钢琴奏鸣曲在钢琴教学中的作用论文

钢琴奏鸣曲在钢琴教学中的作用论文（精选10篇）

钢琴奏鸣曲在钢琴教学中的作用论文 篇1

一、钢琴奏鸣曲的起源发展及曲式结构与风格特点

（一）钢琴奏鸣曲的起源发展

奏鸣曲从简单意义上来讲是一种乐器音乐的写作和音乐表现方式，奏鸣曲一词来源于拉丁文中的sonare，也就是发出声响的意思。在西方音乐史当中，这种结构的曲式随着不同音乐时期的变革以及期间各个乐派的风格偏向，形成了独具特色的发展形势。奏鸣曲的曲式最早出现在巴洛克晚期，其后历经古典主义时期、浪漫主义时期，开始逐步发展和完善。直至进入20世纪，各式各类的乐器演奏奏鸣曲大量的出现，而其中钢琴奏鸣曲仍然占据着古典奏鸣曲的主要位置。意大利作曲家多梅尼科斯卡拉蒂(DominicoScarlatti)可以说是古钢琴奏鸣曲的创始人，他所创作的555首单乐章钢琴奏鸣曲在巴洛克晚期成为了键盘类奏鸣曲的主流。D.斯卡拉蒂为钢琴奏鸣曲日后的形成和确立打下了坚实的基础，他也被后世誉为“古奏鸣曲式之父”。古典主义时期可以说是奏鸣曲的鼎盛时期，这一时期音乐的创作风格以及音乐技巧都和巴洛克时期形成了非常强烈的发差和对比。由于启蒙运动的思想影响和人文理念深入，使得古典主义时期的作曲家开始使用单一简明的曲式机构进行创作，所以致使奏鸣曲曲式的结构在这一时期开始成形并且逐步确立起来。

（二）钢琴奏鸣曲的曲式结构与风格特点

关于奏鸣曲的曲式结构，在起源发展部分已经简单涉及了，其曲式的结构经过漫长的过程历经几代作曲家的改良。现在被规范的奏鸣曲曲式结构是由四个乐章组成，包括：第一乐章：快板乐章，奏鸣曲式；第二乐章：慢板，变奏曲式、复三或自由奏鸣曲式；第三乐章：小步舞曲或谐谑曲，复三段式；第四乐章：快板或急板，奏鸣曲式或回旋曲式。但有一些特殊的作品会根据自己的需要省略第一乐章或第二乐章，形成三乐章结构。我们今天所听到的钢琴奏鸣曲基本上都属于古典奏鸣曲，虽然与早期奏鸣曲有一些风格上的变化，但大致上保持了奏鸣曲一贯的特色。首先，我们知道钢琴奏鸣曲是独奏曲，这体现了突出钢琴简单质朴的一面，没有高低声部的衬托，音乐基本为主调风格。其次，基于奏鸣曲结构之上，变化的拍子和再现回旋的表现方式。突出表现某一段落，而每次再现都有所不同，充分的引发听者的兴趣。第三点，奏鸣曲非常的注重钢琴技巧，例如在D.斯卡拉蒂的奏鸣曲中出现了有双手交叉、双手八度以及内音部的高度震音技巧，最后，奏鸣曲有非常好的音乐表现力，几乎大部分的奏鸣曲都是以明亮的大调进行，听起来非常的愉悦。例如莫扎特的奏鸣曲是最富有歌唱性的，是带有希望的，欢乐的歌唱的节奏。

