设计审美要素

设计审美要素（精选8篇）

设计审美要素 篇1

1广告摄影的历史演变及内涵

广告摄影以一种特殊的艺术形式存在，其利用与众不同的摄影语言对产品予以刻画，以独特的方式将产品信息进行有效传递。广告摄影服务于广告活动，从这方面来看，其成功之处在于能否唤起消费者的购买欲望，因而其与单纯的艺术摄影有着天壤之别。顾名思义，广告摄影并非是一个单纯词，它由“广告”和“摄影”两部分构成。其中广告代表着展示及表现，而摄影代表了艺术及审美。广告摄影虽然隶属实用艺术领域，但是却具有十分紧密的规定性，而且深受发布媒体环境的约束，同时不同的商业环境对广告摄影也发挥着不同的作用，从某种意义上来讲，广告摄影已经完全融入到了商业社会之中。

2广告摄影的基本特征

现代广告摄影在摄影科技成果的基础之上，以影像文化为背景，利用视觉的呈现，探索深刻的艺术刺激。究其特征表现在四个方面：其一是传达信息的真实性，广告摄影的投资主体大多是产品或服务的提供者，其根本目的在于宣传产品信息，并形成社会效果作用在产品销售之上，这种强烈的目的性决定了传达信息真实性的特征；其二，是摄影作品的展示性，广告摄影的对象绝大多数是实物产品，针对的是消费者，物品的优势与特征应在简单的画面中重点突出；其三，是创作设计的艺术性，广告摄影的艺术价值和商业价值相统一，情感设计与技巧不容忽视，艺术性的核心在于给观赏者美的视觉刺激，形成愉悦的心情并对产品引发兴趣，借助精巧的光线完美呈现物体颜色，对拍摄对象的合理解构是摄影的前提，决定广告的图形基调，色彩是人体视觉刺激的最重要途径，光影本身也需要色彩的辅助表达，不同的色彩将深刻影响观赏者的审美感受；其四，是创作理念的创新性，创意是广告摄影的灵魂所在，摄影技巧可以在经验和学习中逐步精炼。摄影师必须具备较高的文化知识素养，需要不断探索，打破传统的束缚，塑造鲜明的广告艺术形象。

二、广告摄影在设计学中的审美要素

广告摄影的设计学范畴广泛，一方面体现了设计学的思维和智慧，另一方面也强有力地彰显了艺术美学与审美学的完美结合。“美”是广告摄影在设计中矢志不渝的追求，更是获取观者视觉的最大吸引力。剖析广告摄影在设计学中的审美要素，是将其基本特征、技术手法融入平面设计领域的关键所在。

1光影要素

对胶片精确把握程度的高低直接决定着创作成功与否，光圈设置、逆光效果、曝光程度等，如果这些操作不当，会对整个画面造成致命影响。因此，光线是摄影创作必不可少的先决因素。在充分掌握布光基础后，需要精准呈现出质感的光源和光性，使其能够均匀辐射在光源面，准确掌握发光面积和灯距，以便能够快速达到控光、光轴和照射角的最佳状态，在最小化的光源基础上实现与背景光的融合，突显创作内涵与产品特征。广告摄影中的光线已经不是传统生活意义上的视觉介质，需要摄影师调动不同灯具的功能和效果，通过驾驭光线营造出一个美学故事。这种驾驭是建立在对灯具器材和光源原理的精通之上的，呈现出可操作性的认知和理解，具体解构出以下层面：首先，整体画面的审美效果。广告摄影作品首先映入眼帘的是一张整体的二维或三维画面，第一印象至关重要。不同的光线区别和阴影面积最直观的反映在画面中，突出产品形象。其次，光的阴暗影调把握。观赏者看到整体画面后，随后关注的即是光的阴暗影调，它能够营造浓厚的情感氛围：是欢快还是悲伤，是速度还是沉静，是静是动，是明是暗。阴暗影调的变换作用于欣赏对象的情感体验，以实现最终的商业目的。最后，点、线、面的造型。明暗变化之后欣赏者将注目于光线的视觉造型，即点、线、面的结合与交叉。整个设计构图中，点、线、面的关系与节奏相辅相成，彼此呼应。此外，构图中形象的大小、位置的安排、色彩的对比都是十分重要的造型因素，在视觉表现审美中必不可少。广告摄影作品中的各个视觉对象都是彼此联系、不容忽视的，即便是空白的部分也是视觉传达的重要媒介。光影要素运用的核心理念是“简而不空、繁而不乱、简繁相融”。简中蕴含精彩，繁中彰显精练，单纯中有变化。

2色彩要素

广告摄影中的色彩要素是一种形象语言。在任何一个设计中，色彩都不存在相沿成习的美与丑，如果摄影师能够以精准的控制、深入的理解和正确的运用，就能得到出乎意料的色彩画面效果。色彩的主要功能就是要最大限度地表现服务，充分发挥想象力在作品中摆上能表达感受的颜色，这正是广告摄影中色彩要素的运用真谛。设计学角度的色彩运用无章可循，不完全依托于任何一种科学理论，而是摄影师观察、体验和亲身经验的总结，本质上是一种心理意念的再现。不同的色彩在特定的环境下将带来不同的视觉感受，代表着不同的心理特征。有的时候，色彩可以演化成产品的一种符号，色彩与广告画面融为一体，成为一种代表深入人心。除了特定环境的把握，不同的商品色彩处理也要加以区分、区别对待。色彩的形式要素与色彩感受是构成产品色彩的两个基本要素，相互作用突出表现为色调。主导色调与流行趋势并非一成不变，在捕捉时不可僵硬，要灵活变化。

3戏剧要素

戏剧性效果是表现冲突矛盾的外化形式，更多的常见于舞台艺术和影视作品中，近年来与平面设计学原理相结合，为广告摄影注入了新鲜血液。广告摄影中制造矛盾的手法是多种多样的，每个画面都可以借助形体、文字、光影的变化加以把握，甚至在三维立体画面中还可以运用“蒙太奇”镜头技术来烘托主题，在有限的、静态的平面空间做到上述变化实属不易，但往往事半功倍。在无声的空间诉说有声的语言是平面设计中广告摄影的最高戏剧特色体现。这种戏剧要素可以是矛盾的，也可以是充满和谐的，总体来说，对抗的成分越大、画面承载的矛盾越多，艺术的绝对值就越大，内涵表现也更加丰富。总而言之，设计的戏剧要素就是将这些变幻莫测的矛盾合理、有序地安排于一个画面之中，引导观赏者不知不觉地走入艺术故事的“陷阱”与“仙境”。

三、广告摄影在平面设计中的具体应用

平面设计是将图形、文字、图像按照一定的比例和规则加以组合，在二维平面上形成图案，营造视觉效果，表达不同情感、思想的印刷品或宣传品。一幅卓越的设计作品首先要具备视觉上的冲击力和吸引力。广告摄影要想在平面设计中占有一席之地并影响其他艺术创作，需要从真实、审美及便捷三个优势方面加以打磨。

1广告摄影在平面设计中应保持真实性

广告摄影的真实性在平面设计中可谓首屈一指，其他艺术手段难以达到。与其他形式相比，广告摄影图片能够将产品信息直接、形象地展示出来，广告摄影的关键在于能够留住观者的眼球，使人在瞬间留下深刻的印象。艺术对许多人来说往往是抽象、遥远的，但广告摄影艺术必须建立在真实的基础之上，通过直观表现的优势吸引人们来了解产品并且信任产品，产生“一鸣惊人”的强烈画面感和功能形式。广告摄影的真实性并不能与历史记录那样程度等同，即使是最基本的产品图片展示也是需要艺术设计加工的，其是以最简便、直接的图片方式进行信息的传递，在保持原貌的基础上给予恰当的美化。首先，平面设计中的广告摄影运用不可随意拍摄，要以精确的测光、曝光完美地还原真实物体色彩；其次，以摄影图片传递信息较其他方式要形象、生动，能够以最快的速度聚焦观众的视线；最后，优秀的摄影图像不存在地域限制，能够在平面设计中表现出全人类共同的情感思想。

