电影音乐的作用思考论文(精选8篇)
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1 电影音乐的心理影响机制
1.1 音乐的声学原理
音乐的产生首先是由物体 (乐器) 的物理震动产生声波, 再被人的听觉神经接受从而产生心理反应。所以, 这里要将电影音乐暂时还原为音高、节奏、旋律和音色四个音乐的基本构成要素。音高 (pitch) 是一个典型的听觉系统模式认知切入点, 音高感觉受制于神经活动[1], 随着频率的上升, 音高开始发生变化。此外, 是否有明确的音高决定着声音间的差异。人脑对音乐的感知最早是从额叶背外侧皮层后部以及颞平面的神经反应开始的, 随后由大脑右侧负责认知旋律 (melody) 轮廓的轮廓编码 (contour code) 和间隔编码 (interval code) 以及上颞回对音乐的脑反应进行传导。不同的音高相互重组与搭配, 组成了各种旋律类型。然后, 处在人脑双侧上颞区以及左下顶叶与右额盖部位通过神经对音响时间长度的辨别而产生的音乐感知, 从而产生由每一层震动值的时长决定、通过对时间长短的控制来形成音乐奏唱时的节奏 (rhythm) 效果。最后由人脑右颞叶对音乐中的音色做出反映, 辨别乐器与色彩效果。[2]当音乐的发声体 (乐器或声带) 开始产生摩擦震动而产生声波时, 各种声响音色出现而形成一个或多个具备音高特征的单音, 这些不同音色与音高的单音不断组合、重组、再组, 便形成了旋律。
1.2 人体的接收方式与心理产生
在人体众多感官神经中, 由于视觉、听觉、和嗅觉最接近脑中枢而被称为“高级感官”。当“三觉”中的任何一觉接收到外界信息时, 会以最快的速度直接传导入人体神经“司令部”——脑部中枢神经。
在观看电影并聆听片中音乐时, 人们通过视觉对视频色彩等信息进行采集, 同时通过听觉接收语言和音乐进行复合的神经感知, 而后将搜集到的各种信息后直接传到脑神经中枢, 再从每条相关神经通道传向身体各处, 汇总在有着五脏“将军”之称的心脏处。当心脏收到大脑“指挥部”的“通知”后开始对人体周身的各个系统“发号施令”, 从而产生心理的情绪与情感反应。
2 情绪与情感反应
情绪 (emotion) 包括思、喜、悲、恐四种基本类型, 分别由脑部与杏仁核相连的右海马旁回、腹内侧前额皮层、左眶和中背外侧额皮层、包括杏仁核在内的左/右内颞区域相关[2]。情绪是指“个人对其所认识的事物、所做的事情以及自己和他人的态度体验, 包括所有在主观上体验到的、负载着情感的、有意识的心理状态, 并总是伴有植物性神经系统的生理反应。”[3]。情感 (feeling) 与情绪看似一样, 也是人对客观事物的态度体验, 其实不然, 情感是和人的社会性需要相联系的一种较复杂而又稳定的态度体验。”[4]简而言之, 情绪是人们在短期内对某件事物或者情感产生的共鸣, 而情感是在某种情绪产生多次后而引发的更加稳定长久的态度体验。
下面以中、韩两国合拍的影片《雏菊》中的音乐配置为例。
故事情节是围绕着年轻的女主人公、帅气警察和冷峻杀手三人间的爱情故事展开的。音乐开篇时优美轻快的钢琴旋律在弦乐的和声衬托下突出了女主角惠英的单纯可爱与浪漫的艺术气质, 使观众瞬间接受和喜爱她;大提琴的音色低沉而忧郁, 所以在本片中被用在惠英第一次受枪伤时的主奏乐器, 同时也为深爱着惠英并为惠英的受伤而悔恨、自责的青年警官郑勇默默的代言;暗恋惠英的杀手“情人”出现时, 深邃的单簧管音乐常伴前后, 同时还有杀手喜爱的西方古典名曲。而在杀手执行任务时, 音乐则出现类似进行曲节奏型的弦乐铺垫和声层, 前八后十六分音符的鼓点为主奏, 突出紧张的情绪。每当观众听见这种音乐出现时便知道杀手又要行动了。而在三人情感矛盾叠置的时刻, 弦乐以缓慢的切分音节奏配合单簧管小调色彩的旋律主奏, 充分烘托三位主人公内心的矛盾与痛苦。当剧情进入最后的情绪高潮阶段即惠英第二次中枪倒地时, 音乐是以女声演唱的歌曲来替代当时已不省人事的惠英表达自己渴望真爱的心情。温婉而舒缓的旋律配合画面在惠英中枪前的灵动女孩儿形象及中枪后的场景对比, 加倍了观众对惠英的同情心理而产生悲伤忧郁的情绪。而故事结尾的画面采用了前呼后应的艺术手法, 解开了开场时同场景的一个谜团, 却是让观众有恍然大悟的心理感受。紧接着又重复不久前的女声歌曲作为结束曲, 使观众意犹未尽, 思品良久。
《雏菊》的音乐采用了“变色龙”手法, 即同样的主旋律采用不用乐器演奏的方法产生音色递进, 在统一中寻求不同的感觉, 即突出了音乐主题, 又没让观众产生听觉疲劳, 不愧为成功的配乐。
3 电影音乐的心理影响意义
音乐具有身心治疗的作用已经成为不争的事实。从上世纪末至今的整整百年间, 由美国率先引领的音乐治疗学研究已经获得了巨大成功, 并将音乐疗法实施在了临床医学的众多领域, 如分娩、康复、智障、神经病变等等。电影音乐则是融入色彩、戏剧等更多艺术元素的音乐, 自然其治疗意义是加倍的。无论是西方音乐的大小调体系还是东方音乐的五声调式, 都能够对本民族内、外的观众起到程度不同的情绪调节与心理疏导作用。例如肝火旺盛而易怒者可以尝试观看悲剧电影并感受符合该情绪的配乐;悲观者可通过喜剧来调节身心并树立信心;心喜过渡导致成疾者可以用恐怖片进行调节, 等等。通过画面与剧情的直观视觉刺激结合专为该剧情量身定制的音乐产生的听觉神经刺激, 信息汇总如大脑后可以形成一定时长的固定模式情绪反应, 从而达到调节身心平衡作用。
以上便是电影音乐对观众心理影响的几种概观方式, 而具体的心理调节方式与程度还要依据个体不同的思想背景及生活方式进行针对性配备才能起到心理治疗的作用。不过, 多数人们拥有“聪明”的身体, 它们知道自己需要什么, 所以在进行观影选择时, 往往能够选择身体需要的电影作品观看。当然, 如果为了陪同家人或朋友观影, 而选择不是自己做出的, 自然也就达不到调理身心的效果了。所以, 当我们选择花上两小时坐进影院播放大厅时, 不妨先仔细阅读所有影片的故事情节, 然后闭上眼沉思几分钟, 让自己的身体和大脑告诉我们正确的选择, 不失情绪调理、身心减压的一个新办法。
参考文献
[1]Donald.A.Hodges Handbook of Musix Psychology, 2nd Ed[M].刘沛, 任凯译.湖南文艺出版社, 2006:86.
[2]诸薇娜.音乐认知研究及其计算分析[D].厦门大学, 2008:17-18.
[3]罗小平.谈音乐鉴赏中的期待、回味与反复品味[J].人民音乐, 1997 (2) .
