抽象派画家作品赏析（共7篇）
摘要：印象派（Impressionism），是于1860年代法国展开的艺术运动。印象派的命名源自于莫奈于1874年的画作《印象·日出》。印象派是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制，如马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出·印象》、·梵.高的《向日葵》等。印象派历经三个阶段：印象主义、新印象主义和后印象主义。他们在色彩上发展革新，影响了整个西方艺术观念的转变。梵高是后印象派的代表，创作了《向日葵》、《吃土豆的农民》、《星空》等一系列著名画作，他在色彩运用方面也别具一格。
关键词：印象派
梵高
色彩
产生于19世纪后期的印象派，作为一种艺术思潮和流派，与当时的学院派风格迥然不同，印象派画家走出画室，深入原野、乡村、街头写生，力求真实地刻画自然。艺术家们专注于光的绚丽和色彩的斑斓，用丰富的色彩、细腻的情感表现真实美丽的大自然，描绘的多是世俗生活和普通人物，从画家对生活的自我感受出发，外出郊游、田野、咖啡馆、农夫农妇等都出现于他们的作品中，正如雷诺阿所说“在阳光下破败的茅屋可以看成与宫殿一样，高贵的皇帝和贫穷的乞丐是平等的。”
文森特·梵高，荷兰后印象派画家，他是表现主义的先驱。他善于捕捉瞬间的景象，发现和表现户外自然光下的色彩，捕捉大自然的瞬间变化，捕捉不同阳光下色调的美，以感性为出发点，忽视物体的造型写实，主要用光线和色彩表达瞬间的印象。他描摹人世间的市井百态，画面常常描绘广袤的田野、平凡的农夫、向日葵、鸢尾花···他运用自然光、力求画出主观感受，强调个人风格，使他的作品融入了一种属于他自己的狂野的激情。
文森特-梵高是世上最孤独的人之一。这是欧文斯通写的前言。他曾给梵高写过一本传记。书名是《渴望生活》。
这个荷兰画家因为精神失常，割掉了自己的耳朵。最后开枪身亡。他在阳光充沛的田野上，对着自己的身体开了一枪，然后掩着伤口回到家里，拖了几天后死去。在他弟弟提奥的怀里。
梵高一生穷困潦倒，只有提奥支持他的绘画。提奥定期给生活窘迫的梵高汇钱，让他能在满足温饱的前提下继续创作。梵高则不断地写信给弟弟，告诉他自己创作的过程，对生活的信心和绝望。“为了忘掉忧虑，我躺在一棵老树干边的沙地上，画这棵老树的素描。我穿了一件亚麻布上衣，叼着烟斗，望着深蓝色的天空，望着沼泽和草地，这使我快乐。生活对于我来说是一次艰难的航行，我不知道潮水会不会上涨，及至没过嘴唇，甚至涨得更高。但是我要前行。”
十九世纪的印象派画家里，梵高是一个另类。他的画有点类似儿童的创作，线条和色彩大胆纯粹，醉心于风景，植物和贫苦大众的描绘。鸢尾花，向日葵，星空，麦田，苹果园，夜色中的咖啡店，吃土豆的农民，拾麦穗的妇人。画面中的每一个物体，都以独特的方式燃烧着它的生命力。它们已经不仅仅是一些静物。它们是凄艳的生命。
没有一个画家的用色，会像梵高这样浓烈，明亮，无法控制般的亢奋。深红，明黄，靛蓝，艳紫，苍绿。油彩有时候以凝固状态出现在画布上，无法稀释和抹匀，好像一颗被揉搓的灵魂，把暗红的鲜血喷射在包容着无限向往的空白上。危险天空下的麦田。一种骚动激越的情绪纠缠在压抑而明丽的色彩中，令人不安的气息扑面而来。是暴雨之前的清新而寒冷的风。是灵魂无法突破的孤独。于是，他向自己开了一枪。1890年7月29日凌晨1时30分，文森特-威廉-凡高在他至爱的兄弟提奥的怀抱中去世，享年37岁。“痛苦即人生”，这是凡高最后的遗言。
梵高那勇气十足的笔法，奔放的、象火焰般的笔触，它来自直觉或自发的表现行动，不受理性的约束。梵高绘画的标新立异，在于他超自然的，至少是超感觉的体验。梵高对较深的色彩十分敏感，所以在谈到《夜晚的咖啡馆》时说，“我试图用红色和绿色为手段，来表现人类可怕的激情。”《夜晚的咖啡馆》是由深绿色的天花板、血红的墙壁和不和谐的绿色家具组成的梦魇。金灿灿的黄色地板纵向透视，以难以置信的力量进入到红色背景之中，反过来，红色背景也用均等的力量与之抗衡。这幅画，是透视空间和企图破坏这个空间的逼人色彩之间的永不可调和的斗争。
《向日葵》是梵高在法国南部阿尔画的同一题材的系列作品，他画《向日葵》时，精神异常激动，向日葵金黄色的花瓣，给他一种温暖的感觉，就像阿尔的阳光，使他内心充满激情地去画那些面朝太阳而生的花朵，花蕊画得火红火红，就像一团炽热的火球，黄色的花瓣就像太阳放射出来的光芒一样，厚重的笔触使画面带有雕塑感，耀眼的黄色充斥整个画面，引起人们精神上的极大振奋。这是梵高的代表作，也是他在最痛苦的煎熬中所倾心绘制的最充满光明的精神追求的作品，画面上，浓重跳跃的金黄色似乎带着燃烧的激情，粗犷奔放的笔触表露着对美好生活理想的渴求。画家用颤抖、飞动的笔触和欢快的色彩来描绘这象征光明的花。在他看来，黄色是阳光、友情、希望的象征，追逐像太阳一样盛开的黄色向日葵正符合他的理想——对阳光的追求、对生活和感情的渴望。这种花是阳光和生命的象征，也是内心翻腾的火热感情的写照。
《星空》是1889年6月，梵高在圣雷米疗养院画的，在那儿，他的病情时好时坏，在神志清醒而充满了感情的时候，他就不停地作画，色彩主要是蓝和紫罗兰，同时有规律地跳动着星星发光的黄色。这幅画展现了一个高度夸张变形与充满强烈震撼力的星空景象。形如火焰的柏树，夜空中象飞过的卷龙一样的星云，一团团夸大的亮白的星光，以及醒目的橙黄色的明月，大约是画家在幻觉和晕眩中所见，也许象征着他自身的挣扎与奋斗。
在这幅画中，整个画面似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬。风景在发狂，山在骚动，月亮、星云在旋转，而那翻卷缭绕、直上云端的柏树，看起来像是一团巨大的黑色火舌，反映出画家躁动不安的情感和迷狂的幻觉世界。
梵高短暂的一生一直与苦难相伴，而他最终掌握自己命运的方式，竟然是令人扼腕叹息的自戕。敏感和激情的气质使凡高在社会中屡屡碰壁，而这种失败的痛苦又成就了他艺术的辉煌----近两千幅作品熠熠生辉，表现派也由此发端。
凡高一生追求真实，追求简朴，他用强烈的色彩，奔放粗犷的线条、扭曲夸张的形体，来表现对客观世界的主观感受。他的一个渴望精神创造的人，将自己的主观感受注入画面，用激越的笔触将对象加以适当的变形，这使得他笔下的世界如同猛烈燃烧的火焰。凡高履行了做人应当恪守的原则，那就是对自己诚实。他的疯狂和自杀，丝毫无损于他纯洁的精神。
“文森特-凡高全部作品的特点，在于极度的力量和粗犷的表现。在他对事物根本特性的绝对肯定中、形式通常的轻率简化中、面对面注视太阳的傲慢愿望中、以及他的描绘和色彩的热情中，显露出他是一个强有力的人，一个男子汉，一个敢作敢为者----有时粗野，有时天真的幼稚。-----奥利埃评《孤寂者》。
时代塑造了特定的画家，画家反映了时代的发展，印象派是西方绘画发展到十九世纪的产物，他们上演了一场绚丽的色彩革命，而梵高无疑是后印象派中一颗耀眼的流星，他流畅奔放的线条、温暖绚丽的色彩及独具生命色彩的笔触，既是对现实情境状态的再现，又是艺术家生命永恒延续的写照。
参考文献：中央美术学院美术史系外国美术史教研室.外国美术简史（M）北京高等教育出版社，1997年版。
保罗·史密斯著。张广龙译。印象主义（M）。中国建筑工业出版社，2004年版。
吴甲丰。印象派的再认识。三联书店，1980年版
1899年科林特在描绘《莎乐美》这幅血淋淋的油画时,没有参照圣经故事,而是借鉴了英国著名剧作家奥斯卡·王尔德(1854—1900) 6年前创作的话剧《莎乐美》(1893)。剧中莎乐美的台词深深打动了这位德国画家:“约翰,你为什么不看我?你的眼睛曾经是那样的可怕,带着愤怒和蔑视。你现在闭上了双眼,约翰,睁开你的眼皮!你害怕我吗?约翰,难道你不愿意看见我?”