2广告摄影在平面设计中应融入审美性

广告摄影以产品为主要拍摄对象，通过反映产品的形状、颜色、功能、用途等独有的特征来提高吸引力，将这种出身“商业化”的技术应用于平面设计中，极大地扩大了摄影的应用范畴，开辟了一个新的视觉审美领域。随着科学技术的不断发展，广告摄影已经成为平面设计不可或缺的分支，并且成为平面设计的重要因素。图像、色彩是组成平面设计的基本元素，摄影师手中的本体语言结构赋予平面设计内在的灵魂，广告摄影所具备的商业潜力和受众范围为平面设计提供了便利的传播渠道。可以说广告摄影已经进入现代平面艺术设计领域，以其真实的形象、巧妙的构思、诱人的情景，最直接、最有效的为平面设计提供新的表现手法。

3广告摄影在平面设计中应体现便捷性

数字技术时代，广告摄影图片浩如烟海、包罗万象，在不知不觉中已经成为全新的视觉传媒体系。广告摄影以其良好的交互性、传播性为平面设计提供了丰富的素材，任何一个与产品相关的画面都可以做为平面设计的创作源泉，引发设计灵感。在此角度而言，广告摄影以全新的图像交流方式，重新定义了地域文化的共同点，一方面传播了产品信息，另一方面传达了艺术手法和设计理念，推进平面设计向更完善、更新奇的方向迈进。

四、结语

设计审美要素 篇2

一、运动鞋设计要考虑目标对象的审美需求

运动鞋的外观设计已经不再是简单的线条拼凑, 现在需要在设计中赋予运动鞋一定的含义并且做出相应的概念设计。现在运动鞋也是时尚的重要组成部分, 跑步、跳街舞、瑜伽还有滑板……练瑜伽的时候穿着弹力紧身衣, 跳街舞的时候则要穿着Hip-hop风格的衣服, 这都要有相应的鞋子来搭配。因而设计师首先要了解消费者的审美需求, 针对穿着对象的年龄、身份、爱好、穿用场合等因素进行综合考虑, 才能设计出符合消费者审美的产品。

二、运动鞋设计要考虑运动鞋的功能性

运动鞋是为运动而出现的产物, 功能性才是运动鞋最主要的属性, 设计的时候在功能性上考虑到主要是以下几个方面:

1、耐曲挠性

运动鞋的耐折性是消费者优先考虑的要素, 也是国内质量监督部门十分注重的一个物性指标, 鞋底设计生产时, 应考虑鞋底弯折沟的厚度和底材的韧性。一般弯折沟的设计均以圆弧形为主, 可避免应力集中, 起分散弯折力和延伸力的作用。

2、耐磨性

在国内还处于较低消费水平的现阶段, 运动鞋的耐穿性无疑是消费者最关心的, 其中除鞋底的耐折性外, 能否耐磨也是耐穿性的决定因素之一。一些受磨功能要求高的运动鞋 (如篮球鞋) , 就须选用耐磨性能好的橡胶做大底 (如采用意大利超强耐磨的vibra橡胶底) , 或者在鞋头内侧和后跟外侧, 特意设计耐磨的橡胶贴片。

3、止滑性

在进行篮球运动时常常有急停、急转动作, 此时要求运动鞋 (如蓝球鞋) 具有较高止滑性, 否则, 不仅会引起一场精采赛事的失利, 还可能会造成运动员受伤。然而, 在鞋底其他方面条件不变的条件下, 耐磨耗性和止滑性却是成反比的, 耐磨耗性越好, 就意味着止滑性下降;止滑愈佳, 则其耐磨性就差。所以应通过大量的测试对比, 找到耐磨耗性和止滑性最佳的结合点, 来进行设计生产。当然, 还要从运动鞋的功能上去考虑鞋底纹路的设计, 从而确定耐磨耗性和止滑性之间的最佳平衡点。

4、透气性

透气性不仅只限于鞋面, 鞋底同样也要求有透气性。因为在正常穿用运动鞋时, 人足部皮肤的温度可达到34～35℃;而在激烈运动时, 其温度将达到43～49℃;此外, 大底纹路设计越粗糙、愈复杂, 与地面摩擦力就愈大, 热度也愈高。因此, 鞋底透气性的设计是非常必要的, 但同时要考虑其防水性。

5、支撑力

支撑力是一个比较复杂的问题, 具体说就是通过运动鞋紧缩厚实的设计, 来保证脚对人体强有力的支撑。这种紧缩的设计, 可以克服脚向四周分散力量, 从而保证向上的支撑力。一般采用硬支撑片 (如TPU片) 从鞋腰延伸至后跟, 插人中底或在大底与中底之间, 对人脚起平稳支撑、固定的作用, 也可防止运动中的扭伤。

6、避震性

一个人在跑步时, 脚触地的瞬间, 受到地面的冲击力将达到人体重量的2～4倍。如果鞋没有良好的减震系统来缓解这种冲击, 一定会使双脚感到疲惫不堪, 还会对大脑造成冲击。一般情况下, 采用具有一定弹性的中底 (如EVA、PU) 或在大底后跟嵌入具有弹性的垫片 (如EVA、PU) , 以减少冲击力。

7、抗扭伤性

人的行走过程是一个很复杂且科学的骨骼和肌肉协调运动的过程, 脚从触地到抬离地面, 受到一个向上的冲力和向前的摩擦力, 在脚触地的瞬间, 受到一个很大的冲力, 在抬离地面前, 需要对地面施加一定作用力以得到向前的摩擦力。由此鞋底一般设计成双密度的弹性体, 在鞋底后跟内侧位置, 设计一相对密度高的材料, 以抵抗人脚过度翻转而造成的扭伤。后跟避震好和符合脚型的鞋楦是其最佳的选择。当然, 也可从结合鞋垫的设计上, 来增强抗扭力和减轻疲劳感。

8、轻量化

轻量化是直接影响运动鞋舒适性的因素之一, 也是运动员能否最佳发挥的一个关键因素。因为运动员在运动时体能消耗很大, 要求尽量减少体重外的负荷, 其中运动鞋是主要的考虑因素, 要在保证运动鞋功能的基础上, 尽量减轻鞋重量, 让运动员步履轻盈。设计时所考虑的轻量化为的就是使消费者觉得鞋就象长在脚上一样那么轻盈、舒适, 且兼具安全性和环保性。因此, 必须在开发设计前, 详尽地对鞋子进行受力分析, 并利用完善的检测系统进行评估验证。

三、运动鞋设计要考虑到的对比思维

1、个性与共性

运动鞋设计师要处理好审美心理的个性与共性, 在拥有一定共性的前提下, 努力创造个性, 满足消费者个性化的要求。比如服装设计师对个性与共性最敏感, 设计师总是千方百计地设计出与众不同的服装款式, 而一些服装生产厂家总是模仿和抄袭最新的款式, 实际上, 一款服装并不适合所有人, 因穿着者的身材、气质、年龄、种族的不同, 每个人应穿出自己的个性。中国妇女穿着旗袍能充分展现东方女性秀丽、端庄的魅力, 西方的男子穿着西装能使他们显得英俊、潇洒。

2、继承与创新

有些名牌产品, 它们的外观带有品牌的突出特征。英国的劳斯莱斯, 作为一款顶级房车, 是上流社会身份与地位的象征, 融入其中的技术含量随着时代、技术的进步而不断更新、完善, 但汽车的整体造型风格与设计理念却得到了倍加用心的保留, 汽车的前水箱冷却罩的方正、大气、冷峻、秩序感十足的造型及上方的小天使形象一直保留到今天, 形成的便是人们认同的劳斯莱斯的印象。保持原有造型风格, 商家通过其品牌效应, 保证良好的经济效益, 深一层便是商家善于利用大众对于品牌形象的认知心理。运动品牌阿迪达斯的经典“三道线”也是很好的例子。当然只有继承没有创新是不行的, 人在潜意识里都有喜新厌旧的心理。即使一个产品的外观很好, 如果长时间的一成不变, 也会引起人们的审美疲劳。一般的审美心理过程都是由欣赏———平淡———厌倦。比如各个手机的生产厂家都不断推出新款的手机, 造型、色彩和材质都不断变化, 以满足消费者求新的要求。找寻新的造型, 充分利用材料和其转化的过程, 跟随人类行为的潮流引领设计师超越平常生活看得更远。