二、钢琴教学中奏鸣曲的重要作用及意义

钢琴奏鸣曲在钢琴教学中是被应该最为广泛的钢琴体裁，奏鸣曲可以帮助演奏者提高钢琴演奏技巧以及音乐的表现力，同时钢琴奏鸣曲可以最大限度的开发演奏者钢琴演奏的潜力。

（一）钢琴奏鸣曲可以有效训练连奏、小连音线、断奏

在钢琴奏鸣曲中经常会出现两种连音的表现方式，连奏与小连音线。虽然较为相似，但也有一些区别。连奏是将一些音符连贯，圆润的弹奏出，构成一个乐句。连音的触键方式不是爆发式的快速弹奏。是熟练的缓慢触键。这种缓慢触键不是软绵绵的那种，而是训练有素的那种。其关键在于改变手指的触键部位，保持手指平直，用手指的指面部位柔软的触键。这样的触键方式是能演奏出柔和的富有歌唱性的声音。小连音线，又称为圆滑奏法，简单的来说是需要用指尖和手腕共同配合完成，以圆滑、连贯的方式演奏2个到4个用连音线连起来的音符。小连音线经常会与跳音一同出现，所以其奏法技巧是第一个音稍加以强调，力量稍微大一些，后面的音尽量的柔和轻巧些，有情感的进行，如果是后面的音值较短，就需要指尖稍微快速的离开。连奏和小连音线的可以很好的帮助训练演奏者的触键感觉，使演奏不再生硬，使音色更加的富有美的流动性。关于断奏，不止是奏鸣曲中有出现，在其他体裁中也有，但是因为奏鸣曲快板和慢板的交替进行，和一些连奏、小连音的出现，则对比凸显出断奏和跳音的明显特征。断奏是一种演奏含义，包括有跳音、顿音等演奏方式。跳音和顿音是运用手腕动作，手臂平稳，动作轻快灵敏，触键的力量要集中在指尖上，触键面积很小，一触即回，奏出轻快，富有跳动的节奏，同时对于触键速度上的要求要看整体奏鸣曲的拍子。断奏的使用可以增加乐曲的整体形象感，使风格上更加的明亮、活泼、愉快。这样的演奏同时也增加了作品的音乐表现力。

（二）钢琴奏鸣曲可以有效训练速度、力度

钢琴奏鸣曲的速度与力度，一直伴随着奏鸣曲发展被不停的讨论和研究。因为受到奏鸣曲独特曲式结构的影响，力度与速度的变化成为了奏鸣曲自身的一个标签。同时把握好乐曲的力度与速度成为了能否演奏好钢琴奏鸣曲的关键。首先对于速度来说，速度不统一就会损坏乐曲整体的音乐表现，虽然奏鸣曲是快板-慢板-小快板的结构，但不代表不是统一的速度。快板乐章中手指的快速持续的弹奏，是根本的保障。而到了慢板乐章时，演奏速度不要突然变慢，要根据速度记号去调整，每个手指触键发出清晰的声音。对于力度，其实是根据速度的变化去调整，只要速度运用的好，力度自热而然会被触键的感觉所影响，力度的自然化，是钢琴奏鸣曲最真实的表现。

（三）钢琴奏鸣曲可以提高音乐表现力

钢琴奏鸣曲的音乐表现力是非常强的，通过具有特色的曲式结构，快慢板结合的速度，和非常华丽的钢琴技巧，如人的情感表达以及美丽画面成像。钢琴奏鸣曲能够抓住听者的耳朵，充分的引发听者的情感共鸣。弹奏钢琴奏鸣曲对于演奏者来说具有特殊的意义，钢琴演奏，不单单是演奏钢琴技巧，还要表现其富含的艺术魅力。只是单纯的炫技是不能引发听者的共鸣的，音乐来源于生活，就要反映最真实的生活表象，只有赋予钢琴真实的表现力才能得到人们的认可。钢琴奏鸣曲是历经岁月洗礼，是非常成功的一种钢琴音乐体裁，历经几大音乐时期及无数优秀的作曲家的改良，至今仍旧占据着钢琴音乐中重要的一席。钢琴奏鸣曲富有极强的艺术表现力以及非常真实情感表达，它能表现出人的细腻情感，或是喜悦、或是悲伤，它能够给人最美的听觉享受和最绚丽的画面感，让听到的人深入其境。同时在钢琴的教学中，奏鸣曲能够很好的训练演奏者的钢琴演奏技巧，无论是从触键的感觉、速度、力度的把握上，还是乐曲的音乐表现和情感上等，可以帮助学习者迅速的提高，并且使其掌握音乐最真实的表现力。所以综上所述，钢琴奏鸣曲在钢琴教学中具有非常高比重，是不可或缺的，它可以使钢琴学习者更加全面的接触钢琴演奏，并且感受和学会钢琴演奏艺术。

参考文献:

钢琴奏鸣曲在钢琴教学中的作用论文 篇2

一、现阶段我国双钢琴重奏教学现状

双钢琴演奏于20世纪末逐渐出现在我国舞台演奏上, 她独特的演奏形式和新颖的曲风一经亮相, 就受到我国音乐界及音乐爱好者的青睐。1997年11月2日在深圳首次举行了“97全国青少年双钢琴比赛”, 从此, 在全国范围内掀起了双钢琴演奏与教学的热潮, 我国钢琴教育界也开始意识到了双钢琴这种演奏形式的特殊意义。

2007年5月1日至7日, 在厦门举行的第二届“卡瓦依”杯全国钢琴大赛, 也加入了双钢琴比赛项目, 为双钢琴在我国更好的普及和发展起到了巨大的推动作用。冼星海创作的《黄河大合唱》, 这部脍炙人口的作品, 也被改编成了优秀的双钢琴曲, 由此可见中国的钢琴家对双钢琴作品的关注。

在我国的钢琴教育界, 双钢琴教学也逐步开展起来。目前不少院校已经开设了集体课、小组课的教学, 并建立了专门的双钢琴教室, 为双钢琴教学提供了有利条件。

二、双钢琴教学的科学性

双钢琴教学要进行有的放矢的科学训练。它的教学有着一些和钢琴独奏教学共同的原则与方法, 同时又有着很多自己独特的训练要求, 正是这些独特的训练使教学具有很强的针对性, 从而使双钢琴教学既是一门独立的艺术, 又是辅助和促进钢琴独奏教学的有力臂膀。

1.针对听觉能力的训练

优秀的钢琴家要有灵敏的听觉, 在进行双钢琴的演奏时, 强调的正是在演奏和倾听好自己声部的同时, 用心聆听合作者的演奏。首先从有较明确的旋律线条和清晰的伴奏织体的古典时期作品入手, 要准确地听到双方在演奏中包括在节奏、力度、触键、分句等各个方面的问题, 然后在适当的时候, 互相一一指出, 并以此为基础, 找到适合于自己的处理方式, 以保持音乐形象与情感的协调一致。在这里, 教师必须要求学生具有音乐的敏感性。如此反复之下, 在听觉已受到基本的训练之时, 再去练习有较复杂的和声与织体的近现代作品, 学生们应该可以像倾听自己演奏一样地来倾听合作者的细微变化与处理, 并随心所欲地调整自己的演奏。

2.针对节奏控制能力的训练

节奏对于音乐的重要性是不言而喻的, 而表现在演奏的节奏问题恰恰又是最为复杂的。双钢琴的教学着眼于合作者互相配合的默契一致, 而促成一致的主要因素之一就是节奏。教师首先应当要求学生对乐曲节奏和节拍的律动有正确的感觉, 并能做到全面控制, 形成正确的节奏感。然后, 再进一步要求合作者们在演奏相同音型时保持高度的一致性, 这种特定方式限定了合作者必须把乐曲弹的准确无误、熟练流畅, 才能形成较好的配合。

3.针对合作能力的训练

合作、沟通的能力是很多钢琴独奏专业学生欠缺的重要能力。一段时间以来, 在很多国际高水平的大赛中, 中国选手虽取得了一些成绩, 但也暴露出各种问题, 其中很大一部分就是我们的选手个人的演奏能力并不差, 但在进行与其他重奏乐手、与乐队合作的决赛中, 表现出经验不足, 合作能力差, 驾驭能力欠缺的问题, 而双钢琴训练正是解决这一问题的良方。一组双钢琴演奏者的水平高低, 取决于合作水平的优劣。一首双钢琴作品演奏的成败, 是两个人共同努力的结果, 两个人组成的整体是密不可分的。

三、双钢琴重奏在钢琴教学中的作用

重奏有多种方式, 就钢琴而言, 除了四手联弹外还有双钢琴重奏、三钢琴重奏等多种方式。双钢琴合奏这种方式就可以完全避免在四手联弹中出现的问题, 同时又可以进一步加强对学生的重奏训练。

1.双钢琴重奏能提高学习者的主动性

钢琴学习是一个漫长而艰苦的过程, 在单钢琴教学中, 总是教师教, 学生弹, 拘束单调的练习和教学内容及方式的枯燥无味, 很容易造成学习者对钢琴丧失学习兴趣, 对于年纪较小的学习者这种情况尤其明显。而双钢琴重奏的教学方式则可以将这种灌输式的教学方式变更为合作式的教学方式, 能大大提高学生学习的主动性和练琴的积极性。

