传统的水彩画教学（精选8篇）
传统水彩画的材料和技法无非是水彩笔和水彩纸以及水彩颜料的使用。艺术形式与媒介材料的使用是密不可分的，如果媒介材料不能熟练的掌握和应用，作品的艺术魅力和形式语言就无法形成。水是水彩画的主要媒介物，色彩都是用水进行调和的。水彩颜料用水稀释后可以作到流淌，透明的色彩效果，但是水彩颜料不能做到油画颜料那样厚重的色彩效果，色彩的饱和度也不够强，往往会显得很单薄。水彩作品的色彩，特别是暗部的深颜色不能反复涂抹，不然会变得很脏、很灰、很死的感觉。水彩画在调色的过程中，色彩不能调和遍数太多，不然会使色彩的透明性降低，有脏、闷得感觉。所以水彩画要想得到理想的灰颜色是很不容易的。
作为水彩画的载体水彩纸，无论是国产的纸还是进口的纸，大多数都禁不起反复的涂抹擦洗，也不能长时间在日光下，那样纸就会变黄变脆。进口纸的质量虽然说好一些，但是也不能长时间保存，这也是原作的色彩长时间保存后变色的主要原因。这也就影响到水彩画的收藏于拍卖。水彩纸不能反复修改，所以就要求作品要尽可能一次完成，这会导致一旦失败后就要重新创作，成本提高。
水彩作为以“水”和“彩”为特点的画种，其水的韵味和彩的透明性应该得到充分的发挥和体现，这也是区别于其他画种的独特魅力。水彩艺术水准的高低并非是花在画面时间的长短，也不是描绘遍数的多少。水彩画无论厚重或是淡雅，都应该是在坚实的基础上的飞跃与升华，灵动而充满生机的投入艺术创作，求得水彩艺术真正的高水准。一件好作品产生的过程不是那么简单的。艺术家进行艺术创作其因素是多方面的，是在不断深化，不断从实践中加深认识，从而创作出理想的具有时代精神的艺术作品。艺术作品的成功要有扎实的生活基础，过硬的绘画基本功，更要有高深的审美修养作为基础。
“求变”是符合绘画发展规律的，首先是要在观念上有所突破和对生活的体验上加深理解，其次是对绘画材料工具的深刻了解和熟练的掌握。画种特性的发挥要有其时代性，在发展的进程中画种之间的界限是不断缩小，相互交融，相互渗透的，是随时代和科学的进步而不断的拓展的。有了创新的观念和材料，才能不断有创新的作品。
水彩艺术作为当代艺术的一种表现形式，综合材料绘画的介入是具有创造性和开拓性的。它的使用是传统绘画的审美与当代艺术多样性进行的融合，所以作为水彩综合材料的教学既要吸取传统绘画形式的养料，又要拓展水彩艺术的艺术形式和表现手段，使各种媒介材料在水彩画中得到应用和表达。这也就是要在教学实践中使传统绘画与综合材料绘画相互结合、相互渗透，创作出具有鲜明艺术个性的艺术形式和表现方法的重要性。综合材料的介入使传统绘画与当代艺术不断融合，使绘画的表现形式变得更宽、更广，是表达自由与个性，精神与物质的理想途径。在教学中通过基础造型，色彩和材质的学习与训练，再对综合材料的分析与实践，不断地总结完成对自我艺术个性与审美的升华。
水彩画的综合材料的使用，要强调不同材料的质地和特性的应用，对于不同材料的特性与画面表现的张力和宽度进行研究。要强调材料在绘画作品中的作用，以及情感与视觉的传递。要理解和感知各种材料的物质特性和精神魅力，使很普通的物质焕发出无限的生命力量。教学中各种材料的组合和运用，再通过学生的智慧与创造力重新赋予其新的生命力，并使艺术感染力和审美价值得到新的提升。综合材料在水彩画中的应用，为学生提供给了无限的表现手段和发展空间，创造出了艺术领域的自由与多元化现象。作为在高校教学的教师，深刻地认识到在艺术语言与表现形式的教学中，开展综合材料课题研究与教学的重要性。从审美观念、表现形式、材料媒介以及表现语言等多方面进行教学，使他们互相利用，优势互补，创作出新的具有新当代精神的艺术表现方式和表现形式，表达出具有思想情感和个性化表现语言的艺术作品。
传统水彩画被认为小画种，或是综合性不够强，这是由水彩画的基本语言和媒材所决定的，在反映生活的宽度和深度上不够高，艺术作品的表现形式和艺术品格不够宽。但是艺术创新不意味着要否定传统，既要重视对传统的承传，又不能固步自封。对于水彩的本体语言和外来语言做全方位、多角度、多层面、多元化的思考和实践。拓展水彩画的工具、材料、技法以及表现形式和方法，各种学术观点兼容并蓄，必然能促进水彩画艺术的前进与发展。从传统水彩技法的应用到现代综合材料的实践，无数水彩画家给我们做出了榜样，展现了一个多姿多彩的艺术世界，形成了丰富多彩艺术语言。水彩综合材料所带来的机理效果，各种技法的运用也带来了丰富多彩的艺术效果和审美语言，成为艺术家情感和思想表达新的载体。
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中国传统建筑彩画在建筑的木构表面涂饰色彩, 绘以各种纹样和题材的装饰形式, 兼具保护木构梁架和装饰的双重作用, 是在实用基础上的艺术化处理。明清时期, 传统建筑彩画艺术发展成熟, 建筑彩画种类、纹样、题材等方面花样多变、丰富多彩, 争奇斗艳。作为工艺美术与建筑装饰相结合的建筑彩画艺术, 体现了古代丰富的色彩学经验和浓厚的人文气息。
色彩构成课是艺术设计专业的一门重要基础课, 是研究色彩的产生及人对色彩的感知和应用的一门学科, 通过本课程的学习, 能够培养和提高学生的色彩意识和配色能力, 训练其对形式美、色彩规律的运用, 在训练的过程中培养设计思维方式和色彩理念, 从而达到丰富想象力和启发创造力的目的。
色彩构成这门课的教学普遍存在着以下问题:一是课堂教学注重对色彩理论的讲解, 偏重已有理论成果的再现, 不注重对色彩设计意识的培养;二是作业缺乏主题性设计的引入, 临摹抄袭现象严重, 学生对资料的依赖性太强, 缺乏色彩研究的创新思路;三是学习目的不明确, 缺少主观能动性, 很多学生不清楚学习该课程的目的和作用, 作业沉闷, 缺少活力, 色彩意识和配色能力没有质的提高。中国传统建筑彩画艺术中体现的色彩运用规律和设计思想, 与现代色彩构成理论有着许多结合点, 能够丰富色彩构成教学的方法和手段, 提高教学水平。
一、将中国传统建筑彩画艺术引入色彩构成教学的可行性
现代色彩构成理论是从人对色彩的知觉和心理效果出发, 用科学分析的方法, 把复杂的色彩现象还原为基本要素, 利用色彩在空间、量与质上的可变幻性, 按照一定的规律去组合各构成之间的相互关系, 再创造出新的色彩效果的过程。是建立在人类传统色彩经验和理论之上的科学体系, 因此在色彩构成教学中一定要注重发挥民族传统色彩的优势, 确立传统色彩在色彩学中的地位, 不仅是文化自强的需要, 也是现代设计的需要。中国传统建筑彩画艺术不仅在色彩应用上有着丰富的经验, 而且兼顾色彩、构图、纹样三元素的相互作用, 突出色彩、构图灵活、题材多样。中国传统建筑彩画艺术既体现了现代色彩构成理论, 又具有鲜明的中国特色, 将其引入到色彩构成教学之中, 可以促进理论与实践的结合, 明确设计主题, 引导学生如何在掌握色彩规律的基础上进行创新, 从而全面提高教学效果。
二、发挥教师的主导作用
将中国传统建筑彩画艺术注入到色彩构成教学中, 是对传统的创新和超越。教师的主导作用非常关键。首先, 教师要认真研究中国传统建筑彩画艺术与现代色彩构成理论, 发现和归纳二者结合点, 创设教学情境, 激发学习动机, 提供学习资源与条件, 让学生沿着历史和地域两条发展轨迹去收集和调研, 从中发现和感悟运用色彩的本质。课堂教学中, 通过对优秀建筑彩画范例分别运用中国传统色彩理论和现代色彩构成理论进行分析, 证实中国优秀的设计思想对于现代设计的重要意义, 在提高学生艺术修养和鉴赏能力的同时, 激发学生把中华民族的文化艺术当成独特的美学去学习它、保护它、经营它、发扬它, 进而懂得如何创新民族之美。在实践教学中还应该要择取明确、具体的课题, 确定目标、内容、要求和方法作导向, 让学生在有序的分析理解的基础上, 消化吸收、继承中国传统建筑彩画艺术的精髓, 创造出符合时代要求的新设计。