关键词电影音乐表现形式作用突出主题抒发感情
电影从无声到有声,经历了一个巨大的转变过程。20世纪初,人们逐渐领悟到无声电影需要用音乐来渲染剧情,也可以以此掩盖放映机的噪音,于是就尝试在电影中加入音乐。音乐在情感的表达上有着得天独厚的优势,“当语言不能到达时,音乐就出现了”。许多电影情感层面的表达是由音乐来完成的。音乐进入电影之后,使电影成为音画艺术,眼睛和耳朵两个器官是在第一时间接收信息的。人们坐在电影院里看电影的一大原因,就是想听声音刺激。电影能从无声发展到有声,这也正是人们对动效和声音的需求,期望能有除了摄影美术之外的表达形式。你看那些好莱坞大片,从开始到结束,大量的音乐充实着剧情的不断发展,甚至于当电影出现某种色调时,音乐都能起到增强作用。”
一、电影音乐的表现形式
1电影音乐的创作和构思必须根据电影的创作要素。即题材、内容、风格样式、人物性格等因素和条件,使电影音乐的听觉形象和画面的视觉形象完美融合,体现导演的总体构思和美学欣赏原则。
2电影音乐根据影片剧情和画面长度分段陈述间断出现,并受电影蒙太奇的制约,曲式概念有了新的发展。
3电影音乐改变了以前音乐必须是用“乐音”构成的传统观念,和电影中的话语、音响等结合,形成了新的分段陈述的结构。并和“噪音”一起相结合,有时音乐与语言结合,有时音乐和音响效果结合,有时与两者都结合去恰如其分地表现抒情性、戏剧性气氛,成为一种新形式。
4另外,电影音乐的演奏、演唱必须经过录音、洗印等一系列电影制作工艺,最后通过放映影片才能体现它的艺术功能和效果。同时,随着录音技术和器乐、配器技术和发展,已极大地丰富了电影音乐的音色和配器效果。
一部电影首先是由环境、人物、事件、情节等诸要素共同构成的。其次,电影具备多种节奏功能。比如主观节奏、客观节奏、导演心理节奏和观众心理节奏等等。只有音乐这种形式和电影在节奏上是非常统一的。其它艺术形式就略差一些。音乐可以通过不同的音乐节奏和音乐语言,来表达这些节奏,迎合故事不同的风格、不同的场景。从某种程度上说,音乐对电影的作用是任何形式都不能替代的。
二、电影音乐的作用
1电影音乐能突出影片的主题,达到歌颂主题思想,帮助观众明确电影的思想意义。
2用音乐来加强剧中人物的动作、思想和心理活动等,使人物形象的塑造更立体化,更加鲜明动人。
在迪斯尼动画片《花木兰》中,也有极好地展现。每当木兰出现的时候,那段属于木兰的激昂旋律,反复出现在影片的不同阶段。将木兰这样一个勇敢、有主见、申明大义的巾帼英雄形象深深印在观众的心中周王出现时,那一段管乐器的运用,一种威严油然而生:而匈奴的那一段大管等低音乐器的运用。给人以诡异、阴谋的感觉,如此形象鲜明的呈现,如果没有音乐,不知要逊色多少。
3推动和帮助剧情的进展、延伸情绪等并起到连贯作用和加强蒙太奇的组接作用。能用音乐和歌曲把一些原来分散的镜头组合成完整的有关联的艺术整体。
在电影中,音乐有时就像一条锦带,把一些分散的、跳跃的镜头串连起来,这就是音乐的连贯作用。由于一部电影的时间有限。如果把一些短暂的镜头都详细地交待清楚。那要占用很多篇幅(画面)。而音乐是不占空间的。音乐把这些表面并无关联的镜头连接起来。使其成为一个整体,这是电影音乐独具特色的功能之一。
以《泰坦尼克号》中的一组感人至深的镜头举例,那展现了人们在面对死亡时的另一种态度,没有了灾难面前的恐慌与失态。有的只是无限的爱,原来我们可以如此选择。选择高贵,选择永恒,母亲再一次把孩子哄睡。相伴一生的老人依偎在一起,这一组不够连贯的镜头贯穿着乐队的那一首《上帝与我们同在》,深深地打动着观众的心。
4描绘自然生活,描绘时代空间。描绘民间民俗,描绘地方风貌,能引起观众对时间、空间和环境的联想。
在描绘地方风貌和民间民俗方面中国音乐在电影音乐中最具魅力。如《五朵金花》运用了云南大理地区的民问音乐《我们村里的年轻人》源自山西民歌《冰山上的来客》的音乐充满了天山南北的新疆民歌味道。这些电影的音乐都深深埋在无数影迷的记忆里。
5擅长用节奏和速度的变化来处理和改变影片的节奏和人物的动作、心理活动,对刻划人物性格起很大作用。
6通过听觉感受使观众的心理感觉上形成视觉形象、听觉形象的立体感,因而使银幕形象更丰富、生动、真实,大大加强了电影艺术的表现力和感染力
著名旅美作曲家谭盾为电影《夜宴》所创作的主题曲《越人歌》和片尾曲《我用所有报答爱》是整个影片的亮点。让很多本来很一般的镜头仿似有了灵气。其中伎人馆和越人歌是点睛之笔。正是有了这些音乐的渲染,为影片的主题增添了更加深厚的情感积淀。
主题曲《越人歌》是来源于《诗经》,“山有木兮木有枝,心悦君兮君不知”。冯小刚说。“这两句唱出了人与人之间最深的寂寞。一个人如果懂了这首歌,这个人就不会寂寞。”谭盾说。“影片是在挖掘人性深处的一种寂寞。然后再从这个寂寞里寻找希望。我觉得这正是这个剧本最吸引我和震撼我的地方。”由此可见导演和作曲家的不谋而合说明电影的视觉性和音乐的视听性的结合有其共同的特质。两者的结合使银幕形象丰富生动,大大加强了电影艺术的表现力和感染力。“心悦君兮君不知”唱出了青女对太子无鸾那份让人感动的,这首歌本是无鸾用来宣泄自己心爱的女子婉儿被自己父亲占有的苦闷和无奈的心情,但事实上它却是青女对太子的挚爱而太子却不能理解的最好诠释:也是心中唯有江山而不惜谋害亲兄却宁愿死在自己心爱的婉后的毒酒下的厉帝的真实写照。此时,不难看出电影音乐不仅表现出了它歌颂主题思想的作用。而前面提到的更多作用也彰显无疑。而这更加说明了音乐在电影中举足轻重的作用。婉后被刀刃射中后,影片主题曲仿佛由地底冒出,带出了一股绝望、悲怆的感觉。让人心生悲凉。
“只为一支歌,血染红寂寞。只为一场梦,摔碎了山河。只为一颗心,爱到分离才相遇。只为一滴泪,模糊了恩仇。”青女为了给太子唱他生前最喜欢的那首歌而得到厉帝的赏赐的那杯有毒的酒而死:而婉后为了内心的不断膨胀的欲望而从一个清纯的女子变为一个歹毒的女人。这首歌不仅更加鲜明的点出了主题而且在渲染影片气氛的作用也更加明显《夜宴》的音乐有一种跨越几千年的时空感,在片中是非常古典和唯美的,而在结尾则是非常现代和摇滚的。可以说《夜宴》这部影片在音乐上的创作是非常成功的。
音乐教育是人文科学的一个重要领域,同时也是实施美育的重要途径之一,它遵循学生的认知规律与身心发展规律,以审美体验为核心,能够提高学生的审美能力,形成良好的人文素养。
音乐教学的基本理念是以学生的生活经验,兴趣能力与需要为出发点,通过“识谱”、“唱歌”、“欣赏”、“乐器”等内容以及与之相关的姐妹艺术的学习,培养学生“感受音乐”、“鉴赏音乐”到“表现音乐”,最后发散思维创造音乐,使学生产生自信心理,减少畏惧心理,在饶有兴趣的情景下学好各门功课。
1.音乐能陶冶学生的情操
音乐感知植根于人类的本性之中,只有通过对音乐的情感体验,才能使人的这种感知能力得到健康的发展。如听民乐合奏《春江花月夜》那优美婉约的旋律,就让人眼前不自觉的浮现出春夜江面的迷人景色,心情无比舒畅。听旋律宽广,速度从容,气势宏伟的混声四部合唱《祖国颂》,就会让人很自然地想到祖国辽阔的大地,壮丽的山河,各地蒸蒸日上的工农业生产,以及人民对祖国繁荣昌盛的企盼和祝愿等等。学生在音乐欣赏这一情感体验过程中,自然也能够自我感受各个音乐作品所体现的艺术美,并用这种美来陶冶情
操,从而潜移默化地受到感染。音乐教育就是要通过音乐所表现的情感与形象,对学生动之以情,感之以形,晓之以理,最终达到教育人的目的。
2.音乐能够发展学生的创造思维
爱因斯坦曾经说:“如果我在早年没有接受音乐教育的话,那么我无论在什么事业上都将一事无成。”他还说:“每当我遇到难题的时候,为了使头脑清醒,我就拿起小提琴进行演奏。”音乐与人、与客观世界、与整个宇宙是一个结构和谐的整体。人们在听音乐的过程中,由于音乐信息的剧增,这种音响对于疏导大脑的整个生理功能起着良好的作用,这时,想象力相应地活跃起来,增加了大脑的随机应变能力,这种能力可以把彼此分散的潜意识和众多孤立的信息组合起来,从而对人的创造力产生意想不到的积极作用。
3.音乐能开发学生的智力
音乐是学生最好的启蒙教师。音乐早在中国古代就被列在学子们必学的《六艺》中。现在由于物质生活的普遍提高,许多家长都选择音乐作为自己孩子的启蒙教育之一,诸如学习钢琴、小提琴、舞蹈等等。虽然家长的初衷不尽相同,但学习音乐的确使孩子发生了变化,如:促进了智力的开发等。音乐有利于发展学生的智力,最突出的表现为知觉感受力增强,记忆力增强。例如你能准确地听辨出音乐的细微差别,你同样能在其他事情上分辨出其微小的差异,正确地识别真
