒体教学手段打破传统教学的局限性，通过历代写意山水画名作的观摩和赏析，使学生在感性上对写意山水画产生直观的认识。
b)本课程是从写意山水画临摹入手，理论讲解与实践技法要充分相互结合，讲解与示范要尽量同时进行。
c)通过写意山水画的临摹，使学生将所学的写意山水画基本理论知识运用于实践，并初步掌握写意山水画的基本技法。使学生学习和了解中华民族绘画的优良传统，珍爱自己的民族艺术，弘扬民族文化。
d)及时提出和解决学生常犯的毛病（如笔墨技法、透视原理、赋色规律等经常出现的毛病）。
e)适时指导学生课外临摹历代写意山水画名作，使学生较快较好的理解和掌握写意山水画的表现技法，从而达到向名师学习的目的。教具 参考资料：
以中国历代写意山水画名师的作品及理论为主要参考资料。
（五）教学过程 第9周（共16学时）1．理论讲授（与实创作同步）
（1）.板书,讲解写意山水画理论。
2学时（2）.历代写意山水画名师作品赏析。
2学时 通过历代写意山水画名师作品赏析，引导学生对作品的题材、构图形式、笔墨技法等得到初步的认识，并能从中得到启发。
（3）.写意山水画临摹示范
2学时 A.通过板书介绍写意山水画的作画步骤及特点。B.通过示范介绍写意山水画临摹需要注意的问题。C.通过示范介绍写意山水画临摹的方法，同时要让学生注意画面的构图、比例等。
D.通过板书及示范分析花鸟画的艺术形式。
E.引导学生从原来的明暗、光感观念中转换到以阴阳相生思维思考问题。
2.写意山水画临摹
10学时
作业规格：以四尺6开或四尺8开为主
作业内容：写意山水画临摹
作业数量：小幅写意山水画临摹8张以上。
教学过程：
（1）.分析写意山水画临摹的步骤，讲解笔墨技巧。
（2）.巡回检查作业进展情况，提醒学生应该注意的问题。
（3）.及时解决学生在创作中出现的问题，必要时进行示范、讲解。
（4）.不断地启发学生体会写意山水画的意境内涵。
（5）.定时点评学生作品的优、缺点，及时解决学生存在的问题。
第10-11周
1．写意山水画创作
32学时 作业规格：四尺3开或半开白 作业内容：写意山水画创作 作业数量： 6张以上。教学过程：
（1）.分析写意山水画创作的步骤，讲解写意山水画的创作技巧。
（2）.巡回检查作业进展情况，提醒学生应该注意的问题。
（3）.及时解决学生在创作中出现的问题，必要时进行示范、讲解。
（4）.不断地启发学生体会写意山水画创作艺术构成形式。
（5）.定时点评学生作品的优、缺点，及时解决学生存在的问题。
（六）教学小结
近代以来的山水画教学与创作中,这一绘画观念被分割为外景写生和室内创作。写生就成为了学生体验生活、搜集素材、整理构图的基础课,而真正意义上的“写生”也就随着这一简单的解释与理解被人们越来越忽视。正因如此,我们有必要对“写生”进行回归文化本源式的理解和实践。
宗炳、王微、荆浩、范宽、黄公望、石涛、黄宾虹等绘画大师的艺术足迹中无不透露出对造化的眷恋与神往。中国早期关于山水画的论述有顾恺之的《画云台山记》、宗炳的《画山水序》、王微的《叙画》等,这些著作都反映出早期山水画是画家通过观察自然、提炼加工而成的写景山水,其中包含着我们今天所理解的诸多的“写生”要素。其中,以《画山水序》最为显著,此书是我们今天研究山水画思想产生根源的重要资料。《画山水序》中讲到:“轩辕、尧、孔、广成、大隗、许由、孤竹之流,必有崆峒、具茨、藐姑、箕首、大蒙之游焉。”宗炳本人也是“眷恋庐、衡,契阔荆、巫”。细读文章就会发现,画家对这些名山大川的游历,是本着“晗道暎物”“澄怀味象”“以神法道”“以形媚道”的高旷神思进行的。日本中村亮平氏曾撰文指出:“彼(宗炳)之作风,于写生之外,复含有高远之理想,……山水画之基础,盖成于彼也。”宗炳认为山水画是对“昆阆之形”“嵩华之秀”的描写,不是“迫目以寸”的刻画,其实就是“应会感神,神超理得”的“畅神而已”。南朝的王微在《叙画》中更明确地指出:“夫言绘画者,竞求容势而已。且古人之作画也,非以案城域,辨方州,标镇阜,划浸流,本乎形者融灵,而动变者心也。”所以说,真正的“师造化”,其意义不言而喻,中国山水画自产生之时就决定了在世界画坛中的独特之处。
唐代王维在《山水诀》中认为:“春夏秋冬,生于笔下。”一个“生”字就告诉了我们,绘画上的四季,不是自然四季的机械翻版。宋元时代的山水画,既注重位置经营上具有自然之致,同时对笔墨的运用又具空灵之韵。王维之后的许多山水画家都更加具体地谈到了对写生的看法,荆浩在太行山携笔书写古松“凡数万本”,自以为“方如其真”,但在与一位老叟的对话中才明白了什么是真正绘画意义上的“真”。笔下“一片江南”景色的董源,更是“多写江南真山,不为奇峭之笔”,又“近视之几不类物象,远观则景物粲然”。苏轼在《东坡论山水画》中提到李公麟作山庄图“使后来入山者,信足而行,自得道路,如见所梦,如悟前世;见山中泉石草木,不问而知其名,遇山中渔樵隐逸,不名而识其人”。这倒不是因为其“强记不忘”,而是“不留于一物,其神与万物交,其智与百工通”的结果,是人的主体精神融入了所描绘的客体中去,将人作为主体的心理感受以“超以象外”的形式描绘出来,否则就成了客体的奴隶,从而失去中国画特有的审美特征。
元代山水画基本上成为文人画家抒发内心情感的一种艺术方式,更有论者称“元画主要题材是‘书斋山水’”,以此区别于宋代的“游观山水”。但元代对真山实水的取材也是显而易见的,黄子久“皮袋中置描笔在内,或于好景处,或树有怪异,便当模写记之,分外有发生之意”,他不仅对景“模写记之”,而且“有发生之意”,这才是真正的写生情态。倪云林“扁舟箬笠,往来湖泖间”,其山水作品中明显的三段式构图就取材于太湖一带的自然景色。由此可见,写生与创作是相互交融的,二者在“画道”的层面上都具有内在的“写意”性。明清以降,文人画末流画家所形成的对笔墨形式的机械堆积,正是忽略了山水画的“写生”传统而陷入闭门造车。相比之下,现代人的绘画作品又更多地受制于客观外物,淡化了对于笔墨功夫的锤炼。
近代山水画家李可染从1954—1960年进行了大规模的游历写生,大量的写生实践积淀了他“精读自然”的艺术体验,也由此确立了他在中国画坛上的地位。从早年出版的《李可染水墨山水写生画集》中就可看出,李可染的写生决不是仅以简单的“搜集素材”为目的,他的写生作品是用传统的笔墨来表现所见所感,形成其亦古亦新的个人风格。他牢牢把握住了中国画的“笔墨”这个根本,让单个的线和点都具有审美性,具有典型的东方艺术审美特点。傅抱石先生在《谈山水画写生》中谈到山水画的写生方法时,归纳为“游”、“悟”、“记”、“写”四个方面,这是比较符合中国绘画的创作规律的。