2.双钢琴重奏能提升学习者的学习兴趣

通常, 学生在学会一首乐曲后, 会以一种完成任务的心态来进行课后练习, 对弹奏完整性的要求并不强烈, 多数会以教师的认可作为练习标准, 这就造成学习者被动进行课后练习, 对练习目的具有盲目性和主观性。而双钢琴重奏, 则需要将乐曲练习到能与合奏者接近的程度, 从而才能将乐曲完整和谐地表达出来。出于对自身自尊与进取的需求, 练习者往往会以教授者的弹奏程度作为自己的练习标准, 这样一来, 就会主动地加强课后练习, 并在不知不觉中提升其练习标准, 从而达到更好的学习效果。因此双钢琴重奏这种方式可以强化学生学习的参与性和主观能动性, 简单而言就是提升学习者的学习兴趣, 而兴趣正是钢琴学习中的一个非常重要的主观因素。

3.双钢琴重奏能激发学习者的音乐感悟力

学生在钢琴学习的初级阶段, 对一首乐曲音乐的感悟能力往往比较弱, 在弹奏独奏的钢琴乐曲时, 一般很难主动将乐曲的音乐感情表现出来。而双钢琴演奏中在教师弹奏的第二钢琴的推动下学生的音乐感悟力往往很容易被激发起来。由此可见, 双钢琴弹奏在钢琴教学中的运用对儿童听觉能力的培养, 节奏感的训练, 音乐感悟能力的提升都起到了至关重要的作用。

4.双钢琴重奏能提高学习者的踏板技巧

双钢琴合奏教学方式亦能提高学生在钢琴弹奏中踏板的技术技巧。在钢琴独奏中, 学生在学习踏板的使用时往往比较被动, 一般是老师怎么说, 我就怎么做, 年龄越小的学生在这一点上表现得越突出。踏板踩得深浅、快慢等许多细微的差别学生根本就不去仔细地分辨, 所以踏板出来的效果总是比较粗糙, 甚至对老师指出的问题根本就听不出什么区别更加不会积极主动得去改正。而在双钢琴演奏中, 由于第二钢琴的加入, 音乐的声部变得更加复杂, 这使得踏板雄浑和清晰的效果都得到了强化, 而更能使学生感受到踏板深浅和长短等细微区别的不同声音效果。

5.双钢琴重奏能提高学习者的立体思维能力

学生的立体思维能力在双钢琴乐曲的弹奏中能得到比单钢琴弹奏中更大的锻炼, 师生之间的互动交流更直接、更亲密。双钢琴乐曲比钢琴独奏曲具有更丰富的声部, 因而音乐的旋律、和声等都更加复杂, 学生在与教师的合奏过程中对音乐的立体思维能力不知不觉中就得到了很大的训练, 这对以后的钢琴学习是受益无穷的。钢琴作为乐器之王, 与其他乐器相比最大的不同就是它所具有的交响性。在钢琴弹奏中对音乐声部的立体思维能力随着钢琴弹奏的深入会显得越发重要, 因而在初级阶段的这种重奏训练对思维能力的培养是非常重要且必不可少的。

参考文献

[1]童道锦.钢琴艺术研究.人民音乐出版社, 2003.

钢琴伴奏在舞蹈教学中的作用 篇3

关键词：钢琴伴奏  舞蹈教学  作用

钢琴伴奏作为重要的一种表演形式，随着时代的发展，已经被作为一个独立的学科，并且很多艺术高校将钢琴伴奏归为专业必修课的一门。作为演奏艺术的组成部分，钢琴伴奏相关的学问甚多，它本身不仅具备钢琴演奏的基本特征，同时也有区别于钢琴演奏的独特理论体系。通过钢琴伴奏可以让教师更好的对学生的音乐感进行培养，使得学生的舞蹈动作更加凸显节奏感，让学生能够在理解音乐的基础上规范舞蹈动作，把握音乐要传达的内涵和情感，更好地进行舞蹈创作。本文主要围绕舞蹈教学过程中引入钢琴伴奏的主要作用展开论述，以期对相关领域的研究人员提供借鉴。