三、设计题材的选择
色彩构成教学的基础阶段着重对色彩三要素的认识和掌握, 需完成“明度推移”“色相推移”“色相对比”“纯度对比”“明度基调”“色彩心理”等作业的练习。这个阶段可以选择中国传统建筑彩画中的旋子彩画、和玺彩画作为设计研究对象, 学习旋子彩画构图和配色规律, 掌握配色要点。
对色彩的运用有了进一步的认识后, 要求学生运用色彩构成的原理进行旋子彩画、和玺彩画的创作。为挖掘开发学生的想象力, 鼓励引导他们利用各种手段获取信息、收集资料, 既要在线稿上动脑筋, 又要在色稿上下功夫。在教师一步步的指导下, 激发学生创造性的联想, 让学生能在创作旋子彩画时根据色彩构成的原理反复推敲, 用“明度推移”“色相推移”“纯度对比”“色彩心理”等形式把自己的思想感情用色彩表达出来。结合学生运用所学过的平面构成及设计制图方面的知识, 分析总结所创作彩画中的形式美法则以及制图技巧, 将理论学习与设计实践结合起来。
在色彩构成教学的综合运用阶段, 重点掌握色彩与主题、色彩与形态的相互关系, 需要完成“采集重构”“色彩综合运用”等作业。在这个阶段的作业可采用苏式彩画的形式完成。这个阶段学生虽然具备了一定的色彩意识和配色能力, 但综合运用能力还很弱, 教师可以从身边熟悉的环境和事物入手, 分析彩画的内容、构图、色彩、形式, 逐步引导学生做到独立完成丰富的色彩组织和构成色调, 形象与色彩达到和谐统一。通过练习既培养了学生的动手能力, 又磨炼了他们的耐心和意志。在这样的训练中, 既需要掌握色彩构成原则, 又要领会建筑彩画的设计规律, 学习任务较重。有的学生因此会毅力不够、失去信心、半途而废, 这时教师要进行有针对性的指导和鼓励才能圆满完成设计任务。大部分学生在完成创作练习后会有一定的成就感, 积累了构思和制作经验, 对色彩构成的认识上升到了一定的高度, 色彩意识明显提高。
四、临摹与创作的关系
临摹是学习的开始, 创新是设计的灵魂。也就是说色彩构成教学既要临摹也要创作。设计教育的本质是培养学生的创造能力, 因此创新也是色彩构成课程教学的核心。在千变万化的大自然中蕴含着一个真正的色彩世界, 怎样去认识、理解、运用则需要我们了解色彩构成的规律、研究色彩构成的原理, 才能从中获取色彩知识并真正运用它。中国传统建筑彩画艺术正是从我国的自然环境中提取了合适的色调, 注重建筑与环境关系的和谐, 并且注入了丰富的人文内涵, 才形成了独具特色的艺术形式。授课教师可以从中国传统建筑彩画艺术的发展过程和设计规律入手, 指导学生, 使学生掌握色彩构成和建筑彩画的规律。掌握了设计规律也就会有成就感, 在此基础上, 引导学生循序渐进地创作, 才能更好地掌握色彩构成的知识, 减少学生在练习过程中产生的消极思想, 使色彩构成原理能有效地运用到设计实践中去。
五、教学效果反馈
将中国传统建筑彩画艺术引入到色彩构成教学中, 活跃了课堂气氛, 激励作用明显, 学生的学习态度有所改变, 学生作业质量得到提高, 综合素质和色彩设计应用能力也得到了增强。
高校班主任应该做最好的“协调人”
朱虹雨 (青岛科技大学中德科技学院山东青岛266071)
班主任是班级工作的组织者、领导者, 是学校教育计划、决策的执行者和协调者, 是“学生与学校, 家庭和社会”沟通的桥梁。大学生作为成年人, 有自己的行为能力和思辨能力, 但是大学班级作为一个集体, 班主任的作用仍然不可忽视, 在这里, 班主任更应该是一个协调人的角色。一个优秀的班主任, 应该做好学生思想上的协调人, 做好学校和学生之间、辅导员与学生之间、学生和社会之间的协调人。笔者2003年以来担任班主任, 获得过校级和院级的各种奖项认可, 将这些年的工作经验加以总结, 意在抛砖引玉, 将大学班主任的工作做得更有效率, 更有意义。
1. 高校中的班主任应加强政治学习和理论学习, 提高自身的政治修养, 成为学生思想上的“协调人”。
高度信息化的社会中, 学生每天接触大量的信息和咨询, 良莠不齐, 有精华也有糟粕, 更有大量动摇学生的思想的不良信息。作为班主任, 应当及时提高自己的政治觉悟, 加强对政治理论的学习, 并在与学生的交流中, 加强对学生的思想政治教育, 帮助学生树立正确的政治方向和爱国热情, 不偏激, 不人云亦云, 在善恶美丑的思想变化中, 班主任要做个“协调人”。在政治思想方面, 引导学生积极要求进步, 引导学生关注时事, 对社会问题要能表达自己的看法。教育学生尊师重教, 提高品德修养。用正面的力量影响学生, 在学生的世界观和价值观的行成和稳定的过程中, 做好“协调人”。
2. 高校班主任的主要工作之一, 是学校和学生之间的协调人。
班主任是教学的计划等相关政策的传达者, 也是学生的学习情况第一手资料的掌握者。作为班主任, 应当配合学校, 协调学生执行学校的各项规章制度和政策。如果学校或学院的政策制定不符合实际情况, 班主任作为学生的第一协调人要和学校及时取得联系, 寻找更合适的解决方案。班主任的角色, 往往决定了学生对学校和学院的看法, 培养学生对母校的热爱, 在日常的言辞中, 影响学生, 维护学校的形象非常重要。例如我校六十周年校庆期间, 作为班主任, 组织主题班会, 带领学生学习学校的发展历史, 和发展现状, 以及学校在现阶段遇到的困难, 使得学生对学校有更客观的认识, 也有了更客观的评价, 并对学校的发展更有信心, 树立了学生“今天我以学校为荣, 未来学校以我为荣”的信念。
3. 班主任是学校, 家长和学生之间的协调人。
大学生的家长, 有时候会放松对学生的监督, 认为学生已经进入高校, 就可以自立或者交给学校管理了。殊不知, 现阶段的大学生, 很多年龄上已经成年, 但思想还不成熟, 表现在自我控制能力较差, 进入大学, 离开父母的视线, 有些学生开始自由散漫, 出现这样的
中国传统建筑彩画艺术与色彩构成学之间的同一性使得现代色彩构成教学中具有了强烈的民族特色, 同时也提升了现代色彩构成的精神内涵。只有充分利用外来文化与本土文化两种资源, 在民族传统观念与现代意识的交汇中, 不断探索教学方法, 全面提高学生的实践能力和创新能力, 更好地发挥色彩构成课程在设计教育体系中的纽带作用。
情况时, 班主任一定要与家长及时沟通, 家长作为学生的监护人, 对学生的心理成熟程度和承受能力更加了解, 能够更好地配合学校做好教育工作。此外, 学生中不乏因家庭中的问题和变故, 如家长离异等, 不能集中精力学习, 或者甚至放弃学业, 流入社会, 这会造成坏的影响, 及时了解这些情况, 并有家长的参与有利于大学班主任更好地开展工作, 更好地培养学生健康的心理。
4. 班主任是分团委、思想政治辅导员与学生之间的协调人。
班主任应当配合分团委做好团学工作。深入学生, 及时了解哪些学生有要求加入中国共产党的迫切愿望, 对于积极要求进步和有入党意向的优秀学生, 进行了关于入党申请书的格式和主要内容的讲解。帮助这些学生更全面地了解党的性质、党的历史、党的纪律, 端正了学生的入党动机, 明确了入党目的, 认识到了自己与党组织要求之间的差距。
5. 班主任与班委和学生干部之间的协调。
一个优秀的班级干部团队是班主任能够高效率工作的前提。班主任要给与班干部发挥的空间和充分的信任。在现在担任班主任的教室里, 张贴着“班级日常规范条例”和“班级学习月活动细则”。这些都是班干部在和班主任老师商议后, 自己组织的有班级特色的活动。学习月活动, 鼓励同学们在规定时间以外积极上自习, 给刚入学的学生培养学习习惯起到了很大的促进作用。学校组织的各项活动, 因为有了一只优秀的班干部队伍, 认真组织, 调动了全班同学的集体主义精神和参与热情, 都举办得有声有色。入学以来, 这个班级几乎包揽了全部赛事的冠军。班干部同学也因为这些荣誉而感受到成就感, 培养自己的能力的同时更加愿意配合班主任, 为同学们服务。