科林特这时已经41岁了,他深知怎样利用莎乐美这个传统题材来刺激观众的神经和满足自己心中隐藏的渴望。科林特要在画布上导演惊心动魄、光彩华丽的场面,他决心向陈腐的审美法则挑战。为了制造轰动效应,他不惜放弃道德说教,冒着风险,把圣经故事里的人物改编成了“挑动情欲”的性感形象,站在这幅画前,观众似乎也成了血腥场面的参与者。科林特对莎乐美的全新诠释遭到了社会上保守势力的猛烈抨击,科林特去世以后,人们对这幅油画的争论始终没有停息。1985年,德国的艺术史学者乔治·布斯曼还在谴责科林特的《莎乐美》“是对死亡和死者的嘲笑,对活人的美化。”
德国美术界一直把科林特视为一个怪才,他究竟是一个印象派画家?还是一个表现主义画家?要想给他作一个明确的判定并非想象的那样容易。翻开欧洲画家百科全书,史学界倾向于把他划入印象派画风的范畴。19世纪末、20世纪初的德国画坛活跃着三位印象派大师:洛维斯·科林特,马克斯·利伯曼(Max Liebermann,1847—1935),马克斯·斯莱福格特(Max Slevogt,1868-1932)。科林特是一位与时代脱节的边缘人物,他创作的题材相当广泛,有肖像画、静物画、裸体画、宗教画、风俗画、历史画、风景画,在长达40年的艺术生涯中,留下了四千件作品,涉及油画、水彩、素描、版画等领域。科林特的绘画风格介于传统和现代之间,带有印象派和表现主义的痕迹,画中的景物既有富裕的成份,又有抽象的形式,这个特立独行的画家。被誉为德国印象派绘画最重要的代表人物。
1858年7月21日科林特出生在普鲁士的小城塔皮奥,他的父亲是一个皮革匠和农民,母亲比父亲年长1 3岁,她拖着5个孩子,嫁给了科林特的父亲。科林特的童年并不幸福,同母异父的兄弟姐妹之间经常出现矛盾冲突,给他幼小的心灵投下了难以抹去的阴影。科林特从小就显露出了绘画天赋,为了满足儿子的美术志向,父亲卖掉了皮革坊和农舍,全家搬到了柯尼斯堡(柯尼斯堡在二战结束后,被强行划入前苏联的版图,改称为加里宁格勒)。科林特学画的时间很长,1876年,18岁的科林特中学毕业后,考上了柯尼斯堡的美术学院,拜风俗画家奥托·京特(1838—1884)为师。柯尼斯堡的美术学院非常保守,学生整天埋头于绘制枯燥的历史题材作品。科林特在这里度过了四年时光,接受了系统的美术训练。1880年,在老师的建议下,科林特离开家乡,来到慕尼黑美术学院深造。
慕尼黑当时是德意志帝国的艺术之都,慕尼黑美术学院座落在雄伟壮观的王宫建筑群里。19世纪末的慕尼黑美术学院对现代艺术流派采取了排斥的态度,把教学的重点放在了人体写生方面。科林特在两位风俗画家的门下学习绘画,他们是弗朗茨·冯·德弗雷格尔(Franz von Defregger,1835—1921)教授和路德维希·冯·勒夫茨(Ludwig von Lofftz,1845—1910)教授。年青的科林特开始对现实主义的表现手法产生兴趣,德国现实主义画家威廉·莱布尔(Wilhelm Leibl,1844-1900)和法国写实主义巨匠库尔贝(1819—1877)对他早期的艺术创作启发很大。慕尼黑美术学院的学习给科林特打下了坚实的造型基础,使得他在后来的绘画生涯里能够潇洒自如地把握视觉、技巧和情节。在科林特的心目中,“慕尼黑美术学院是继巴黎美术学院之后,世界上最著名的美术学院。”
1884年科林特离开了慕尼黑,在荷兰安特卫普短期居住,跟随私人老师学画。科林特迷上了荷兰画家伦勃朗(1606—1669)、哈尔斯(Frans Hals,约1580—1666)以及佛兰德斯画家鲁本斯(Peter Paul Rubens,1577—1640)的油画,伦勃朗对光影对比的处理、哈尔斯生动流畅的用笔、鲁本斯画里丰满健硕的肉体和艳丽的色彩立刻吸引了这位来自德国的美院学生。
1884年10月,26岁的科林特来到了心中向往的欧洲艺术中心巴黎,进入著名的朱利昂美术学院,师丛新古典派画家威廉·布格罗(Adolphe William Bouguereau,1825—1905),这位法国学院派绘画的重要代表人物向学生传授轻松雅致的沙龙绘画和描绘女人的技艺。科林特在巴黎学画的3年时间里,很少接触当时法国画坛十分红火的印象派绘画。他常常在卢浮宫里一连几个小时地陶醉在古代大师的作品之中,他从伦勃朗、哈尔斯、鲁本斯的绘画里找到了注重感官描绘和抒发情怀的共同特点。科林特在巴黎求学期间完成了20件大幅油画作品,他的日子过得无忧无虑,画画、喝酒,参加庆祝聚会,远离社会思潮。由于法国画坛没有发现这位普鲁士小伙子的艺术才华,没有接纳他进入法国前卫画家的艺术圈子,加上他本人也没有在巴黎长远发展的打算,1887年科林特带着20幅油画返回了家乡柯尼斯堡。
从1891年起,科林特作为职业画家在慕尼黑生活了8个年头。在他早期的艺术生涯中,现实主义风格占了上风,他从莱布尔和库尔贝的作品中吸取养料。油画《病床前的父亲弗朗茨·海因利希·科林特》(1888)显示了科林特敏锐的观察力和娴熟的写实功力。科林特曾经是慕尼黑分离派的成员,为了争取更多的参展机会,1893年他和其它7名年青的画家一起成立了《自由联盟》,他们后来被慕尼黑分离派除名。1891年的慕尼黑画坛由肖像画家弗朗茨·冯·伦马赫(Franz von Lenbach,1836-1904)和象征主义画家弗朗茨·冯·施图克(Franz von Stuck,1863—1928)在那里呼风唤雨,科林特初露头角,登场亮相不到一年的时间,他的一系列现实主义作品马上引起了公众的注意。在莱布尔的感召下,科林特走出画室,加入到外光描绘的画家行列里。他在自由的天空下,以客观具象的笔法,对景写生,从现实生活中捕捉平凡的题材。油画《屠宰场》(1893)、《伊萨河畔的肉铺》(1897)是他这一时期的代表作,那里是他既熟悉又嫌恶的地方。
科林特是一个热情、真诚的画家,绘画对他来说仿佛是上帝安排的使命,他能把自己对人生的欢乐和内心的沮丧这两种截然相反的性格在作品里完美地结合起来。科林特进入画坛的年代,欧洲艺术界正时兴“青年风格”,他对此不屑一顾。他一生中从不追随任何时代潮流,执着地坚持走自己的道路。科林特虽然是学院派出身,但他不愿受传统构图准则和色彩、造型理论的约束,他创造了一个崭新的色彩世界。科林特早期的作品色调比较暗淡,随着艺术经验的不断积累,他的调色板变得明亮起来,他的画布成了令人极度兴奋的色彩盛宴,丝毫不比巴洛克绘画的华丽情致逊色。
科林特1899年创作的油画《莎乐美》未能参加当年的慕尼黑分离派画展,百般挑剔的评委们否决了这幅带有挑衅意味的作品,科林特对此十分失望。画友瓦尔特·莱斯蒂科极为欣赏科林特画的《莎乐美》,他向科林特建议把《莎乐美》和《基督受难》(1897)这两幅油画带到柏林,参加1900年柏林分离派第2届年展,柏林方面向科林特发出了热情的邀请。《莎乐美》在帝国的首都一炮打响,引起轰动。画展还没有结束,一位莱茵河地区的商人以2500马克的高价购买了这幅作品。科林特一夜之间成为了柏林画坛的明星,好评如潮。面对科林特的油画,柏林的观众兴奋不已,这个因为饮酒过多,身体发胖的粗鲁大汉给柏林沉闷的艺术沙龙带来了活力和希望。科林特的绘画创作取得了突破,为了这一时刻的到来,他拼搏了二十多年,科林特很快有了第一批预订肖像画的雇主。
慕尼黑逐渐对科林特失去了吸引力,昔日帝国的艺术中心慢慢变得萧条冷清起来。《莎乐美》被慕尼黑分离派展览评委会拒绝的遭遇使他心灰意冷,更加坚定了离开慕尼黑的决心。1901年的秋天,科林特终于彻底告别了慕尼黑,来到柏林定居。科林特认为,作为一个真正的东普鲁士人,应当在帝国的首都闯荡天下,这是天经地义、顺理成章的选择。柏林给科林特提供了十分活跃的艺术市场,随之而来的是成功的鲜花和经济上的保障。画友瓦尔特·莱斯蒂科又伸出了援助之手,把科林特引见给柏林著名的艺术家和文化官员。著名剧作家格哈特·豪普特曼(1862—1946)、柏林分离派主席利伯曼成为了他的好朋友,思想开明的国家美术馆馆长胡戈·冯·楚迪是他画室的常客,甚至挪威画家蒙克(1863—1944)也来登门拜访。1901年科林特加入了柏林分离派团体,1902年他进入了理事会。迁居柏林标志着科林特中期艺术生涯的开始,他同柏林的艺术精英们关系密切,他在很短的时间内一跃成为了柏林画坛的重要人物。春风得意的科林特从此路子越走越顺,蒸蒸日上,他的印象派画风趋于成熟,科林特从早期的现实主义画家演变成了德国现代艺术的开路先锋。((
(左页上)[德]莱布尔纺织女布面油彩65×74厘米1892现藏德国莱比锡市艺术博物馆