一、使学生的音乐感得到培养

舞蹈创作在很大程度上会受到音乐的影响，音乐能为舞蹈创作提供灵感，而舞者在跳舞的过程中同样会受到音乐的影响。因此，在舞蹈教学过程中，乐感的培养是非常重要的教学环节。任何类型的舞蹈均离不开节奏与节拍，舞蹈动作必须同音乐节奏与节拍想契合在能够让观众感受到和谐之美。钢琴在乐器中拥有乐器之王的称号，在各个领域中钢琴的应用都是十分广泛的。在舞蹈教学过程中，钢琴是芭蕾、古典舞以及民间舞的重要伴奏乐器，具有旋律多样、音色优美、速度可控以及节奏平稳等优势，使用钢琴为舞蹈伴奏能够让学生更加轻松的把握音乐的节奏、呼吸以及乐句，让学生更加深刻地理解音乐、体验美，使学生能够在把握音乐的基础上提升表演水平和创作能力，把舞蹈和音乐更和谐的展现给观众。

二、使学生的舞蹈动作更加规范

对于舞蹈来说，其本身的动作以及情节等都无法脱离音乐独自存在。音乐作为能够直接打动人心的艺术形式，能够使舞蹈的整体吸引力大大提升。优美的音乐能够让舞者创作出更加优美的舞蹈，让舞者的情绪被激发出来，充分调动舞者的创作灵感。钢琴伴奏能够指导学生的舞蹈动作，学生可以跟随着钢琴伴奏的节拍和旋律进行节奏的控制，调整自身的动作姿态，使得动作同音乐效果基本一致。钢琴教师在伴奏时应注重调整音乐气息、节奏、速度以及节奏等，要能够根据不同舞蹈动作的特征进行调试，追求节拍与节奏的相互融合来表现作品主题，让学生的舞蹈动作更加规范，激发学生创作的热情。

三、使学生的韵律感与节奏感有所增强

在舞蹈训练中，学生的韵律感与节奏感的训练是非常重要的课程。舞蹈是通过人的肢体动作来表现人物内心的情感，舞蹈动作的幅度大小、力度轻重等都能通过音乐伴奏展现出来传达丰富的情感。在教学过程中，把握韵律感与节奏感对于学生来说是非常困难的一件事，钢琴伴奏则能够让学生对优美的韵律有所领悟，使学生可以在舞蹈时跟随钢琴伴奏的节拍，释放出内心的情感，更加富有韵律感的展现舞蹈动作。

四、使学生的情感被激发出来

钢琴的声音本身就富有丰富的感情色彩，学生在钢琴伴奏的带领下很容易受到感染，快速进入意境，使得肢体语言以及创作灵感被调动起来。教师在使用钢琴伴奏的时候，应该注重音乐情感的渗透和表达，根据不同舞蹈动作具有的不同特征，演奏出相适合的钢琴伴奏乐，引导学生更好地领悟音乐中包含的情感。

五、使学生更好地将舞蹈动作同音乐融合起来

在舞蹈教学过程中，因为学生之间本身存在差异性，教师要引导他们根据钢琴的伴奏创作舞蹈动作，让学生通过对钢琴伴奏的领悟把握节奏、旋律以及节拍，更好地激发学生舞蹈创作的情绪，通过钢琴节奏的抑扬顿挫和轻重缓急能够帮助学生把握舞蹈动作的节奏和节拍，使得舞蹈动作更加具有感染力和形象感，更好的进行舞蹈作品的表现和诠释。

六、使课堂氛围更加活跃

作为一门艺术，舞蹈要求演绎着具备活力和激情。而钢琴本身拥有较强的表现力，通过不同旋律的曲调能够调动舞者本身的情绪，通过钢琴伴奏能够使得舞蹈课堂的气氛变得更加活跃，减少传统课堂的乏味感，使学生能够保持学习的热情和积极性，提升舞蹈课堂的教学质量和教学效果。

七、结语

从一定意义上来说，钢琴是一门听觉上的艺术，而舞蹈是一门视觉上的艺术，二者看似不同但是却不能割裂，在舞蹈教学课堂上使用钢琴伴奏不仅能够培养学生的音乐感、使学生的舞蹈动作更加规范、节奏感和韵律感增强、释放舞者的情感同时还能够使得课堂气氛更加活跃。推动钢琴和舞蹈的融合能够使得舞蹈艺术更具时代感和生命力。本文主要对钢琴伴奏在舞蹈教学过程中的作用展开论述，希望对舞蹈教师以及舞蹈学生有所帮助。

参考文献：

[1]姜玲玲，张续.浅析钢琴伴奏在高校舞蹈教学中的作用[J].音乐时空，2014，（23）.