6. 班主任要协调好自己同学生之间的关系。
真心实意为学生服务, 学生也会感受到。不否定任何学生, 发现学生的优点, 发挥他们的长处, 成为学生可以信任的良师益友。学生才会积极配合班主任的工作, 良好的班风和学风的形成是班主任和学生共同协调努力的结果, 一个优秀的班集体, 班主任和学生之间的关系一定是和谐、积极向上的。
大学时光是每个人人生中最美好的记忆, 大学班主任, 有幸成为学生这段记忆中的一个角色, 并将每个学生的青春珍藏在自己的记忆中。一个和谐积极的班集体, 既是班主任老师也是一个班级中每个学生的骄傲。做好各方的协调人, 是每个班主任努力的方向。
朱虹雨女1982.5-山东聊城满族硕士研究方向:语言学
作者简介
计学院艺术设计系讲师。
李岩 (1979——) , 男, 黑龙江齐齐哈尔人。齐齐哈尔大学美术与艺术设计学院艺术设计系讲师。
张建平 (1965——) , 男, 黑龙江齐齐哈尔人。齐齐哈尔大学美术与艺术设计学院艺术设计系教授。
李庆德 (1977——) , 男, 黑龙江绥化人。齐齐哈尔大学美术与艺术设计学院艺术设计系讲师。
王威 (1979——) , 男, 黑龙江牡丹江人。齐齐哈尔大学美术与艺术设计学院艺术设计系讲师。
摘要：中国传统建筑彩画艺术的色彩设计经验为色彩构成教学提供了丰富的教学资源, 本文从研究中国传统建筑彩画艺术与色彩构成学的关系入手, 探索如何将中国传统建筑彩画艺术应用于现代色彩构成教学中。
关键词：建筑彩画,色彩构成,设计教学
参考文献
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[关键词]传统绘画理论;水彩画;审美意境
[中图分类号]J202[文献标识码]A[文章编号]1005-3115(2009)16-0089-02
明末清初,伴随着西方资本主义的崛起和殖民主义的扩张,西学东进,西方的水彩画传入了我国画坛,由于水彩画是用毛笔以水性颜色画于纸上的绘画,作画方式与中国传统水墨画有很多相同之处,具有亲缘性,所以逐渐为中国画家所接受和喜爱,并受到画家们的关爱和青睐。在中国画家的笔下,产生了许多优秀的水彩画作品。
水彩画与其他造型艺术一样,与其历史、地域、文化背景有着紧密关系。在中国的文化环境下,它一方面深受其自身发展传统的影响,另一方面又受到中国地域环境、价值情感、民族审美等文化深层结构的影响,使舶来的水彩画与中国传统绘画精神和审美、文化等因素相融合,透射出中国水彩画艺术异样的文化气质。
一、水墨之尚
文化的发展具有历史连续性,当文化表层结构如政治、经济、宗教、法律等发生巨大变化时,其深层结构如价值、情感、审美等却不能轻易改变,无论是东方还是西方,文化都最终决定于哲学。在中国2000多年的封建社会中,儒家、道家的哲理观念对传统绘画艺术产生了重大影响。以老子为代表的道家思想形成了中国传统文化的基本精神之一,即贵静尚柔:崇尚的是形而上的、内在的本质美,强调的是艺术创造的非认识性的规律、非功利性的目的,是对现实世界和现实生活的精神超越。如果说儒家思想对中国文化的影响主要体现在主题内容上,那么道家思想对中国文化的影响则体现在创作规律和审美意识上,而作为艺术创造的关键,重要的恰是艺术的本质规律和审美意识。老子的道德思想以“柔”、“无为”、“不争”、“处下”为特征,认为“道”来于自然而映于物,可见老庄思想带有内向型情感特征。这种内向型的情感喜欢内敛,不喜欢嘈杂喧嚣的俗世,以为引起人们心中情欲和感官刺激的是鲜艳夺目的色彩;喜好寂静沉稳的黑色,认为黑色是孕育生命的色彩,也是生命回归的色彩。所以,老庄崇尚象征生命诞生和死亡的黑色,反对和抛弃五色。老子曰:“五色令人目盲。”庄子亦认为“五色刮目,使目不明”,“知其白,守其墨为天下式”,“故素也者,谓其所与杂也”,“朴素而天下莫能与之争美”。认为五彩之美只是刺激人感官、表象的世俗之美,并非真美,只有一元性的黑色才是色彩之本,才是最朴素、最本质的大美。因此,道家仅把黑色作为象征道家精神的色彩。道家的色彩观是用黑色引导人类回归自然,引导人们用头脑的精神世界感悟色彩、感悟自然,而不是从眼睛的视觉中感受色彩带来的刺激和诱惑。这种形而上的色彩感悟方式,为中国传统绘画水墨画的形成奠定了思想和理论依据,也对后来水墨画的审美意识的形成和发展起到了关键作用。受其影响,水墨画放弃了表象的五彩,而选择具有实在意义的黑色,因为黑色更能使画者忘记世外的繁杂色彩和表现外在形式的欲望,而进入自然和自我的本来世界。
水彩画引进中国后,仍然坚持着固有的艺术传统,色彩表现形式也是多样化的,但不可否认的是受到了中国水墨之尚、朴素乃大美的思想影响。有很多水彩画家以此为审美趣向,画风自然或不自然地追求色彩朴素美。这种画风不仅没有减弱客观自然丰富的色彩,而是更强化了万物的色彩,达到其他任何色彩都无法达到的色感。只不过这个色感不是外在刺激瞳孔的色感,而是激荡心灵的色感。
二、气韵生动
中国传统哲学中有一个概念——气。战国时道家已有万物由气形成的思想,《庄子·知北游》曰:“人之生也,气之聚也。聚则为生,散则为死……故曰通天下一气耳。”儒家认为气是宇宙本体,这对中国传统绘画的影响不言而喻。自魏晋开始,特别崇尚道家学说。庄子提倡“逍遥游”,即实现一种自然自得的绝对精神自由。在这种氛围下,魏晋“六法论”问世,提出“气韵生动”。“气韵”指画面整体表现的一种超越世俗之境及寻求精神寄托的精神风韵。同时,还强调绘画视觉形式上的一体感。气韵取向统领中国绘画1000多年,影响深远。
受此影响,中国的水彩画在造型上讲求形象的生动性,技法、心境的一体性;更加注重画面各形象之间、每一形象的笔墨之间的内在联系,它们相互呼应、顾盼,使形象生动活泼,一气呵成。在用笔上,隐藏不利于塑造形象的笔墨痕迹,不卖弄技巧。要求画家必须意在笔先,随心应笔,果断、准确地摄取物象。由于水在水彩画中的特殊作用,有些水彩画家很在意空濛、淋漓、模糊、迷离的画面效果,将此肤浅地理解为水彩画的“气韵”。黄宾虹说:“或以模糊为气韵,参用湿绢湿纸诸恶习,虽得迷离之态,终虑失于晦暗。”由此可见,气韵不仅在于水分淋漓地呈现飘逸、空灵、流动、透明的视觉样式,还深藏于水分情趣背后,需要水彩画家以学识涵养去发现和创造。国内更多的水彩画家的作品,除了在表现形式上展现出鲜见轻快飘逸的效果外,更注重将传统绘画的笔墨观念和审美取向有机地渗透进水彩画技法操作中,从而产生既活泼、空灵、含蓄的东方神韵,而又不失水彩画的独特品质。
三、审美意境
意境是中国传统美学的重要范畴,也是中国传统画的最高境界。境界是指作者用“以形写神”的笔墨画出气韵生动的形象。在这个过程中,由于作者思想的寄托、感情的倾注,使画面形成一种情景交融而富有感染力的艺术境界,这种境界也称为意境。中国人的审美轻对象而重意境,客体对象只是情感表达的载体。传统绘画重写意轻写实,画上画的是什么并不重要,重要的是画家的真情流露,道家哲学思想在长期传统绘画发展演变中起着重要作用。“道”是中国传统哲学的最高范畴,《老子》中已对美的本质规则深刻提示,被历代艺术家奉行实践。受老子道家思想影响,中国传统思想文化的“无”具有很深的含义。道家思想认为,天下万物生于“有”,有生于“无”,“无”名天地之始,“有”名万物之母。这自然影响到艺术创作。反映到中国传统绘画上,具体体现之一就是空白的大量运用。空白是中国传统绘画的主要特点之一,是构成传统绘画的重要因素。中国画的空白,并非空洞的白纸,而是作者精心布置、着意安排的笔墨不到之处,它是画面不可缺少的、与“实象”不可分割的组成部分。“空白”与“实象”有相发相生、相辅相成、相得益彰之妙,因此是中国画一种积极有力的表现手法。