(左页中)[德]科林特金鱼缸旁边的画家妻子布面油彩74×90.5厘米1911现藏维也纳奥地利国家美术馆
(左页下)[德]科林特苏珊娜沐浴图布面油彩159×111厘米1890现藏德国埃森市福克旺艺术博物馆
(左)[德]科林特浴后布面油彩80×60厘米1906现藏德国汉堡市美术馆
(右)[德]科林特莎乐美(局部)布面油彩127×147厘米1900现藏德国莱比锡市艺术博物馆
(左)[德]科林特最后的自画像布面油彩80.5×60.5厘米1925现藏瑞士苏黎世艺术馆
(右)[德]科林特与模特儿的自画像布面油彩101×90厘米1903现藏瑞士苏黎世艺术馆
(右页上)[德]科林特早晨的阳光布面油彩68.5×80.5厘米1910现藏德国达姆施塔特市黑森州州立博物馆
(右页中)[德]科林特阳台布面油彩83.5×105厘米1912现藏德国埃森市福克旺艺术博物馆
(右页下)[德]科林特瓦尔幸湖边的自画像布面油彩135×106厘米1924现藏德国慕尼黑“艺术之家”现代美术馆
1902年,43岁的科林特在柏林办了一所私立女子绘画学校,我们今天还能看到当年他和第一批7名女学生的合影照片。夏洛特·贝伦德是他的第一个女学生,她征服了这个蓄着小胡子的绘画老师。科林特坠入了爱河,如同伦勃朗把爱妻莎斯基雅画在自画像里一样,科林特描绘了《端着香槟酒杯,与夏洛特·贝伦德在一起的自画像》(1902)。不过,科林特的这幅油画在他生活的那个年代过于大胆,难免有伤风败俗之嫌。画面上科林特敞开衬衫,夏洛特·贝伦德赤裸着上身,画家左手端着高脚酒杯,把头靠在女学生的肩膀上,右手抚摸着她的乳房,俩人沉浸在爱情的甜蜜之中。一年之后,这对师生成了夫妻,他们生育了一儿一女。虽然利伯曼对夏洛特·贝伦德非常反感,但他还是承认这位出生于商人家庭、年仅22岁的姑娘“是科林特的很好人选。”夏洛特·贝伦德是科林特的妻子、模特儿、爱神和柏林分离派的成员,每当科林特对自己的作品缺乏信心,对周围的世界感到绝望,心里极度痛苦时,他那机智幽默的妻子总里安慰自己的丈夫,鼓励他振作起来。
为了永远地想念妻子,科林特一生中画了80幅以妻子为主角的肖像画和风情画。油画《浴后》(1906)、《画家全家像》(1909)、《女子的紧身衣》(1910)、《金鱼缸旁边的画家妻子》(1911)、《早晨的阳光》(1910)、《母爱》(1911)、《梳理头发的画家妻子》(1911)传递了细腻的情感和温馨的幸福,科林特用画笔谱写了一曲曲赞美心中女神的颂歌。《黑面具》(1908)是科林特尝试从外光绘画转移到平面描绘的一幅肖像画杰作,他善于根据不同的场景变换不同的风格。画中妻子的头部和胸部尽管还有光线色彩变化和立体感,但是画家却把黑色围巾、白色衬衣、蓝色裙子和绿色背景统统省略简化了。
1903年科林特在新婚几个月后完成了油画《与模特儿的自画像》,这是他的一幅很有代表性的自画像:科林特手握画笔,目光坚定地盯着前方,他个子高大,衬衫没有扣上。画家像一块岩石、一个统治者,耸立在那里。妻子担任了画中的模特儿角色,她裸露背部、臀部和半边乳房。科林特与模特儿似乎亲密相偎,又好像俩人保持一定距离,张开双臂,等待下一支舞曲。画家用拿着画笔的手臂,把个子矮一头的模特儿搂在自己的胸前,娇小的妻子伸开手指,轻轻地抚摸着他的心脏。画中这两个性感人物处于一种对立又平衡的地位:男人和女人,画家和模特儿,穿衣者和裸露者,正面像和背影像,工作者和休息者。有人说这幅自画像宣扬了男性的威严刚强和主导地位,也有人认为画家也许想表白自己的愿望,“请留下来吧,呆在这里,我的心需要你的手来爱抚,你是我的拯救者。”
严格地讲,科林特是一个典型的学院派画家,他画风朴实,不赶时髦,讨厌浅薄浮燥的习气。科林特几十年如一日,静下心来画肖像、人物、静物、风景。当别的画家在高喊口号,求新求变时,他却花了大量的时间,“泡在古董文物里”,从神话传说、圣经故事里寻找灵感,回忆历史。他创作的《哀悼基督》(1889)、《对圣安东尼的诱惑》(1908)、《下十字架》(1906)、《狄奥根尼》(1891/92)、《奥德修斯与乞丐之争》(1903)、《宙斯的少年时代》(1905)、《殉教图》(1907)、《荷马的大笑》(1909)、《战神的武器》(1910)等一系列构图宏大的油画表现了遥远时代的悲壮情怀和豪迈气概,尽管现代人很难对此产生心理共鸣。
科林特是一位天才的“色彩魔术师”,他与法国印象派始终保持着清楚的界限。1884年最后一次印象派大型画展在巴黎举行,当时正在巴黎求学的科林特没有去看这个展览。来到柏林以后,他从画家利伯曼和画商布鲁诺·卡西雷尔那里首次接触了一些马奈(1832—1883)、莫奈(1840—1926)、西斯莱(1839—1899)的原作。与法国印象派画家相比,科林特更多地选择了褐色和灰色,他尤其擅长逆光的表现。科林特的作品给人最深的印象是自发式的倾泄心中的感受,这是他在伦勃朗和哈尔斯的绘画中尝到的精髓。美国当代抽象派画家德库宁(Willem de Kooning,1904—1997)有一句名言:“肉体是发明绘画的原因”。科林特喜欢描绘裸体像,他笔下的女性特别丰满和性感,画中女子赤裸的肩膀在炎热的夏日里闪烁着橙色、紫色、银色的光彩,玫瑰色、白色、褐色的乳房照亮了低胸的衣衫,少女秀美的长发沐浴在阳光里,随风起舞。
风景画是科林特作品里的一个重点,在1911年以前完成的风景画里,他用浓重的笔触描绘了景物的轮廓和自然特征,从中我们可以看到17世纪荷兰画派对德国印象派绘画的影响。油画《蒂罗尔山区克洛本斯太因的阳台》(1910)、《因河山谷的景色》(1910)表现了大自然云彩的微妙变化和强烈的光影对比。科林特是一位杰出的肖像画家,油画《画家本诺·贝克尔肖像》(1892)、《诗人彼得·希勒肖像》(1902)、《雕塑家弗里希肖像》(1904)、《爱德华、迈尔教授肖像》(1910)栩栩如生地展示了他们鲜明的个性和神采飞扬的文化修养。科林特生活的年代,欧洲画坛的静物画和风俗画逐渐失去了昔日的光彩,成为“稀有品种”。科林特的静物画和风俗画则令人刮目相看,它们在戏剧性的表现和炉火纯青的色彩运用方面远远走在了时代的前列。
科林特性格外向,容易激动,是个工作狂。他发疯似地进入忘我的境地,直到满意为止,才放下手中的画笔休息。科林特作画时不习惯打草稿,不管是画肖像、静物、还是人体,画中的主题必须出现在他的眼前。他上色的速度很快,讲究一气呵成,画布的颜色一直处于新鲜湿润的状态。儿子托马斯回忆到,“当他站在画架前面时,就像一座爆发的火山那样失去控制,他把色彩抛到画布上,一边画画,一边不停地呻吟、叹息、诅咒、骂人。”科林特曾经说过,他听从的是“自然的召唤”。同时代的艺术评论家尤利乌斯·迈尔·格雷费形容科林特的绘画“把巴黎画派的精湛技艺、慕尼黑狂欢节的情调、历史绘画的品味、野性十足的风俗画,以及里里外外贮藏的令人惊异的力量揉和在一起”。站在科林特的画前,人们常常被画中暴风雨般的激情所感染。一位不怀好意的评论家讽刺到,“科林特的有些作品释放的是肉体的能量,给观众的感觉仿佛就像动物发情那样。”
(左)[德]科林特瓦尔幸湖乡村别墅晾晒衣物的草坪布面油彩100×80厘米1923
(右)[德]科林特飞燕草布面油彩100×80厘米1924现藏德国慕尼黑现代绘画陈列馆
191 1年科林特的艺术生涯进入了辉煌阶段,柏林分离派主席利伯曼退位之后,他在大家的请求下,接受了领导这支德国先锋画派的重任。科林特先后两次当选为柏林分离派的主席,他是利伯曼之后、柏林最为知名的画家,德国的许多艺术博物馆、画廊纷纷为他举办画展,他的画在世时十分抢手。科林特生前是柏林分离派里唯一享有国际声誉的画家,1913年他的作品在日内瓦世界博览会上展出,受到广泛称赞。
科林特到底是属于19世纪的画家呢?还是划入20世纪的画坛人物?当立体派的闯将彻底打破了习以为常的传统造型规则时,他却重新捡起了古典式的“舞台道具”,把早已过时的神话传统和圣经人物搬到画布上来。科林特不是怒气冲冲的激进艺术家,他瞧不起那些颓废放荡的“波西米亚式”的画家。他对艺术新潮视而不见,对时代的标志抱有怀疑的态度。当毕加索用《亚威农的少女》写下了现代艺术史的新篇章时,科林特却让妻子和儿子在画室做模特,扮演古装人物。在油画《掠夺妇女》(1911)里,儿子成了中世纪的骑士,左手拿着武器,右手抱着一位一丝不挂的金发女郎。科林特喜欢陶醉在古罗马传说中的阿尔卡迪亚田原风光里,他画的酒神祭司光着身子,在田野里手舞足蹈,跳来跳去。