其实，在清代石涛就提出“至人无法”的观点，（虽然石涛所说的“法”不完全等同于创作程序），“古人未立法之前，不知古人法何法？古人既立法之后，便不容今人出古法……师古人之迹而不师古人之心，宜其不能出一头地也”，“无法之法，是为至法”。郑燮则主张“胸无成竹”，认为胸有成竹不过是意在笔先的定则，胸无成竹才是趣在法外的化机；郑燮又说：“未画之前，不立一格；既画之后，不留一格”，认为在作画之前不应为既定的法则所限制，在画完之后则应达到有法而又无法的自然天成的化境。在对历代山水画经过了多年朝夕揣摩之后，叶建光由渐修而顿悟，他的作画过程开始追求这种自由抒发性情的满足感。他如是说：“我的山水画创作，意态忽忽，莫知吾心中有竹，更是胸无成竹，一切从石或树开始，整幅画就是一次又一次的思考过程，山石树木，舟桥人物，云水苔草，随机而化。整个创作过程就像一次游历和赏观，身心处于愉快、创造、变化的过程之中……中国山水画应该这样画，这是充满庄子心物遨游式的智慧的画法，最无拘无束的自由，最惬意的身心畅快的游山玩水式的创造。”他认为“创作的过程与结果相比更重要。这种注重创作过程的心态无疑更接近于艺术的真谛。面对白纸，他从容落笔，随势生发，任凭自己的思绪在画纸上驰骋，任凭自己的心性在挥洒中释放，手随心至，心随笔转，意在笔先，景在笔后，触景生情，情随意出。画面最后的结果如何他事先一无所知，与庖丁解牛“官知止而神欲行”的境界颇为契合，近乎达到一种“精神上的逍遥”。
叶建光反对画家只拘泥于专业而对其他相关艺术门类置若罔闻，拿他的话说就是，文人画是文人画出来的，应该具有文人特有的精神内涵。一个对诗歌、书法、篆刻等传统国粹半知半解的人，他的绘画道路是可疑的。实际上他自己本人除了画家身份外，还是有较高造诣的诗人、书法家、篆刻家。绘画对他来说就象一棵成材较晚的树，在不为人知的深山幽谷中缓慢生长，吸收着日月山川之精华，当被人们发现时已卓然不凡。在历代山水画创作中不乏由书法悟画法的大家，黄宾虹先生即是其中的佼佼者。“欲明画法先究书法”，“中国画法从书法中来”，明白这个道理对山水画创作是至关重要的。与此紧密相连的是笔墨在遗貌取神的审美框架中所起到的作用，黄宾虹对笔墨的研究及运用也达到了远超前人的境界。正因为如此，对作为书法家的叶建光来说，这也是人们只知其书不知其画，能在较短时间取得较大成绩，异军突起的主要原因。厚积薄发，就是这个道理。他反对在创作过程中拘泥于客观对象，在写生过程中直接对景斤斤刻画，主张超越于客观对象之外的自我表现，使主观意志凌驾于客观对象之上，中国画的优势恰恰是写意性而不是写实性，正如清代戴熙所言：“画当形为心役，不当心为形役。”他师造化，观察和体验自然山川的客观规律，通过视觉对客观自然进行观察分析和提炼综合之后将其结果记录在大脑中；他师古人，通过理性对古人作品中所蕴涵的审美精神及笔墨语言进行体味和思考，追求古人醇厚含蓄的气格，寓灵秀于苍茫，藏机趣于逸宕。
总体而言，现代中国画创新可分成两条不同的道路：一条是以林风眠、徐悲鸿、高剑父等为代表的借鉴西洋画改造中国画的“中西结合”的道路，另一条是以黄宾虹、齐白石、潘天寿等为代表的在继承传统的基础上进行创新的“古今融汇”的道路。前者的探索也许更具历史意义，但由于中西艺术原理之间的巨大差异，使后者虽然仅在本土艺术的范围内加以变革，但由于他们站到了历史巨人的肩膀上，因此能够摘取丰硕成果，使中国画的继承与发扬具有了复兴的意义。可见，虽然绘画作为意识形态的具体表现之一与人的生活内容及感受有密切联系，但并不意味着现代人延续古人的绘画创作模式就是毫无意义的。相反，人们越来越清醒地认识到：否定传统创作模式将会给中国画带来承传关系上的断层，使中国画的创新失去固有文化的支撑和文化高度的延续。显然，叶建光所走的正是一条黄宾虹、齐白石、潘天寿等人曾经走过的道路，他延续了传统山水画的创作模式。
除了“读万卷书”外，和其他许多当代画家不同，叶建光还名副其实地“行万里路”——他除了去各地写生还曾走出国门考察，对西方艺术的生成环境及历史积淀以及当代艺术思潮走向有了广泛的了解，眼界开始看远、看深、看高、看亮。正因为具有这种世界性眼光，他清醒地认识到中国画在世界艺术之林中的独特价值与崇高地位。他不但不走“西洋画改造中国画”的道路，反而更加坚定了回归传统的“新古曲主义”式的家园守望，可谓用心良苦。正所谓“不畏浮云遮望眼，只缘身在最高层”，他胸襟旷达，志趣高雅，见识超群，在创作领域中高瞻远瞩，直接取法宋元明清诸大家，挣脱自然表象的桎梏。直抉万物内涵的规律，将胸中的“万卷书”转化为作品中超凡脱俗的气息。显而易见，他在艺术上所取得的成就，皆因建立在“读万卷书”和“行万里路”的基础上而水到渠成。
历史上凡有大作为的山水画家，在自己的创作生涯中都走着一条师古人又师造化的创作道路。从宋元明清众多的山水画大家到当代的黄宾虹、李可染等，大多是沿着这条道路走过来的。山水画家叶建光也是选择了这条道路。他尊重传统，学习传统，师古人之法，更师古人之心，把传统山水的笔墨进行了吸纳、移植与重组，在依然是长线、短皴之中，不露痕迹地融入现代语境，使画面中的意象塑造、诗意表现、情怀深思更富于时代性与现代感。展示心灵中的“精神家园”图景。面对叶建光的山水画作，可以看到景、情浑融一体的自然韵致，既有笔墨的飞动飘逸，机变百出，又有笔墨意象向真实感受里的深刻切入，真可谓“山川与予神遇而迹化”矣。叶建光的山水是在新的皴法、点法和笔墨结构中，使人感到言之有物，亲切自然。山川丘壑经过他笔下的“冶炼”，变得含蓄隽永而意味无穷，文人画的那种天籁、率意、自在、朴拙被赋以一种新的构成形式。这样既是对传统笔墨情趣的回归，也是对写生的一种新的阐述。显然，读叶建光的画，重点还不在于关注他的笔墨之趣，而是他在画境中流露出来的人文关怀。他是以中国画宏大的传统为土壤的，是在中国山水画精神层面上，强化个人独特的生命体验，在其心物观照的瞬间，凝聚升华，物化于水墨天地的雄秀蓊郁中。
活动目的：提高学生的民族自豪感和培养学生的审美素质。
1、情感目标：
中国花鸟在我国民族绘画中，有着悠久的历史和深远的社会影响，花鸟画早在唐代便独立成科，后经五代的“徐黄异体”和宋代院体派、文人画的推陈出新，使花鸟画得到了空前的繁荣和发展。明代以陈淳、徐渭为代表的一批画家，把笔线与书法结合起来，粗笔狂纵，豪放恣肆，开创了大写意画风的鲜明特色。清代的“四僧”和“扬州八怪”寄情于物，怪诞不经，强调个性化极强的个人风格，尤其是晚期的吴昌硕，他们都能熔诗、画、印为一炉，独树一帜，面目一新，影响了近百年的绘画发展。