在此影响下,许多中国水彩画作品在处理天空和背景时,采用淡彩或虚幻手法来表现无限的想象,引起读者的再创作,使读者想到虚实相生,“无画处皆成妙境”。艺术家的匠心所在,正是此无笔墨之处,即“无声”、“空白”之处给读者的遐想,使读者和作者的情感交流达到最高境界。
追求审美意境的传统美学观念,直接影响着中国传统绘画的造型观念,即在形神的造型取向上,更加注重神的表现,“以形写神,形神兼备”,注重主观意识和情感的表现,以意造型,写意胜于写真。这种取向也影响了中国水彩画的造像观念。抒情性、随意性、表现性、以意写形等成为许多水彩画的手法追求。轻柔潇洒、酣畅淋漓、朦胧空灵的画面效果,也成为了水彩画的意境审美符号。当然,中国水彩画毕竟带有西方写实再现的特性,不是一味“得意忘形”,中国水彩画家在作品中注重的是得意而不忘形、写实兼得写意之理念。
中国丰厚的传统文化和艺术情景以及传统的审美理论和美学思想,是包括水彩画在内的各艺术门类成长发展的根基和土壤。在艺术多元化的今天,西方绘画艺术要植根、成长、繁荣,必然受到传统文化、审美理论和精神的影响与感染。尤其与中国传统水墨画有相同之处的水彩画,在民族化的进程中,传统绘画的审美理论和精神无疑起到了重要的催化作用。
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——都匀六小 高忠本
【教学内容】：义务教育浙美版第十册第十二课 【学习领域】：造型表现 【教材分析】：
在孩子们成长的过程中，各种各样的色彩，对儿童而言，可能是最能够引起他们兴趣的美术语言之一了。点彩是新印象主义以色彩分割原理为依据所采用的一种绘画表现形式，又被称为“点彩法”。其主要是利用不同的小色点和小色块有序排列或交错在画面上，让观众的眼睛自己去调色的表现光色效果的方法。
本课教材选择展示法国新印象主义代表画家修拉的点彩画名作《大碗岛的塞纳河之春》及西涅克的《纳蒂布港》，目的是让学生了解点彩画的主要特征，提高研究点彩画的兴趣。另外教材又展示了点的变化、“由几种不同的色点组成的单个物品、及2幅学生的点彩作品。目的是让学生由浅入深地理解点彩画法，并能自主地运用不同的点进行点彩画创作。
本节课的重点是运用点彩的方法，画一幅自己最想表达的内容。本课的教学对象是五年级学生，在第五册、第六册教材分别安排了黑白撕贴画、彩色撕贴画，学生对于用小色块造型及色彩谐调有一定的基础；另外在第九册已经学过对比色、类似色、色彩的明度、亮度，因此对色彩的驾驭有一定的基础。基于此，学生学习本课难度应该不是很大。
为使学生更好的把握画面色彩和造型效果，激励学生的创作热情，在教学中我为学生准备了容易驾驭并能出效果的色卡纸和油画棒来进行点画创作。在观察、比较、体验、创作中感受点彩画的乐趣。
【教学目标】：
1、知识与技能：初步了解点彩画的基本原理，学会用点彩的方法进行色彩表现。
2、过程与方法：认识“点彩派”的绘画典型特征。尝试体验点彩的规律、疏密问题，使画面色彩谐调。
3、情感态度价值观：感受点彩画的艺术魅力。利用儿童的个性特征，通过游戏形式观察色点组合的规律，从中体验发现点彩的乐趣，激发其探究、创造、表现的欲望。
【教学重难点】：
重点：学习点彩造型的方法表现自己想要表现的内容。难点：正确处理色点组合的规律，使画面呈现谐调的色彩。
【教具准备】：课件、油画棒、作业纸、彩色粒子（小奖品）、小画板 等。课时安排：1课时
课前设疑抓学生的注意力。（先看一段沙画录象，请你说说艺术家是用什么材料来创作作品的？ 沙粒，一粒一粒的沙就象一个小小的点，点是最小的绘画元素，今天我们的学习与点有关。）
教学过程：
一、游戏导入，激发兴趣
1、（课件：人物头像点彩作品）
猜猜看，你看到了什么？（各种颜色的点）到底是什么一起呢？大家一起说（是人物画）
2、师：揭题：真是太神奇了，近看只是各种颜色的点，退远了就组成了一幅画，可见小小的点中蕴藏了无限大的魅力，今天我们一起来学习奇妙的点彩画。
二、流派介绍 初步感知
各种颜色的点组成的画就是点彩画，点彩画还有一个专门的流派，那就是点彩派，它是从印象派发展而来的。那我们赶紧去认识几位点彩派的大师吧（师简单介绍）
西涅克发扬者 是一位伟大的航海家，他描绘的作品中表现港口的比多。修拉 创始者 代表作《大碗岛的星期天下午》 克罗斯 水彩点彩画家 黄亮 中国的点彩派代表 过渡：我们也来学学大师探究一下点，谁愿意上来表现点？
三、技法探究 启发创意
1、探究点的形状 请学生上台尝试画点 启发学生画出不同形状的点 教师及时反馈并介绍方法
并让学生给它取个有趣的名字（圆点，顿点，三角形点，挑点，弯弯的点，转转的点„„）
欣赏不同的点表现得作品（翻出相应的作品，让学生直观感受不同形状点的运用。）
2、探究点的排列
过渡：点除了形状多样外，它在排列的时候也有一定的规律，林老师把自己喜欢的一幅画推荐给大家看看
（课件：西涅克《纳蒂布港》
你能发现光是从哪个地方照过来的？你从哪里看出来的？（板书：疏密）方向：帆上的点跟水面的点方向一样吗？（板书：方向）
小姑娘: 哪里的点最大？哪里的点最小?（板书：大小）
欣赏巩固新知 这幅画的点都是怎样排列的？
树:同样的主题，表现出的画面风格完全不同，你更喜欢哪一幅？ 过渡：点彩画的点有着一定的的排列规律，点彩画的色彩更奇妙呢！我们一起来做个小游戏，测一测谁有火眼金睛？
3、探究点的色彩
游戏：师快速闪过色彩纸片问，你看到什么颜色？
小结：哦，原来看起来是绿色，其实是黄色跟蓝色的点交叉或并列排列在一起，是人的眼睛在观察的时候，调和成的这种绿色。画家们也是用这种方法来表现呢！
（课件：西涅克《纳蒂布港》整体---局部）
这一块的天空是什么颜色？（紫色）让我们再放大仔细看看？ 那么海面的这块绿色是不是只用一种绿色点画成的呢？你想想看，还会用哪些颜色呢？（板书出示色彩的特点：丰富、协调）
过渡：这节课我们了解了点的形状、点的排列、点的色彩，认识了这三样法宝，我们就可以学学大师来点画了。
4、教师示范
第一步先用铅笔轻轻的勾勒出轮廓
第二步选择自己喜欢的颜色进行点画
第三步添画背景
过渡：点的不同组合能表现出不同的风格的作品，下面我们来欣赏一下小朋友的作品吧！
5、作品欣赏
你最喜欢哪一幅？说说理由 蓝色的天空都用了哪些颜色？
画中哪一部分的点画的最生动？
这是哪个季节的树？
你是从哪里看出这是表现秋天的树？
四、构思主题 创作表现
1、我是点彩画大师
内容：可以是动物类、植物类、风景类、卡通类等。要求：注意点的大小、疏密、方向的搭配。
2、作品展示
你最喜欢哪一张画，为什么？ 哪张画点的形状最丰富？ 哪幅画的点排列最有趣？
五、联系生活 欣赏拓展
林老师发现，同学们都是点彩画大师，点彩这种表现手法还常常在生活中被运用（课件展示）装饰画、珠链图案、十字绣、纽扣、米粒等做成的手工制作。
静物写生的训练程序
人们对知识的积累，技能的掌握有其过程和规律，都要经历一个由无知到有知再到博学，由不掌握到初步掌握再到熟练掌握的过程。静物写生训练，也是学习知识，掌握技能的过程，故必须从基础学起，由易到难，由简到繁，循序渐进地不断学习和训练。