善美和假恶丑,学习也会有长进。假如在音乐欣赏中你能听出一首乐曲的音乐形象,你同样能在作文里充分发挥那合乎实际的联想,用你的审美能力选材,写出具有特色的文章,假如你能在音乐的不同节奏中找出表现不同的情感,你同样能在阅朗读中正确处理诗文中的思想感情。许多实践,调查表明:学习音乐可以增进听觉辨别能力和记忆能力,增强意志力,增强词汇和应用词句的背诵能力。在音乐活动中,能启发人类最珍贵的创作潜能,现实生活中很多人借助音乐的创作过程磨练思考力,敏锐的感触力及丰富的想象力。让孩子学习音乐的主要目的,一方面有些家长是希望在学习音乐的过程中发掘他们的音乐天赋和音乐才能,为他们将来从事专业音乐工作打下基础。另一方面有些家长是希望他们从学习音乐中获得美好的能力后再走向别的领域也能表现出很高的能力。
在长期的音乐教学程中,我发觉酷爱音乐、喜欢文艺演出的学生一般都会受到老师及同学的好评,并且学习成绩都不会太差。据了解这些学生上课时经常提问题,反映灵敏,接受能力强,考试不怯场。由此可见,音乐教育在开发智力的同时对其他学科的学习也起了很大的促进作用。
4.音乐具有较强的号召力和凝聚力
好的音乐可以让观众与表演者形成情感共鸣。民间有句俗语:“演戏的是疯子,看戏的是呆子”。就是说观众会随着
来源: 王晓艳的日志
1927年,电影艺术由无声跨进了有声时代,使电影艺术更富有现实感和感染力。1935年。彩色技术首次在美国马摩里安执导的电影《浮华世界》中运用,使电影由黑白两色到彩色。不但给观众带来了全新的视觉享受,更为电影艺术增添了新的魅力。
一、电影色彩简史回顾
20世纪三四十年代,彩色技术在电影中得到进一步完善,能够灵活、有区别地用彩色反映现实,但受绘画的影响。摄影主张对现实对象进行艺术加工、修饰和改造,强调视觉造型形象的象征性和寓意性,追求画面气氛和意境,使银幕图像更接近绘画的要求。五六十年代,电影观念发生巨大变化,人们开始追求真实可信的银幕效果,加之这一时期,电影移动摄影的广泛应用,充分发挥了“照相本性”,彩色胶片的大量生产,为电影丰富的色彩表现提供了条件,促使电影艺术向“再现现实、接近生活”方面发展。自七八十年代始,电影技术已经成熟。表现手段日臻完善,中国电影人也开始认识到色彩的重要性,电影的色彩观念也随之进入了中国电影人的视野,并很快被付诸于实践。1979年,电影《小花》和《生活的颤音》率先对电影色彩的运用进行了有意识的探索。《小花》全片共有12个回忆性的黑白片断插入彩色片中,导演意图通过画面色彩上的对比和交叉来完成影片的叙事。《生活的颤音》同样在艺术形式上敢于突破,导演几乎把当时能看到的比较新鲜的电影技巧都用了个遍。例如现实和回忆交叉的叙事方式,升格摄影和定格等。这两部影片都使用了黑白片和彩色片交替的手法。既表现了人物的意识活动,也在剧作结构上作了一次尝试。当今。信息、科技高速发展,知识不断更新,电影艺术也在顺应着时代的潮流。满足着人们的需求与渴望。色彩也在为电影艺术的进步发挥着不可替代的作用。
二、色彩的情感作用
著名摄影师斯托拉罗曾经说过:“色彩是电影语言的一部分,我们使用色彩表达不同的情感和感受。就像运用光与影象征生与死的冲突一样。”张艺谋也曾经在接受记者采访时说:“我认为在电影的视觉元素中,色彩是最能唤起人的情感波动的因素。……我自已认为。从生理上说,色彩是第一性的,能马上唤起人的情绪波动。”的确,色彩是最具有感染力的视觉语言。色彩作为电影艺术造型的一个重要的视觉元素,除了能还原景物的原有色彩,同时。还能传递感情,表达情绪:色彩不但可以表现思想主题,刻画人物形象,体现时空转换、创造情绪意境,烘托影片气氛,更是构成影片风格的有力艺术手段。当然,由于人们对不同色彩有不同的生理、心理反映,这也就形成了色彩的情感作用。
比如:红色——
红色是太阳和火焰的色调,象征着温暖、热量,是爱情、热情、冲动、激烈等的感情象征。红色给人的视觉感受是热烈而活跃,具有蓬勃向上的感觉。
红色是最强有力的色彩,在电影中偏爱红色。把红色的表现推向极致的当数我国著名导演张艺谋。他的影片《红高梁》中红红的高梁酒。《菊豆》中的染坊。《大红灯笼高高挂》中的大红灯笼,甚至《秋菊打官司》中那一串串挂在墙头上的红辣椒,都构成了一种视觉张力,象征着一种热情的生命活力。
红色还象征着躁动、革命。在电影《活着》中。红色被作为影片突出的饰物和象征性的幕景。红色的皮影戏、挂着大红灯笼的赌场、红色的标语、红色的毛主席画像、红袖章、红宝书等在影片中十分醒目。
在中国的民俗中。尤其是在我们的传统节日——春节中。红色是主色调,象征着喜悦、吉祥、庆典。
黄色——
黄色给人以明朗和欢乐的感觉,常常被用来象征幸福和温馨。黄色因明度高,容易从背景中显现出来。具有引人注目、吸引观者视线的力量和条件。
在我国历史传统中,以黄色为神圣、权贵、至高无上的皇权的标志。意大利导演贝尔纳多·贝尔托鲁齐,使他的电影《巴黎最后的探戈》(由维托里奥·斯托拉罗摄影)弥漫在扑朔迷离的黄色中,这是热情、欲望和疯狂的象征。在他导演的电影《末代皇帝》(由维托里奥·斯托拉罗摄影)中,又用明亮的红与黄拍出了中国皇宫的金碧辉煌,给人以华丽隆重的视觉感受。蓝色——
蓝色在心理上形成一种冷的感觉,所以象征着寒冷。兰色还包含着抑郁和忧伤的成分。歌德在《色彩理论》中曾经谈到,蓝色是一种能量。它处于负轴,最纯粹的蓝色是一种夺人的虚无,是蛊惑与宁静这对矛盾的综合体。最能感受到蓝色调的是法籍波兰电影大师基耶斯洛夫斯基的“三色”电影之一《蓝色))。影片笼罩在忧郁的蓝色之中,蓝色的游泳池,蓝色水晶样迷离的玻璃串灯饰,既为女主人公营造了一个独特的心理背景,又给观众带来了视觉的愉悦和极强的艺术感染力。
张艺谋的影片《千里走单骑》中有大量展现原生态天空的镜头,那种纯粹青透的湛蓝有一种震人心魄的美丽,延续了一种回归质朴与本真的风格,以水面无波、平铺直叙的方式,反映了亲情的厚重深沉之美。
绿色——
绿色是自然生命中最生意盎然的色彩,也是红色的对比色,有一种平静、稳定、希望的感觉,是一种最适宜人眼睛的色彩。绿色象征着和平,代表着春天。在武侠大片《十面埋伏》中,天与地、人与物,整个画面凝合成一片壮观的绿色海洋。那片绿看得让人心动,让人神往。
黑色与白色——
黑色与白色是无彩色,和其它有彩色一样,也起到表达感情的作用。黑色往往使人联想到死亡、忧愁,易产生失望、黑暗、阴险、罪恶的感觉:白色使人联想到光明、清晰、神圣,易产生纯洁、淡雅、稳定的感觉。但因黑色和白色是所有色彩中明度最低和最高的色彩,所以黑色的情绪又具有低沉、凝重、庄严等感觉,白色具有虚无、冷淡、和平等感觉。但由于个人或国家或民族不同的文化传统、生活习惯和观念,也会形成差异的情感作用。例如白色在西方是纯洁爱情的象征,婚纱是白色的:而在我国则常常以白色为孝服,西方参加葬礼穿的是黑色服装。在我国传统戏剧中,红色是忠良的标志,黑色表示正值威严,白色则表示是奸诈刁滑,传统戏剧脸谱都按此规律描绘。
暗黑色在影片《英雄》中,表现了秦王朝的威严与冷酷。前苏联的著名导演安德列·塔尔可夫斯基的《潜行者》,所有的空间都以黑色为基调的,就像一座凋零的废墟,就连潜行者身上的着装,也是一身黑。黑色最大限度的传达了影片的窒息与压抑。
黄建新导演的《黑炮事件》影片中。白色的运用很是荒诞,特别是第一次党委会,整个会场几乎全是白色的:白墙、白色的衣服、白色的钟面、白窗帘、白桌布、白玻璃杯子、白开水、白色的椅子套等等,人物也一律穿着白上衣,只有人的头发和武书记背后那占了整个墙壁的走得很慢的超常石英钟的刻度和指针是黑色的。……
综上所述,虽然单个颜色会有不同的视觉感受,也能传达一定的感情,但色彩真正的美感是在有意识地、合理地运用色彩基调时体现出来的。
三、表现主题的作用
“没声音,再好的戏也出不来。”在电影中,色彩同样是导演表现主题的重要手段。比如张军钊导演、张艺谋摄影的影片《一个和八个》为表现抗日时期的艰苦环境,采用了灰暗色基调,在视觉感受上几近于黑白片,导演强烈排斥着色彩的鲜艳明亮。又如陈凯歌的影片《黄土地》,大面积的黄色块的运用,不出现一点绿色或者蓝色,以强烈的视觉效果渲染影片主题。
为了充分表现影片的主题思想,全片应保持一个总的色彩基调,李少红导演的《恋爱中的宝贝》,拍摄的一部带迷幻色彩的爱情电影,导演在表现北京这个千年古都时,无论在具有符号意义的古城墙上,还是在民间的胡同小巷里,都把这个城市的构成元素赋予了一层暗红的色彩,甚至连电影里的树都看不出绿色的原色,这使得古老的北京城,无论是紫禁城,还是四合院都显得那么凝重与深远,这样的色彩对故事的荒诞情节起了“如来佛手”的作用,使之无论宝贝(周迅饰)穿着任何五颜六色的奇装异服。也让她飞不出传统下的北京城。