如若每一位中学生都能把握住花鸟画的发展脉络，仔细品味浩如烟海的艺术精品，认真感受每位画家缘物寄情的思想感情，审美能力自然随之而得到提高，崇高的民族自豪感油然而生。
2、技能目标：
通过对中国画笔墨的学习认识，达到从练习、临摹、写生开始，最终进行创作的目标。重点：中国画的用笔、用墨。
难点 ：利用传统的笔墨造型陈式进行创作。活动过程：
一、导入：
“画之气韵出于笔墨”。笔墨技法是中国画的核心所在，是构成中国画技法要素的基础。黄宾虹语“画重苍润，苍是笔力，润是墨彩。笔墨功深，气韵生动”。中国画是一种“线造型”为主的艺术，学习中国画首先要掌握的就是笔法与墨法。A、笔法：
中锋、侧锋、逆锋、拖锋。黄宾虹曾说“笔愈厚则神愈清。使笔要提得起，则缓处不妨愈缓，快处可更快，自然变化灵活，刚健中含有婀娜之致，劲利中带知厚之气”。B、墨法：
“墨分五色”-----------焦、浓、重、淡、清。“墨着缣素，笼统一片，是为死墨。浓淡分明，便是活墨，死墨无彩，活墨有光”。初学画者，最难掌握是水与墨的比例，须经长期的探索和练习数量的积累才能熟练驾驭。
学生在理解掌握了基本的笔墨陈式后，还要经过一定数量的临摹练习，方能熟练应用；造型基础的不同，将致使每位学生个体的差异，写意花鸟写画“诗、书、画、印”结合的完美形式，向每位学生的画外修养提出了很高的要求。
二、临摹练习： 以竹、兰为素材进行组合训练。练习过程中，要求学生仔细体会笔墨的应用变化，构图的基本常识和用笔墨造型的基本规律。
三、作业布置：
完成以竹、兰为主要内容的写意画一幅。
中国画——写意菊花
活动目的：
1、了解中国画传统写意花卉的技巧特点，学会欣赏中国画作品，并从中领会到画的意境，激发学生热爱祖国，珍惜今天幸福生活的情感和任务。
2、学习中国画写意菊花的简单画法，进行笔墨基本功训练。准备工具：
1、学生用具：中国画颜料、墨汁、毛笔两支{一支为狼毫小笔用于勾勒线条，一支为羊毫用于点、染色（如大白云）}、调色盘、水罐、一张旧报纸代替垫布、八开生宣纸。
2、教师用具：绘画工具一套、放大的菊花范画一张、分步步骤图一张、空白生宣纸1张。
重点：本课重点是提高学生对中国画的认识，练习用毛笔、宣纸作写意花卉画的技巧。
难点：本课难点是用笔用墨和掌握适当的水分表现不同的浓淡墨色。活动过程：
一、导入：
1、启发：
你们知道菊花什么时候开花吗？ ——它是深秋时独自开放
深秋之日天气已经开始变冷，为什么菊花还会开花呢？ 因为菊花不怕冷，不畏严寒，故它能在深秋独放，而正是它的这种特性，能引起人们的心理共鸣，且不同心境的人均可从中寻觅出不同的寓意。我们可以从唐代农民起义军首领黄巢的两首咏菊诗中看看他是如何赞美菊花。其一：“飒飒西风满院裁，香寒蕊冷蝶难来。他年我若为青帝，报与桃花一处开。”借菊花不在春天开放，嗟叹生不逢时，流露出自己怀才不遇的愤慨，抒发要干一番大事的雄心壮志。其二：“待到秋来九月八，我花开时百花杀。阵阵香气透长安，满城尽戴黄金甲。”则充满革命的豪情，表达了他对起义军的胜利前景的自信。
一朵小小的菊花竞然使人们产生这么多的遐想，实属不易，今天我们就用菊花这种傲然的精神来学画菊花吧！
2、读画：
菊花对大家来说，并不陌生，到处可看到各种各样的品种，又因近代以来经过园艺家的精心培育，更是千姿百态、异彩纷呈，然而最常见的就是我们今天要学习画的黄色小菊花。（出示范图）
（1）请同学们认真观察这幅菊花，看看它们是由那几个部分构成的？
——菊叶、菊枝、菊花
再看看菊叶有什么不同？菊花又有什么不同？菊枝呢？ ——菊叶有大有小，有淡、有浓、花有全开的花、半开的花，有露出花蕊的和没有露出花蕊的，有朝上的、朝左、朝右开的花，菊枝干劲有力地衬托着叶和花 而花是由什么形状的花瓣组成的？ ——由尖头椭圆形组成的。
②请同学们观察步骤图中菊花和菊叶是如何一步一步画的 ——先勾花瓣、后填色，先侧锋画出菊叶，未全干时勾出叶脉
③写意花卉的技巧特点
写意花卉使用生宣作画。讲究用笔筒练流畅状物形神兼备。其作画程度不像工笔画那样。把色、染步骤分得那么清楚，往往根据绘画艺术效果的需要，综合勾、皴、擦、染、点等手法表现对象。而今天所学的“菊花”为小写意画、下面看看老师是如何所画它的！
二、新授课：
1、作画步骤
边讲边现场演示（贴出空白生宣纸）
首先我们必须了解：菊花的花和叶，均需枝干支撑，花须掩叶、叶则映枝。画法一般先画花头，后穿枝条。而后添叶，也可先画花头，次画叶，最后穿枝。以自己的习惯为准，没有定法。下面介绍一般画法： ①画花：先用浓墨从花心往外有层次地勾出花辨，等墨干后再上藤黄色。如枝头有含饱未放的花苞。用淡绿色为小底藤黄色点出。[师示范画后板书] ②画枝：用笔可曲可直、要有节奏，不可太光，可中锋，可侧锋，要留下用笔的痕迹。用色一般同叶色。[画后板书] ③画叶：先用毛笔蘸淡墨（可调少量墨绿笔尖再蘸一点浓墨大笔点画，趁墨色未干时用浓墨勾叶脉）[画后板书]（出示分步步骤图）
小结：画花和叶运用了两种不同的手法这两种手法就是小写意花鸟画的最基本的枝法特点。
2、学生临摹
定位：也叫布局。就是要把这几朵菊 花安排在画纸的适当的位置上。可先用铅笔轻轻的画个大概，以便掌握整体。
画花：用狼毫小笔蘸浓墨从花心往外画枝：用笔可曲可直，要有节奏，不可太光，可中锋，可侧锋要留下用笔的痕迹，用色一般同叶色。
画叶：用大白云湿毛尖蘸少许的墨在盘中间调几下（可调少许墨绿），笔尖再蘸一点浓墨，大笔画叶（这样画出的一笔，就有深有浅，墨色比较活）。
（巡回检查一遍，是否符合，及时表扬与纠正）
三、巡回指导
1、突出重点：详细讲解勾线用笔方法与点染要领，指示学生注意笔墨的浓淡、干湿变化。
2、提醒学生注意环境卫生、不要乱甩毛笔，要用专用的抹布或吸水纸来吸墨、揩桌、擦画具等，培养学生良好习惯。
四、小结：
1、展示画好的作业
2、评价作业优缺点
3、提出今后应注意的地方
五、课外拓展：
欣赏以菊花为题材的美术作品，如有时间可以写生或临摹一幅菊花写意图。
中国画——描绘蔬菜
活动目的：
1、了解构图方法，参照范画，临摹其笔墨技法，画一幅以蔬菜为题的中国画。
2、使学生认识画、诗、书，即是中国画独特的形式。重点、难点：
1、运笔、用水、用墨的方法
2、画菜叶 活动过程：
一、复习旧知识：
1、问：中国画的绘画工具有哪些？
2、小结上节课的基本内容，引入新课。
二、构图方法：
1、生活中常见的蔬果有哪些?