四、运动鞋设计要考虑到的几种设计方法

1、仿生设计法

设计师通过感受大自然中的动物、植物的优美形态, 运用概括和典型化的手法, 对这些形态进行升华和艺术性加工, 结合鞋的结构特点创造性地设计出鞋款。

2、系列设计法

系列设计法是设计师对鞋类某种或某些设计要素运用发散思维进行系列变形, 拓展设计要素的表现形式, 从而产生同一主题的多种款式的设计手法。

3、变更设计法

所谓的变更设计法是指变换现有形态中的一项或多项构成内容, 形成一种新的结果。通俗地讲, 变更法就是“偷梁换柱”的方法。由于采用的手段非常简便, 若处理得当, 即可达到事半功倍的效果。变更设计法在跑鞋设计中也包括材料、工艺、色彩等构成要素的变换。设计者设计水平的高低, 很大程度上表现在多种设计思维方法的灵活运用组合上。

4、视觉设计法

在视觉设计中, 跑鞋最富知觉力的表现在冲击速度、攀登强力或轻快感等方面。其张力表现明快、活跃、细腻、深沉能予人于兴奋感。自然界重力的运动、扩张、收缩或生长力等活动, 创造出的自然物的形状。这些活跃在自然物体形状中的力和生长力不是人根据某些线索的推理得到的, 而是人的眼睛直接感知到的力。因为物理力运动能够给那些能够呈现出它们的力量和轨迹的形状以生命感。虽然创造这些式样的力与传递到眼睛里的信息没有直接关系, 但在这些式样中视觉依然能感知其展示出的强烈张力。借助自然界中某些气势磅礴的形式, 应用到运动鞋的设计, 能够让思路澎湃激昂, 赋予作品以非凡气度。物理力转化为视觉力是造型设计最富表现力的手法。

浅析网络广告视觉要素的审美特征 篇3

一、内在的形象美

图像是特定的思想意识下对视觉元素的蓄意刻画和表达的形式，图像既是美学意义上升华，又富有寓意，可以将广告主题用生动的图解形式表现出来，从而弥补文字表达的缺陷。

图像是用视觉艺术手段来传达产品或劳务信息的。图像用内在的语言内容突出产品或服务的个性，通俗易懂、简洁明快，有强烈的视觉冲击力，并要把表现技法与广告主题密切结合起来，在整体广告策划引导下进行，发挥其有力的诉求效果。在网络上，受众扫过广告的时间最多十几秒，最少只有几秒，只有通过强而有力的视觉冲击力才能从众多的广告中脱颖而出，达到引人注目的目的，一幅与广告内容密切联系同时又非常具有美感的图像是广告视觉形象策划的成功作品。

网络广告作品中的视觉图形图像具有很强的沟通性。对于不识字、识字不多或语言不通的人来说，图形图像的运用在一定程度上可以帮助广告达到预期的效果。并且有利于突破网络间国与国之间语言的阻隔，顺利实现与不同语言文化背景下的民族或人民的沟通，所以它也是推动广告国际化的一个重要因素。

在网络广告的视觉语言中，视觉图形图像增强了广告作品的审美价值和艺术效果。视觉图像所具有的简洁明快、画面均衡、强烈动感、新颖独特等优势在广告作品中的广泛应用，不仅对于美化网页页面、增强页面美感、显现艺术独特的魅力起着重要作用，而且使广告作品的视觉美构成具有丰富的审美价值和艺术效果，使消费者不仅被吸引和共鸣，而且会心甘情愿地实施购买行为。

二、瞬间的永恒美

色彩是广告信息传达的有力手段，在诉诸于人的视觉作品中，色彩有着极其特殊并且突出的审美意义，比其他任何要素都更能影响广告的情感。网络广告作品的构成中，常选用与主题和创意对立的、鲜明的、强烈的而又和谐的色彩，因为这样的色彩运用可以给受众以视觉刺激，吸引消费者的目光去注意广告商品。

网络广告色彩运用的美学效应，首先是色彩的情感性。通常色彩和人们日常生活经验中的某些情感特征产生同感，即某种色彩的视觉刺激使人产生某些情感的其他感官感受。比如不同的色彩会产生冷和暖的不同感受，色彩属于视觉感受，而冷暖属于身体感受。其次是色彩的象征性。如红色象征红旗、火焰、鲜血和太阳；绿色象征森林、草地；黄色象征阳光、秋天等。网络广告一定要根据色彩的象征性去选择与广告相符的色彩，这样才能激发起受众内心的情感共鸣。第三是指色彩的表现力。网络广告是在特定环境下对广告形象进行设计和创作中，我们通过对色彩的均衡、色彩的对比、色彩的象征意义、色彩的渐变等来表现商品，可以产生丰富的节奏感和韵律感，并能刺激受众的点击率，进而可以加强对广告作品的接受力。第四是色彩组合的丰富表现力。色彩组合是一种很好的艺术语言，其中最主要的是系列色的应用。系列色的色彩变化可以取得丰富的视觉效果，来满足消费者不断提高的审美需求。

三、直观的具象美

文字是记录语言传达思想的符号。文字也是商品的嘴巴，它可以为不会说话的商品作自我介绍。文字在视觉语言中，作为画面的形象要素之一，具有传达感情的功能，能够给人以美的感受。

创作广告作品时，要根据广告主题的要求，极力突出文字设计的个性色彩，创造与众不同的独特的字体，给人以别开生面的视觉感受，将有利于企业和产品良好形象的建立。在设定特定字体时，一定要从字的形态特征与组合编排上进行探求，不断修改，反复琢磨，这样才能创造出富有个性的文字，使其外部形态和设计格调能唤醒人们的审美愉悦感受。

网络广告文案的创作，不像纯粹艺术品的创作那样无拘无束，它一方面反映或渗透着一定网络特定时代的审美追求、审美趣味、审美理想，一方面又凝聚着广告文案创作者的艺术构思。从某种意义上说，广告文案是文案创作者审美心理的和思想物态化或具象化的表现形式，也是具有一定审美能力、审美感受的大众欣赏和评价的对象。由于网络广告也具有一定的功利性，所以广告文案的创作从某种意义上说运用艺术手法向受众潜移默化地传递购买行为和审美心理。

四、凝聚的形式美

形式美法则是艺术形式的一般法则，它是形式构成的规律。广告的内容和形式永远是设计作品不可缺少的两个有机整体。

在广告作品中，内容美与形式美的和谐统一是广告美学审美机制的一个组成因素。网络广告的形式美体现于色彩的谐调，构图的匀称，线条的流畅，节奏的明快，韵律的悦耳，以及静态与动态的交叉，立体与平面的参照等。并不是说具备了这些因素就可以称之为美的形式了。只有将这美的形式同美的内容和谐地统一起来，给人们愉悦的感觉，才算纳入了审美机制。黑格尔说：“内容非他，即形式之转化为内容；形式非他，即内容之转化为形式”。这就是说，内容与形式是相互依存的，任何离开了真、善、美的内容美的形式是不存在的。也就是说一味的在版面上做文章，而偏離了广告的主题，这也就违背了广告所追求的审美原则。可见，二者不可倾斜，反之则不能产生美感效应。真正纳入审美机制的广告，应该是把美与善、美与真、美与实用、美与质量统一起来。很多网络广告作品中，版面的构图形式往往依附于广告的形式美原则。

总而言之，在现代美学中，网络广告及科学、艺术、文化于一身，具有使用和审美的双重性，网络广告的视觉语言蕴含着丰富的审美感情：一方面，它体现了现代广告美学化的趋势，符合了人们的审美需求；另一方面，网络的互动性更为有效地传达广告视觉语言的审美追求及其原则，体现了广告的实用价值与审美价值，使网络广告作品能够表现出更为丰富传神的美感。

参考文献：

[1]陈岸瑛.关于“乌托邦”内涵及概念演变的考证[J].北京大学学报(哲学社会科学版)，2000，(1).