叶伟信导演的《大城小事》(黎明和王菲主演),是以上海这个城市为背景拍摄的一部现代情感戏。影片里的城市笼罩着一层淡淡的浅绿,这种颜色在天空,建筑、花园、里弄中隐现出来。因着剧情使上海这个“大城”却始终处于一片静谧之中,绿色在色彩里是中性颜色。温和、放松是其感情属性,于是电影里的上海,不再繁杂、不再忙碌、不再像现实里的高楼大厦一样让人喘不过气来,为了凸显“小事”,一片浅绿滤镜下的大上海变的安静祥和。
色彩基调是指一部电影画面总的色彩倾向。要求镜头画面内部的色彩保持协调,一部电影作品,总会有一个与主题对应的情绪基调,或明快,或悲情,或低沉,或浪漫等。表现总体情绪的色彩手段就是色彩基调。具体体现为在一部影片中或影片的一个小段落中,以一种或几种近似的色彩为主导,构成和谐的色彩倾向,加深观众的印象。一些喜剧片、爱情片多用暖色调来烘托喜剧气氛,表达爱情的浓烈。如周星驰的《大话西游》系列,通篇采用了接近红的暖色调来表达它的喜剧特性,给观看这部电影的观众以快乐。也有一些影片多采用冷色调来烘托气氛。电影《拯救大兵雷恩》中,影片的基调则运用了绿蓝色。选择这种基调色彩的运作,主要目的在于使它们的摄制近似于记录片和纪实性手法,使波涛汹涌。气势悲壮的一幅幅画面更具真实性和产生更大的艺术感染力。当黑与红奠定了《夜宴》的主色调后,一种说不出的压抑、阴郁感油然而生。
试想一下如果在以上的电影事例中,将色彩全部抹掉,即便是角色动作表演再出色,场景环境再精细,剧情结构再完美,摄影技术再高超,恐怕也无法调动观众的情绪,无法将故事主人的情感变化准确的传达出来,无法将故事主题表现到位。此刻色彩带给观众的不仅仅是彩色而美妙的画面,而是直接参与了剧情情绪的渲染和深化,使主题得到了升华。
【论文关键词】:电影;电视剧;音乐
【论文摘要】:影视作为一种视听艺术的结合,“声音”的创作在现在愈加被艺术创作者们所重视。影视当中的“声音”成为与画面同等重要有时又更为突出的一个主要元素。而人们到底如何才能更好的理解剧中音乐所表达的内涵以及音乐能给观众带来什么,便是以下要探讨的问题。
影视的表现形式和方法是通过声、光、电、磁和机械来完成的,并通过画面语言、文学语言、音乐音响语言来完成的。而音乐作为电影艺术的一个重要的表达元素,在影视中具有不可替代的作用。可以说电影与音乐是骨肉相连的事物。人们的眼睛和耳朵在同一时间接受讯息,视听觉共同作用于我们的大脑,音乐推动着剧情的发展,并且一直保持着和画面的节奏统一。
一、主题歌
主题歌是电视剧歌曲的一种,通常用以表现电视剧主题、塑造电视剧基本形象或情绪,是全部音乐的核心,是对整部剧的概括和浓缩。主题歌有歌词,使音乐有了具体的文学形象,而它所表达的情感容易撞击观众的心灵,因此更容易为观众所接受。同时也比较容易传唱,在受众群中存在着广泛的影响。主题歌可以重复出现,也可根据剧中内容的需要,在音乐或歌词上作相应的变化处理。
例如大家都非常了解的台湾影片《妈妈再爱我一次》,主题歌《世上只有妈妈好》成为如今子女对母亲表达爱意的非常具有代表性的一首歌。可见,作为统领整部剧作的首领,主题音乐或主题歌作为一种标志常常最容易被人们记住;再如电视连续剧《水浒传》,描写北宋末年以宋江为首的一百零八人在山东梁山泊聚义的故事。电视剧成功地塑造了一系列栩栩如生的人物形象,仅一百单八将中,就有三十多人具有鲜明性格,而林冲、李逞、鲁智深、宋江、武松等最为鲜明,也给大家留下了深刻的印象,而主题歌创作的极为成功,更加深对剧中人物以及故事情节的理解。而本剧的主题歌《好汉歌》,由易茗作词、赵季平作曲、刘欢演唱。歌曲的旋律粗犷、豪放、常出现七度、八度大音程的跳跃,歌词直接表现了梁山好汉的豪放不羁,把起义的那种天不怕、地不怕的英勇气节发挥发挥的淋漓尽致。每一句都有叹词或象声词、助词,很生活化。整首歌曲生动、有气势、很受欢迎。在当时红极一时,传唱于大江南北,可见一首好的主题歌对一部电视剧有着深远的影响。
二、主题音乐
“主题音乐是一部片子的核心音乐,它紧紧围绕主题思想、主要内容和中心人物,形成一定的音乐形象,起深化主题的作用。一般在片中主要段落、主要人物或体现主题思想的时候出现。” 通常主题音乐是以器乐曲形式出现,也有采用人声哼唱形式出现的乐曲。音乐在剧中的其他时候可能会以主题音乐的变奏形式出现,起辅助作用。确切地说主题音乐是最能反映剧作主题的元素,深化主题故事及人物的思想,并且能起到渲染烘托气氛的作用,是一部剧组的灵魂和精华。
影片《菊豆》中,主题音乐《铃儿歌》在影片中出现十处之多,且形式多样,在配器、速度、节奏上配合影片进行变化,正符合剧中人物的微妙的、复杂的情感。剧中杨天青偷看菊豆洗澡那场戏,当菊豆脱下衣服,裸出满身伤痕,此时埙音乐响起,凸现一种悲凉的气氛,展露无遗的是菊豆的伤心无奈和天青的怯懦。片中挡棺拦路那场戏,按照祖宗的老规矩得挡七七四十九回,在挡第二回的时候,吹拉弹奏的一切客观音乐转瞬消失,伴随着二人挡棺的叫喊声逐渐淡出,乐器埙逐渐登场,悲凉的气氛立即升华,二人“挡棺”结束后,暂时的释放让二人瘫坐在地上,无奈的哭泣。杨金山的偶然死亡本预示二人灾难结束,以为可以过平静的日子,可这种悲凉的音乐仿佛也正是预示了今后日子的凄惨。
三、背景音乐
背景音乐指出现在影视剧中,伴随或穿插在其中的音乐,一般多为器乐,也称作配乐。背景音乐可以是专门创作的,也可以是剧中主题歌或者主题音乐的变化发展。它们可以是大段的使用,也可能根据剧情的需要零散的使用,可以在剧中出现一次,也可以出现多次。其作用是为了渲染气氛,增强故事或者景物的表现力,起到和人们的心灵产生共鸣的作用。
影片《阿甘正传》开头,一片羽毛缓缓飘落,此时主题音乐响起,悠扬的旋律随画面中的羽毛一起起伏跌宕,声画结合的极为巧妙。在影片《燃情岁月》中,有着非常悠扬的一段背景音乐,旋律优美而动听,给影片增色不少。本片的音乐由詹姆斯霍纳作曲,他用深沉、忧郁、悲壮、平静的蓝色基调勾勒出一个发生在美国西部草原的传奇故事。钢琴声慢慢响起,宁静中引出大气,继而转向以小提琴声为主的交响乐,犹如史诗般恢宏。在影片优美的弦乐声中可以感受到人世沧桑,世事变迁,老去的房屋,荒芜的土地„„ 在这本感人至深的影片当中,音乐的功劳是非常大的。
四、插曲
在影视剧中,通常有一种出现在一些重要的场景内,针对某一具体情节的内容而创作的,用以描述某种事物,抒发某种特定的感情和情绪,或表现人物的特定心理的歌曲,我们称之为插曲。
它与剧情发展紧密联系,主要发挥着表达剧中人物的情感,烘托气氛,推动剧情戏剧性地发展,以及担任某种转场、闪回的作用。在影视剧中插曲同样具有主题歌曲的远期和轰动效应。插曲的表现形式可以大致分为主观和客观两种类型。譬如,表现当时心情、画面中所显示的人物所唱歌曲,为客观。能够直抒胸臆,表达剧中人物的情感。而作为是局外人的一种评价时,为主观。以主观的声音出现方式的插曲,也能较直接抒发情感,在某种程度上比客观的演唱方式带有更浓的主观评论意识。例如我国经典的电视连续剧《红楼梦》,剧中人物众多且复杂。而插曲也是十分繁多,但是每段插曲都能很好的刻画出人物形象,符合故事情节发展。如《葬花吟》一曲,体现出林黛玉孤女无依、自己的情感世界也如败落的花朵一样无力,激起无数人的怜悯与感叹。又如《聪明累》一曲,用辛辣嘲讽的语气直接阐明了王熙凤的一生,从叱咤风云到草席裹尸,强烈的对比使观众容易体会到她的悲惨境地。
五、结语
可见,影视剧音乐的要求使得我们应该更重视“音乐”在其中的重要作用,拥有不可忽视的重要地位。它不仅丰富了电影语言,而且强化了电影叙事功能,给观众带来新的视听体验。一部好的影视剧作离不开好的音乐,它在表现主题思想,展现情节,塑造人物,表达情感、情绪,营造氛围等方面更是具有独到的功效,受到导演和词曲作者的高度重视。
参考文献
[1] 陈义成主编.《中国音乐与音响》中国广播出版社, 2001年5月第一版第一次印刷.[2] 任金州, 钟大年, 主编.电视学系列教程《电视声音构成》, 北京师范大学出版社, 1998年5月北京第一版第一次印刷.[3] 王红霞.刘立波主编.《影视声音基础》, 北京电影出版社, 2004年8月第一版北京第一次印刷.音乐在电影中的作用
不知何时起,电影和音乐结合在了一起,并从此密不可分。电影让音乐焕发新的光彩,庞大的音乐家族中又多了“电影音乐”这一分支,而音乐也给电影注入了新的活力,使之成为完整的视听艺术,好的画面与配乐相得益彰,成为观众心中的永恒。
早期电影只有画面,影片本身不发出声音,剧中人物的说白通过动作、姿态以及插入字幕间接表达。被称为无声电影或“默片”。这一时期,电影发展为纯视觉艺术,拍摄了《战舰波将金号》、《淘金记》等经典性影片,诞生了一大批电影艺术大师,梅里爱、格里菲斯、卓别林、爱森斯坦、勒内·克莱尔、茂瑙等。