2、怎么样画出白菜萝卜、西红柿、黄瓜、梨等？
3、怎么样安排画面？
4、教师示范：
以白菜为例。先用课件分析白菜的形象特征，再讲用笔用墨方法。
中白云笔调淡墨，墨中水分不宜多。
先画菜帮和菜根，勾画线条手灵活。
大提斗笔浓墨浸，自上而下侧锋行，水分多来叶儿嫩，一笔下去深浅分。
白帮绿叶大白菜，画叶毛笔用大楷。
墨色中间稍加深，浸透颜色添叶脉。为使画面不单调，可添加萝卜、香菇等，但必须注意画面上的蔬果有大小之分、蔬密之分、浓淡之分等。
三、讲授新知识：
1、师生共同欣赏齐白石，李苦禅的作品，简介风格。
2、教师示范以大白菜和辣椒为题作水墨画的作画步骤（边讲边画）。
（1）画菜帮：中锋蘸淡墨勾出，先从中间一块画。（2）画菜叶：用大笔笔锋蘸淡墨后，再用笔尖蘸侧锋画出叶子，笔可在纸上略作滚动，注意墨团有浓淡大小的变化。（3）画叶脉：趁叶子未干，用浓墨画出叶脉，注意不要太湿。
（4）画菜根：中锋蘸浓墨，较快地画出根部，落笔时下按。（5）画辣椒；用大红色画辣椒，尽量一笔完成。
（6）题字和盖印：在适当的地方题字和盖印，作品完成。
3、作业要求：
（1）临摹一幅《白菜辣椒》的水墨画。（2）用笔大胆、肯定。
四、学生作业，教师巡回辅导
五、讲评，鼓励学生大胆用笔用墨和用色。
学画中国画—牡丹
学情分析 ：培养学生对祖国传统文化的热爱。了解中国画的笔墨情趣，理解中国画似与不似之间的意蕴。在本课教学中，墨的水分的控制是学生较难掌握的。我们可引导学生在其他纸上进行多次练习和尝试，体会水墨与宣纸的变化关系。本课学习需要工具较多，致使桌面拥挤。可采用小组合作的方式，同学们互相配合使用一套工具。因墨色相对于颜料更易洇染，因此要指导同学恰当使用墨色，以防破坏画面。在添加背景时，不要因太复杂而破坏画面主体形象。建议背景处理要色少、简单。教学评价：
（一）学生是否对中国花鸟画有初步的认识。
（二）通过学习，学生能否掌握较简单的笔墨渲染方法。
（三）学生创作时是否用笔果断、大胆，有探索创新精神。教学目标 A．知识与能力：
学习中国画（牡丹）的笔墨技法，进一步了解笔墨与造型的关系，并运用于实践。感受画牡丹的笔墨情趣，了解用笔、用墨、用色的基本技法。使学生了解牡丹的一种基本画法，掌握作画的方法和步骤。B．过程与方法： 通过对中国画牡丹的学习，进一步认识写意花卉的形式美、意境美。
C．情感态度与价值观：
通过本课的学习，让学生知道国画的魅力，中国艺术的博大精深，激发学生的爱国热情。D．重点
进一步了解中国画写意花卉的笔墨技法与造型的关系。（采用欣赏作品及相应的资料图片进行解决）E．难点
写意花卉的笔墨技法。（通过写生、默写、示范进行解决）F．教学准备
教具：课件、墨汁、国画颜料、宣纸、毛笔、清水等。学具：墨汁、国画颜料、宣纸、毛笔、清水、报纸等。教学过程
一、组织教学：按课堂常规坐好，稳定情趣，查学具。
二、复习导入：回顾上节课的知识点。
1、牡丹花的结构分为几个部分。
2、叶子是单叶还是复叶并请学生上黑板上画出草图。
3、牡丹花的寓意和展示同学们收集的图片。
4、教师的作品展示。
三、讲授新课
1、学生挤出所需颜色，毛笔浸湿。铺好宣纸。
2、教师示范，学生跟着临摩。A、画花头
用中号以上京提笔(羊毫配狼毫的兼毫笔)饱蘸白色、署红和大红色，在调色盘上调和，使颜色向笔根渗透，再用笔尖蘸胭脂色，稍作调和后即在画面上点画。传统的点牡丹方法是一笔紧挨一笔，整个花头是由一笔笔由浓到淡的色点组成。花头完成后，乘颜色尚未干时，在花心和花瓣的交接处用胭脂加墨的重色进行调整，使花瓣的交接清晰生动。待颜色七、八成干时，用石青在花蕊处点上颜色，再用藤黄调白粉点花蕊。点花蕊时要按三笔一组的组织结构进行点画，千万不能无组织地随意点画。B．牡丹枝干的画法：
在一般情况下，枝干在画面上与花头和叶片相比，所占比重较少，但是在描绘时千万不可低估它的重要性，更不能随意点画，要了解它的结构规律和生长特征，画时才能表现出主干和嫩叶的不同质感。D．牡丹叶片的画法：
用中号以上京提笔蘸花青加藤黄的淡绿色，在调色碟上调和，再用笔尖蘸墨，稍稍糅合一下，使墨色和笔上原有的颜色融合，用侧锋干净利落地在画面上画上叶片。画叶片要成组地进行，以三笔为一组由规律地点画，这样画出的叶片就不会杂乱无章。写意画的魅力不仅表现在生动的笔触，活泼的形象，还体现在滋润的色彩和淋漓的笔墨上，所以画叶片时要掌握用水和用色的技巧。起笔时色墨要饱和，下笔要迅疾，用一笔颜色画一片叶片，这样从起笔到收笔，自然就形成了干湿浓淡的变化。叶片色墨点画完成后，待其晾至七、八成干时，用较重的墨（色）勾勒叶脉。勾叶脉是一个重要的步骤，叶片的转折向背以及组织结构都是由它决定，因此要从画面的整体结构出发进行调整，不能只从局部考虑。
四、作品展示
每组选一幅上台展示。教师充分表扬的同时要做好点播与指点，为下节课作好准备。
五、小结
根据本节的学习情况做总结。
六、布置课后临摩作业
国画—白菜和辣椒
教学目的：
一、参照范画，临摹其笔墨技法，画一幅以蔬菜为题的中国画；
二、使学生认识画、诗、书，即是中国画独特的形式； 教学重点、难点：
一、运笔、用水、用墨的方法；
二、画菜叶； 使用教具：（1）范画2张(2)步骤图6张(3)白菜、辣椒实物 教学过程：
一、复习旧知识：
提问，然后教师小结上节课的基本内容，引入新课。拿出大白菜和辣椒实物，说明本节课教学任务，并简介其结构，然后，板书课题——《蔬菜》（中国画）；
二、讲授新知识：
1。师生共同欣赏齐白石，李苦禅的作品，简介风格。然后出示教师示范作品，简单介绍一下。
2.教师示范以大白菜和辣椒为题作水墨画的作画步骤（边讲边画）。（1）画菜帮：中锋蘸淡墨勾出，先从中间一块画。（2）画菜叶：用大笔笔锋蘸淡墨后，再用笔尖蘸侧锋画出叶子，笔可在纸上略作滚动，注意墨团有浓淡大小的变化。（3）画叶脉：趁叶子未干，用浓墨画出叶脉，注意不要太湿。
（4）画菜根：中锋蘸浓墨，较快地画出根部，落笔时下按。（5）画辣椒；用大红色画辣椒，尽量一笔完成。（6）题字和盖印：在适当的地方题字和盖印，作品完成（15分钟）。
2。出示作业要求：
（1）临摹一幅《白菜辣椒》的水墨画。（2）用笔大胆、肯定。
（3）保持画面、桌面、地面的干净。二。学生作业，教师巡回辅导。
三。讲评：选出几件好的和差的学生作业讲评，然后布置下节课学习任务。
国画——南瓜和茄子
一、欣赏：
以齐白石的《南瓜和茄子》为重点，指导学生欣赏水墨写意国画。先介绍中国画的艺术特征，分析笔墨技法，讲解画面布局，然后说明在哪一部分使用中锋、侧锋笔法，以及如何用水、用墨。欣赏时，结合上一节基本技法练习入教材分析进行。
二、教师示范以青菜为题材作水墨画的作画步骤。（教师边讲边示范）：