[2]董学文.“文学理论学”构建刍议[J].北京大学学报(哲学社会科学版)，2004(04).

[3]宋一夫等.论社会结构的对称与非对称[J].北京大学学报(哲学社会科学版)，2002(01).

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展示空间设计要素 篇4

展示中的照明、色彩与装饰绿化

(1)照明在展示中起着重要作用，一切美丽的形与色都依靠光线来传递，光线的强弱也直接影响着展台的整体效果。光线有自然光与人造光之分，但由于自然光较弱，又受自然因素的影响，现在展览都采用人工照明来烘托展览气氛。烟台展柜展示照明的要求有：第一，提供舒适的视觉环境，使展品有足够的亮度、观赏清晰度和合理的观赏角度;第二，确保供电系统的安全性，减少光线对展品的损坏和对参观者的损伤;第三，使照明方式和光照具有鲜明的时代特色。

①基础照明的特点是光线分布比较均匀，使公共空间显得比较统一与和谐。②局部照明的目的在于突出展品，令其吸引参观者的注意力，并加深印象。适用于展示场地及展品尺寸不固定的情况，灵活性大、适应性强，并且对突出重点能起到很好的作用。

③装饰照明的目的是烘托展示场地的气氛，丰富空间的色彩感和层次感，还可以装滤色片制造出不同的灯光效果，以使参观者产生好奇心并吸引其驻足参观。

(2)色彩是光的反射，有光才能看到色，有色才能看到形，有形才能充分感觉空间的美妙。自然界色彩繁多，有750万到1000万种。人们经常使用的不过几十种到上百种。色彩不仅能表达感情，还能影响人们的情绪，在运用的过程中，可依靠不同的`色彩带给人的不同感受而进行分布使用。红色使人振奋，能促进交谈，增进食欲;橙色使人快乐;黄色明度最高，有如阳光般温暖;绿色冷静、清新、雅致，给人安全感和青春生命之感，代表大自然;蓝色冷静、智慧，使人想到水和蓝天的清洁和凉意…

对色彩的计划分布，要注意统一性，每个展台都要有一个主色调，在统一色调的前提下，各功能区的用色要有所区别，但这种区别应是协调的、有规律的。局部色彩的运用，是起辅助作用的，严禁“喧宾夺主”。使用色彩要大胆，色彩本身无优劣之分，要依靠色彩的配置原理，自由选择，和谐运用，争取达到“以雅为美”的韵致。特别是对无色彩系列---黑、白、灰色的运用，是未来发展的趋势，因为当代生活节律过速，各种信息太多，客观环境变化太快，人们在内心深处滋生了对淡然静谧的追求，在黑白灰的环境里，一切有形有色的物体都会显得生动而富于活力。

(3)在展示环境中不能没有装饰与绿化，它们是展示空间整体创造过程的有机组成部分。装饰只为强调空间形态和展示功能，绿化既是装饰又体现生态意义。装饰不能漫无限制地使用，要有所节制，以达到完善展示系统和突出展示功能的目的。

5. 设计师的职责

好的展示展览设计无论其规模大小，都必须具有商业意识，能完善准确地传递参展企业与所展示商品的各项信息，因此设计者必须做到：

(1)明确展览会的内容及目的。设计者应与举办者共同研究并积极合作，以便在设计过程中明确创意。

(2)创意思维要引人入胜。在空间形象、空间联系及过渡上要新颖有变化、有个性，起伏明显，在色彩、装饰、照明的应用上要有助于烘托展品并表现出某种情调。

(3)掌握必要的信息和资料。要积极地去了解商品的特性、生产善及发展前景，这样才能使展览设计与企业精神相统一。

(4)发挥集体的智慧与创造性。一个好的展览设计不是个人的创造行为，更不能主观武断，固执已见，应该与展览举办者、制作人员通力合作，集思广义，充分发挥集体的智慧与力量。另处设计者还要具有空间思维、展览美学、图示表达和材料方面的基础知识。

6. 展示空间的作用 早在19世纪中后期，一些经济发达的国家，就因举办世界性的展示活动而获得了极大的实惠，既增强了综合国力，又使经济、科技、工业和文化等方面都得到了很大发展。我国正式加入国际博览会公约组织是在20世纪80年代末，可以说时间很短，所以国内相当一部分企业还没有认识到办展览的最终目的及展览会的主要特征。展览会所能起到的作用主要有：

(1)提高知名度。烟台店面装修通过举办展览将商品直接介绍给消费者，使消费者能清晰地了解商品的特性，对商品或服务有更深层次的认知，提升企业的形象及品牌的知名度。

(2)增加信赖度。通过举办展览让社会大众了解企业的经营理念、规模和成果贡献，增进对企业的信赖与支持。

(3)取得认同感。通过展览将教育、娱乐及文化性的活动与企业相结合，让社会大众有更多的参与机会，对企业有更积极的肯定，产生认同感。

(4)产生偏好感。通过展览提前展示产品未来的发展趋势，针对消费群作充分的说明及演示，带动社会潮流，使社会大众在无形中接受商品的信息，产生偏好感

(5)整体广告效果。通过展览所表现出的鲜明个性，创造新闻与舆论的焦点，使各种媒体争相报道，并结合自身的宣传手段形成整体广告效果。

参展商通过成功的展示空间的构成和展台的设计能有效地宣传企业形象，促进企业间的交流，增强产品向社会渗透力。因此除了一些国内的展示会外，各企业还应多参加国际间的展示活动，以便加强自身形象的推广，但有一点应注意，那些已使用了两三次的展台设计方案就应更换，若多次重复使用，会给社会公众留下这个企业没有发展的印象，会直接影响其产品的销售情况。

平面设计训练要素分析 篇5

侯亚红

（成都理工大学工程技术学院四川乐山614007）

【摘要】本文分析了平面设计的基本要素和训练平面设计的造型方法与规律，从个人学习的角度出发，提出了图形，文字，色彩，线、点、面，构图与版式等平面设计训练的方法与要求。对提高个人平面设计艺术水平大有裨益。

【关键词】平面设计；训练要素；观察力；审美判断力

设计是一个宽泛的概念，是人类把自己的意志加在自然界之上，创造人类文明的一种广泛的活动。古往今来，大千世界，我们所用的、所看的、所创造的无一没有人类设计的痕迹，无一不体现出人类自身理性与情感的特征。

众所周知，我们通常所说的平面设计是依靠纸、多媒体等作为媒介进行设计活动的泛指。随着社会的不断发展，在新千年的伊始，人们对平面设计艺术探索的热情到达了前所未有的高度，从艺术家到广大的人民群众都从不同的视角对平面设计艺术的价值作用及表现方式等等发表着见仁见智的观点和讨论。本文从平面设计的训练手段这一方向对平面设计学习的方法作一探讨。

一、观察

观察生活，体会生活，使我们的审美和判断力逐步提高并能更主动抓住每一个良好的设计感觉。拥有了正确的观察方法，蓄积了对生活事物更完善的理解就会在今后的设计行为之中，更加明确我们表达什么？如何表达？我们怎样流畅而自然的抒情于平面设计中的大天大地。

在进行平面设计的创作时，往往会出现这样的情况，面对一张空空的白纸，脑海里没有准确的定位，创意变得空乏无力。究其原因，是在长期的观察方法上有问题，辟如我们日常生活中普遍联系的事物，教室中的一个空瓶，一扇门，一个苹果，拥有它们与周围微妙的但不是太大明显的内在联系。我们用富有情感的心去体会它，发现它们各自都拥有内在的，不平凡的特征，犹如那个苹果生命的跳动或者是果实的某种象征意味。这种对生活处处悉心的关注与思索成了平面设计创作的灵感源泉。