为弥补无声电影的缺陷人们想出了许多办法。刚开始,电影院在放映影片的时候让配音演员站在幕后说话。这种方法采用了一段时间就被淘汰了。后来,有人又想出一个办法:在电影放映现场进行音乐伴奏。这个办法在一定程度上丰富了电影,音乐开始参与其中,有了渲染气氛,交代情节等作用,这是电影音乐的雏形。
这些办法只是弥补了观众的听觉缺憾,从根本上不能解决观众对影片音色配合期望的问题。2 于是,有声电影随着技术的发展和观众的需要应时而生了。
1910年,爱迪生发明了有声电影机。1927年10月华纳公司的《爵士歌王》打破了电影中无对白的寂静,1928年华纳公司“百分之百的有声片”《纽约之光》彻底打开了有声电影的大门。起初,有声电影是通过同步播放唱片来实现的,存在制作麻烦,声音脱节等弊端,后来,华纳兄弟采用了更方便的由Western Electric开发的胶片携载声音的技术。1932年,制片商和放映商联合建立了胶片上声音轨迹宽度的标准,从而创造了新的1.37:1比例。随着这一整个业界技术方针的确立,电影中的对白、歌舞急剧增加,开始了一个新的时代。
早期有声电影在技术和艺术上的幼稚,曾对默片蒙太奇艺术的精妙产生过不良作用,但随着在技术和艺术上不断发展、成熟,以不可阻挡的势头成为电影发展的方向,现在,有声电影已日趋成熟,电影音乐对一部成功的影片起着不可估量的作用。世界著名电影理论家明斯特贝格曾经说过:“如果我们研究一下音乐,那么我们就能更了解电影艺术在美的世界中的真正地位”。苏联著名电影导演E·吉甘也曾说过:“与画面动作配合得适当的音乐,能够创造出独特的、有高度感染力和深刻思想涵义的音乐视觉形象。”
音乐对电影的作用主要体现在以下几个方面。
一、渲染气氛
音乐能为影片的局部或整体创造—种特定的气氛基调(包括时间和空间的特征),从而深化视觉效果,增强画面的感染力。
代表影片:《天国的邮递员》
宽广草原中孤零伫立着邮筒,那是座将信放入其中便能传达给天国爱人的传说的邮筒,在众多寄给无法忘怀的爱人充满爱意的信件当中,荷娜(韩孝珠饰)放进邮筒的是对死去的爱人充满的怨恨。一直怨恨死去恋人的荷娜在草原中遇见了在俊(金在中饰),在俊是服装界的佼佼者,在一次意外车祸中失去了生命,其实在俊是其他人所看不见的幽灵,因为意外而持续昏睡的在俊,上帝赐予他延长2个礼拜死亡,担任天国的邮递员,在现实和死去的世界往返。荷娜成为在俊的助手,希望带给丧失爱人而绝望的人们重生的希望,对爱人的痛苦回忆渐渐淡却的荷娜,喜欢上了在俊,两人在天国与现实的矛盾中徘徊„„而伴随着两人凄美的爱情,影片中恰到好处的配乐同样令人印象深刻。
场景一:两人初次见面,在俊邀请荷娜与自己一起进行邮递员的工作,以便于更好地帮助荷娜走出对死去恋人的恨,重新爱上这个世界。轻快悠扬的配乐与演员的表演相得益彰,渲染出自由轻松的气氛,将荷娜对于在俊及天国的好奇和其自身精灵、开朗的个性表露无疑,在这种气氛中,观众也将随着演员的表演进入影片,与荷娜一起开始对天国的探索。
与影片内容及环境相适应的配乐无疑会将观众带入一种意境中,展开一次观影之旅。场景二:荷娜发现在俊是幽灵的事实,无法接受,悲伤地呐喊希望摆脱残酷的现实,在俊也无能为力,只有看着爱人承受煎熬,此时,一曲悠扬而伤感的曲调响起,看似希望就在前方,可却那么的遥不可及,音乐的韵味无尽无穷„„
场景三:重回人间的在俊与荷娜重逢,经历风雨的两人在邮局中众人的瞩目下紧紧相拥,同样悠扬的曲调诠释的却不再是悲伤,而是失而复得的欢喜,以及抓住真爱的欣慰与感动。
不同的音乐,不同的场景,或让我们体会温馨,或让我们感受悲伤,随着音乐,我们一次次的走入电影的氛围中,感受着不同的人生,也经历着心灵的洗礼。
二、抒发人物的内心情感
一部电影,是画面与声音结合的产物。视觉与听觉同样重要,音乐自然就成为了电影的灵魂。其中,音乐对塑造人物形象功不可没,而这正是通过音乐表达人物的内心情感来实现的。
比如电影“哈利波特”系列。第一部魔法石中,结尾处邓布利多为学院颁奖。随着他为格来芬多的勇敢一一加分,音乐也逐渐转入高亢。激昂的音乐烘托出哈利等人激动的喜悦,轻松的把气氛带入欢庆之中,令观众随之一同兴奋起来。而后,在踏上归途之前,哈利与海格道别,海格将自己精心制作的哈利父母的相册送给了哈利。此时的哈利表情复杂,他翻开相册,看到了婴儿时代的自己与父母的合影。这时影片的精髓音乐伴之响起,每一个音符都慢慢的打在心 3 头,勾起一丝心酸。悠悠动听的旋律夹带一丝不露声色的伤感,却又充盈了温情与感动,把哈利对父母的爱与对海格的友情与感激演绎得淋漓尽致。每看至此,都会被深深打动。
第二部密室中,结尾处赫敏痊愈出院,来到礼堂与哈利和罗恩见面。随着他们再次相视,温馨的音乐响起,诉尽了彼此的关心与欣喜。当音乐到达最高点时,哈利与赫敏紧紧相拥,诚挚的友情得以升华。
第三部阿兹卡班的囚徒,当哈利与赫敏用时间器回到过去,看见过去的小天狼星和哈利被摄魂怪围攻时,紧张而富于节奏感的音乐声音渐大,揪着主人公和观众的心,哈利对小天狼星的特殊感情跃然于画面之上。当哈利施出守护神咒击退了100个摄魂怪、救下小天狼星时,音乐仿佛也随咒语般蔓延开来,延伸至每一个角落。这是哈利的自豪,是他解决危机后的轻松。
三、体现并深化影片的主题思想 塑造形象 实例分析:《海角七号》 中国 台湾 2008 生命,只有一回!梦想,不会只有一次!错过的爱情,只要肯回头,还是有找回心灵相印的一天„„。这是一个关于音乐、梦想、与爱情的故事。几个完全不搭边的人因为音乐而联系在一起,并由此发现一段凄美的爱情。
六十多年前,台湾光复,日本人撤离。一名日籍男老师只身搭上了离开台湾的船只,也离开了他在台湾的恋人:友子。无法当面说出对友子的感情,因此,他把怀念与爱恋化成字句,写在一张张信纸上。六十多年后,台湾的样貌早已完全改变,各个角落的人为生活而努力,几个活在不同角落的小人物各自怀抱音乐梦想。他们组成了一个乐团,他们需要训练,完成一个临时的演出任务。在此之间,主唱阿嘉和监督活动的日本小姐友子产生了一段情感。但其间也有一段波折。只会弹月琴的老邮差茂伯、在修车行当黑手的水蛙、唱诗班钢琴伴奏大大、小米酒制造商马拉桑、以及交通警察劳马父子,每个人在不同时期的心情,感受,都化做不同的歌曲,在情节之中展现在出来。
影片刚开始的时候唱诗班弹钢琴的小女孩走进电梯时的背景音乐:《爱到不怕死》,交代了电影主线,即爱情至上的原则,也为后续做铺垫。
下一个镜头到了海上轮船,背景音乐《未寄出的信》,加上日语的旁白,交代了故事的一条线索:一对恋人的曲折爱情故事。
在众人准备演唱会阶段,阿嘉与朋友们弹奏许多曲子,此时隐约萌起对友子的爱恋。友子来阿嘉家找阿嘉,在门外哭泣,背景音乐《给女儿》逐渐放大盖过演员的声音,这首歌淡淡的忧伤却不失轻快,正象征着阿嘉与友子微妙不可言说的爱情。中孝介演唱会与阿嘉歌唱一首歌《野玫瑰》,简单的曲风与歌词,烘托出阿嘉对友子纯纯的爱意。
演唱会刚开始时阿嘉乐队激情演奏《无乐不作》,节奏欢快,把影片推向一个小高潮,表达阿嘉终于可以和友子在一起的激动欢喜的心情。《国境之南》将影片节奏放缓,气氛稍稍降温。
镜头切回海上轮船,伴随着《第七封信-情书》的背景音乐引出电影另一条线索:已年老的友子手捧着刚收到的七封信,脸上露出满足的幸福的笑容。
还有一个是在影片中出现了两次的那段比较有激情的音乐,两次都是男主人公在试图砸烂乐器后气愤地坐上摩托车离开时响起。它的出现不得不说更加体现出主人公心情之差以及他对理想破灭的厌恶之感。
那首在《各自远扬》中“我们踏上各自的各自抉择的道路,在未来的某日绽放笑容,直到重逢时。”在这时女主人公已经决定在演唱会结束后随乐团一起回日本,他们两个这的是要踏上各自抉择的道路,就像60年前那对恋人一样。《各自远扬》就像是在用这凄清低调的音乐表现人物之间的关系,将要离别的感觉。把离别时会有的肝肠寸断情感表现的淋漓尽致。这个歌曲以高度凝练的歌词语言概括全剧的思想主题,歌曲旋律根据当时的意境、情绪和人物内心的感情,把感动再次提高一档。把60年前的情形在60年后再次上演。
“风告知春天来访的脚步,纷纷绽放的花朵香气,令人想起远方的你。如春日阳光守护下绽放的花朵,未来希望之光也会照耀我们吧!我们踏上各自的各自抉择的道路,在未来的某日绽放笑容,直到重逢时。”
最后的一首《国境之南》,这时整个影片的高潮。这首歌极具唤起感情的力量,在人们的心 4 灵中产生的巨大而深远的影响。本身这首歌就是比较抒情性质的,在加上在那个场合下更让观众深深被打动。在电影中随着情节的发展和画面给人的冲击力,它更给观众以震撼。在这首歌的演出过程中,阿嘉一直注视着友子,是在表达他的爱情。音乐和主人公融为一体,也让观众体会到剧中人物的悲伤和落寞及不安,打打增强了影片的艺术感染力。