1、先想好画什么，画面怎样安排，然后用指甲轻轻刮出大体轮廓。初学者可用铅笔、炭素铅笔或森炭条起稿。
2、中锋蘸淡墨勾出菜帮，先从中间一块着手。
3、用大笔的笔锋蘸淡墨后，再用笔尖蘸浓墨，以侧锋法画出叶子，笔可在纸上略作滚动，落笔要生动，大胆肯定，注意墨团要有大小浓淡的变化。
4、趁叶子未干，用浓墨画出叶脉，注意不要太湿。
5、中锋蘸浓墨（稍干），较快地画出根部，落笔时也往下按，然后向外撇出，如有些飞白效果，更为理想。
6、在适当的地方题字和盖印。作品完成。
三、学生作业，教师辅导：
可选择大师作品中的主要物体，重新组织画面，下笔前要先想好用笔方法：水墨应如何调合？浓的还是淡的？运笔采用铡锋还是中锋？运笔方向如何确定？总之应“意在笔先”。
练习时，教师要特意说明，练习水墨画法，因经验不足，往往要画上好几次才能画好一幅画，效果也不一定令人满意，只有多练习，才能取得满意的效果。
四、讲评：
选择优秀的学生作业与大师的作品比较，找出差距，明确努力方向。
中国画葡萄的画法
一、画葡萄
1、介绍名家画的葡萄。
2、请学生观察课件中的国画葡萄。分析葡萄：
分部：葡萄、叶茎。
葡萄画法：色彩、侧锋、湿画。
二、画法：画面上的一整串葡萄可以分为若干小组。一般分为三、五组，每组六、七枚葡萄。每一枚葡萄的画法，是将大白云笔在笔洗中蘸湿，笔中的水挤干，然后用笔尖蘸紫色在色盘中调至毛笔中部，此时毛笔上的紫色为笔尖深、笔根浅。再用笔尖蘸汁绿色少许，在色盘中调至汁绿与紫有过渡。此时毛笔上的颜色变化应为：绿——绿紫——紫——淡紫。最后将调好色的毛笔用笔尖蘸吸清水，在色盘中微调，使笔尖的水吸入毛笔，但是不可破坏毛笔上已调好颜色的顺序。如果觉得笔尖清水不够，可以再次用笔尖蘸清水。这一调色过程是画出葡萄立体感和丰富色彩的关键，比实际画葡萄的过程更为重要。
三、作画时用左右两笔画成一枚完整的葡萄。左一笔细短，用笔锋画，右一笔宽长，用笔锋和笔腹画，画成半圆形。由于笔尖有清水而且含有汁绿，画出的葡萄应该是左上部明亮泛绿色，右下部灰暗呈紫色，彼此形成了极强的明暗立体感和微妙的色彩变化。葡萄的形状可以画圆形，也可以画成长圆形，每枚的大小要有些变化。用此方法画的葡萄亮部已含有高光，所以不必留出或再点高光。高光太强则像玻璃球，反而会破坏葡萄应有的质感
3、学生示范，集体评讲。
4、教师纠正。
5、学生再示范。
叶子：淡墨面、浓脉、干、中锋。茎：浓墨、干、中锋。
四、学生练习，教师指导。
五、小结。
六、展示作品。
七、集体讲评，择优表扬。
中国画梅花的画法
1.演示并分析笔墨变化。
焦墨、浓墨、交融的墨色分别可以表现梅花的哪个部分？（演示）
2.分析作业步骤：
(1)画干：先从树干转弯处，向右下方侧锋运笔，使主干笔触出现飞白,再向右横出，向右上斜出主枝。（同学们用侧锋随意表现树干的体态。在画时可以留空，在空白处待会添加梅花。现在请同学们和老师一同调墨，用干涩的线条表现树干。）
(2)画枝：从主枝向前生出新枝。
(3)点花瓣：用中锋变侧锋渐次点出可呈现浓淡变化。(4)点蕊：正面的花丝画全，侧面花宜过半，背面花交界下方及花蕾的下方点花萼。
鼓励：看谁能把梅花清幽的芳香散溢在我们的画纸上。(5)落款：写作画时间、姓名、印章。辅导要点：因材施教、照顾全体、灵活多变。学习画梅花的方法和步骤。总结 部分 根据墨色、动态、趣味三方面讲评作业，概括出本节课知识的要点。延伸 部分
你还在那儿看见过用国画的方法表现梅花。
同学们开动脑筋，也可以常识用中国画的方法装扮我们的生活，弘扬我们民族的艺术。
中国画菊花的画法
一、作画步骤
边讲边现场演示（贴出空白生宣纸）
首先我们必须了解：菊花的花和叶，均需枝干支撑，花须掩叶、叶则映枝。画法一般先画花头，后穿枝条。而后添叶，也可先画花头，次画叶，最后穿枝。以自己的习惯为准，没有定法。下面介绍一般画法：
①画花：先用浓墨从花心往外有层次地勾出花辨，等墨干后再上藤黄色。如枝头有含饱未放的花苞。用淡绿色为小底藤黄色点出。[师示范画后板书]
②画枝：用笔可曲可直、要有节奏，不可太光，可中锋，可侧锋，要留下用笔的痕迹。用色一般同叶色。[画后板书]
③画叶：先用毛笔蘸淡墨（可调少量墨绿笔尖再蘸一点浓墨大笔点画，趁墨色未干时用浓墨勾叶脉）[画后板书]
（出示分步步骤图）
师小结：画花和叶运用了两种不同的手法这两种手法就是小写意花鸟画的最基本的枝法特点。
二、带领学生临摹
定位：也叫布局。就是要把这几朵菊 花安排在画纸的适当的位置上。可先用铅笔轻轻的画个大概，以便掌握整体。
画花：用狼毫小笔蘸浓墨从花心往外画枝：用笔可曲可直，要有节奏，不可太光，可中锋，可侧锋要留下用笔的痕迹，用色一般同叶色。
画叶：用大白云湿毛尖蘸少许的墨在盘中间调几下（可调少许墨绿），笔尖再蘸一点浓墨，大笔画叶（这样画出的一笔，就有深有浅，墨色比较活）。
（巡回检查一遍，是否符合，及时表扬与纠正）
三、巡回指导
1、突出重点：详细讲解勾线用笔方法与点染要领，指示学生注意笔墨的浓淡、干湿变化。
2、提醒学生注意环境卫生、不要乱甩毛笔，要用专用的抹布或吸水纸来吸墨、揩桌、擦画具等，培养学生良好习惯。
四、小结
1、展示画好的作业
2、评价作业 优缺点
3、提出今后应注意的地方
五、布置课外学习
欣赏以菊花为题材的美术作品，思考画家是怎样表现菊花的，怎样通过菊花表达作者思想感想的？如有时间也可以写生或者临摹一幅菊花写意图。
认识中国画
一、认识中国画
教学目的：
1、认识了解写意认识中国画中国画的艺术特色，感受独特的构图、用笔用墨用色的独特技法，人文精神。认识中国画
2、培养学生对祖国传统艺术的热爱，获得中国传统文化、精神的熏陶。认识中国画
3、认识中国画用具，学习写意国画简单的笔法、墨法。认识中国画
教学重点：
认识感受写意国画的艺术特色，认识学习写意国画的笔法、墨法。
教学难点：
初步掌握简单的国画笔法墨法，并可以随意画张画。
学具准备：
毛笔、墨汁、宣纸等
教学时间：
一课时
教学过程：
二、组织教学。
欣赏写意国画，感受国画艺术特色。
1、范本欣赏优秀国画作品，直观感受国画的艺术特色。
2、学生说说自己的感受。
3、引导学生从题材、构图、笔墨色彩的运用等角度初步全面接触感受国画的艺术特色。
三、初步学习简单的笔墨。
1、认识国画的墨色。认识中国画
2、认识国画的笔法。
四、尝试运用简单的笔墨技法随意画张画。
五、师生共同评点习练。
水墨画——动物
（第1-2课时）
目标：复习、巩固水墨画的基础知识。即，工具材料，用笔用墨。学习几种动物的画法。
重难点：训练学生的用笔、用墨。用笔用墨的技法、技巧，以及动物的造型。
课前准备：学生准备几张小动物的照片。准备好笔、墨、宣纸等。教师准备几幅小动物的图片。教师准备范图。