二、训练

当我们悉心观察了生活，必然就有强烈的自我表达需要；有了表达的需要，而且是在平面设计的载体中去实现，那么理解平面设计的基本要素训练，平面设计的造型方法和规律则是作为导演身份的设计师能够将想法实现的保证，也要求我们作系统的研究。

平面设计作品包含着以下几种不可少的要素：图形，文字，色彩，线、点、面，构图与版式。

1、图形设计的训练

图形在平面设计作品中起着重要的作用，是完成信息在视觉传达过程的主要语言。

在平时的写生训练中，我们不是简单地发现和描摹对象，也不是纯技巧和纯再现的素描，自然是人的认识对象，也是人的审美对象，人们能从中发现并获得美的感受。

从自然内在的关联中产生灵感和顿悟。因为感受和观察方法的不同，会生发出不同的创意，不应仅仅停留在对自然形态表面形式的简单再现，而且还要擅于发现对象和不同元素之间的联系和意趣，能将它们连起来，将单调的形态升华为艺术作品。

通过长期大量有序且不间断的图形设计练习，逐步提高控制画面各要素关系的能力，培养笔下生辉的绘画感觉，去设计图形。

2、文字设计的训练

在平面设计中，文字传达信息内容的功能强大，它与图形相辅相助，是必不可少的元素。

文字设计，就是将文字作为最基本单位的点，线，面出现在版面编排中。使其成为版面编排的一部分，甚至整体达到图文并茂，别具一格的构成形式。文字设计在画面中不能破坏大关系的统一和谐，同时以不影响阅读为宜，如果设计者善用一两个单词，甚至一个字母于长篇黑白文字的平淡无奇间，这些单词或字母可以达到令人惊叹的效果，醒目的简约文字冲破常规的藩篱，使平面及其载体文字成为艺术，观者也能面对大量文字，借助简约的字体设计对设计意图突然醒悟。否则文字设计排列组合得再丰富有趣，也只能成为雕虫小技，应将文字的设计在大关系上起积极作用来作为追求。

对于我们来说常常假设一组词语或标题作一些文字排列组合的训练和练习对今后的平面设计创作中的文字的排列和标志标识的设计将具有重要的实践价值。

3、色彩运用的训练

色彩是平面设计艺术中最主要的表现工具，具有神奇的魅力。研究色彩，要求我们掌握色彩明度、色相、纯度、冷暖、在画面中的对比、调和的关系，以及在画面中面积的对比，同时还要求我们更加熟悉每一种颜色的性格和功能，以便在实际运用中更好的发挥它们的作用。

在平面设计的创作中，这样会在控制色彩的能力上有积极的帮助。我们知道，良好的色彩品味和修养是显示一个设计者敏锐见识力及实践经验的尺度。不同的设计者用不同的色彩表现相同的主题时，得出不同的色彩效果，作品中优劣之差却相距千里。这不只意味着设计者技巧的高低，同时也意味着设计者的见识能力和判断能力。这里包含着一个设计者在不断实践的失败与成功中所得到的智慧。

有的平面设计作品色彩的仪态上所出现给人直观的感受往往欠缺。例如画面中色调过多饱和度等因素控制不得当，常常在气质上显得繁彩寡情，或者在大关系的色调安排上闷而无生气。

这就需要我们多作色彩构成的练习，提高色彩关系整体的把握。同时，观摩优秀作品的色彩运用优势在哪里，逐渐懂得并掌握色彩的性格，如灰色调能使画面更显庄重、肃穆、沉着，鲜明的色调则使画面更加活泼。

4、点、线、面的训练

点线面在平面设计作品中起到丰富和点缀画面的作用，常常使画面出彩。但使用时往往需注意控制其能在画面整体的效果上起到积极作用，宁缺勿滥。

（1）点从形态中讲代表位置，是最基本的单位，它既无长度也无宽度。在平面设计中点会给人带来不同的感觉，方点，规律、静止、稳定，空中的点就显得比较弱、虚幻、不真实，而内部充实的圆点给人以坚实、醒目的感觉，异形点除大小、位置感外还具有方向感。在设计中点具有张力，映射出一种扩张感，点是力的中心，具有细小、简洁、生动、有趣的特点，当一个点出现时，会产生突出与强调的作用，它能集中人的视线，形成视觉中心。点与点等间隔排列在一条线上则又会产生一条线的感觉。所以点的个性犹如交响乐中砂玲的作用穿插于画面整体的韵律之中，并能引导并集中视觉。在设计作品中需要苦心经营。

（2）线有直线、曲线、曲折线、粗线、细线等，线在平面设计中发挥着重要的作用。直线表示静、曲线表示动、曲折线有不安定的感觉，粗线表现力度、厚重、粗笨，细线表现灵秀，锯状直线具有焦虑不安的感觉。线最显著的特征是方向性，垂直线有上升感，水平线有静止感，曲线优美，斜线有速度感；不同的线有不同的感情作用。其中曲线在设计中的应用较为难把握，弯曲的富有力量感的舞蹈动作，那种矛盾的力所产生的曲线能给我们很多关于曲线特性的启示。

（3）面是线移动的轨迹，面的形态受“线”的限制，面有长度、宽度，没有进深度。其形态主要有规则面和不规则面，规则面主要是圆型和几何型，它给人简洁、安定、井然有序的感觉。不规则面主要有曲线型，对人有柔软、有数理秩序感，自然曲线形比较随意，给人以浪漫、有人情味之感，偶然型它不能随心所欲而产生图形，它是偶然中出现的一种想不到的图形，给人一种突然出现的感觉，有较强的随意性和刺激性。面因为是整装的面的感觉，常常给点线搭建舞台，使点线稳而不乱，在空间中协助它们共同存在于画面的一个层次里。常常作一些将点、线、面联系起来的排列组合与图形文字发生关联的练习，并体会在视觉中哪些因素必不可少，哪些因素繁琐而多余，不断提取纯化使关系为之紧密，像这样的训练，对今后的平面设计创作是有益帮助。

5、构图与版式的训练

在平面设计创作中，构图的形式美感犹为重要，要体现这一点，必须掌握形式美法则，和谐、对比与统一、对称、均衡、比例、视觉重心、节奏与韵律、联想与意境。掌握这些做到能放能收是训练的目标。同时控制整个画面仪态和气质的能力也会逐渐提高。

在平面设计创作中因为创意的需要往往必须带入许多文字及图形的综合信息，这就要求我们在设计构图时就作精心考虑。在构图的设计上，求大法而舍小技才能从大关系的高度控制画面的最终视觉效果。

观摩优秀的平面设计作品中构图成功的技巧，并为我所用不失为一种好的学习方法，但同时我们会积极主动地为了构图的成功，不断长期的训练。

例如我们直接在固定的A4大小或A3等等大小尺寸的空间尺度里去寻找构图中某种矛盾的平衡。并在语言上探寻画面所需的审美需求，在面积上的占有方面，以最少的面积去争取一定尺寸中更大的空间。综合考虑文字图形等元素的相互关系，就会在其中体会到如何留有余地的放置图形、文字及装饰性的点、线、面等元素。整体地作相应的避让以达到浑然且强烈的画面构图与版式所带来的力量感的效果。

三、结语

上面对平面设计中基本元素的训练分别作了介绍。在平面设计的创作中，这些基本的元素样样都不可缺少。要以联系的态度，去观察生活；用联系的方法，将这些基本元素连起来在每项基本训练中作精辟的分析与实践，掌握它们在画面大关系中的作用与变化，才能控制它们为我们的画面需要所服务，也是造就我们在平面设计创作中不断能获得成功的前提。

我们知道，要打破某一规范，必须了解并掌握这种规范才能知道我们打破的是什么，才有创新的可能。这就要求我们从基础训练的一砖一瓦做起，将其中逐步得到的每一点成功，转化为下一步工作的极大热情，循序渐进，不骄不躁，逐步向更完美的画面而追求接近。