电影音乐通过感情的渲染,使音乐和画面有机结合,形成单独播放任何一方时所不具备的震撼力和感染力,通过视听在观众心理上形成视觉形象。音乐在影片中的整合、连贯、调节、烘托无处不在。电影《海角七号》之所以能感动这么多的人和其电影音乐的配合是分不开的。它就是真情和艺术的融合体。片中音乐设计的起到好处,适合的地点适合的响起,感染着我们,打动着我们。在音乐的伴随下,情感一次次被拨起,展现一个个让人动容的场景。
四、推动故事情节发展
悠悠的音乐声响起,电影故事拉开了序幕。伴着宛转悠扬或是紧张刺激的音乐,电影故事高潮迭起,扣人心弦,令观众身临其境如痴如醉。音乐不仅仅舒缓了人们绷紧的神经,更推动电影精彩的故事情节顺利向前发展。音乐由激烈到缓和,预示着情节渐渐平稳;音乐由欢快到悲伤,推动着情节由欢乐轻松一步步走向悲情凄凉„„经典电影泰坦尼克号中的音乐,可以说将此作用体现到了极致,带给我们那不能忘怀的一幕幕。
忘不了那一幕,杰克拉着萝丝的手,在纷繁熙攘的人群中肆无忌惮地快速穿行。这时,欢快得如跳舞的黄鹂的音乐声明朗地响起,推动着情节越来越轻松自然。可能是在情殇中大伤元气,萝丝已经很久没有尝试过如此兴奋刺激了,她一时之间忘记了自己的贵族身份,在杰克的拉动下享受着飞的感觉,在轻快的奔跑中放肆开怀地爽朗大笑。伴着开朗快节奏的音乐声,主人公的幸福快乐淋漓尽致的一步步展现。
忘不了那一幕,船体惨遭损坏,从人们恐慌不定不知所措的眼神中,我们仿佛看到了焦急无助和绝望。正在此时,出人意料地,《我心永恒》那浪漫悲情的音乐声渐渐响起,似乎预示着一个不大不小的转折。果然,在慌乱的人群中,我们看到了两个寻寻觅觅却又坚定不移的眼神,眼神对视,仿佛是焦躁中的一泉清水,深情又浪漫。他们紧紧相拥,忘记了自己依旧身处险境,只盼对方平安。音乐恰到好处地推动了故事在紧张中趋于清新浪漫。紧接着,音乐变得快速紧张,好似一根绷紧的弦,一弹即断,推动着主人公踏上了绝望无助的逃离之路。
忘不了那一幕,挣扎中的杰克发现了漂浮的船板,俩个人无法同时上去,关键时刻,杰克把生的希望留给了心爱的姑娘,帮她托住船板,“答应我,活下去”,这是杰克留给罗丝的深切嘱托,看到这,观众没有不落泪的,在杰克最后时刻,双手紧紧托着船板,此刻影片中整个画面静静的,只有悲伤的音乐缓缓升起,仿佛整个世界只有他们两个人,悲伤而感人,杰克好像安静地睡着了,只有音乐回荡在大海之上,“爱沐浴着我们到永远,直到我们生命终止,有你让我无忧无惧,我知道我心将永恒。“这首经典的歌曲荡漾在大海之上,感动着成千上万的观众。
优美而悲伤的旋律回荡在耳边,纯真的爱情震撼着心灵,在生与死的边缘,善与恶,高贵与卑劣展现在眼前,故事情节给我们留下了深刻的印象,剧中的音乐同样让我们难忘,整个音乐紧扣主题,推动了故事情节的丝丝入扣,震撼人心。
五、强化影片结构
强化影片结构,即加强影片艺术结构的连贯性和完整性。用它衔接前后两场或更多场戏,组接同一时间不同事件的若干组画面的交替或同一事件的若干个不同侧面的各组镜头的交替,电影时间空间的跳跃、交错等,以达到过渡流畅,情感衔接自然,场景变换得当的作用。
《音乐之声》,这一部老而不旧的美国好莱坞电影,融合了音乐与情感,吸引着无数人的眼球,将一个奥地利的真实故事自然地展现在人们眼前,在音乐里真情流露,将一切的情感因素像流水缓流般慢慢融进人们的思想里。影片中中,修女玛利亚的真诚语句、动人笑容与她的优美歌声,孩子们天真可爱的笑脸与语句,上校的冷静与诚挚,还有他们以演唱奥地利民歌和爱国歌曲的形式与纳粹分子进行斗争和周旋的爱国情感等等都让人深受感染,这一部音乐剧的成功在于它的情感流露并非夸张,而音乐对此起到了不可或缺的重要作用。
影片开始,玛利亚在山坡上唱歌,歌声美丽、自由,深深感染着观众。她听到修道院的钟声后狂奔回修道院,伴着紧张急促的音乐,观众不仅与她一同紧张,更对她奔向哪里感到好奇。5 此处音乐衔接前后两场戏十分有效,正如一位音乐评论家所说:“当语言不能到达时,音乐就出现了”。
影片末尾,纳粹党卫军发现他们,他们在慌乱中逃走,音乐骤然响起,急促而紧张。但当他们跨过了高山,走向了光明的国度时,音乐就快乐了,结构转换巧妙。音乐在情感的表达和推动剧情发展上有着得天独厚的优势,同时对结构的重要作用也在此处体现得很明显。人物内心中的紧张急躁不可名状,用配乐来体现则精妙自然,电影中时间空间的跳跃、交错便易于接受。
过渡,是使影片连贯、结构严谨的一种手段。影片的各部分是靠过渡来连缀的。具体地说,过渡在结构上对上面的内容起概括的作用,同时对下面内容起提示的作用。用音乐作过渡使电影作为视听艺术更加丰满,提高了电影的艺术品位,产生独特的审美效果。
音乐片
在音乐与电影的结合历程中,音乐片是不得不提的一笔。音乐片是以音乐及音乐生活为题材的一种影片。一般以音乐家、歌唱家和乐师的事迹为描写对象。最初是把百老汇的经典剧目搬上银幕,后来则发展为具有特殊形式的类型片,并在四、五十年代走向了“最受欢迎的顶峰年代”。音乐片中的音乐与一般故事影片中的电影音乐和插曲不同,音乐不是单纯作为外加手段为影片烘托气氛、抒情写意,而是剧作构思和剧情的主要部分。它相对歌剧不受舞台的限制,可以营造更好的视觉效果。利用音乐叙事则增强了影片艺术性。其中不乏优秀作品,如《歌剧魅影》
经济效益
音乐不仅在艺术上丰富电影,其经济效益也不可忽视。由于院线的发达,致使一部电影诞生之后,百姓们可以在第一时间内去电影院观赏,并且可以做到全球同时上映,这种娱乐性形式是其他任何一门类都无法企及的。一首优秀的电影音乐,可能会为影片增色不少,同时带来飙升的票房和可观的收益。除了票房收益外,电影副产业效益也很可观。影片中的人物版权、造型版权所带来得效益在后五十年之内依然具有价值,电影人物可以出现在书籍、服装、贴画、游戏、文具等一切小商品中。音乐可以形成一种独特的副产业,CD、光碟等周边产业的效益前景乐观。
浅析电影音乐的作用
摘要:电影是音画艺术,音乐与电影是骨肉相连的。音乐进入电影以后,成为电影这个综合艺术的一个有机部分,是一种新的音乐体裁。它在突出影片的感情、推动影片的剧情起着特殊的作用。
关键词:电影
音乐
作用
电影音乐诞生在上个世纪即将转弯的时候。关于电影音乐的滥觞,最初有一派学者主张是为了掩盖放映影片时机器运转所产生的杂音,或是填补器材故障与换片的空档时间,因此以音乐来遮蔽噪音或把音乐当成串场的中介。但是,我们随即发现这种说法过于偏向功能主义,不是用来解释电影音乐起源的合理因素。
最早期的无声电影(默片)就伴有音乐,当时的影片由于没有音效声、环境声与对白声,音乐就成为弥补视、听不平衡的方法,最常用的作法就是以管弦乐的强音来表示打击声、摔门声、关窗户声,或打雷声等;至于人物对白的部分,多以乐器演奏的形式来配合呈现,例如男女主角互诉情衷时配上某段歌剧里的二重奏。这种以音乐来替代声音的情形,其实有更深层的心理意义,因为人类的感官需要接收上的平衡。德国电影音乐学家汉斯艾斯勒对此解释为:音乐正足以当作影像的解药,因为观者目睹近乎真实世界的一切活动时,却听不到一点相对应的真实声响,必然引发感官上的不适应,因此音乐不只用来填补影像所欠缺的真实生命感,更可以解除观众在看影片时所产生的不适应以及恐惧。
人类惯有的感官经验是视听同时进行,一旦只能看不能听或只能听不能看时,我们就会觉 6 得诡异而加以排斥,这是生理上很自然的现象。画面游走在自然与真实之间,如果听不到一点相应对的音响,必定使我们的感官会产生不适应与排拒感,因此,音乐的作用在消弭这些不适应与排拒感。例如,出现一个悲哀的画面,如果没有任何声响,观众在接受度上就没有那么敏锐与直接,相反地,可能造成观众的迟钝与错愕。音乐让画面变得更具说服力,使观众更容易有身历其境的感觉,因此默片时代就发展出以音乐来弥补完全静默所可能带来的压力。
电影从无声到有声,经历了一个巨大的转变过程。20世纪初,人们逐渐领悟到无声电影需要用音乐来渲染剧情,也可以以此掩盖放映机的噪音,于是就尝试在电影中加入音乐。
随着时代的发展,电影技术的革新,人们越来越意识到电影音乐在影片中的作用,使得它无可替代的成为了电影不可或缺的一部分。电影音乐的作用:(1)表达主观态度,它概括影片的主题思想、表达作者对影片内容、人物、事件的主观态度;(2)抒发感情,用它抒发人物难以用语言表达的感情,刻画人物的心理活动;(3)渲染气氛,它能为影片创造一种特定的背景气氛,用以深化视觉效果;(4)描绘景物,使用它描述画面中富于动作性的事物或情景;(5)剧作功能,它直接参与到影片的情节中去,成为推动剧情发展的一个元素;(6)加强影片艺术结构的连贯性和完整性,用它衔接前后两场或更多场戏,组接同一时间不同事件的若干组画面的交替、同一事件的若干个不同侧面的各组镜头的交替,电影时间空间的跳跃、交错等。而电影音乐在情感的表达和推动剧情发展上又有着得天独厚的优势,“当语言不能到达时,音乐就出现了”。