教学过程：
简要地复习国画的基础知识和用笔用墨等作画技巧。
教师出示几幅动物的水墨画，并结合课本的范图，引导学生进行欣赏。
a.欣赏灵活多变的用笔，加深中锋、侧锋以及点笔的了解。
b.欣赏用墨焦、浓、重、淡、轻五色，加深学生对墨色的了解。
c.构图以及动物的造型。
d.欣赏名家名作，了解名家的风格及其代表性作品。了解几位画坛大师，激发学生对传统艺术的热爱。
3．教师现场示范，让学生直观了解作画的全过程，并归纳出步骤：
讲解归纳动物的大形体。
讲述调墨、调色。
分步作画，讲解画动物的先后顺序。
修改调整完成。
4．布置作业，画两幅自己喜欢的小动物——麻雀、虾。
5．老师巡回指导，主要是用笔、用墨以及动物的造型。
6．征集作业、讲评，提高审美能力。
（三）课后拓展
收集徐悲鸿、齐白画家的资料，了解马和虾的画法水墨画——动物
（第3-4课时）
目标：复习前一课时所学画的小动物。学习螃蟹和松鼠的画法。
重难点：笔墨的掌握和使用小动物的造型。
课前准备：布置学生收集松鼠和螃蟹的图片。准备作画用的工具和材料。教师准备好范图以及工具材料。
课堂教学：
请两位学生上台画麻雀和虾，老师进行讲解，指出优缺点及应改正的地方。
老师现场示范讲解松鼠及螃蟹的画法，并归纳出作画的步骤以及应该注意的事项。让学生直观感受作画的全过程，激发学生学习的欲望。
布置作业，画松鼠和螃蟹。
教师巡回指导，主要是动物的造型及笔墨的处理。
征集作品并讲评、欣赏，提高学生的审美能力。
燕店中学 薛红芳
教学目标：能力目标：通过中国的传统绘画工具的使用，学习用中国画形式表现禽鸟的基本方法。并学会用基本的运笔、用墨、创作出一幅表现鸟的作品。
知识目标：通过对中国画的用笔用墨的练习，使学生了解中国画的笔墨技法与造型的关系，以及笔墨情趣在中国画中的审美作用。
情感目标：通过本课学习，激发学生热爱大自然的情趣，产生热爱中国传统绘画的情感。
教学重点：翎毛画法是花鸟画中飞禽的表现方法。
教学难点：如何培养学生掌握中国画的笔墨技法，笔墨与形体结构的关系和鸟的不同动态。
课业类别：造型、表现
教学准备：学生：毛笔、生宣纸（或高丽纸）、报纸（做垫纸用）一
张、用画颜料、墨、调色碟、水盅。
教师：毛笔、生宣纸、毛毡、画板、国画颜料、课件。
教学过程：组织教学：检查学生学习用具准备情况。
激情导入：艺术来源于生活，有服务与生活。正因为，有了艺术的装点才使我们得生活充满美好和情趣。下面请欣赏一些图片，看看艺术家眼中的生活是怎样的？（出示课件）学生欣赏感受说一说想法。
小结：看到齐白石老艺术家笔下那各式各样、生动鲜活的写意花鸟画小品，我们就会产生不言而喻的感叹：自然真有趣，生活真美！其实，我们也可以如此，下面我让猜一个谜语好不好，谜面是：日飞落树上，夜晚到庙堂。不要看我小，有心肺肝肠。（打一动物名）歇后语什么虽小，五脏俱全。还有麻雀鼓肚子——好大的气（出示课件）欣赏讨论：
1、你对麻雀还知道多少？（生活习性）
2、通过观察你还发现了什么?(学生回答外形特点)
3、让学生板演简笔画的麻雀。
小结：麻雀的形体简单又可爱，今天我们就用齐白石老人的写意方式来画一画麻雀。（板书课题、出示课件）
发展阶段：
一、引导发展、精讲点拨
写意花鸟画基础知识讲解。（定义、分类、表现方法、用笔用墨等）
A（形态特点）：麻雀是我们生活中常见的飞鸟。它头大、体小，头、背、尾呈褐色，背有黑斑点，颌下有一缕黑色坠羽，两侧一黑色颌斑，胸腹灰白，活泼可爱。在画麻雀之前，先要理解麻雀的头部和身子由两个蛋形组成，或者是一个枣形加蛋形组成，以此为基形，再添上尾和爪，便构成鸟的基本形态。这样画麻雀就方便多了。
B造型方法：采用“一点三线法”画展翅飞行的鸟，头部为一“点”，双翅和背部为“三线”背部代表身子的方向，双翅张开角度不同，就可以变出很多的动态来。
二、合作探究、讲练结合
俗话说“画有法，画无定法”下面来看一种画法。花鸟画翎毛画法是本课的重点，画鸟羽毛的方法有白描（在写意花鸟画里称勾勒法）和没骨法两种。
三、观看示范，学生练习
方法一:课件演示麻雀的画法步骤
1、头部：用大白云调赭墨（赭石+淡墨）点出头部，（画成椭圆形，不能有尖）。
2、背部和双翅：用笔由实到虚，最好出现飞白。
3、翅羽和尾羽：在赭墨中加一点墨画翅羽、尾羽，翅羽不可画平直，要保持两个弧线。
4、胸腹：用淡墨顺腮往下隔过翅画胸腹部。
5、点嘴、眼、斑点和爪。
方法二：出示课件，麻雀画法，学生边看边说步骤。方法三：国家一级画师何水法老师就是这样表现麻雀等飞鸟的。我也学一学何老师的画法：（教师边演示边讲解）
1．用赭墨点染出雀的头和背； 2．用较浓的墨画出嘴、眼和飞羽； 3．用淡墨画出胸腹；飞鸟腹部一笔完成。4．最后勾足。或用墨或用朱膘加胭脂
小结：在练习时多作不同角度、不同姿态的练习，还可以尝试画一画其它的鸟类，这样才能熟练的掌握鸟类的画法。四、课堂评价、展示交流
互评、自评、师评相结合。
五、课堂总结。（略）
六、课后延伸：
教学目标：
1．知识与技能：初步了解中国花鸟画，以及花鸟画发展的基本概况。2．过程与方法：培养学生初步分析、探究学习的能力。
3．情感、态度与价值观：通过对中国花鸟画的学习，进一步引导学生对中国画有一个更全面的认识，对中国传统文化有一个更全面的了解，激发学生对祖国传统文化艺术的热爱。
教学重点与难点：
重点：引导学生了解中国花鸟画发展的基本概况及中国花鸟画借物抒情、托物言志的艺术特色。
难点：如何有效地引导学生理解工笔花鸟画与写意花鸟画不同艺术特点和表现手法。
课前准备：
教师准备：教学课件、相关图片、文字资料等。学生准备：作业纸。
教学设计：
1、导入。
（1）欣赏图片。首先，你认为生活中的或者你知道的那些事物是美术作品？（2）欣赏后提出问题，让学生加以总结（如：什么事美术？美术的分类是什么？）
2、展示。
（1）展示《齐白石作品》，让学生们加以思考。
（2）请同学们谈谈这幅工笔画是怎样表现形象的？（可以从色彩、线条来回答）
3、欣赏花鸟画。
（1）教师讲解花鸟画的产生背景，展示几幅花鸟画作品。
（2）展示课件，教师总结原因，原因就在于它们使用不同的绘画材料。
4、讨论。
（1）欣赏罗中立的油画《花鸟画作品欣赏》，提出问题：花鸟画的特征有哪些？组织学生分组讨论。
（2）讨论后让学生积极回答。
（3）讨论结束后，教师对学生的回答进行总结。
5、作业。