【参考文献】

[1]王伟著.平面构成.辽宁美术出版社，第6,12,14,19,20页

[2]赵国志著.色彩构成.辽宁美术出版社，第五、七章

[3]赵殿泽著.构成艺术.辽宁美术出版社，第二、三章

[4]凯瑟琳·费希尔（美国）著.新简约设计，上海美术出版社

[5]参考网页.http://student.zjzk.cn

【作者简介】

实验设计的要素与原则 篇6

实验设计的基本要素

一个良好的科学实验设计是顺利进行科学研究和数据统计分析的前提，同时也是或得预期结果的重要保证。一个完善的统计学研究设计包括三个基本要素：受试对象、处理因素和试验效应。例如，研究某降压药对原发性高血压患者的降压效果，其中高血压患者即为受试对象，这种降压药为处理因素，血压的变化便是试验效应。科研工作者在进行医药方面的科学研究之前，必须要制定完善的统计研究设计方案，如何选择这三个要素，是实验成败的关键。因此，任何实验研究在设计时，必须明确这三个要素。

一、受试对象

受试对象是处理因素作用的客体，应该根据研究目的来确定。受试对象的选择一般有以下几种情形：l、一般医学科研——常用动物、离体标本或人体内取得的某些样本作为受试对象；

2、新药的临床前试验——一般用动物作为受试对象；3．新药的临床试验阶段——一般用人作为受试对象。新药临床试验一般分为4期，在1期临床试验阶段，通常用健康志愿者作为受试对象；而在其他各期临床试验阶段，常用患特定疾病的患者作为受试对象。选择什么样的患者，应有严格的规定。

选择受试对象应有明确的纳入标准和排除标准。首先，受试对象应满足两个基本条件：一是对处理因素敏感；二是反应必须稳定。其次是为是研究结果普遍性和推广价值，需保证受试对象的同质性和代表性。

二、处理因素

处理因素是研究者根据研究目的而施加的特定的实验因素，例如给予的某种降压药。实验研究的目的不同，对实验的要求也不同。若在整个实验过程中影响观察结果的因素很多，就必须结合专业知识，对众多的因素做全面分析，必要时做一些预实验，区分哪些是重要的实验因素，哪些是非重要的实验因素，以便选用合适的实验设计方法妥善安排这些因素。水平选取的过于密集，实验次数就会增多，许多相邻的水平对结果的影响十分接近，不仅不利于研究目的的实现，而且将会浪费人力、物力和时间；反之，该因素的不同水平对结果的影响规律不能真实地反映出来，易于得出错误的结论。除此以外，处理因素应当标准化，在实验过程中同一处理组的处理因素应始终保持不变，包括处理因素的施加方法、强度、频率和持续时间等。在缺乏经验的前提下，应进行必要的预实验或借助他人的经验，选取较为合适的若干个水平，如药物的种类、处理方法的种类等。应结合实际情况和具体条件，选取质最因素的水平，千万不能不顾客观条件而盲目选取。

三、实验效应

实验效应是反映在处理因素的作用下，受试对象的反应或结局，它必须通过具体的指标来体现。要结合专业知识，尽可能多地选用客观性强的指标，在仪器和试剂允许的条件下，应尽可能多选用特异性强、灵敏度高的客观指标。对一些半客观（如读取病理切片或X片上所获得的结果）或主观指标（如给某些定性实验结果人为打分或赋值），一定要事先规定读取数值的严格标准，必要时还应进行统一的技术培训。此外，指标的观察应避免带有偏性或偏倚，否则会影响结果的比较和分析，为消除或最大限度的减少这种偏性，在实验设计时通常采用盲法。

第二节

实验设计的基本原则

在实验设计时，为了更好地控制非处理因素对结果的影响，取得更为可靠的信息，达到比较高的科研目的，必须遵循实验设计的四大原则，即随机、对照、重复和均衡原则。

一、随机原则

随机化是采用随机的方式，使每个受试对象都有同样的机会被抽到或分配到实验组和对照组。随机化使大量的难以控制的非处理因素在试验组和对照组中的影响相当，并可归于实验误差之中；它是对资料进行统计推断的前提，各种统计分析方法都是建立在随机化的基础之上。

随机化应贯穿于实验研究的全过程，在受试对象的抽样、分组以及试验实施过程中均应遵循随机化原则。主要体现在以下两方面：一是随机抽样：每个符合条件的受试对象被抽取的机会相等，即总体中的每一个个体都有相同的机会被抽到样本中去；二是随机分组：每个受试对象被分到个处理组的机会相等，它保证了大量难以控制的非处理因素在对比尽可能地均衡，以提高组间的可比性。

随机原则的实施主要是通过运用“随机数”实现随机化，在一般情况下运用“随机排列表”和“计算机（或计算器）产生伪随机数”实现随机化。

二、对照原则

在确定接受处理因素的试验组时，应同时设立对照组，只有通过设立对照，才能使处理因素的效应显示出来，消除了非处理因素的影响。同时设立对照还可消除和减少试验误差，如果在试验中不设立对照，往往会将非处理因素造成的偏倚当成处理因素造成的效应，从而得出错误的结论。

对照有多种形式，可根据研究的目的和内容不同而加以选择。常用的有以下几种选择：

1.空白对照

对照组不施加任何处理因素，在动物实验和实验室方式研究中最常见，常用于评价测量方法的准确度，评价实验是否处于正常状态等。在临床试验中，空白对照虽简单易行，但涉及伦理学方面的问题，且实施过程中容易引起试验组和对照组在心理上的差异，从而影响结果的可靠性，因此较少使用。

2.实验对照

对照组不施加处理因素，但施加某种实验因素。例如观察赖氨酸对儿童发育的影响，实验组儿童间施加赖氨酸的面包，对照组为不加赖氨酸的面包。处理因素是赖氨酸，而面包量这一实验因素保持相同，使两组均衡。

3.自身对照

对照与实验在同一受试对象身上进行，例如身体对称部位或实验前后两阶段分别接受不同的实验因素，一个为对照，一个为实验，比较其差异。

4.标准对照

不设立对照组，而是用现有的标准或正常值作为对照。此种方法在临床试验中用的较多，因为在很多情况下不给患者任何治疗是不道德的。例如试验指标收缩压的对比，即可用正常值90~120mmHg作对照。实验研究一般不用标准对照，因为实验条件不一致，常常影响对比结果。

5.相互对照

指不另设对照组，而是几个实验组相互对比对照，在等组实验法中，大都是运用对照，如“植物的向性”的等组实验中，几个个实验组所采用的都是相互对照，较好的平衡和抵消了无关变量的影响，使实验结果更具有说服力

6.历史对照

又称为文献对照或回顾对照，此种方法也无对照组，它是与他人或本人过去研究的结果进行对比。由于这种比照不易均衡，所以一般不宜使用，只能作为讨论的参考。

三、重复原则

重复是消除非处理因素影响的又一重要手段。重复程度表现为样本含量的大小和重复次数的多少，即就是在相同实验条件下必须做多次独立重复实验，以提高实验的可靠性和科学性。广义上讲，重复包括三种情形：

1.整个实验的重复：它确保了实验的重现性，从而提高了实验的可靠性。不可重复的实验是没有科学性的。

2.用多个受试对象进行重复：它避免了把个别情况误认为普遍情况，把偶然或巧合的现象当成必然的规律，将实验结果错误的推广到群体。

3.同一受试对象的重复观察：它确保了观察结果的精密度。例如测量脉搏时可连续测量3次，以3次的平均数作为最终结果。

四、均衡原则

设计审美要素 篇7

关键词：室内设计,内容要素,实质要素

一室内设计的内容要素

内容是事物的内在诸要素的总和。形式是内容的存在方式, 也是内容的组织和结构。室内设计的功能特征、条件特征、关联特征三个特征构成室内设计的内容要素;而审美独创性特征与前三个要素的有机结合共同构成室内设计的外在表现形式, 即室内设计形式要素。

(一) 室内设计的功能要素

任何一座建筑物都是与它的功能紧密联系着的, 因此, 室内设计应充分考虑使用者的各方面要求, 包括使用功能和审美功能两方面的要求。

1. 室内环境的使用功能

室内环境的使用功能要素是指与建筑空间构造相配的, 满足人在室内的各种身体和生理需要的物质要素, 包括如空间形状与中间大小、家具与设备、消防与安全等, 以及供水、供电、空气调节、采光与照明、传声与隔音等多种物理环境要素。