个性倔强的科林特是一个孤独的奋斗者,他默默地维护着古典艺术的尊严,走的是一条与别人完全不同的道路。他以神话和圣经为题材的绘画在那个时代显得非常另类,没有人知道科林特在荣耀的花环后面忍受着精神上的巨大压力。他在晚年曾经说过,“我的一生常常是不幸的”,“一颗燃烧的功名心”总是在折磨着他。科林特是一个抑郁型的画家,当他拿起画笔时,全身立刻焕发出生命的活力;当他遭到命运打击时,又马上陷入了恐惧之中。尽管他的订件源源不断,作品销售很好,但他一直为自己同主流艺术思潮格格不入而深感苦恼。功名心与自卑感经常发生冲突,精神上的消沉和自我怀疑在一定程度上影响了他的日常生活。科林特的作品融合了多种艺术风格,然而正是这种别具一格的特殊画风使得他长年内心困惑,对自己的艺术追求产生了误解,事业上的成功和纵情欢乐的生活无法掩盖他心里潜伏的不安和焦虑。
191 1年12月的一场中风把他击倒了,半身几乎瘫痪。死亡突然接近了这位53岁的画家,科林特受到了极大的刺激,他不得不通过减少酒量来打开重新生活的大门,他不能放弃支撑生活勇气的绘画艺术。科林特终于战胜了死神,他的笔触比过去更加有力,可是他的身体大伤元气,十分虚弱,没有得到完全恢复。当德国的观众在画展上欣赏他的油画杰作时,他却被迫遵照医嘱,到奥地利的蒂罗尔山区、意大利的利维拉海岸以及瑞士康复疗养。这场中风彻底改变了他的绘画风格,他从具象描绘的束缚下解放出来,他可以根据自己的喜好,随意调配色彩,大量使用原色。在科林特晚期的作品里,形体逐渐消失了,地平线发生了倾斜,外在的客观世界变得肢离破碎,抽象形式占了主导地位,科林特赋予绘画更多精神上的内涵。
(左)[德]科林特贞洁布面油彩66.5×54.5厘米1890现藏德国慕尼黑市立伦巴赫画廊
(右)[德]科林特戴着黑色礼帽、手拿拐杖的自画像布面油彩110×90厘米1911现藏瑞士圣加仑市恩斯特——许尔普夫基金会艺术博物馆
科林特的沮丧情绪越来越严重了,他的精神状态很不稳定,心情时好时坏。社会上的保守势力又向他泼出了脏水,辱骂他的晚期作品“令人厌恶”,“全部都是垃圾废物”。1914年第一次世界大战爆发,科林特和其他爱国艺术家一样,天真地希望战争能够给国家带来新的前景,1917年他为海军元帅阿尔弗雷德·冯·蒂尔皮茨画了油画肖像。第一次世界大战结束后,德意志帝国土崩瓦解,代之而起的是魏玛共和国。帝国的惨败摧毁了他的政治信念,面对国家在军事、政治和经济上的衰落,科林特十分伤感地写道,“我失去了立足之地,我漂浮在空中。”尽管他想振兴德国美术的愿望化为泡影,但是他心里仍然自豪地以“普鲁士人和德意志国臣民”自居。
1919年科林特在巴伐利亚的瓦尔幸湖旁边买了一块地,盖了一座典型的乡村农舍。从此,他远离喧嚣的都市,每年有大部分时间和家人一起在这个世外桃源过着隐居的生活。瓦尔幸湖的周围是阿尔卑斯山的绿色高坡,科林特迷上了第二故乡的湖光山色,直到去世之前,他一直孜孜不倦地反复描绘瓦尔幸湖的秀丽风光。1920年科林特一家在瓦尔幸湖徙步漫游时,给后人留下了一张珍贵的照片:妻子夏洛特·贝伦德打着阳伞,女儿威廉明妮牵着一条狗,儿子托马斯一只手接过父亲的画布,另一只手挥舞着巴伐利亚人的传统毡帽。
科林特戴着礼帽,手拿拐杖,他衣冠楚楚,裤子一尘不染,一副一家之长的绅士派头,他身上找不到那种艺术家不修边幅的俗套影子。生活在同时代的法国画家很难想象这位德国同行居然还能像过去的贵族和富裕市民那样,过着养尊处优的日子,带着闲情雅致,一边游山玩水,一边画画。山上的村民们早已等待着科林特一家的光临,他们脱下毡帽,向画家问候致敬。纯朴的村民们虽然不懂艺术,但是他们知道科林特画的瓦尔幸湖的风景画在城里很受欢迎,一幅油画卖出的价钱可以买下山上的一片奶牛牧场。
瓦尔幸湖的自然景色给了科林特取之不尽的创作源泉,他不断采用新的视角,表现这里的一草一木,山山水水。科林特的瓦尔幸湖风景画成了德国20世纪初画坛的经典之作,为了达到追求的意境,他不惜自找苦吃,对自己非常苛刻,他把整个身心完全投入到大自然的怀抱里。儿子托马斯有次凌晨五点起床,发现父亲穿着睡衣,顶着刺骨的寒风,坐在阳台上专心致志地描绘湖上慢慢升起的薄雾。科林特曾把邻家旅馆的白色床单画在了瓦尔幸湖的景色里。科林特家的木屋附近长有一排槭树,他让人把上面所有的树枝全部砍掉,家里人十分惊讶他的举动。可是科林特毫不留情地坚持自己的决定,他认为湖边的这些槭树树枝挡住了视线,看不到远处的群山,他只能把亲眼所见的东西搬到画布上面,否则他无法描绘眼前的远景。
晚年孤寂的科林特独自一人站在湖边,支起画架。他克服着中风留下的后遗症,艰难地拿起画笔。在他的画布上,湖边的草地、木屋、树林、灌木丛逐渐抽象化了,观众看不到轮廓,过去熟悉的蓝天白云变成了流动的色彩,科林特把景物和空气完全溶化在了色彩里。晚年的科林特对色彩的认识发生了根本性的改变,在他看来,色彩的功能早已不是再现物体,而是仅仅表现画家情感的工具。
科林特成了柏林画坛最有影响力的画家,他的名气到了后来同利伯曼不相上下,他撰写的《绘画技法》一书在1908年出版。1918年柏林分离派为了庆贺科林特60寿辰,特地举办了盛大画展,展出了他的140幅油画。与此同时,柏林国家美术馆开始全面系统地收藏他的作品,柏林美术学院聘请他担任教授。1923年国家美术馆在他65岁生日之际,专门举办了有170幅油画参展的大型个人画展,科林特的艺术成就此时达到了顶峰,科林特生前有许多荣誉称号:家乡小城塔皮奥的荣誉市民(1917年)、柯尼斯堡大学哲学系的名誉博士和艺术硕士(1921年)、慕尼黑美术学院名誉院长(1925年)。
科林特预感到了死亡之神正在向他慢慢走来,圣经题材成了他晚期作品的一个新的重点。在油画《红色基督》(1922)里,他用血腥的红色和粗犷的笔法,表现了把耶稣钉在十字架上的残暴行为,受难的基督脸上露出痛苦不堪的表情,伤痕累累的身体极度扭曲地悬吊在空中。1925年科林特在去荷兰旅行之前,仅仅用了4天时间就完成了最后一幅油画巨作《人在此处》(190×150厘米)。尽管耶稣仍然头戴荆棘,双手被绑,受尽虐待,但是面容却换成了现代小伙子的模样。科林特在晚年回归圣经题材的动机并非出自对相貌学的兴趣以及借此展示个人过去经历的念头,经过十多年的思索,科林特找到了一种表现生命、痛苦、压抑、悲哀、磨难的象征语言。
科林特在1890年、1897年、1909年描绘了三幅油画《苏珊娜沐浴图》,根据圣经故事的记载,苏珊娜发现两个好色的白发老人在旁边偷看她洗澡。科林特在1923年创作的油画《苏珊娜和二长老》里,抛弃了带有享乐意味的窥视情节,他把苏珊娜处理成一个孤立无援、陷入困境、听从摆布的受害者形象。苏珊娜裸露的背部仿佛从画布上向外倾斜而出,两个男子朝她步步逼来。整个画面色彩弥漫,人物造型模糊不清,画家有意渲染不安和紧张的气氛。
科林特留下了100多幅自画像,他从1900年起,每年都要在生日那天给自己画像,他一生都在不停地剖析自己的内心世界。伦勃朗的自画像给他很深的印象,如同伦勃朗一样,科林特在画自画像时,也喜欢穿衣打扮一下。在早年的自画像里,科林特穿着中世纪骑士的盔甲,扛着一面旗帜,或者身后放着一个骷髅骨架。科林特在后期的自画像里,放弃了从前那种摆着姿势、自我编导的手法,偏重于刻化复杂的心理情绪。191 1年中风后不久,他画了一幅自画像,科林特成了圣经中力大无比的参孙。只见他双手带着镣铐,眼睛被人挖出,脸上缠着血迹斑斑的绷带,面部表情由于肌肉抽搐而变得恐惧可怕。画中的参孙顶天立地,身上到处是鞭打的痕迹,科林特借助参孙的悲惨遭遇,通过这幅自画像,向外界发出了痛苦的呐喊。1924年,科林特的身体暂时出现了好转,这是回光返照的迹象。在同年画的《瓦尔幸湖边的自画像》里,科林特双手握着画笔,目光显得格外有神,脸上带着岁月的沧桑,身后的湖水在太阳的照耀下闪闪发光。
(左)[德]科林特瓦尔幸湖的雪景布面油彩78×98厘米1922现藏维也纳奥地利国家美术馆
(右)[德]科林特瓦尔幸湖边的奶牛布面油彩95×120厘米1921现藏德国卡塞尔市新画廊
科林特的健康状况屡屡恶化,家中的两只小猫陪伴他看书、画画。1925年5月,他给世人画了最后一幅自画像,昔日激情四溢的画家此时已是病魔缠身,衰竭无力。他睁大双眼,无可奈何地望着前方,有点听天由命,被人抛弃的感觉。7月17日,科林特因肺炎在荷兰海滨疗养胜地赞德福尔特去世,为了能在生前最后再看一眼伦勃朗和哈尔斯的油画,他支撑着身体,在6月16日动身前往荷兰旅行。也许是命中注定的缘故,上帝安排他与心中的偶像在荷兰重逢,他们一起在天堂相依为伴。