水彩静物写生的一般训练程序，按静物组合的复杂程序排列常是：单个静物练习——简单静物组合练习——复杂静物组合练习；按用色难度排列常是：单色练习——限制颜色练习——不限色练习。在水彩静物写生的训练过程中，一般是把以上两种顺序综合安排，穿插进行。另外，根据学者的基础、需要、时间和教学者的习惯，在由浅入深、由易到难、由简到繁的规律指导下也可作多种程序安排。有的以静物难度为序；有的以用色难度为序；有的综合安排但舍去某些程序又增加某些程序。如对于无绘画基础的初学者，就可能在单个练习之前，作涂色块练习；对基础较好的，也可舍去前训练，而有意增加作业难度。自学者可根据自己的基础情况，参照以上程序进行安排。下面分别谈谈单色静物练习和限制颜色的练习。
单色静物练习：是指用单一色相的水彩颜料来画静物。这种形式既是水彩又是素描，说它是水彩，是因为它运用水彩颜料作画；说它是素描，是因为它运用单一颜色来描绘对象。这种方法，多用于初学者从素描练习到水彩练习的过渡。它排除多种色彩表现的复杂任务，运用初学者在素描练习中已熟悉的方法去画水彩，这样就可以把注意力集中在熟悉水彩画的工具材料性能和方法步骤上。任务单纯，解决问题迅速，是从素描向色彩画过渡的一种有效方法，可为造型打下良好基础。其具体做法是：用一种具有一定深度的水彩色，如赭石、土红、熟褐、生褐、深蓝、紫、深绿等均可，并加进少量黑色，将它们调配在一起，作画时根据需要用水冲淡使用。其着色程序常是由浅到深，由明到暗，由大面积到小面积，把画面铺满后，再根据需要逐层加深，直到调整完成。初学者要认识其意义，作一点单色静物练习是大有好处的。
限制颜色的练习：是根据静物组合的几个基本色相，有意限制几种颜色来作水彩静物练习，有的甚至从两三种颜色练习起，等熟悉其调和效果后再增加色彩进行训练。初学者画色彩画，一开始就用多种颜色是非常吃力的。因还不知各种颜色的性能，它们的色相、色性，以及不同纯度、明度的状况，更不知两色甚至三色调配后的效果和表现力。采取限制颜色的作画方法，就可以一一熟悉各种颜色的性能和它们之间的关系，逐步掌握各色的性能，充分发挥各色的表现力。同时，可养成分析对象色彩组合，注意画面色调和严格用色的习惯，培养以简练的语言求达意，以质朴的美姿去感人的艺术品质。
静物的选择和组台
画静物，首先要选择静物和摆设静物。怎样选择静物和摆设静物呢？下面看看《新疆瓜果》一画的静物选择和组合过程，然后再谈谈在静物的选择和组合中应注意些什么问题。这样可能较为实际。
该幅画是为乌鲁木齐市中小学美术教师水彩画学习班进行静物示范表演时绘制的。
学习班主持人邀作者进行水彩静物示范，准备了大量瓜果、器皿、衬布由作者挑选。结果选择了哈密瓜、无核葡萄、红色果盘和红绿交织的壁毯作为道具进行静物组合。哈密瓜、吐鲁番的葡萄在新疆瓜果中自然最为典型，果盘和壁毯亦是新疆少数民族常用的生活用品。这样的选择既符合生活真实，又是艺术表现的需要，更增强了地方特点和民族特色。其形色的选定，既是为了主体物的突出和画面的统一协调，又是为了加强热烈迎宾气氛的需要。
静物选定后则是进行静物设置。为了主体物的突出，将哈密瓜和几串无核葡萄置于果盘的中心部位，并将果盘放于位置较低的平铺壁毯上。这样的设置既符合新疆席地共欢的生活习俗，又可使观众产生亲临其境之感，有利于主题的表现。这个静物设置后，又在适当位置增放了几个苹果，这既是构图的需要，又增加了果品丰盛之感，并避免了哈密瓜和葡萄大小过于悬殊的缺陷。这组静物就这样设置就绪了。
上述例子可看出，静物的选择和组合应注意以下几点：首先，要对描绘的对象有所感受，要有明确的构思。其次，根据主题、构思选取主体物，再根据主体物选择陪衬物。在选取时要注意内容的内在联系，既符合生活的真实又符合艺术美的要求。第三，静物的组合，要符合突出主体的需要，并做到合理自然。也就是说，组合物的形状、大小、色彩、质地的统一与变化，光线的照射，背景的处理，组合物的位置和关系等，都应有利于主体物的突出并符合美的原则。
总之，静物的选择和组合，是一门值得研究的学问，其中色括很多构图学的原理，仅此一例，难以一一述尽，这需要认真研究，不断实践去掌握。作为教学者，在摆设静物时，要阐述为什么这样选择和摆设，有机会也可以让学习者自己选择和摆设静物。这将有利于学生学刁积极性、主动性和创造性的发挥，有利于对静物的理解和艺术处理。
下面结合《青桔》一画，介绍着色方法的综合运用。这幅画有水果、丝织衬布、金属、玻璃、草编器皿等几种不同材质的物象，描绘时作者采用了不同的着色方法。为表现青桔明亮而模糊的高光，采用干擦法着色；为表现金属保温瓶明亮而清晰的高光，预涂白色油画棒遮挡；为表现玻璃和金属高光的差异，采取干后重叠留空，体现出玻璃的高光。草编果盘光色变化柔缓，采取干后重叠法描绘；绸巾底色与花纹色相距甚远，则采用并置法着色。总之，画法的运用要以表现对象为目的。
着色程序的安排
水彩画十分重视着色程序的安排，这是其工具、材料特性决定的。水彩画用水调和透明的颜色作画，色调的浓淡是借助亮度和色层的厚薄体现的，水分的多少，底层的干湿，接色的快慢，对画面色彩的准确性和表现效果关系极大，必须重视着色先后程序的妥善安排。水彩画的着色程序，可以归纳为以下几种：
1.先浅后深或先深后浅
这是从色彩的深浅来分析画面着色的先后次序。水彩画是使用透明或半透明颜料作画，透明颜料深色可以覆盖浅色，浅色难以覆盖深色。因此，水彩画多是先画浅色，后画深色，先浅后深是水彩画一般常用的着色程序。这不仅对画面深色块和浅色块而言，并包括对单个物的深色和浅色而言。《西陲果香》一画就是从浅色衬布画起的。从画面深色画起或部分从深色画起，有时也是必要的。从深色画起一般容易用色肯定、明快、单纯、概括，适宜表现明暗显著，轮廓清晰，层次分明的物象，并有利于短期作业的迅速完成和对色彩、形体的概括。《新疆瓜果》一画就是从深色的背景画起的，但背景却又是从浅色部分先起的。
2.先主体后环境或先环境后主体
这是从主宾关系来分析画面着色的先后次序。主体物是画面的中心所在，一般在画面占较大面积，明暗显著，色彩突出，根据先画浅色、先画对画面起决定作用的颜色的原则，一般先画主体物，后画陪衬物和背景。这样的着色程序有利于主体物的刻划和表现。《丁香和波斯菊》一画就是从主体花头先画起的。但有时环境与主体物在明暗、色彩和虚实关系上距离较大，不先画环境则影响主体物的描绘和对整个画面色彩的把握，在这种情况下，又可能先画环境，后画主体物。如《新疆瓜果》一画。
3.全面展开，逐层深入或部分展开，一次直取
这是从画面的展开度来分析着色的程序。全面展开逐层深入是把对象各部浅颜色铺满后，再层层加深，逐步深入的着色方法和程序。采取此程序着色，便于画面的全面比较、调整和充实，是初学者易于掌握和比较稳妥的着色程序，适宜长时间作业，对复杂对象进行描绘（如《青桔》一画）。部分展开，一次直取是一部分画完或基本画完，再画另一部分的着色方法和程序。有经验的老画家多采用此程序作画，学习者则用在短期作业或对象复杂，画幅较大，又需湿画效果的画面，只能根据画面情况，将其分成几个部分，一部分一部分完成，才不失湿画效果。采取此程序着色，虽从部分着手，但必须整体观察，胸有全局，方能收到较好效果。
4.从鲜颜色画起或从灰颜色画起
这是从色彩的纯度来分析画面着色的先后次序。从鲜颜色画起，就是从色彩纯度高，易于辨认的颜色画起。此程序多用在色彩对比较强的画面，《水蜜毛桃》一画就是从鲜艳的水果画起的。在对象色彩调和、接近的情况下，又可能先找准画面灰色，然后再画纯度较高的颜色。这样，可以使个别纯度较高的颜色仍居于统一的色调之中，而不致走调，影响画面色彩的表现。《新疆瓜果》一画，就是先画灰色，后画鲜艳颜色的例子。
以上是从几个不同角度分析画面的着色程序，为的是述说方便，但对于具体作画来说，它又可能是几种程序同时并用，穿插交替使用。既可能是这一程序，又同时是那一程序；或是先采用这一程序，后又采用那一程序。将其多种程序置于一起对照说明，为的是使初学者了解着色程序并不是绝对的，只不过是在特定情况下，可能按某种程序着色更为适宜。有经验的画家可以从画面的任何一处画起，因为他善于解决遇到的难题。对于初学者来说，还必须学会妥善安排画面的着色程序，不仅考虑哪先画，哪后画，而且要结合着色方法、接色时间，对画面着色程序作详细而周密的安排。