在众多的音乐电影中由美国音乐剧的泰斗理查德•罗杰斯和奥斯卡•汉默斯坦二世根据玛丽亚•冯•特拉普的自传:《冯•特拉普家的歌手们》改写而成的《音乐之声》可谓颇具代表性。这部影片曾获得第38届奥斯卡金像奖:最佳影片、最佳导演、最佳剪辑、最佳配乐和最佳音响等多项大奖。故事讲述的是一个动人的故事,而这个动人故事中又缺少不了很多动人的音乐。
《音乐之声》清新有致,雅俗共赏。既有幽默的情趣,又有深沉凝重的感情,在各国的测验中经常被评为“最受欢迎的影片”,是全世界票房最高的电影之一。而受欢迎的原因恐怕要归功于其中流传最广的几首经典音乐,如表达玛利亚对大自然热爱的主题曲《音乐之声》;轻松愉快的《孤独的牧羊人》;特拉普上校演唱的深情无限的《雪绒花》;欢乐大方的《哆来咪》;以及可爱的孩子们演唱的《晚安,再见》等等,都成为人们记忆中最值得珍惜和细细回味的艺术佳作,被视做人类最珍贵的永恒佳品。在这部影片中,我所感到的是人世间那种最淳朴、最简单的友爱和挚爱之情,这部影片让我的全身心都感到放松。《音乐之声》来自生活,高于生活,它以乐抒情,以乐动人,到处充满阳光气息与温馨浪漫,它把抽象的音符、大自然的和谐美景和人文景观完美结合,体现出人与自然和谐融洽、相互依托的关系,鼓励人们乐观向上,追求纯洁美好,争取自由和享受生活,消除杂念,达到真善美的理想境界。虽然里面的主要角色都被刻意美化,但丝毫无损主题和形式上的出类拔萃,幽默的对白和情节,更把观众逗得前俯后仰,乐不可支。《音乐之声》称得上是电影史上绝妙的神来之笔,是一部影响深远的作品,它甚至超出了艺术作品的范畴,从艺术史、社会学、心理学、教育学、哲学等角度来衡量都值得研究和借鉴。
但其中最突出的莫过于精彩的配乐。
影片的开始,玛利亚在山坡上唱歌,歌声美丽、自由,深深感染着观众。她听到修道院的钟声后狂奔回修道院,伴着紧张急促的音乐,观众不仅与她一同紧张。在修道院,院长与老修女讨论后认为玛利亚不适合当修女,让她前往冯•特普拉上校家当家庭教师,故事才真正开始。上校家的七个孩子自幼丧母,上校因为丧妻之痛和长期军舰生活变得严肃刻板,不太关心孩子,所以他们有一点淘气,甚至有一点叛逆,固执的拒绝别人的关爱,但实际上他们渴望有人好好的关爱。玛利亚试着让他们接受自己,而孩子们对他态度的转变,从那个吓人的夜开始,她的歌声抚慰了孩子们孤独恐惧的心灵,也渐渐温暖了上校冷漠坚忍的心。
影片中另一首脍炙人口的歌曲《哆来咪》想必大家都不陌生,玛利亚用窗帘布做了七套游戏服,带领他们徜徉于大自然间,无拘无束、自由自在,像一群快乐的小鸟,欢快的歌声让观众融入其中。一路欢歌,一程笑语。可是回到家里以后,情节开始有了波折,上校带回了他的未婚妻男爵夫人,孩子们面对将来的继母,有点胆怯。为了欢迎男爵夫人,上校举办了一场舞 7 会。偶然间,上校和玛利亚跳起了舞,彼此的爱慕也渐渐伴着悠扬的奥地利民族舞曲旋转、明显。但玛利亚认为自己不应该如此,连夜逃回了修道院。与此同时,在晚会上,七个孩子用特殊的方式向大家道晚安,一首《晚安,再见》优美恬静,似乎让观众也松了一口气。玛利亚在老修女的劝说下决定面对一切,终于和上校结成眷属。似是美满的结局。
但是,纳粹的出现打破了他们的幸福生活,奥地利被德国吞并,上校被迫到德营接受新的职务,但他不愿背离祖国,毅然选择了举家逃离。在临行前的表演会上,冯•特普拉全家人的歌声打动了在场所有人,包括银幕前的观众。那一曲深情的《雪绒花》更是点燃了在场者的爱国热情。后来,他们借机从会上溜走,躲进了修道院,这时音乐淡出,恐惧的等待,狂乱的心跳,一直持续,直到纳粹党卫军发现他们,他们在慌乱中逃走,音乐才骤然响起,急促而紧张。但当修女们向主忏悔他们对士兵的车所作的事情后,音乐就快乐了。最后的他们,跨过了高山,走向了光明的国度。
《音乐之声》是这样一部将剧情与音乐如此的完美的结合的电影。她的诞生,让我们看到了音乐对情感表现、剧情发展的帮助与作用。
电影音乐在电影中有着举足轻重的地位,可以说,现在的电影已离不开音乐。有些电影,离开了音乐,就会很难说清呈现了怎样的面貌。相反,只要有了音乐,不懂电影的人,也能从音乐中读到一些东西,这是电影中其它元素所无法取代的。一部好的电影,必然有深入人心的音乐,评价一部电影的好坏,音乐是十分重要的一个部分。因此,在观赏电影的同时,我们也要学会欣赏电影音乐,因为其中有许多值得我们深思的地方。
参考文献
1《论电影音乐的基本功能》 张建明
电影评介 2何晓兵 《契合:电视剧音乐的价值支点》(《中国音乐》2004.1.)3魏南江 《影视声音造型艺术论》 中国电影出版社 2008年11月第1版 4陈斌 程晋 《影视音乐》
一、电影音乐与电影音乐塑造
电影音乐除了具有一般音乐的功能外, 它还具有推动情节发展营造画面的效果, 音乐在人物形象的塑造上虽不及画面直观, 但它却能深入人心, 引导观众在内心塑造属于自身理解的人物形象。相对于画面的塑造功能而言音乐塑造更为复杂, 画面和人物一个属于静态一个属于动态, 静态形象的塑造相对简单, 而人物形象的塑造则包括动静两种状态, 为了突出人物的生动鲜明, 在形象塑造时必须采取动静结合的方式。形象塑造可分为外形和内在, 外形是指相貌、体态、行为等特征, 而内在则是指人物性格和精神面貌, 通过画面我们可以清楚地看到人物的外形, 但内在性格则需要通过情感的变化来体现。情感一般隐藏于人物内心, 单从表情和形体观众很难察觉出其中的细腻, 而能容纳所有情绪的音乐则具备这个功能, 它能细腻地将人物内心情感起伏完整表现出来。
二、电影《教父》中人物形象的音乐塑造
电影《教父》取得了巨大成功, 从而导致两部续集的出现。而尼诺·罗塔创作的《教父华尔兹》和《柔声倾诉》成为具有标志性的主题音乐元素, 并获得了1974年奥斯卡最佳配乐奖。即使是暴力和血腥, 音乐通过独具匠心的处理, 也将主题更加突出的表现出来向观众“柔声倾诉”。这种的音乐表现在《教父》系列中既与主题紧密相连, 又结合片中人物性格和情节的发展而推进, 更加体现了人性柔情的一面和被命运掌控的无奈。
《教父》代表了20世纪美国电影“新好莱坞时代”的特征, 其音乐以优美的旋律、音画融合, 给人们留下了难以磨灭的印象, 带有人性主义的光辉, 与听众的心灵发生共鸣。尽管与人的感情相关, 这部音乐作品却没有令人萎靡不振之感, 反而具有催人奋进的效果。这也正是这部电影所要表达的美国精神的必然要求, 然而对于不曾看过这一系列电影的观众聆听音乐时所产生的优美婉转的享受则应该归功于作品本身的巨大魅力了。
(一) 人物外形塑造
电影对人物外在形象的塑造通常是从人物的表情、穿着、精神、气质或者职业等方面入手, 而对于人物内在形象的塑造则是通过心理描绘和情感起伏等侧面手法来体现人物的性格特征。外在形象与内在特征是塑造一个完整人物形象的前提条件, 两者之间存在密切的关系, 通过挖掘人物内心可烘托人物的外在形象, 相反从外在形象的塑造也可以反映出人物的内心情感, 而音乐作为塑造人物内在形象的有效手段, 它与画面的紧密结合可以促进人物形象的立体化、生活化。电影画面为我们展示的是人物的外在形象, 这些外在形象我们可以通过视觉来获得高矮胖瘦、衣着打扮、头发式样等信息, 形象又具体;对于人物的内在形象我们就只能借助音乐或者其他侧面烘托手法来获得, 因为它是一个相对抽象的事物, 所以我们无法直观准确地进行描绘。
《教父》中《教父华尔兹》每次都伴随着维多克里昂的出场而响起, 曲调沉郁且略带伤感, 给人感觉内涵丰富深邃且碰触灵魂。大提琴、圆号等乐器的运用倍感空灵, 仿佛是深夜中回旋的心灵之音, 带着一丝忧伤和孤独, 刻画了一个拥有强者气质的教父形象。音乐的格调其实已经暗含了他悲剧的命运, 是在不断烘托和强化他的复杂的内心世界, 并成为教父独特的音乐标签。
伴随着悠扬的《教父华尔兹》小号声出现的不仅是片名, 更是烘托了整部电影的基调——厚重苍凉的史诗气质。这是本片中与教父这一主要角色最为符合的配乐, 好似以音乐为媒介的教父自画像。画面上老教父维多克里昂威严但不失亲和, 一位黑手党领导人的形象生动的展现在观众面前。小号声落, 舒缓低回的前奏带有很强的叙事性特征, 曲调优雅苍凉, 冷峻孤独, 却又清晰唯美, 一如影片中两位被责任和地位所钳制的教父充满野心与无奈, 以及宿命感的一生。此后的婚礼现场中, 作曲家运用了典型的意大利西西里风格的音乐, 音画极为和谐。教父与爱女随音乐起舞, 场面简单美好, 这个慈爱的发亲和之前影片所描绘的事务缠身的教父形成了鲜明的对比, 是教父这个角色更为丰满和立体。