科林特的遗体被运回柏林安葬,1926年国家美术馆和柏林美术学院分别为这位绘画大师举办了纪念画展。科林特在加里宁格勒的故居至今还保存下来,墙上钉着的一块牌子告诉人们,当年科林特就是从这里踏上了征服德国画坛的漫长道路。
在第三帝国,科林特具有表现主义风格的晚期作品遭到了纳粹的诋毁,他被贬为“堕落艺术家”。纳粹没收了他的295件作品,其中大部分作品在此之前由国家美术馆和汉堡市美术馆收藏。1935年法西斯把他的《特洛伊的木马》(1924)、《人在此处》(1925)等6幅油画弄到在慕尼黑举办的《堕落艺术展》上羞辱示众。为了赚取军费开支,纳粹后来停止了“砸烂堕落艺术作品”的疯狂行动,把几千件现代派杰作拿到瑞士公开拍卖出售,科林特的许多重要作品现流传在瑞士和美国。
科林特的头上笼罩着许多光环:学院派画家、现实主义画家、印象派画家,有些西方艺术书籍还把他列为表现主义画家。科林特把绘画作为一种冒险游戏,这种想法把他推到了抽象艺术的边缘。爱情与死亡、暴力与激情、性感与诱惑、权力与尊严、生命与疾病,这些人生的永恒内容构成了他的绘画主题。科林特从小受的是古典艺术和人文精神的熏陶,当他在慕尼黑美术学院求学时,曾和父亲一道去意大利旅行,考察文化遗迹。1890年他的油画《下十字架》入选巴黎沙龙展览,1914年他又专程去罗马,在梵蒂冈博物馆研究拉斐尔的绘画。科林特对古典艺术有着特殊的感情,但他并没有照搬模仿古典绘画,历史画卷在他的笔下并不拘谨古板,反而显得生气盎然,通俗化、平民化。面对眼花缭乱的各种流派,科林特始终没有迷失自己的方向。在他的眼里,神话传统和圣经故事犹如艺术的长青树,永远不会过时。对科林特来讲,传统文化不是历史的沉重包袱,它是人类智慧的结晶,体现了一种崇高的理想境界。科林特以开朗的胸怀接纳了传统文化,同时注意在自己的作品中加入个人的内心感悟和创作元素。为了接近现实生活,科林特“古为今用”,让古代人物换上了现代人的模样。整个画面色彩明亮,洋溢着欢快活泼、风趣幽默的气氛,给人耳目一新的印象。科林特在世时,评论家尤利乌斯·迈尔·格雷费把他称为“一个没有现实主义风格的现实主义画家”。
总的来看,科林特属于传统型的画家,他凭着过硬的写实功底,创作了具有鲜明时代风格的不朽作品。科林特的油画富有戏剧性和神秘感,站在他的画前,你能感受到一种强劲、雄壮、性感、带有粗暴气概的震撼力量和自由、狂妄、嘲弄、机敏的气息。为了展示真实,他不惜表现丑恶的一面,他的绘画语言有时过于直接暴露。科林特画画极为轻松自如,运笔果断迅速,非常洒脱。他善于捕捉直观的印象,构图颇为大胆,常常独出心裁,似乎任何题材、光线、景物对他来说都不成问题,他可以随心所欲地渲泄情感。科林特的绘画既充满力度,又带着伤感的情调,中风的遭遇不可避免地给他最后十四年的艺术创作染上了悲情色彩。
科林特年轻时在美术学院主攻人体写生,他以后在创作油画《女巫》(1897)、《伊斯兰教的后宫》(1904)、《晨衣》(1905)时从中获益匪浅。科林特是一位卓越的人物画家,在他的画布上,丰满的肉体好像带着被人抚摸过的痕迹。早在1897年他就画了体形粗壮、坐在椅子上的女人体,科林特开创了描绘肥胖臃肿、身材不合比例的女性裸像的先例。英国当代著名画家卢西安·弗洛伊德(Lucian Freud,(1922-)对科林特赞不绝口,把科林特的油画《躺着的女人体》(1907)、《休息的女人体》(1910)、《裸体女像娜娜》(1911)奉为典范。
科林特生活在印象派和表现主义的转折年代,他一生追求的是在绘画中表现生命的活力和感官刺激。在他晚期的油画《花神》(1919)、《柏林的椴树大街》(1922)、《柏林自由宫》(1923)、《柏林西郊的花园》(1925)、《戴黄帽子的女儿威廉明妮肖像》(1924)、《阳台上的午后点心》(1925)里,画家有意忽略了人物的外貌和整体效果。他运用的色彩变得更为强烈,笔触狂暴,野性十足。从表现主义画家贝克曼(Max Beckmann,1884-1950)到当代画家巴塞利茨(Georg Baselitz,1938-),科林特晚年具有表现主义特征的作品感染了一代又一代的德国画家,联邦德国邮政总署在1975年和2008年分别发行了印有科林特作品的纪念邮票。在德国当代著名艺术史学者维尔纳·哈夫特曼的眼里,科林特“在晚年找到了充满幻想的印象派画风,而这种画风又明显地折射了表现主义绘画的特点”,科林特的绘画“发展了优雅的法国艺术,他是姗姗来迟的追随者。”
长期以来,科林特的绘画艺术没有得到充分的重视,究其原因,一方面人们认为他的现实主义作品和圣经、神话题材落后于时代的潮流;另一方面,他没有受到过法国印象派绘画的影响,同表现主义画家也没有交往,他转向印象派画风的选择纯属自己努力探索的结果,可谓“无师自通,殊途同归。”从1992年起,科林特回到了公众的视野之中,他的作品在国际拍卖会上价格猛涨,把许多著名的表现主义大师远远地甩在后面。奥地利、德国的艺术史学者在《洛维斯·科林特大型画展》(维也纳奥地利国家银行美术馆,1992.9.2——1992.11.22)和《洛维斯·科林特回顾展》(德国慕尼黑“艺术之家”现代美术馆,1996.5.4——1996.7.21)里对他的绘画成就和在艺术史上的贡献作了重新定位,科林特从一个学院派画家变为精神独立的偶像和德国现代艺术的先驱。他的作品立足传统,具有强烈的表现性,反映了从19世纪的绘画观念跨越到前卫艺术的发展进程。科林特一直都在试图克服学院派的边界限制,尽管他当时并没有意识到,他的各种尝试在某种程度上也是在和国际趋势“接轨”。科林特以具象的方式,照样登上了时代的列车。在轻视技巧,只重观念的当今画坛,科林特的艺术人生具有普遍的指导意义,它给现代艺术教育带来了许多深刻的启示。
(左)[德]科林特瓦尔幸湖边的平台布面油彩71×91厘米1922-1923现藏德国威斯巴登市美术馆
(右)[德]科林特瓦尔幸湖约赫山麓的景色布面油彩71×91.2厘米1924现藏德国汉诺威市下萨克森州州立博物馆
(上)[德]科林特卢塞恩湖的下午景色布面油彩57×75厘米1924现藏德国汉堡市美术馆
(中上)[德]科林特有人像的生日宴会的静物布面油彩150×200厘米1911现藏德国科隆瓦尔拉夫—一里夏茨博物馆
(中下)[德]科林特人体像布面油彩140×200厘米1921现藏德国慕尼黑市立伦马赫画廊
(下)[德]科林特水果静物布面油彩55.5×70.5厘米1915私人收藏
2008年,欧洲画坛迎来了纪念科林特诞辰150周年的盛事。巴黎奥赛美术馆、德国雷根斯堡市“德国东部美术博物馆”先后举办了大型专题画展——《处在印象派和表现主义之间的洛维斯·科林特》(奥赛美术馆,2008.4.1—2008.6.22)、《洛维斯·科林特和现代艺术的诞生》(雷根斯堡市“德国东部美术博物馆”,2008.1 1.9—2009.2.15),这两个画展吸引了大批的观众蜂拥而来,在当今西方文化生活中,没有其他艺术流派比印象派更家喻户晓,人人皆知了。科林特色彩瑰丽、赏心悦目的油画受到了西方美术界前所未有的热情赞扬和高度评价,在欢庆“具象绘画复兴”的今天,公众媒体和广大艺术爱好者向这位游离于古代和现代之间的绘画大师表达了真诚的敬意。
科林特也像法国印象派画家那样重复画一个题材,不过,法国画家关心的是景物在不同光线下的效果和画家对大自然的印象,而科林特在风景画里更多地展示了内心生活和精神世界。由于许多法国观众不太习惯德国画家的深沉思维和内在表现,同时,科林特在法国人看来不是归于某个流派的画家,以致于法国过去从来没有举办过他的个人画展。最近十几年来,欧洲画坛的写实画风重新抬头,人们把目光投向了这位活跃在19世纪末、20世纪初的画坛前辈。
巴黎奥赛美术馆在2008年首次举办的科林特画展把观众带回到追寻古风、崇尚自然的年代,面对展出的110件作品,巴黎美术界在100多年之后惊喜地发现了科林特绘画艺术的独到之处,科林特富有激情和诗意的油画唤起了巴黎人的怀旧之心。艺术之都的观众犹如羞怯腼腆的少女,终于舒展双臂,接受了崇拜者的爱慕之情。奥赛美术馆前任馆长、科林特画展的策展人塞尔日·勒穆瓦纳教授感叹到,“科林特不是一个真正的印象派画家,他也不是一个表现主义画家或者立体派画家,他一直保持着自己的特色。他的绘画,令人惊讶,具有挑逗性,甚至激怒他人。科林特的画笔延续了法国的沙龙绘画,他高举着库尔贝的写实主义大旗,把法国印象派绘画发扬光大。”