室内光色状况分析
表现物象在特定时间、环境和条件下的光色状况是写生色彩的重要要求。为了使初学者在开始进行色彩画训练时，就能以写生色彩的要求去观察和描绘对象，进行光色变化规律的研究和探讨，现结合静物写生需要，对室内物象的光色状况作以下简要分析。
1.室内物象光色一般状况
室内物象一般受特定角度射入的天光照射，光线比较稳定、柔和，明暗和色彩对比不强，暗影较多。受天光照射的物体，明部较清晰；处暗影部分，色彩较灰暗，明暗也不清晰。
室内空间较小，物象的色彩空间透视变化没有室外显著，固有色较显露。景物之间的距离较小，色彩的互相影响较大，背景的色彩对物象影响也较显著。
2.物体明暗各部光色状况
物体的高光是物体上反射光最集中部分，亦称辉点。室内物体的高光一般是天光的反射，色性偏冷，其色相是天光色或接近天光色。
物体的明部受天光的照射，多是天光色和固有色的综合，一般偏冷。但如环境反光色比天光色更冷，明部在暗部偏冷的对比之下，也会出现偏暖的现象。
物体的半明部（或称中间调子、半调子）是侧受天光部位，也受环境反射光影响，但一般影响不大，因此固有色较明显。其色相是固有色、光源色、环境色三者的综合，又以固有色为主。其色调的冷暖一般以物体固有色的冷暖状况为转移。
物体的反光是接受环境反射光部分，受环境色影响较大，其色相是固有色和环境色的综合，常以环境色为主。
物体的明暗交界部分，是既不受天光照射，又很少受环境反射的部位，故色度较深，其色性冷暖一般界于明部与暗部之间。但在明部受冷光照射，暗部也受冷光反射的情况下，这部分色性则偏暖。反之，则偏冷。
3.光照角度不同所产生的变化
正面光照射的物体，光线从画者方向射向描绘物，物体中间明，边沿暗，明部面积大，变化丰富，暗部面积小，变化较少。物体明暗变化微弱，光色现象不明显。
侧面光照射的物体，光线从侧面一方射向描绘物，物体呈半明半暗状态。受光面光源色明显；背光面环境反光色突出；中间部位固有色清晰。物体明暗层次多，色彩变化丰富。如《西陲果香》一画。
逆光的物体，光线从画者对面方向射向描绘物，一般呈上明下暗状态。物体光色变化显著，冷暖对比强烈，明暗对比突出。明部面积小、变化少，多受天光影响，色性一般偏冷；暗部面积大，反光明显，色彩变化丰富、透明，色性一般偏暖，如《水蜜毛桃》一画。
总之，室内物象的光色变化是极其丰富的，它是物体固有色、环境色和淘汰色相互作用的结果，描绘时它又与物象位置、画者角度、画面色调密切联系。研究物象各部色彩变化，就必须把几方面联系起来进行具体观察、分析和比较。机械搬用以上规律不能表现千变万化的光色世界。
小色稿的练习
静物写生中的小色稿，是为了绘好一幅静物在绘制前所作的小幅色彩摸索练习。在正式画一张色彩画之前，先画一张或数张小色稿是非常必要的。这就像进行一项新工作前的试点，生产一种新产品前的试产。目的是通过试验发现问题，解决疑难，摸索工作规律，为正式进行此项工作创造条件。画小色稿对于静物、风景、人物写生都是必要的。
小色稿练习的中心任务是研究和把握对象大的色彩关系与明暗关系。在小色稿的绘制过程中，必然会对绘画诸因素进行研究和试验，并获得绘制过程中的经验。譬如：构图处理、方法步骤、着色程序、色彩调配、用笔等方面的研究和经验积累，这是无疑的，而且这些方面的收获对绘制正稿也是有益的。然而，这并非是绘制小色稿的主要任务和目的。如色彩小稿在把握对象大关系上确有所获，它将为绘制色彩正稿提供有益参考，为把握色彩大关系奠定基础。这些对于画好一幅色彩写生是至关重要的。
绘制小色稿的方法，是在初接触对象的新鲜色彩印象下，在小块画纸上把对象大的色彩关系、印象和气氛记录下来。它不求画面的完整和细致，要置细节于不顾，不择手段的摄取对象大的色彩状况，一次未达到者，可通过调整修改或多画几张，达到准确而概括地体现。初学者画小色稿常出现以下两种情况：一种是草草几笔，大的色彩关系未体现也不修改，这是对小色稿不重视或误认为小色稿就是寥寥几笔，不需修改所致；另一种是画得十分完整细致，把小色稿画成了正稿的缩样，这是不理解画小色稿的目的和意义，混淆了小色稿同小样稿的区别所造成的。以上两种情况均不符合绘制小色稿的要求。
画好小色稿，关键在于整体观察和善于概括提炼。写生色彩要求表现对象的色彩关系，把握对象色彩关系的关键在于整体观察，全面比较。方法是以描绘主体为视觉中心，一眼看到对象全部，进行广泛而全面的色彩比较，以求得色彩关系的准确。这是写生画把握色彩关系的关键，也是画好小色稿的前提。再者，艺术不同于自然，概括、提炼是艺术不同于自然的特征，小色稿在较小的画面里，体现对象大的色彩关系和明暗关系，自然更应注意概括和提炼。画小色稿时要有意舍弃其不必要细节和明暗层次，以概括、洗炼的形式，体现对象色彩基本特征，否则就达不到绘制小色稿的要求。《熟透的苹果》是正稿和小色稿的对照，可以从中看出它们之间的差异。
总之，绘制小色稿对绘制正稿，把握大的色彩关系是十分有益的，对培养正确的观察方法，训练概括、提炼的能力，也是有好处的。初学者一定要养成绘制小色稿的习惯。
质感的认识和表现
不同的物体具有不同的质地。质感是指造型艺术通过不同的表现手段，表现出各种不同的物体所具有的物质。真实而生动地表现出不同物体所具有的特征，是写实绘画表现真实感的需要，是静物写生的突出要求，是衡量绘画基本功的重要方面。初学者要注意利用静物写生描绘不同物体的良好条件，锻炼和提高对于不同物体质感的表现能力。
绘画表现物体质感，就是表现物体质地所显现出的可视特征。不同的物质材料构成不同质地的物体，不同质地显现出不同的可视特征。如坚硬或柔软、光滑或粗糙、厚重或单薄、透明或不透明、蓬松或板结、鲜嫩或枯萎等特征。绘画是造型艺术，它一般不直接显现实物，对于物体质地和真实感的表现，是通过描绘其可视形象来表现。即通过线条、明暗、色彩、笔、材料等表现手段，在平面上描绘出物象的形体、纹理、表面及吸收和反射色光的状况等质地可视特征，并借助于人们的经验和联想，形成某种质地的感觉和实物的印象。如表现了物体的折光现象，就可以使人感到这是透明的物象。又如具体而准确地表现了某一玻璃器皿的折光、反光、形体、纹理、表面等质地可视特征，人们就可以认定是描绘的这一玻璃器皿，而不是其他物象。绘画就是在平面上，通过表现物体质地可视性，表现物体的质地感，简称质感。
表现物体质地感，要抓住物体质地主要可视特征和典型部位进行描绘。物体质地可视特征是多方面的，包括形体、表面、纹理及吸收和反射色光的能力等，它们之不同，则是显现不同质地物体的可视区别。描绘时，均应注意体现，但其仍有主次之分。如金属制品和木制品质地不同，其形体、表面、纹理及吸收和反射光的能力也就不同。金属反射色光的能力强，木器反射色光的能力弱，并有突出纹理，这是它们各自的主要可视特征。表现时，在拒绝其他可视特征的同时，要重点抓住主要可视特征进行描绘，甚至进行强调和夸张，金属和木器的质感就能很好地表现出来。另外，有时由于各种原因，其可视特征表现得不够典型，在这种情况下，就要选择其他体现质地可视特征的典型部位进行描绘，排除其偶然因素，达到对物体质地的突出体现。