胡建国以他富有个性灵活多样的创作风格,近年来在工笔山水画坛崛起。他勤于思考,修养全面,秉着他对传统的传承尤其宋画的功底。多年练就了娴熟的写意山水画技巧。他作画往往胸有丘壑,解衣磅礴,了无挂碍,一气呵成。即便是作工笔山水也是信手勾搭,挥洒自如,“畅性“畅情”。很多朋友问他“什么叫工笔山水画?”他笑答:“在我看来认真细致的写意山水画就叫工笔山水画。”正是他这种“写意工笔山水画”《家山醉秋》获得2009年全国第二届工笔山水画大展的金奖,使胡建国从一个写意山水画家摇身一变成为知名工笔山水画家。之后他在2013北京传是国际拍卖公司拍得34.5万元高价的全国第八届工笔画大展参展作品的《家山春晓》,首届全国现代工笔画大展参展作品《秋山如妆》,全国第三届工笔山水画大展的《寒塬春雪》都是其这类作品的代表作。
胡建国的工笔山水画,是用一种现代人的综合手法传递他对于笔情、墨趣、色调以及对工笔与写意变形关系的理解;整体色调的渲染,画面气氛的营造,物象表达的愿望,都能通过媒材的应用,探寻具有粗纤维的纸质肌理与画面的构成关系,在纸质与线色之间形成了二度空间。他能通过绘画的语言形式表现和色彩渲染的气氛,体味与发现色彩块面间,线条交织中的对比与呼应。通过他娴熟的运用,画家内心的情感和对客观景物的感觉,都能得到很好的表现。特别是画家对景物氛围的营造,对大自然生命力的传达,已经达到了炉火纯青的地步。这些塑造和表达,都源于他内心具有完整、系统和熟悉的色彩意象与形象思维,通过画家思想的提炼,构成了具有意味的画面语言,并形成复杂的观感效果。
胡建国的工笔山水,天姿清丽,气韵生动。勾线、渲染十分讲究:他的工笔山水画里充满了用笔、用色的写意性。融工于写,率性天真,勾勒行线一气呵成。在要求笔触依然细腻工整的同时,也发挥和拓展了笔墨的表现力与随意性,强调笔墨在运转流动中所体现的自然韵致,并吸收了书法的用笔,融汇了书法和绘画的表现手法,在物象表现上重提炼、重神韵、重意向。因而,在这里,我们看到胡建国的工笔与写意已经完美的结合在一起,你中有我,我中有你,工笔画中有豪迈的大写意,写意画中也有细腻的工笔风格。因而,胡建国的作品,别开生面,独树一帜。也因为他独特的笔墨语言,因而他的作品突破了前人框架,用全新的构图、色彩、意境,创造出了他自己的笔墨语言。特别是在色彩运用上,一改传统画家的随类附彩,大胆而惊奇地使用色彩,使他的作品画面奇玄异常,幽谧深远。并且极富视觉构成和装饰性,而使之既有工笔画的传统理念,又富有现代人的审美诉求。他的《大美苗寨》《最爱苗寨春深》等一系列全国美展作品是这类作品的代表作。
胡建国的工笔山水画,气势宏大;有“纤毫之笔、万类由心、方寸之能、千里在掌”的意气显现;更有禅学与老庄哲学思想中“天人合一”“道器并重”“质朴内秀”的哲学审美观点。
如他的《雄关万里》《圣城》这样的作品,不仅大气磅礴,而且充满了一种神圣庄严的肃穆。《雄关万里》全景式展现了中国古代最伟大的工程—一长城。通过描绘长城的万里雄姿,象征了中华民族威武不屈、战无不胜、坚毅刚强的民族精神。在色彩使用上,《雄关万里》通过长城和山脉的金色渲染,表达了一种精神的光芒万古不灭。《圣城》则展示的是屹立在雪域高原的布达拉宫。画家通过冷色调的环境氛围营造,传达出一种庄严肃穆的宗教精神,让每一颗心灵在这样的氛围中,无比虔诚与膜拜。也让人的心更加接近天地与自然;接近神明与灵魂。《桂林之春》《武陵春色》则表达了祖国山水的灵秀美好。祖国的春天正是繁花似锦,欣欣向荣之时。在技法和色彩上,画家喜欢使用一贯的冷色,这时的冷色,在传达主题思想的时候,有了更加悠远和旷达的意境。幽蓝颜色则更多地是象征了一种乡愁心绪和故乡情结。从画面感觉上,也比许多画家表现春天使用大红大绿要洁净的多,深邃的多,意味更加深长。
我们通过上面的作品,看到胡建国的工笔山水画,用笔灵动,凭自己的敏锐感觉,捕捉山水意象。在点、线、面的交织中,建立有序的结构。在笔墨语言的枯湿浓淡中进行着丰富的演绎与幻化,使山水意象深邃、幽秘而达极高境地。
在山水画构图和物象的经营方面,胡建国娴熟地把握“形神一贯,文质相宜”的艺术处理原则,使所绘的山水形象富于变幻而又动静有度,庄和大度而又能够较好地融于清灵悠远的镜像之中。
从画面的构成看他的山水,我们看到有以下要素;峰峦高峻,水波浩渺,峡谷幽深,草本苍翠。他在萃取这类景物时,通常以广阔的空间通会、调动,甚至以相同的形状,相同动向的线条重重并置,层层组合,仿佛是音乐中重复扩展的乐句,伴随着感情的波澜将情绪推行极致。这种选景很容易让人产生壮美的视觉联想,同时他的山水在崇高中又渗透着一种轻松华美的清雅和秀丽,在繁茂丰富的画面中凸显一派“雄秀清远”的气象。从绘画的表现方式上看,胡建国的作品多以密体小青绿或浅降呈现,画面错落有致,情趣盎然,令人如入优雅静之地。他在吸收工笔山水严谨工细的法度的同时倾注着对自然的热爱,于崇高的严肃中尽显轻松的愉悦,于饱满的丰腴中渗透灵秀的玲珑,于厚实的张力中融合秀美的轻盈,始终感到一种张力的昂扬,一种和谐的律动,一种丰富的延伸。
胡建国的作品,通过自己特有的方式获得意象,并用自己的笔墨语言加以表现,从而实现叙述方式与叙述内容的统一。而这恰恰是中国画之所以成为中国画的认识论基础,也是中国画的本质规定。有了这样的根本之系,所有的文化情境,所有的审美情感,所有的视觉经验,都融会在工笔画悠久的传统之中,从而保持绘画的文化根性,这也是整个当代中国工笔画所呈现的语言序列,它看去似乎是离开工笔画传统而渐行渐远,但是我们在胡建国的工笔画中看到的语言新形态并没有离开中国画的基本语义,以及中国艺术的精神本质。因此,我们在胡建国的绘画中随时可以找到技法、语言或观察方式、艺术精神等都依然皈依于中国画的传统维度之中。这一过程是绘画艺术为适应时代发展的要求而显现的自身发展的内在力量。这些艺术新生命的萌发和成长,让中国工笔画表现出鲜明的时代特色和气息,也符合时代的审美观念,更符合画家本身的内心欲望所要达到的一种愿望,这是工笔画发展的最终目标,也是必然的趋势。
画家简介
1964年10月生，湖南省邵阳市人，现居北京。北京中国现代国画研究院副院长，中国民主促进会会员，中国工笔画学会会员，湖南省工笔画学会理事，湖南省美术家协会会员，邵阳市美术家协会副主席。2010年获湖南省文化厅湖南画坛十大年度人物。
中国美协参展获奖：
2009年第二届工笔山水画金奖
2012年全国工笔画大展优秀作品奖(最高奖)
2010首届现代工笔画大展
2011第八届全国工笔画大展
2011厦门全国漆画展
2012话说武当全国中国画展
2012第三届中国工笔山水画展
2012全国中国画展
2013全国中国画展
相聚宜兴2013全国工笔画展
2013吉祥草原全国中国画展
2013绿色和堦第四届全国中国画展
全国学术邀请展：
2010时代丹青全国工笔画名家邀请展
2010对话当代中国青年工笔名家邀请展
2011中国廊坊全国中国画名家邀请展
2011中国工笔画名家联合邀请展
2012走进南岳中国工笔画名家邀请展