“印象派画家雷诺阿特展”2015年11月20日至2016年3月6日在上海展览中心举行，跨年的画展虽然票价不低，却每天观者如流。40余幅温暖雅致的雷诺阿珍贵画作，给上海、杭州、南京等长三角地区的观众带来了一份浓浓的春意，也令广大艺术爱好者能在国内细细品味这位印象派巨匠画作中的细腻与唯美。
一次印象派画作的盛宴
这是雷诺阿真迹首次大规模地走近中国观众。44件雷诺阿作品包括了油画28件，雕塑l件，粉笔、铅笔、碳笔、墨水画15件。展厅用5种颜色的墙壁，分别标识出对应的板块。
此次“印象派画家雷诺阿特展”看点颇多。首先，雷诺阿各个时期的作品都涵盖其中，是全面的绘画生涯展示，这在中国是首次。其次，展品来自14个欧美国家级博物馆，作品皆属珍藏品，且涵盖了雷诺阿画作的三个主要类别：肖像画、女性裸体画、风景画。
展览根据雷诺阿艺术生涯的不同阶段相应地分了四个主题初始阶段：印象主义作品时期（1860-1882）；探索阶段：类“安格尔式”时期（1883-1888）；宁静与感性阶段：“珍珠”时期；成就阶段：“卡涅”时期。
雷诺阿特展还有一位重量级的“讲解员”雷诺阿的曾孙，一位摄影师。他携自己的摄影作品同时参与展出，并为中国观众介绍展品、展示雷诺阿生前的珍贵资料。
展方负责人TeitRitzau强调：“为这次展览提供了14幅画作的贝尔格莱德国家博物馆，他们在雷诺阿作品的收藏上无论质量还是数量都排在世界前列。冷战之后，该馆有过长达十年的闭馆，并且此前从未将展品外借过。我们这次能拿到这么多藏品也是经过了相当长时间的商洽，十分不易。此外，展品中另有来自英国牛津、剑桥两所大学的专属博物馆馆藏数件，单就展品来源看就已经是很大的亮点。”
这无疑是一次印象派画作的盛宴。
一位毕生描绘快乐的画家
1841年2月25日，雷诺阿出生在法国巴黎的一个经典印象派画家家庭。少年时的雷诺阿便被送到瓷器厂去学习手艺。但画瓷器和画屏风这项工作使他对绘画产生了兴趣。而后雷诺阿便到美术学校学习绘画，同时又在格莱尔的画室里补习素描。在那里，他结识了克劳德·莫奈（Claude Monet）。雷诺阿18岁时正式在巴黎绘画，认识了相当多的画家朋友。1864年雷诺阿进入沙龙展。这段时期雷诺阿的甜美画风开始出现了。1870年雷诺阿参加了“落选者沙龙”，开始了印象画派的说明和推广。
“为什么艺术不能是美的呢？世界上丑恶的事已经够多的了。”雷诺阿如是说。色彩与主题的甜美欢快，成为这一时期雷诺阿作品被人津津乐道的谈点。
经典之作《煎饼磨坊的舞会》《游艇上的午餐》使雷诺阿声名鹊起，现收藏于法国奥塞博物馆，此后他的画风趋向于较平实的描绘。这段时期他旅游到西班牙、意大利等国，并结婚生子。1890年雷诺阿已可算是成功的画家，安享在家庭怡乐和事业成功的气氛之中。但他仍不懈地绘画，画出了许多迷人的亲情小品。他画了很多裸体的女性，将柔软的视觉触感表现得栩栩如生。
1880年是雷诺阿创作上的一个拐点，绘画风格也因此改变。雷诺阿决心使用严谨而规范的技法来进行创作。光、色的表征在其作品中渐渐淡化，取而代之的是轮廓明晰的素描式笔法。
《哺乳》作于1893至1894年。画中的女性后来成为雷诺阿的模特。雷诺阿创作了许多以她为主角的作品。雷诺阿在《哺乳》中运用了文艺复兴时期金字塔形构图，描绘一位年轻母亲正在哺乳婴儿，神态安详，充满了伟大的母爱。此画收藏于苏格兰国家画廊。
晚年的雷诺阿深受疾病的困扰，但艺术家的创作热情丝毫未退却。生活的静美为雷诺阿的绘画注入新活力，绘画主题透露出朝气，画面色彩又重新鲜活起来。正是在这个时期，雷诺阿开始了雕塑创作。
一种无限美好与温暖的审美情趣
雷诺阿一生坚持户外写生，是第一位将画室搬到法国蒙马特高地的艺术家。他的代表作《煎饼磨坊的舞会》便诞生于此。这幅伟大的作品完美地诠释了印象主义的名言“光是绘画的主人”。雷诺阿通过明快的笔调表现出树影的摇曳与人影的动感，将一个周日阳光明媚的午后，青年男女聚集在磨坊外广场上载歌载舞的惬意展现得淋漓尽致。
雷诺阿的性格中有种亲切的平民气质，从无高傲的表现。在所有印象派画家中，雷诺阿也许是最受欢迎的一位，因为他所画的都是漂亮的儿童、花朵、美丽的景色，特别是可爱的女人。这些都会立刻把人吸引住。
当我们用21世纪的审美与社会评价尺度来重新审视雷诺阿百余年前的作品时，就会发现雷诺阿笔下的女人们，体态圆润丰盈，皮肤光滑细腻，神态悠闲、惬意，洋溢着青春与活力。雷诺阿用自己的才华和审美情趣，通过对美的极致刻画，给观者带来内心无限的温暖与美好。《裸女》《入浴者》《沉睡中的浴女》等画作都体现了这种魅力。
雷诺阿与莫奈是多年至交，两人一起创立印象画派，还经常相约到巴黎郊区写生。他们的友情深厚且牢固。雷诺阿画的《克劳德·莫奈肖像》，莫奈头上戴着平日惯戴的黑帽，手持调色板与画笔，背景中还有碎花图纹窗帘、一盆植物与一扇窗户。雷诺阿描绘友人长满胡须的安详脸庞及深色头发，莫奈的上衣与窗帘边缘都使用了黑色。
雷诺阿在社交场合总是保持着一种沉默寡言的样子，可是当他画起画来，脸上便立刻容光焕发，作画时他竟会哼出悦耳的歌声。
雷诺阿在生命的最后25年中，饱受类风湿关节炎的困扰，剧烈的疼痛使他无法正常握笔作画。然而病痛也无法阻止雷诺阿创作，他让护士将画笔捆绑在手中，坐在轮椅上坚持在纸上描绘出人世间的美好。
1919年去世前夕，雷诺阿终于亲眼目睹了自己的作品被悬挂在卢浮宫。带着他心中的美好，雷诺阿毫无遗憾地离开这个被他用画笔和心灵美化了的世界。
“直到生命的最后一刻，雷诺阿依然秉持这样的理念：艺术是生活最基本且最重要的乐趣。纵观几千年的艺术史，雷诺阿为我们留下了一个个鲜活而美好的画作和形象。”这是世界著名评论家斯蒂芬尼·祖菲（Stefano Zuffi）对雷诺阿的真切评价。
1美女画家作品欣赏
樊萍，笔名宣廷，山东淄博人。先后就读于中央工艺美术学院，中国艺术研究院研究生部，师从陈绶祥先生。曾任山东理工大学美术学院副院长、教授。现为中国美术家协会会员，中国陶瓷艺术设计大师，中国传媒大学特聘教授，中央民盟画院副院长，中国文艺家画院副院长，山东省当代工笔画院院长。
2美女画家作品欣赏
郭艺涵，山东青州人
2016至2010年，本科就读于中央美术学院；
2011至2014年，硕士研究生就读于中央美术学院，导师于光华教授；
2015至今，中国艺术研究院博士研究生在读，导师张立辰教授。
郭艺涵 京华紫气 45x180cm 郭艺涵 狂花野蔓满疏篱 45x180cm3美女画家作品欣赏
黄晓芬，女，中国美术家协会会员,中国美术家协会广东省分会会员、中关村画院副秘书长、中关村画院艺委会机构委员、中国重彩画研究会会员、中国工笔协会会员、深圳市美术家协会会员、深圳市女画家协会会员、北京工笔重彩画协会会员。中国热带雨林艺术研究院画家。京华女子十二画坊成员之一。4美女画家作品欣赏
贺韵旨 1987年生于湖南常德。2011年本科毕业于中央美术学院中国画学院工笔人物画室，同年考取中央美术学院中国画学院公费研究生，师从唐勇力教授。2015年6月考取中国艺术研究院博士研究生，导师唐勇力教授。现为中国工笔画学会会员。
贺韵旨 境 128x198cm 贺韵旨 上善若水 128x198cm5美女画家作品欣赏
黄文丽
黄文丽，女，1957年生。辽宁国画花鸟画家。现为辽宁省美术家协会会员，沈阳盛京画院副院长，辽宁省政协委员，中国同泽书画研究院书画家。6美女画家作品欣赏
计王菁，女，生于1975年3月。1998年毕业于中国美术学院中国画系山水画专业，并获学士学位；2008年毕业于中国美术学院中国画系山水画专业，并获艺术硕士学位；2015年考入中国艺术研究院研究生院攻读博士学位，导师林若熹先生。1998年至今，执教于温州大学美术与艺术设计学院，现为副教授职称。
计王菁 心安即是归处之二 直径33x33cm 计王菁 心安即是归处之六 直径33x33cm7美女画家作品欣赏
孔紫简介
孔紫，1952年生于河北省唐山市，毕业于解放军艺术学院美术系。现为中国国家画院专业画家，国家一级美术师，文化部高级职称评审委员会委员。中国艺术研究院国画院研究员。中国美术家协会理事、中国美术家协会中国画艺术委员会委员。中国女画家协会主席、中国画学会理事。
孔紫 《春雪》 200x240cm 2014年
孔紫 《草原》一 136x68cm 2012年8美女画家作品欣赏
李良良，1986年生于山东省，2004年本科考入中国美术学院国画系，学习山水画专业，师从张捷教授，2011年研究生考入中国美术学院国画系，学习山水画专业，师从刘文洁教授。2015年考入中国艺术研究院攻读博士学位，导师为陈平教授。