水彩画表现物体质感，要动用各种技法手段。形体、明暗、色彩准确，这是色彩绘画的共同要求。用水彩画工具材料表现物体质感，就要动用水彩画各种技法手段。即不同着色方法、笔触、留空技法等的恰当使用，才能使不同物体的质地在画面上准确、生动地体现。如用干画法表现质地坚硬的对象，湿画法表现质地柔软的对象；用不明显笔触表现表面平展的对象，明显笔触表现表面粗糙的对象；用明显留空表现反射光能力强的对象，柔和留空表现反射光能力弱的对象等。总之，水彩画技法多样，表现物体质感时，就必须深入观察、分析，比较各种不同物质的可视特征，根据表现质感的需要，灵活和创造性地使用不同技法，在白色的画纸上就可以表现出光彩夺目、质地万千的对象。下面谈谈《糕点饮品》一画的质感表现。这幅画主要是糕点、玻璃器和挑花桌布几个不同质地的物象。为其质感的表现，我注意研究了它们的质地差异并运用不同技法进行表现。糕点柔软而蓬松，形体变化柔缓，色彩变化细徽丰富，描绘时我运用接色法接画出渐变的基本形色，再用干后重叠法并以隐晦的笔触表现其形体的缓转和色彩的细微变化。玻璃器坚硬、光滑而透明，形体转折流利，高光、反光、透光均较明显，其厚薄及所盛物的颜色决定着色彩的变化，描绘时我强化了高光、反光、透光的表现，多采用湿时重叠法表现其厚薄和盛物状况。白色挑花桌布柔软、单薄、透底，转折缓、折纹显，其色彩因光照和厚薄透底状况而改变，描绘时平面桌布我用油画棒预画出织纹后再涂底色；立面桌布则是先涂底色再吸洗出花纹。通过以上诸多方法，几个不同质地的物象质感就突出地表现出来。
水彩花卉的画法
花，色彩艳丽，形态多姿，为人们所喜爱，为画家所描绘。画家描绘花的美姿，不但可以美化生活，振奋精神，而且可以借花的美质表现一种精神和品格，给人以美的享受和熏陶。然而，由于花的种类繁多，形状、色彩、姿态各异，加之其质地柔软、透明、鲜嫩，更增加了表现的难度。画花卉是绘画基础训练中较难的课题。
花有数千种，各有特色，不能一一谈及。但从其外形分析，不外乎有大花和小花、单瓣和复瓣的差异。结合《丁香和波斯菊》一画谈花的画法，就可侧重介绍中小型花和单瓣花的画法，并推及大花和复瓣花头的画法，有举一反三之助。下面具体谈谈《丁香和波斯菊》一画的绘制过程。
设置：丁香花小而碎，多个花头长在一起，近似串串葡萄，姿态多样，色彩优美，为了丰富画面，则又寻来几枝波斯菊，插入玻璃瓶置于丁香花的偏后部位，桌面仍感空虚，便随意撒放了几个花瓣。两瓶花安放好后，作者对花的主次、疏密和不同朝向进行了调整，形成了浅灰色背景托深色花，深色花衬浅色花的状况。这样，一个主次分明、层次清楚、疏密适当、统一而有变化的静物设置就显现出来了。
构图：根据整个静物的组合状况，采用了横幅构图。勾画轮廓时研究了整个静物的外形变化和留空状况，使其既不拥挤又不空虚，外形具有节奏变化。为了表现花和叶的生动姿态和组合状况，对花和叶的大小、疏密、前后、隐显以及俯、仰、向、背进行了认真观察和勾画，主要花勾画细致，辅助的花和叶仅勾画其外形。这样在勾稿时就分清了主次，给着色用笔留下了创造的余地。
着色：着色前对整个静物的色彩组合状况进行了观察，对着色方法和程序亦作了分析和安排。这组静物比较明亮，黄灰色环境包围着紫色和红色两组花束，紫、红两色花束又衬托着明亮的浅色花头，色彩艳丽、层次分明、主题十分突出。着色以干湿画法相结合，从浅到深较为适宜。根据这种分析，涂绘大调子时，从浅色花头和水罐画起，仅画出浅淡的基色；然后将纸染湿，用大笔接画背景并力求一次画准；在背景未干时就重叠模糊而虚远的花和叶，井逐步画向较清晰的及至玻璃瓶和桌子。主要花头和前突的部分物象，等大体色干后用干后重叠法再进行加工。这幅画朝前的浅色花头是重点描绘对象，丁香花小而碎，加工时未一一刻画，主要是画出花头组合的大的形体、色彩、明暗和层次，在其基础上仅对个别突出花头进行加工；波斯菊是单瓣花头，视其单薄但有体积，描绘时我抓住它俯、仰、向、背的不同朝向，花瓣起伏及其转折的表现，其体积状况就显现出来。
设计意图
在孩子们成长的过程中，各种各样的色彩，对孩子而言，可能是最能够引起他们兴趣的美术语言之一了，通过让孩子了解点彩画的表现特点，尝试了点彩作画。
活动目标
1.欣赏作品，感知点彩画的画面效果，感受点彩画的独特美。
2.喜欢点彩画，乐意尝试，体验点彩画的乐趣。
3.培养幼儿的技巧和艺术气质。
4.让幼儿体验自主、独立、创造的能力。
活动准备
1.相关教师教学资源、教学挂图。
2.颜料、画笔。
3.绘画纸、棉签。
活动过程
1.小小“魔术”，激发兴趣。
“老师请来了一位小客人，他的名字叫小点点。他还会变魔术呢!”(播放教师教学资源。)“睁大眼睛仔细看，瞧，这是什么?”
“我们接着往下看。”(将放大的画缩小到原来的大小。)
“看，小点点变出了什么?”
小结：小点点变的画好神奇啊，近看只是各种颜色的点，退远了就组成了一幅画，这就是奇妙的点彩画。
2.出示教学挂图，欣赏作品，感受点彩画的美。
“这幅画什么地方比较特别?”
“我们一起去找一找，看看整个画面是不是都布满了小色点?”
小结：画面上蓝天、云彩、小船、湖面都是由不同颜色的点构成的。
3.幼儿尝试点彩，体会点彩画的乐趣。
幼儿自选材料，进行颜料点彩。
4.展示点彩作品，进行交流分享。
教学反思
这堂课的教学中我由浅到深，从整体到局部，又从局部到整体进行教学。通过这堂课，引导孩子初步了解“点彩画”的特性，欣赏了点彩作品，很多孩子能独立创作一幅点彩作品。只是在一些小细节方面，我觉得存在一点点问题。如教师示范时，画了一条鱼，很多孩子就都点画了鱼，所以在启发孩子创新方面还不够。而且点彩画是需要耐心去点画的，在孩子作画时，尽量让孩子静下心慢慢的画，这样就会取得很好的效果。
一、水墨画与水彩画的各自特征
(一)水墨画特征
水墨画一种源于中国的美术创作艺术,它主要是利用水和墨的结合进行的创作,在创作时水和墨往往是融为一体的,水墨画的创作要求创作者严格把握绘画过程中水分施展。中国水墨画以写意为主,带有明显的主观表现主义特征,主要由客观现实来表达主观情感、气质、精神等,体现的是天人合一的思想。
(二)水彩画特征
水彩画是从西方发展而来的,其艺术特色是以水和彩相互结合而创作的一种艺术形式。水彩画在创作的过程中注重水的流动性,其画面大多具有通透的视觉感,给人以真实的质感印象。它强调形态的比例、色彩的视觉、结构的和谐以及真实的质感,形成写实主义绘画体系,其审美价值在于真与美。
二、水墨画与水彩画的不同与相同之处
(一)水墨画与水彩画的不同之处
1. 绘画的造型观念不同
水彩画的造型观念以写实为主,注重事物本身的真实性特征,利用色彩上的鲜明对比,体现事物的质感,给人以真真实实的感觉;而水墨画由于受中国传统思想的影响,创作者下意识的会在画中灌注情感、气氛、意象等具有感情的景象,绘画时注重尚意,强调意境,追求诗中有画,画中有诗的理念,属于客观表现型创作。
2. 素材的不同
在创作的过程中,水彩画注重色彩的运用,水墨画则注重墨水的运用。水墨画没有色彩空间关系,也没有强烈的冷暖色调变化,而水彩画主要就是通过色彩的强烈对比来冲击人们的视觉,通过冷暖色调的变化,给人以真实的感觉,从这点来说,二者有着很大的区别。
3. 笔法不同
水墨画与水彩画在笔法上存在很大的不同,水彩在创作的过程中注重画,而水墨注重写;二者在表现语言上主要体现在三个方面——水、色、笔,通过不同的技术形式,形成不同的画面感,水墨画注重画面的水色淋漓和轻松透明,水彩注重画面的厚重结实。但是二者都会注重运用白纸的底色做留白,体现一种不同的意境与美感。
(二)中国水墨与西方水彩的相同之处
1. 作画工具相同
水墨画与水彩画都是通过笔来创作的,虽然用的笔不一样,但是现代水彩创作过程中可以把这些笔结合起来,做出不同的效果图,能产生不同以往的作画意境与风格,为水彩画增添韵味,为水墨画增加色彩,两种艺术的结合,丰富了原来艺术的创作素材。
2. 调和媒介相同