(二) 人物性格塑造
电影音乐对人物性格的塑造也是细微的, 人物性格的塑造可以很好反映出该人物的整体形象, 性格相对人物的外在形象而言它具有很多不确定性, 音乐的抽象性则使得它具有塑造人物性格的独特优势。音乐本身就是一个可以容纳各种情感的载体, 通过对音乐的音调、旋律和配器进行不同的调节和组合就能表达不同的情感, 塑造不同性格的人物形象。
《教父华尔兹》第三次出现在律师威逼电影导演让强尼当影片男主角的片段, 伴随着华尔斯安睡的画面, 音乐渐起, 仿佛一起安好, 伴随着音乐的逐渐加强, 导演慢慢发现双手、睡衣、被褥上越来越多的血迹, 直到掀起棉被发现与那只60万英镑买来的心爱的种马马头时, 音乐达到最强, 恐怖的氛围直至顶峰。《教父华尔兹》就是这样描绘了教父的冷酷厚黑的手段, 凸显出其为了达到目的不择手段的性格特征。
(三) 人物内心情感塑造
内心情感是体现一个人物生动的关键部分, 人因有情而变得生动, 影片中的人物也是如此。通过人物语言和动作我们可以察觉到人物的情感变化, 但这种呈现过程不够细腻全面, 所以我们得借助音乐旋律的变化来体现人物内心情感的细微变化。音乐是一门听觉艺术, 也是一门抽象艺术, 尽管它对思想情感的表达不如画面那么直观, 也不如摄影那么明确, 但在情绪的表达上它却有画面无法企及的概括能力。音乐最大的特征就是具有高度的情感概括能力, 能够细微准确地反映出人物微妙的感情变化, 营造出动作和语言无法表现出的情绪氛围。
麦克由于父亲被枪杀而被迫杀人, 躲避在意大利西西里时遇到了心上人艾波罗妮亚时, 悠扬婉转的《柔声倾述》奏响, 惬意的西西里岛、美丽的村庄和人们, 浪漫的音乐使人沉醉, 也正预示着一段美妙的爱情故事即将发生。这首配乐欢快明媚, 但却又让人能够体会到一份怀旧气息, 就好像在喃喃自语:最美的时刻只能永存记忆。音乐背后依稀的无奈感和那份对抗命运的力不从心, 毕竟家族的责任和命运的安排无法逃避, 《柔声倾诉》几乎伴随着麦克在西西里的一切爱与恨, 快乐和痛苦。在这里他与艾波罗妮亚一见钟情, 走向婚姻, 最终却生死两隔。两人在西西里短暂却美好的爱情和安恬简单的生活, 都只能封存于麦克的回忆中。麦克虽然成为了新一代的教父, 即使能够拥有天下却仍要孤独终老, 那美好的回忆一定充满了代价。但此曲哀而不伤, 一如教父的心境:眷恋, 但不会后悔。
为这样一部黑帮题材而不失人性光辉的电影配乐, 如不能与主题相扣, 定会误入歧途。作曲家对影片主题的把握、对情节发展的谙熟级用音乐来刻画人物技巧的娴熟, 造就了经典的电影音乐。这部电影成就了马龙白兰度, 同时成就了其中经典的电影音乐和尼诺·罗塔。
在电影中音乐就是一种生动的语言, 而旋律则是描绘人物内心情感变化的工具, 它不仅能营造氛围, 还能细腻完整地将人物内心情感变化呈现在观众面前, 通过调整音乐旋律、音响大小、节奏快慢和配器种类来塑造不同的人物外形、人物性格和人物内心情感。音乐对观众的影响是无形的, 它能在不知不觉中引导观众的情绪, 让观众在观看画面时在音乐的引导下体会人物的情绪, 从而在思想和心理情绪上与剧中人物产生共鸣, 增加影片的艺术感染力。
参考文献
[1]王云阶.音乐在电影综合艺术中的作用[J].电影艺术.1963 (03)
[2]雅乌塔罗.从审美心理角度论电影音乐三个功能及表现特征[D].首都师范大学2005
[3]金顺爱, 金秀吉.电影音乐中音乐元素的表达[J].电影文学.2010 (23)
大众性是流行音乐与生俱来最为关键的特点之一,也是流行音乐的社会基础所在。由于流行音乐的通俗性和大众性,特别是它本身所含有的自娱自乐的性质,它已经成为人们放松身心的一剂良药,也为广大音乐爱好者提供了展示自我的舞台,因而成为社会各阶层文化生活中不可缺少的组成部分。
时尚性是流行音乐独特的美学特色。众所周知,古典音乐时期形成的乐队,从乐器到编制很少有突破性。而流行音乐通过运用最新科技成果,不仅使流行音乐的创作、制作、表演效果等得到了前所未有的提高,而且在创作理念上有了很大的突破。这对推进音乐的理论建设和音乐教学模式的改进起到了很好的启示作用,从侧面反映出社会和时代的发展,以及人类美学思想的进步。
即兴性是指在流行音乐的表演过程中,根据现场的情况,即兴地加入一些创意性的元素,如语言、动作、旋律中的变奏等。由于当前音乐教学的模式比较固定,在教学过程中很难突出学生的特点,而流行音乐的即兴性恰巧满足了这一要求。即兴是一次性不可再现的时间点,是流行音乐中最值得期待和最富创造力的东西。它能很好地体现学生极佳的音乐感觉和良好的音乐功底。
流行音乐之所以流行,不仅仅因为它的大众性和易于传唱的特性,还在于它不断运用科学技术而使传播方式更加快捷。一方面,科技的进步使得流行音乐的传播手段发生了极大的变化,从最初没有影像的磁带、唱片、卡拉OK到便携式的mp3、mp4等,再到可以欣赏影像视频的掌上电脑,这些科技产品的出现极大地满足了流行音乐快速传播的需求。另一方面,为了更好地推广流行音乐,制作方必然会要求科技产品更加的多样化,这也推动了科技的创新。音乐由高雅艺术发展成为大众文化传播产业,最关键的因素也是传播技术的发展。
流行音乐是以青少年为主要受众的,其中大量以成长主题为题材的作品更是直接以青少年为销售对象。这些流行音乐表达着青少年的喜怒哀乐、记载着他们的成长故事,已经成为青少年情感外化与表达的主要手段。在音乐教育中,流行音乐进入课堂已经不可避免,那么怎样才能更好地让流行音乐进入课堂,进而提高音乐教学的质量,是音乐教师必须认真面对的问题。
流行音乐能够对音乐教学产生潜移默化的影响
流行音乐是一种以歌曲演唱形式为主的音乐艺术,其歌词表达通俗易懂,感情体验单纯直接,可以最大程度地将音乐艺术具体化,使听众得到生动而相当准确的印象。有的流行歌曲甚至就是以现实生活的原型出现,如《一封家书》的歌词就采取了和大众一般书信交流内容一致的创作手法,与欣赏者的沟通更加直接和方便。
流行音乐作品反映创作者对现实生活的政治、道德、伦理等方面的评价,这些评价和认识被听众所认识和接受,就能教育和影响听众。如:为援助非洲灾民创作的著名的流行歌曲《世界一家》,为世界和平发出呼吁的《让世界充满爱》,表现爱国热情的《红旗飘飘》,表现伦理亲情的《常回家看看》等。这些流行音乐作品在现实社会生活中起到了营造美好气氛、激发集体爱国情绪的教育功能。
由此可以看出,流行音乐以其生动性、通俗易懂性、趣味性,在拉近了它和社会大众之间的审美距离的同时,在音乐教学中也能够更好地影响学生对音乐的学习,在一定程度上提高其综合素质。
流行音乐有提高学生审美能力的作用
流行音乐具有审美功能,主要表现为它可以使欣赏者感到身心愉悦,并达到陶冶情操、提高审美能力和审美趣味的目的。流行音乐中艺术性较强、并受到群众喜爱的流行音乐作品,以及一大批流行音乐创作者在尝试与古典严肃音乐、传统的民族音乐结合起来创作的作品,都必将大大提升流行音乐作品的审美品质,增强流行音乐的审美功能。
可以说,在对学生的音乐教学活动中,审美能力的培养有着举足轻重的地位。学生在不断的学习过程中,随着自身艺术经验的不断丰富,其感受美、鉴赏美、创造美的能力与个人审美情趣也在不断提高。
流行音乐能很好地让学生肯定自身价值
在音乐教学中,要突出学生特点,贴近实际生活。而流行音乐的创作题材一般都是以日常生活为主,强调个人的心理情感。因而,无论是群众自娱自乐还是专业演出,都表现出流行音乐的平民化特质。尤其是各种类型、各种级别流行歌曲大奖赛的举行使更多流行音乐爱好者有了展示自己演唱才能的机会。更有一些佼佼者甚至走上了专业演员的道路,一些人因之成为明星。大众通过参加各种比赛满足自我价值实现的需要、认识自我能力的需要,并在这个过程中增强个体的信心。这就说明,流行音乐是值得在音乐教学中推广的。
综上所述,流行音乐对音乐教学有着很大的影响作用,我们必须在音乐教学实践中进行及时调整,以最大限度地发挥流行音乐的积极功能。而以上这些认识又必须建立于流行音乐作为一种文化存在的基础上,必须以文化整合,即从观念的、形态的、行为的角度看待和处理流行音乐。也只有这样,才有可能把握流行音乐的实质。
│作者单位:河南省郑州市金水区纬一路小学
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