李良良 太行深处 180x180cm 李良良《塬上清秋》180 x 97cm 20149美女画家作品欣赏
梁潔雯，别名阿牛，澳门人，现为中国艺术研究院博士研究生，导师林若熹教授。2009年华东师范大学美术学本科毕业；2014年广州美术学院美术学硕士研究生毕业。2013年作品《仲夏˙夜》获“第二十九届全澳书画联展”国画组最佳创作奬。作品曾入选全国美展?广东省美术作品展?澳门视觉艺术年展?澳门美术协会会员作品展等等。
梁潔雯 夜 30X30cm 2013 梁潔雯 奇妙旅程30X30cm 201210美女画家作品欣赏
潘一见，女，出生于浙江瑞安。1996年毕业于中国美院书法专业
2007年 毕业于中央美术学院中国画学院山水画专业，获硕士学位
2012年毕业于中央美术学院造型艺术研究所，获博士学位 现为：中央民族大学美术学院副教授 11美女画家作品欣赏
艺术家 祁璐
祁璐，字至繁。大学毕业。2008年毕业于中国艺术研究院研究生院郭怡孮花鸟画创作高研班。中国美术家协会会员，中国工笔画学会会员，北京工笔重彩画会会员，北京女美术家联谊会会员。世界收藏联合会书画委员会秘书长。中关村学院客座教授，中关村画院副院长。
《生如夏花》
《晴晚风轻》12美女画家作品欣赏
齐红霞
中国美术家协会会员、中国工笔画协会会员、辽宁省工笔画协会副秘书长、文化部现代工笔画院画家、大北方中国书画艺术研究院副院长，中国石油美术家协会理事。现居北京。
齐红霞《假期》
局部图欣赏13美女画家作品欣赏
齐然，1984年生。2007年毕业于天津美术学院人物一工作室，并获学士学位；2010年毕业于天津美术学院，并获硕士学位。2010年始任教于三峡大学艺术学院。现为中国艺术研究院研究生院博士研究生，导师何家英教授。天津画院签约画家。
齐然 乍暖还寒 60x140cm 齐然 水墨人物之一 50x60cm14美女画家作品欣赏
孙恺，1962年生，山东省临沂市人。毕业于中央工艺美术学院、中央美术学院，获硕士学位，1998年入中国文化部首届重彩画高研班深造。现为中国美术家协会会员，中国工笔画学会常务理事、副秘书长、专家委员会委员，中国工艺美术家协会理事,中国军事文化研究会美术书法艺委会理事。
净之境15美女画家作品欣赏
孙瑾，1989年毕业于曲阜师范大学美术系，1997年毕业于山东师范大学艺术系，2006年结业于中国美术家协会首届创作高研班。主攻工笔人物、花鸟，写意人物、花鸟、山水、油画等。现为中国美协会员，山东美协会员，潍坊美协理事，青州美协副主席。
16美女画家作品欣赏
谭斐，1985年生于山东，中国美术家协会会员。2013年毕业于中央美术学院，获硕士学位。
2015年考入中国艺术研究院攻读博士学位。
谭斐 泡浴圖70x100cm 2015 谭斐 深闺 50x70cm 201517美女画家作品欣赏
王秦1982年6月25日出生，湖南省作家协会会员，湖南省美术家协会会员。
曾有作品在《人民日报》、《光明日报》、《诗刊》、《诗词》、《辽宁青年》、《芙蓉》、《大众阅读报》等报刊上发表。
出版著作：《存在的孤独》、《王秦诗画精品集》、《王秦文画集》
18美女画家作品欣赏
许莹
1993年畢業於中央美院附中
1997年畢業於中央美院國畫系獲學士學位
2004年考取中央美院田黎明先生研究生
2007年獲碩士學位考取中央美院李少文先生博士研究生
2013年成爲中國少年留守兒童文化藝術基金會愛心大使
2014年榮獲2013中國畫名家人物最具實力新銳人物獎
2014年荣获中法建交50年巴黎卢浮宫“东西方美术年展”银奖
2014年跟随蒋采苹先生学习重彩画
许莹 《洛可可的诱惑》68cmX68cm 纸本设色 2014 许莹 《凡高的花园》68cmX68cm 纸本设色 201419美女画家作品欣赏
叶丽美简介
原名叶杏媛，生于广东惠州。先后师从郭怡孮、蒋采萍等先生。中国艺术研究院美术学硕士，攻读工笔画创作与研究方向。作品曾多次参加全国美展并获奖。现供职于中国艺术研究院。中国美术家协会会员、国家二级美术师、中华画院画家、文化部青年美术工作委员会委员、中国美术家协会工笔重彩研究会研究员、北京工笔画会会员。
叶丽美 《天高云淡好翱翔》 136×68cm 2014年
叶丽美 《春又来》 68×68cm 2014年20美女画家作品欣赏
这幅画描绘的是光绪八年绘画的，一枝桃树上面生长着三个寿桃的模样，寿桃是黄色带有玫红色的尖部，寿桃又圆又大，一个个果实饱满，桃树的叶子是翠绿色的，带有一些泛黄的姿态，紧紧地包围着桃子果实，上面两颗寿桃是相互依偎的姿态，下面的寿桃向上生长着，将桃子的尖部面向了上方，凸显了桃子的尖部红色的鲜艳部分。
清 任伯年《桃石图》
这幅画描绘的是一块大石头与一篮子寿桃的模样，石头是站立在寿桃后面的，一整块灰色的石头仿佛在保护着寿桃，它高高地站立起来，更像是一块假山，篮子里面的寿桃有很多，装满着篮子，篮子外面还有一些散落的桃子，桃子带有树枝，是一整枝摘下来的，墨绿色的枝干包裹着寿桃，像是在保护着自己的孩子。
清 虚谷《寿桃》
这幅画描绘的是两颗圆圆都是寿桃的模样，寿桃是黄色中带有一丝桃红色的模样，两个桃子圆滚滚地紧靠在一起，不带有一片叶子与枝干，桃子的周围有几块零散的树干，是干枯掉落的样子，像是一幅干枯的桃子因为成熟而掉到地上的姿态，树枝安静地待在桃子旁边，像是一幅同甘共苦的姿态。
一、抽象美术作品欣赏所面临的现状
1、深奥难懂, 难以为大众所接受
抽象美术是针对模仿自然的绘画风格而提出来的一种绘画艺术, 其发展阶段可分为几何抽象与抒情抽象。几何抽象带有几何学的倾向, 而抒情抽象则是从表现主义、野兽派等发展而来, 把更高的艺术理念作为基本出发点, 具有一定的浪漫主义倾向。这些抽象艺术把直觉和想象力作为创作的出发点, 排斥具有象征性、文学性以及说明性等其他的表现手法, 仅仅综合造型和色彩, 然后组织在画面上, 有点类似于音乐, 但是正因为它的这些特性, 使得抽象美术曲高和寡, 深奥难懂, 很难为大众所接受。这一方面固然是大众的审美观存在差异, 另一方面却是受到传统美术界的误导, 习惯于用写实、写意的眼光看待绘画作品, 因而南辕北辙, 一塌糊涂, 不知道怎么欣赏, 甚至看不懂里面的美感。有些艺术院校的专业学生也普遍存在着这些问题, 即难以接受抽象美术, 欣赏不到抽象美术作品的价值所在
2、部分画家对其认识存在偏见
抽象绘画强调随性、感觉、想象等主观感受, 因而在绘画中往往舍弃具体形象, 真正做到即兴而作。它不是借助形象来表达情感, 讲述故事, 而是通过一种特殊的方式, 也是最真实的方式, 进行倾诉, 即画家的心灵倾诉。由于力求摆脱追求自然的绘画束缚, 抽象艺术受到许多主流画家的批评, 他们认为抽象绘画不能称之为绘画艺术, 自身尚未摆脱“像不像”的绘画评价标准, 这就导致了相当一批人对抽象美术产生怀疑, 公众对抽象美术更是敬而远之。抽象美术与音乐有相似之处, 它是由点、线、色彩所构成的纯粹的世界, 就像音乐有节奏和旋律一样, 你可以强力的色彩、线条描述中感知作者的情感、态度等等, 可以窥到作品中洋溢的美感, 是另类的美术作品。艺术本身就具有极强的包容性, 因而对抽象美术存有偏见是不应该的。
3、审美水平有待进一步提高
当代艺术的发展与人们的生活之间的联系越来越紧密, 尤其是伴随着人们物质水平的提高, 对艺术的审美水平的要求也越来越高深。《抽象绘画》一书的作者阿尔森·波里布尼认为“抽象艺术可称得上是二十世纪典型的艺术样式了, 可是没有一个人敢断言它属于通俗的艺术样式。对于广大民众来说, 它仍然像喜马拉雅山一样——太高、太远, 无从探测, 不可理解。”这反映出人们对抽象美术存在“欣赏障碍”。由于抽象美术是想象、情感等主观因素的产物, 因此在欣赏时必然会出现理解有偏差、难以接受等问题, 甚至许多学生在欣赏一些抽象的美术时, 往往会感到陌生和茫然, 会产生“这幅画画的是什么, 好在哪里”等一系列的疑问。尤其是抽象作品语言具有不明确性, 内容也比较含蓄, 大众的知识与经验储备不足, 更增加了抽象作品理解的难度。
二、提高抽象美术作品欣赏水平的方法及其具体应用
1、转变观念, 培养审美情操