室内环境的使用功能决定室内空间的性质, 也是决定室内空间大小的首要因素, 室内空间尺度严格制约着它的基本形状。因此, 室内环境的使用功能首先是一个限定与限制的要素, 其次是一个要求和限度的要素。

2. 室内环境的审美功能

室内环境的审美功能是指满足特定环境和特定的人的精神生活需要, 是在物质功能的基础上满足物质需求的同时, 从人的文化心理需求出发, 充分体现在空间形式的处理和空间形象的塑造上, 使人们获得精神上的满足和美的享受的设计要求。也可以说, 是指人对空间形象感知的要素。

室内空间的物质以一定的方式构成为一定的形式, 如界面围合的空间样式, 围合空间中光照的来源、亮度、颜色, 界面本身的材质, 围合空间中所有的装饰陈设物等等, 综合构成了空间的总体形象。

二室内设计的实质要素

室内设计的实质要素包括客观环境、设计要求、设计限定和设计审美等多个条件和因素。实质要素具体体现在基本功能方面:如室内设计的主题与风格, 室内设计的经济、技术条件, 室内设计的施工因素等方面。它们都是进行设计活动的前提和限定条件。

(一) 室内设计的主题与风格

主题是指设计的内容必须具有一定的意义。笼统地说.主题也叫立意。设计的主题或立意是设计吸引人和打动人的地方, 因此是一个关键的因素。而主题往往和风格有关。风格即风度品格, 体现创作中的艺术特色和个性。风格是一种设计形式的特性显示, 是设计师有意识地调动各种设计因素, 使之集结成一个明显的视觉形象的方式。室内设计的风格往往和建筑以及家具的风格和流派紧密结合, 有时也与相应时期的绘画、造型艺术, 甚至文学、音乐等的风格和流派相互影响。风格虽然表现于形式, 但风格具有艺术、文化、社会发展等深刻的内涵, 从这一深层含义来说, 风格等同于形式。

室内设计的风格可分为:传统风格、中国传统风格和西方传统风格, 现代风格、后现代风格、自然风格以及混合型风格等。无论从民族、文化的世界件还是哪个角度, 富于时代感而又反映传统, 从传统文化中吸取精华, 用传统文化的形式与手法反映现代形式和内容是设汁师一个水久性课题, 这是毋庸置疑的。

(二) 室内设计的空间与构造

室内设汁的空间与构造是指由建筑限定的空间大小、高低、界面围合而成的形状, 以及群体空间之间的关系等。

今天的建筑构造形式仍然受经济、材料、技术的制约, 室内设计也就要充分考虑构造对空间造型的影响。第一, 建筑提供的空间构造是室内功能的最基本部分.是构成室内空间的本体, 离开了建筑构造对空间的限定, 室内设计就根本无从谈起。第二, 建筑构造对于室内形态具有决定性作用。建筑空间限定的地面、柱与粱、墙面、顶棚四种形态是室内空间限定的基础, 一般来说也是不可改变的要素。第三, 柱网的开间距离、楼面的板厚、粱高等, 那是室内空间组织时必须考虑的依据条件和制约因素。

因此, 空间与构造的条件要素要求对建筑围合所提供的内部空间进行总体处理, 在建筑设计的基础上深入调整空间限定中人与空间的尺度和比例, 解决空间与空间之间的关系, 而在这其中, 空间实物形态之间的尺度是否得当, 是衡量室内设计成败的关键。

(三) 室内设计的尺度与比例

室内尺度是以室内空间中人体尺度为模数的行为尺度和心理尺度体系。这个体系是以满足功能需求为基本椎则, 同时影响到内部空间中人的审美标准。

首先, 这个休系主要体现在与人的行为有直接联系的空间功能设计上。人的活动受界面围合的限制和影响, 对尺度感受十分分敏锐, 从而形成以厘米为单位的度量体系。因此, 室内设计的尺度体系表现为室内空间大小、高低、界面围合的尺度;表现为室内家具的尺度;也表现为装饰陈没用品大小高低的尺度。室内空间中功能实体的合理距离, 墙面顶棚装修材料的组合, 装饰陈设用品的悬挂与摆放, 都与尺度和比例有着密切的关系。

其次, 尺度关系对空间内部的作用是巨大的, 人们对尺度的感受是因诱导性的参考物产生的。从视觉形象的概念出发, 空间形象的优劣是以尺度比例为主要前提和标准的。室内空间形象是空间形态通过人的感觉器官作用于大脑的反映结果。而且, 平面布局中功能实体的合理距离, 墙面顶棚装修材料的组合, 装饰陈设用品的悬挂与摆放, 都与尺度和比例有着密切的关系。

室内设计的尺度要求设计活动不能离开基本需要、行为需要、心理需要的尺度和美学尺度进行设计师个人的创造性行为。尺度系统不但是室内设计功能的组成都分, 也是室内设计审美系统的主要组成部分。

设计审美要素 篇8

关键词：音乐美 构成要素 歌唱 审美

一、象征——歌唱的“意味”美

（一）關于意味作用

音乐是用不同的音乐符号，变化的节奏，赋有色彩的调式调性去意味着不同的思考、概念与感情，这是很显然的。所有的意味作用，都需要有感性的媒介物。而幻想、思维、表象之类的内在作用，如果诠释者自己没有看得见、听得到或接触到的感觉作媒介，就无法传达给别人。所以说，学习音乐的人都应该是感性的！但是，在保持感性的同时，我们也需要理性去控制我们的声音去向，因为声音是看不见摸不着的，只能去自我感知，有时只是一种个人感觉，一种肌肉的记忆，很难用语言表述。笔者认为，这也许恰恰也是音乐艺术的魅力所在吧。

卡西勒认为：“通过语言获得概念，这是其他动物所不具备，而人类所特有的一种能力。”在音乐的艺术殿堂里，语言恰恰只有在声乐艺术中可以将其作为传达象征意义，表述意味作用的载体。结合声乐艺术来讲，我们在演唱各种语言的艺术歌曲、咏叹调、宣叙调时，就必须把语言发的非常到位，元音要保持，辅音要提前准备（包括清浊辅音，这要求歌者清楚的了解，在不同的语言中，什么时候发清辅音，什么时候发浊辅音），做到字正腔圆。这样，才可以准确的转达我们的思想感情，使意义赋予更为深刻的内涵。

（二）传达象征与体验象征

在音乐中表演中，如果想真正的把自己需要诠释的作品，达到精神需求的高度层面，演唱者必须深刻的把握作曲家的创作意图，创作背景，理论支持及进行精细严谨的二度创作，而不是内心苍白，不负责任的演唱。

（三）超越象征与内在象征

在舞台上演唱时，我们大多数人只是注重着怎样去表现作品，但是在表现作品的高度感性的同时，却需要我们把理性的思想抽离出来，去考虑声音的位置，气息的控制，腔体的运用，并不轻易被观众察觉，能够做到这一点，是相当困难的。从某种意义上说，学习音乐表演的同学需要有比理科同学更为严谨的态度，与更为复杂的敏感度，因为，学习理科的同学只需要专心的解出一道题，得出一个结论就可以了，而音乐学习者，尤其是声乐学习者，需要在同一时间，同一空间，穿插进行八九项完全不同的复杂工作。比如：呼吸、音准、节奏、语言、气口转换、情感、表演、风格把握等等，这所有的一切必须有效的协调好！

二、音响美——歌唱的“音形象”美

乐器和自然界物体发声的机制是相同的。不同的是，乐器声音是美的，演奏家使用的乐器更是百里挑一。乐器发声频宽有平衡的音量，乐器的共鸣箱有完美、和谐的共振。优美的音质、音色，声音应该有很强的穿透力。声乐也是如此！我们应该强调的是整身歌唱、整身共鸣，即高中低频的音响泛音都要有，这样的声音自然是圆润饱满有光泽的。我们不应该单独抽离的讲胸声头声，那只是在不同的音区，比例协调的问题，协调的基础还是气息跟腔体的配合是否到位。在追求音响的效果美时，我们应该注重三点：