2012、河北中国国际热热气球节全国中国画名家邀请展
2012唐山之春全国书画名家邀请展
2013当代著名画家小品学术邀请展
2013问道斗方全国中国画学术邀请展
拍卖收藏记录：
作品被联合国环境规划署、中央军委、湖南省检察院等大型场馆陈列收藏，众多的作品被收藏家个人收藏，2013年北京传是国际拍卖公司十周年庆全国工笔画获奖作者作品拍卖专场《嘉山春晓》作品以34.5万高价成交。
当前润格：
工笔山水画每平方尺15000元;
写意山水画每平方尺5000元;
收藏热线：
在漫长的几千年历史发展中，绘画的出现是人类社会发展的产物，最先出现以人物为主的画科，于此同时在新石器时代也出现了山水题材的绘画，但那时的山水还不是独立存在的画种，也不被人注视，只是以衬托人物故事的背景而呈现的，到了魏晋时期，随着画家对绘画技法新的认识以及对自然的新的感受，作为绘画中的山水题材逐渐突出自己的风格特点被逐步的发展起来。例如东晋的画家戴逵所画的《吴中溪山邑居图》、戴勃《九州名山图》等，几乎把山水题材作为中国绘画的主题了。从东晋到刘宋时代，山水画已基本进入了独立阶段，反映出了古代画家对山水画的欣赏意识以及相对应的审美观的变化，也呈现出了中国绘画自身发展的特点及规律，为后来的山水画发展奠定了基础。
二、传统山水画的探索
山水画经过画家长时间不断地探索与创新，到了北宋时期而逐渐的发展并兴盛起来，形成了以李成、范宽为代表的北派山水画，标志着山水画已然成熟。
唐后裔李成，擅长山水画，师法自然，自成一家，作画时善用淡墨来表现山水的层峦叠嶂，结合直擦皴法来表现山水画中寒林的平远关系，独特“卷云皴”中的山石似流动状态更是为后人所学习，对其评价称：“高妙入神，古今一人也”。其传世代表作《读碑窠石图》以景大人小为特点，枝叶全无的老树立于画面的左侧，蜿蜒的枝杆延伸着向上，如蟹爪似的枝桠伸展着向下，笔力显著；用笔皴擦出并在其上复染的土坡横卧于画面的左下方，突出的起伏状和冲刷后的痕迹牵引着人们的视线往右移，依稀可见荆棘类乱枝，营造一种萧瑟的景象，画的中间是主题，用淡墨渲染的石碑具有岁月留下的沧桑感，承载着历史的沉重，一位骑着骡子的老者戴笠正认真的读碑，童子执仗面对着老人，整幅画面透露出了人世的沧桑和宣之于出的孤独感，似是画家自己内心的写照。画面位置安排奇特飘逸，水墨与平远的景色结合，可见其灵动性，尽传山水的生命与神韵。
再说一说另一个北方画派的代表——范宽，置身在山水丛林之间不亦乐乎，取其精华加以创作，用笔雄厚有力，卓尔不凡。代表作《溪山行旅途》描绘了正面巨峰的宏伟壮阔与顶天立定的大气磅礴，中景中小峰衔接横卧的大石充当近景，其布局为“远望不离座外”的构图特点，描绘了由岩石构成山体多变的立体感与厚重的层次感。右侧的两山之间瀑布直挂，留白的云雾拉开间距，山丰林盛、峰顶阁楼矗立，取溪边小道为近景，正行走着一队驮着物品的牲畜，前后各有一人正在奋力前行，表现出山路难行的困局，威武庞大的山石更加衬托出身临其境的渺小人物，画者奇妙构思，以小来彰显主题的手法更为世人所称赞，短条的皴法和笔墨技法运用的得心应手，对后世山水画的发展也是功不可没的。
三、现代写意山水画的特点及发展
现代杰出的山水画艺术大师——黄宾虹先生，他的一生都在致力于艺术的创新与追求中，在山水画创作中尤其突出，在继承传统的同时也不断地探索并发展山水画的新格局。通过不懈的努力开创出独属于自己的形式语言与技法，为现代山水画的发展奠定了新基础，形成自己的山水画凤。黄宾虹先生早期致力于古人山水的特点及技法，再结合自身的努力学习和对自然景物的独特见解，开创出一套前无古人，后无来者的写意山水画用墨技法——五笔法和七墨法，其中“平、圆、留、重、变”的五笔法也为画家以后的画风奠定的扎实的基础，同时在创新中提出的“浓、破、泼、淡、焦、积、宿”的七墨法着重表现了画家在用墨上对层次变化的追求，更好的表现了山水之间的大气磅礴与层峦叠嶂的穿插关系。画家的笔法早期成清逸舒朗，历经时间的洗礼于晚期的苍劲浑厚、沉稳博大逐渐引领着现代山水画的发展。在创作时，以实景为依托，身临其中感受山川、河流和树木之间的微妙关系，借物写景，借景抒情，结合笔墨的乐趣创造出带有新鲜感、奇特感的壮阔河山。画家认为，在创作上力求脱略星级而追求笔简意繁、洒脱自然必然要有逸格的特征。重视“内美”，剥去外在，追求精神享受。画家山水画在其题材的创作与笔墨的具体运用上取得的巨大成就莫过于表现在画夜山和画雨景这两种具体的画法了，其画夜山的杰出代表作《山中夜行图》也是画家对自己慢慢人生经历的一种真实写照与对自己人生情感的抒发。画面中山形蜿蜒陡峭，错落有致，极像画家跌宕起伏的人生历程；同时画面中整体处于黑黝黝的一片墨色之中，笼罩着其中的浓郁古木，就像是画家早期经历的腐朽、无情和落后的社会一样都处于黑暗之中；然而，在画面的近景中，有两间透着光的书屋立于山林间，照亮着曲径通幽的蜿蜒山路，一位拄着拐杖的老者行走在独木桥上，缓慢而艰辛，在黑暗的山林中沿着光亮的上路前行，我想画家是把画中的主人公比作了自己，就像是自己弃政后不得以遁入艺林，又在艺术的道路中学习古人并不断的探索新的艺术创作语言寻觅光明，最终进入道法自然的大世界的内心冥幻世界的真实写照。黄宾虹的山水画，以其浓密苍茫、大气恢弘的画风，再沿着传统图式的整体结构中演化为现代抽象意念的新语境，达到以神出逸、超出象外，创造出的新笔法为未来山水画的创新奠定了基础。
四、现代写意山水画较之传统山水画，其发展和可开拓性
传统山水画在画面的表现上更注重线条的运用与组合，多表现于笔法的皴、擦、点，而画中的染多用于用颜色代替，相对于现代山水画来说画风更严谨和更注重诗情画意；而现代写意山水画再继承传统山水画的技法与特点的基础上更加注重山水画在题材上的表现和笔墨具体的运用，更加把笔法中染这一词发挥的淋漓尽致。例如：传统画中在题材上的选择相对较少，多数喜表现晴天，而对于难表现意境与画面感的夜景与雨景的作品则寥寥无几，因为难，画家很少去描绘画夜山和雨景这种山水题材，而现代山水画代表画家黄宾虹先生在这方面突破了传统绘画单一的表现形式，开创了七墨法来表现这一类题材，运用墨色分为五色的特点再结合运用水与墨之间的微妙关系，用积墨和破墨等绘画技法开创了山水画新的表现形式，也为山水画的发展开创了新的局面。
五、结语
在这个人们一直追求与创新的时代发展中，现代写意山水画家以自己独特的社会感知与对自然的生活体验创造出的新风格为现代写意山水画开创了一个崭新的绘画时代，带领着人们以新的视角来观察自然，融合独特的绘画技法和多样的表现题材来发展现代写意山水画，在探索绘画的道路上开辟了一条新径，其发展前景不可估量。
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