大众对抽象美术作品的认识还存在一些障碍, 应该注意以下几个方面:第一, 要明确概念, 区分作品。美术作品可以说是琳琅满目, 有许多的艺术流派, 各个流派风格不一, 特点迥异, 因此划清流派, 对号入座是欣赏美术作品的关键。抽象美术作品可以分为意象艺术作品和抽象类艺术作品, 所谓的一项类艺术作品是把作者从客观世界中所获得的形象经过艺术加工再造, 赋予作者自身的情感、态度, 然后用虚幻艺术世界里的意象表现出来, 而抽象类艺术作品, 是大幅度甚至完全偏离自然社会, 完全是作者情绪或者感觉的反应, 是不可辨认的图像;第二, 宽容对待, 认知抽象艺术。艺术本身就具有宽容性, 因为它是主观创作的产物, 因而在创作之初, 必然会或多或少的带有作者本身的感情观念。有一句话说得好, “一千个读者就有一千个哈姆雷特”, 我们要带着宽容的心态去接纳艺术, 尤其是主观色彩强烈的抽象美术作品;第三, 突破传统观念, 创新欣赏方法。在欣赏抽象美术作品时, 我们应该突破传统的欣赏美术作品的观念, 寻找一种全新的角度去审读作者想要在作品中所表达的艺术语言以及所要描述的画面。单单寻找作品中的意象与现实生活中的景物是否相像, 也就是以“像”与“不像”作为评价标准, 很显然已不适用于抽象美术作品的欣赏, 我们要打破思维束缚, 在观看作品时, 赋予自己的情感, 把自身融入到作品中去, 与创作者进行灵魂对话、艺术语言沟通, 这对于更好的理解作品具有极其重要的意义。
2、培养优秀的抽象美术理论家及绘画家
随着我国全球化进程的加快, 激烈的社会竞争已经深入到每个人的心里, 越来越多的人认识到这样一个事实:未来的社会将是人才与人才之间的竞争, 充分发挥出人力资源的优势, 重视人才的力量, 才可以使各个行业获得长久平稳快速的发展。因此, 培养一批优秀的抽象美术理论家与绘画家, 是推动抽象艺术事业长足发展的必经之路。首先, 学校要充分发挥好自身的引导作用, 尤其是艺术类院校, 增设抽象美术课程, 对于培养学生的创新能力、想象能力, 打破思维定势, 培养学生良好的情操, 提高学生的道德修养以及审美水平, 发挥着极大地作用。教师在讲授抽象艺术时, 要注意转变教学思路, 采用多种教学手段, 比如, 情景教学法、利用多媒体设备教学等等, 一方面可以降低教学的难度, 使学生更好地理解抽象艺术的背景、起源、发展历程, 发展现状等, 拓展自己的专业知识, 另一方面也可以不断提高自己的审美观念, 以及个人的艺术修养。其次, 要重视对抽象艺术类人才的培养, 一些相关机构要投入更多的经费, 推动抽象艺术的发展, 鼓励相关人才进行艺术创作以及与之相关的理论创作。抽象美术画家也要注重同行之间的交流学习, 比如借助作品展览等机会进行参观交流, 不断提高自身的艺术修养, 增加经验与相关知识, 繁荣我国的艺术事业。
3、促使抽象艺术生活化
在人们物质生活水平获得极大提高的背景下, 艺术以一种不可阻挡的趋势逐步深入人类的生活。抽象艺术的根本其实就是欣赏角度与视觉思路的突破与创新, 因而也具有一定的现实意义。我们可以通过在现实生活中融入抽象艺术的方式, 促使抽象艺术生活化, 从而丰富抽象艺术文化。比如, 在校园中, 我们往往要贴许多励志标语, 以激励学生努力学习。像“书山有路勤为径, 学海无涯苦作舟”等, 我们完全可以用抽象美术的形式表现出来, 学生天生就有好奇心理与探索精神, 假如我们在教学楼旁贴上这么一幅风格迥异的抽象画, 必然会吸引许多同学的注意, 在欣赏、研究并且得出结论之后, 必然会给学生一种豁然开朗的感觉, 而且还教会了学生一种新的思维方式。在公众场合, 我们也可以用抽象美术设置一些提醒标语, 比如“小草青青, 脚下留情”等等, 运用夸张的手法表现出来, 不仅极具震撼力, 更能使抽象艺术亲近大众, 走进人们的日常生活。
三、总结
总而言之, 作为人类文明发展史上的一朵奇葩, 抽象艺术具备着无与伦比的美丽。但是抽象美术作品要想为大众所接受和认可, 依然面临着许多困难。而转变观念, 培养审美情操, 培养优秀的抽象美术理论家及绘画家, 促使抽象艺术生活化三种解决方案, 对于大众更好的感受和欣赏抽象艺术、了解抽象艺术并关注其新的创作手段、媒介、大众艺术等等, 起着非常重要的作用。相关艺术工作者也要努力发挥聪明才智, 创作出更好的作品, 促进我国抽象艺术事业的发展。
摘要：本文基于工作经验, 分析了抽象美术作品欣赏所面临的现状, 并着重介绍了转变观念, 培养审美情操, 培养优秀的抽象美术理论家及绘画家, 促使抽象艺术生活化三种解决方案及其具体应用, 希望给相关人员一些启发和思考, 帮助抽象绘画艺术走出困境, 推动抽象美术作品走进大众、亲近生活, 从而为我国抽象美术作品的发展贡献力量。
关键词：抽象美术,作品欣赏
参考文献
[1]彭艳霞;艺术设计教育之审美因素研究[D];江西师范大学;2004年
[2]鲁原;艺术的审美本质[J];广西大学学报 (哲学社会科学版) ;1986年01期
长安这一帝王之都丰富的历史遗存，汉唐文化的深厚积淀，美术与文学的双重学业，加上艺术理论与美学修养，给他从事书法提供了得天独厚的条件。其书法初从欧、颜入手，继师二王；进而遍习古代碑帖，选临篆、隶、行、草诸体，而对张旭、怀素及李北海、黄山谷、米芾、王铎尤为倾心；后广泛涉取并着意于对当代中外各种流派与书风的研究，在实践中综合、优选、融化、吸收，同时为自己立下“法由古受，美自我成”的箴言而逐渐形成个人的风貌。作吕除在《人民日报》、《光明日报》、《文艺报》、《人民中国》、《中国书画》以及美国《世界日报》、《新奥尔良日报》、日本《读卖新闻》、《四国新闻》、《书道》、《临池》等国内外报刊发表外，多次参加陕西省历界书展及国内外重大书展。曾获第十一届亚运会陕西体育艺术展特别奖、台湾“中国书画名家作品展”一等奖、二等奖及“华夏艺术国际展”银奖、中华人民共和国第三届特奥会书画作品金质奖、美国纽约传记中心“金帆奖”；论文获98年度亚太华文教学成果奖，99年度世界华人艺术大奖赛“国际荣誉金奖”。曾先后在日本东京、京都、松本、行田、高松以及美国世纪大学、巴登鲁日博物馆和新奥尔良等地举办个展或联展。分别被授予日本京都府城徽，美国巴登鲁日市荣誉市长等。镌刻勒石及楹联巨匾有：崂山摩崖、黄河碑林、福建大觉寺、湖北黄鹤楼、洛阳普救寺、桥山黄帝陵、宝鸡炎帝陵、白水苍圣庙、西岳华山、翠华山、太白山、张良庙、西安大雁塔、钟楼、环城西苑、青龙寺、兴善寺、八仙庵、仙游寺、香积寺、大佛寺、楼观台、五丈塬武侯祠、凤翔东湖、铜川玉华宫、榆林红碱淖、临潼明圣宫以及日本高野山常喜院、香川县五剑山以及大麻学园等名山胜迹多处。被中国革命历史博物馆、毛主席纪念馆、人民大会堂、中南海以及法国东方艺术研究所、菲律宾巴维士博物馆、日本空海总本山、大平正芳纪念馆、京都南画院、京都大相国寺、美国世纪大学、巴登鲁日博物馆、美国总统府、日本前首相田中角荣、中曾根康弘、森喜朗，以及梅香梅女士、连战先生等有关单位和个人收藏。出版除50余件单幅作品外，有《白居易〈长恨歌〉》和《张若虚〈春江花月夜〉》以及所书自作诗39首《长安好》等行草书帖和长卷刊世。
新闻传媒和评论称其为具有“诗人气质”的“学者型书家”、“长安书坛一翘楚”，谓其作品能“集古自立、独标灵彩”，风格雄里藏秀、平中寓奇、惊骄纵横、潇洒自然，呈现出“典雅的热烈”，“胸次卓别，墨韵不凡，总有一种笔墨之外的诣趣和意味”。
其生平及艺术简历被收入《中国当代书法家词典》、《中国当代名人录》、《中国文艺家传集》、《中国当代名人大典》、《中国大百科人物传集》、《中华百年》、《中国专家大辞典》、《世界优秀专家人才名典》、《中华英模大典》、《中华骄子》、《东方之子》以及美国纽约传记中心《世界艺术家名人录》等。
读《书法十讲》赠茹桂老弟
霍松林
苍茫一画辟鸿蒙，伟矣笔参造化功。
岳崎川流心摄象，鹏搏虎跃腕生风。
艺舟赖此传双揖，草圣从渠越九宫。
四美新铺天样纸，且看墨海舞蛟龙。
赠书法家茹桂
毛琦
方家如林翰墨苑，茹君风韵独飘然。
铁画银钩赖腕力，烟霏露结生毫端。
飞龙凤舞参妙化，行云流水浑自闲。
叹我雕虫意趣少，何若从君学张颠！
题茹桂画梅
霍松林
诗情奇峭亦汪洋，草势奔腾更老苍。
草势诗情巧融汇，画梅别显一家长。
霜欺雪压更昂扬，老干青枝吐异香。
哲士风神高士骨，中华文化赖弘扬。
（霍松林，陕西师范大学中文系教授、博士生导师，中华诗词学会副会长）
寄茹桂
阎纲
茹桂念我是乡党，酒后临池发清狂。
赠我神情惊风雨，云霞聚散墨色光。
向来骨气居为上，妍美功用人蔑诓。
男儿何不动狼毫，笔扫千军荡气肠。
（中国当代文学研究会副会长、评论家）
陈香梅
茹桂奇才岂虚传，古城夜叙雪云天。