水墨画与水彩画都是通过水进行色彩的调和,谁在画中起着至关重要的作用,会的多少影响着绘画的效果,画面的干、湿、浓、淡、枯都是由水来表现的。水彩画通过水与色的交融,产生一种种奇特、妙趣、绚丽的艺术效果。通过水的灵动性表现画面的真实感,借助水发挥作品流畅的特性,同时表达作品明快、简洁、直抒胸臆之情趣。这些特地拿在水墨画的水韵、线条及意境中都能体现。
三、中国水墨与西方水彩的结合
我国有五千年的悠久历史,这是我们值得骄傲的部分,其中水墨画及时传统艺术之一,沉淀着我国辉煌的传统。而水彩画是舶来品,起源于西方,在中国的发展历史很短。水彩画虽然发源于异国他乡,但是与中国画有异曲同工之妙,中国水墨画对意境的表达以及对笔墨的运用与理解都是水彩画借鉴的财富,二者都是通过水与色的结合,利用不同的干湿笔法,一气呵成或层层涂鸦,追求笔力、笔意,通过丰富多样的笔触、水迹、色象效果,表达不同的意境与情形。而且二者透视通过作品来表达人与自然和谐相处的美,体现一种以画抒情目的。中国水墨画与西方水彩画在相同的以水为媒介材料的道路上息息相关,相互结合,相互借鉴,在立足自身发展的前提下,积极创新,创造出具有民族特色的新的艺术作品。
中国水墨画丢水彩画的借鉴作用逐渐从外在形式走向了深刻内涵的本质,是中国水彩画更具文化内涵与历史传统。中国现代水彩画中借鉴水墨画特有的笔墨技巧、韵味以及丰富的绘画理念,来展现作品的文化内涵以及艺术表现力。当代的中国水彩画家们将我国独特的审美意识和认知方式融入到西方绘画的写实技巧中,形成了富有创意的中国特色的民族水彩画艺术,画面极具空灵感,呈现出一幅如诗般的水彩画,这也是水墨画与水彩画结合的重要表现。比如吴冠中的水彩画《江南雨》,画面清新淡雅,清丽脱俗,突出似幻似梦的江南雨景。
西方的水彩画与中国的水墨画是平行发展的两个个体,他们之间的结合点是作画工具、作画材料与作画技法等方面,另外还体现在意境的表达上。西方水彩画引入中国初期,发展态势并不好,受到很多的限制,但是随着人们观念的改变以及社会的进步,现在水彩发展迅速。中国水彩画在及成本民族水墨画的基础上,大力弘扬水彩画的精髓。中国传统水墨画体现的是天人合一,你中有我、我中有你的中国精神,西方水彩画体现的是人向自然进取的精神,表现的是物我分离。二者结合发展,互为补充,互相借鉴,追求意随形变,形随意动的镜像效果。使绘画艺术在中西文化形而上和形而下两种不同的思维方式下,互相取长补短,促进中西绘画艺术的交流、融合与发展。
摘要：不同的自然环境、生活习俗、思想意识会形成不同的文化特征,蕴含着中国五千年文化历史的传统水墨画与西方水彩画有着不同的发展道路,但是二者在表现技法、材料、艺术体现等方面又有着很多相似之处,在发展过程中相互融合,形成具有鲜明特色的民族性世界文化艺术,为世界美术艺术增添新鲜血液与创作经验。本文主要谈论传统中国水墨与西方水彩的结合之处,及其发展结合的意义。
关键词：传统中国水墨,西方水彩,结合
参考文献
[1]廖胜兰.谈水彩画与中国传统水墨的结合[J].中国文房四宝,2014(2).
[2]戴永强,彭烈洪.浅谈水彩艺术中国化、民族化特性及趋势[J].大众文艺,2010(14).
[3]龚畅.关于中国水彩画发展的几点思考[J].艺海,2013(2).
一、指导学生有效地利用干湿并用法，胸有整体，局部画起。
所谓胸有整体，是指学生除了要有必备的素描色彩基础外，还要有对画面的整体构想：色彩基调，远、中、近、大层次关系等。局部画起，是指把画面分成若干部分逐个完成。这种方法可使学生精力集中，绘画范围缩小，水分和时间容易控制，干湿画法并用得当，从而避免顾此失彼的现象。水彩静物写生是室内水彩画基础训练的最好方法之一。在静物写生之前，可先指导学生做几次静物范画临摹，意在使学生熟悉工具，认识各种画法，体会水彩画的特点。写生要注意指导学生按照以下几个步骤进行：
1、起笔要细，形体准确，高光、反光、明暗交界线、投影等都应尽量交待清楚，暗部和投影要少量涂点铅笔线条以示位置，上色时心中有数才能涂色不乱。
2、画前先在纸上刷一遍水，目的是让纸吃水饱和，必要时可以刷两遍，这样纸不易干燥，干湿画法便于施展。
3、先画背景（一般指衬布），优点是不乱、不花，整体效果好。背景争取一气呵成，整个画面的基调便得以确立。
4、画物体时要一个一个完成，这时采用湿画法比较得心应手。例如画一只梨，从亮部开始，留出高光后涂淡黄色；未干时迅速涂中间调子土黄色，使之与淡黄色相接自然晕合；趁其未干再涂褐色与土黄色相接，晕合后未干时再涂灰绿色于反光处，或者再涂衬布色于反光部分作为环境色的影响。这样，此梨的画面便基本完成了。
5、整理画面尤为重要。局部画法往往容易使画面出现“碎”的现象及层次上产生误差感。所以应要求学生充分重视整理，学会调整画面。前景物体当实，可以用线条来提形（在物体的关键部位狠提轮廓线）；后边物体当虚，尽量在形体和色彩上减弱，以获得层次分明的效果。画面单调的，可适当增加环境色，以增强色彩的丰富感；画面色彩花而乱的，需要在基调的范围内整理，使画面更加和谐。
水彩风景写生是色彩写生的重要课题，可以培养学生热爱祖国、热爱大自然的情操，同时也是进一步掌握水彩画技法的极好机会。这部分教学中，构图、起稿、刷水同静物画法一样，但风景画作画顺序的特殊性是由上往下、从远至近、从左向右进行。在写生之前也应指导学生先临摹几张范画，这有助于学生领悟概括自然的三个层次（远、中、近），并能熟悉自然界中各种物体的画法。写生时应在以下几个方面加以着重指导：
1、写生开始要先画天空，力争一气呵成，这样整体基调和气氛便已确定，其它景物的色彩应向基调靠近，以促成色彩协调之美。
2、待天空色未干时迅速画出远山或远树，使之与天际相接的部分自然晕合。这样既可使远处朦胧、深沉，又符合近实远虚的规律。
3、从左到右，每画一个物体前再刷一次水，以防户外气候干燥、湿画法难以进行。例如，水中倒影里的房屋、树木都要趁湿把各种颜色接涂，自然晕合渗化，使倒影里面的形朦朦胧胧。等到全部干了的时候，用干画法轻轻画上几道水的波纹，此时倒影就显得真实生动了。至于岸上的房屋、建筑等宜用干画法描绘，使之坚实、挺拔，并和水中倒影形成鲜明对比。
4、主体部分应重点刻画，以使画面具有凝聚力，从构图的位置、色彩明快的程度、形体刻画的入微等方面增强其感染力。在让学生知道自然界分成远、中、近三个层次之外，还应让他们懂得艺术有主次之分。即学生在掌握水彩画技法的同时还要学会艺术处理画面的空间。
5、风景画的整理仍是重要的一环。局部画法有利于水分的发挥，湿画法得以充分的利用，但副作用是易“碎”，使整体画面受到影响，故需要从层次和色彩关系上调整一下，画面就基本完成了。
二、教学中注意指导学生操作的几个重要环节
1、学生欣赏范画，教师要逐张讲解其画法及色彩的运用，使学生了解水彩画的样式、特点，并告诉学生为了保持水彩画的透明、明快，调色时不宜过多，涂色时尽量一次完成，最多也不能超过三次，否则画面就会脏乱。临摹时首先要让学生熟悉工具的使用，以及调色和控制笔中水分的方法。
2、带领学生到室外写生时，教师可以先示范一部分景物，边画邊讲：应该怎样画，容易出现哪些问题，该如何解决……这样可以使学生产生直观的感受，同时也明确了写生的步骤，掌握各种景物的表现技法。
3、给学生改画是教学过程中的一个重要环节。当学生某一部分不会画或画得不成功时，教师廖廖几笔，即令学生茅塞顿开，帮助很大。一个班级那么多学生，教师重点应给哪些人改画呢？我认为改两头带中间为宜，画得较好的学生的画只要“点”上几笔便会大增其色，给大家提供了样板，给中间水平的学生增强了自信心。另一方面帮助画得较差的学生改上一两个物体，如一个苹果一个梨，然后鼓励他们按此方法大胆画其他物体，不怕画坏坚持画完，长此下去必能有所进步。
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