第一是“高”，指声音位置（头腔共鸣）要高，即始终保持在高位置上演唱，获得演唱的良好声音，美声唱法应是整身共鸣，实际上在演唱时不同的歌曲、不同的音区，在共鸣腔的运用上是有侧重的。我们要求共鸣的位置统一而高，用头腔共鸣，不应该倒在喉咙里。

第二是“轻”，这里需要强调的是，轻不代表虚不用气，只是音量需要根据作品的风格加以控制，不能千篇一律。 “轻”是相对的，演唱中，这种锻炼就是掌握正确的发声和共鸣的方法。而高位的演唱，必须有强有力的气息支持，这是达到对轻声控制自如的基本点。这样的轻声是积极的，且音乐有流动感，情绪是饱满的。

第三是“柔”，反映了音色和音量的控制，声音不过亮也不过暗。音色，从声音的角度讲与泛音有关。 “柔”不是软，不是无力，是音色和音量的控制。与基音的纯及共鸣的方法密切相关，而这又与气息的支持密切相关。 “柔”还包含了声音的一种流动感，弹性感。

三、空间美——腔体和气的配合

提到空间，让我们来联系一下声乐中的空间一词。在上声乐课时，老师经常说的一句话就是，打开得再多些、打着哈欠唱、小舌头拎起来……，所谓打开得多些，其实就是指腔体打开的更充分，从而使空间更大，共鸣泛音更充分而已。怎么样才能打开腔体呢？那就只能靠呼吸，吸气越足越深，腔体的空间打开的回越充分，两肋会有扩张的感觉。呼吸对于歌者是最为重要的，任何脱离了呼吸的歌唱都是无源之水，早晚会干涸。

不管在什么场合，什么地点，大歌剧院，小房间，音响效果吸音的场所，泛音共振本身充分的地点，我们都应该利用人本身腔体的泛音和有气息支持的演唱。而不应该在大的歌剧院就用嗓子大声的喊，在小的房间就省嗓子，脱离气息虚着唱。有的房间吸音，再演唱时，歌者的内听觉会更加听不到自己的声音，这时大多数人会为了避免听众听不到自己的声音，而选择大声喊叫，这样的声音恰恰更加不会传远。在大的歌剧院，我们唱弱声时，为什么最后一排的听众一样可以清晰的听到我们的声音？那是由于唱弱声表面上要唱弱，但是需要声音在高位置进入头腔，发出头声比例更多的声音，这样的声音需要的气息支持量反而是唱强音、大声需要气息量的几倍还多。所以，我们在任何不同的场合，都应该唱自身“乐器”的共鸣，而不是唱嗓子，因为肌肉的声音发出来就像打铁，是不会传远的。我们应该像编钟一样，轻轻被敲击，却可以整身共鸣，以至于很远的地方都可以听到悦耳的声音！

四、运动美——气息的动力支持与保持

音乐的体验是运动的体验，这是自古以来就被承认了的。音运动不是根据运动感觉就可以把握的主体性的运动，无疑它是作为客体的运动而被知觉到的。就声乐表演中的运动，除了音乐的流动性以外，需要特别就气息的动力支持方面予以强调。那么气息到底在声乐演唱中起到多么大的作用呢？“歌唱的艺术，是呼吸的艺术”，“谁懂得了呼吸，谁就懂得歌唱”。

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五、感情美——情感的二度创作

无论在美声、民族或是通俗的演唱形式中，声乐中的二度创作都是至关重要的，尤其是对情感因素的把握。为什么有的演唱者所演唱出的歌曲能感人至深，而有些演唱者在舞台上唱得泪水涟涟，台下观众却哄堂大笑？这些，与声乐二度创作中情感因素的把握有著密不可分的联系。 当然，最理想的歌唱是“声情并茂”。但如何才能做到"声情并茂"？首先，必须学习了解作品的风格，动机创作，手法创作，歌词的思想性、哪些地方有难度需要特别注意，做到全面了解作品。其次，具备各种情感的体验，要能够体会到作品的情感是一种什么样的感受。通过翻阅收集资料，仔细分析“乐感”的本质含义，应区分为：“浅层生理反应”和“深层审美表现”。 “乐感”中主要的部分应该是一种音乐审美的体现，是理解情感，通过技巧来准确地再现情感，准确表现风格，是一种综合文化素质的反映。

六、主客合一——把以上的各种美综合的表达、再现

在此，不得不说的一点，模仿，在声乐学习过程中的重要性。我们在模仿优秀的歌唱家或老师的演唱时，声音总是悦耳的！就像是车子行驶在了正确的轨道上，声音的位置，气息的支持与腔体的开度是合适的时候，声音的质量应该是一致的！但是，我们不可以单纯的模仿所有人的音色，比如你是一个轻型抒情男中音，就不能模仿低男中音的音色，模仿的最终结果就是失去你自己的本有的美丽的音色，声音空洞的散掉。多明戈是一个比较较大号的男高音，跟卡鲁索还有很多不同之处。所以，我们应该模仿是一种感觉，这种情感的感觉是相当抽象的，具有极度的渲染力，需要歌者具备高度的敏感度，类似于第六感的神经元。但是，大多学习音乐的人其实是不具备这种高度敏感度的。

其次，教师应该努力指导学生发现他们自己的声音，而不去模仿任何其他人。因为每个人的生理构造不同，即使是同一声部的人，也会有不同的音色，如果刻意的模仿，就会破坏掉自身的音色，造成声音的单一模式。大多数人都会觉得（包括个别专业方面的老师），认为高音声部都应该轻巧明亮，中低音声部都应该厚重，压撑！这样是不对的，中低音声部在演唱过程中到达高音区时，也应该有漂亮的头声，而不是一味的假、大、空！那样会失掉任何美妙的色彩！也许在气息运用跟腔体配合恰当时，会出现人与人某些音色相似的现象，那只是共性的东西，我们要在共性的基础上发展自己的特点。所以，在学生学习演唱的过程中，要时刻认识到，要唱自己的音色，自己能力范围内的音域，循序渐进的学习。

再次，声音必须在人的想象中有所记忆，然后才能再现它！这要求，声乐学习者必须要有对声音极其的敏感度，和对音乐的记忆能力。学生必须能监视自己的内部感觉，（也就是所谓的内听觉），老师告诉哪些地方做得对时，应该可以记忆自己当时发声时是一种什么感觉，什么状态，并可以有能力再现之。提到内听觉，这里不得不多解释一点，我们应该尽量少用这种听觉，因为内听觉是自己听自己的声音，往往自己听起来很大的声音，恰恰是不传远的，而自己听起来很小的声音，却都已经传出去了，只是离自己的内耳膜远了而已。所以，我们应该辩证的理解这个问题！

除此之外，我们必须明白，人类的乐器腔体，是一个软腔体，它不像器乐的腔体，往往是固定好的，你挤压它一下，不会有明显变化。而人的腔体则是会不断变化的，如果在不同的音区，不去调整气息与腔体比例的协调搭配，发出来的声音自然不悦耳！打个比方，钢琴的腔体就是那么大，按照型号的不同来区分，它的音高只需要变化敲击里面不同粗细的琴弦；而人的软腔体则与气息有着直接的关系，之所以要保持住气息也就是这个道理，因为人的腔体是被气息控制的，如果不保持腔体，人的腔体就会瘪了，自然共鸣不会丰富，声音也就不会悦耳。音高越高，则需要更加加深的气息支持去进行声带的边缘震动，腔体需要开的更大，以至于声音不会由于泛音不足而发干甚至喊叫。

总之，在学习音乐艺术的道路上，我们要时刻保持积极的热情，清醒的头脑和拥有一双善于发现美的耳朵，只要我们勇敢坚定的去实现对自身艺术的高标准的要求，最终就会诠释好内心的热爱，达到美的艺术表现。

参考文献：

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