[2]李焱.浅谈舞蹈钢琴伴奏在舞蹈教学中的作用[J].音乐生活，2015，（08）.

[3]胡毓芳名.浅谈钢琴伴奏在舞蹈教学中的作用与应具备的专业素养[J].现代营销（学苑版），2012，（12）.

[4]侯可心.钢琴伴奏在舞蹈教学中的重要作用及具体要求[J].音乐时空，2013，（15）.

钢琴奏鸣曲在钢琴教学中的作用论文 篇4

摘要：随着社会不断进步和发展，人民生活水平的显著提高，人们文化修养的提高有了更迫切的需求，社会上学习钢琴的热潮久盛不衰就是一个很好的证明，而且更加趋向于低龄化。但同时在教学过程当中也暴露出来不少问题，最主要的是教师和学生盲目追求高难度的曲目，忽视对基本功的训练。因此，特别重视对基本功的训练成了现在钢琴教学中的当务之急。

关键词：基本功 钢琴学习钢琴弹奏

钢琴学习是一个艰苦的过程，它是一门集乐理、视唱、伴奏等多学科为一体的综合课。盖房要打好地基，学习也要打好基础，这是人人皆知的道理。因此，基本功是否扎实是关系到钢琴学习成败的重要因素。因为乐理知识的欠缺会导致不能正确识谱，当然也就不能正确弹奏乐曲；不当的弹奏方法会导致动作的僵硬甚至使学生逐渐丧失学习兴趣，半途而废；忽视基本练习的弹奏会使学生在学习过程中多走弯路，造成即使花费成倍的时间和精力也无法达到理想的效果的后果。

一、要重视乐理基础知识的学习。

听起来学习基本乐理和钢琴弹奏没有太多联系，但是学习过钢琴的人都知道，它和钢琴学习是密不可分，相辅相成的。特别是乐理知识中的读谱法，是钢琴学习要掌握的基本技能之一。

一首作品往往通过一种特定的节奏韵律来表现它的性质和风格，如：舞曲、进行曲、夜曲等。只有学习过节奏节拍等知识才能掌握乐曲的律动，使乐曲具有生命力。反之，会使乐曲结构和旋律变得面目全非，无法辨认。

同样，不懂得记谱法中各种记号的真正含义，也无法做到精心研读作品，从而更好地表达作品。

在教学过程中，我们经常遇到这样的情况：学生只看到了音符，而对乐谱中的句法、奏法、延长记号、重音记号、力度记号、表情术语、调性变化、曲式结构等其它各种标记视而不见。这是一种不好的现象。

我国著名钢琴教育家朱工一曾说过：“精心研读乐谱是窥探作者内心奥秘的重要途径。”因为只有这样，才能使我们深入理解作者特有的音乐语言，从而对

作品做出正确的理解。同时也使理论与实践相结合，感性认识与理性认识相结合的过程得到充分的印证。

因此，扎实的乐理知识是学习一切音乐知识的基础，它贯穿于钢琴学习的整个过程。基础越扎实，道路会越走越顺，反之，则会遇到数不尽的麻烦，达不到预期的学习目的。

二、重视初学打基础阶段，掌握正确的弹奏方法。

钢琴学习的初学阶段是一个极为重要的打基础阶段。在这个阶段，弹奏方法是否正确，将会影响到学生的整个学习过程。它包括坐姿、手型和几种基本的弹奏法。

在钢琴弹奏中，坐的姿势最重要，因为正确的重心位置，可以使身体、手臂活动自如；适当的座位高低与远近，便于在弹奏时把手臂的重量，力量集中送到指尖。所以一定要让学生养成随时调整坐姿的好习惯。

此外，良好的手型也是学习钢琴弹奏过程中必须特别重视的。它不仅是“门面”问题，它直接影响到弹奏方法的学习。正确的手型不仅给人在视觉上以美的享受，而且更容易弹奏出集中，有颗粒性的，圆润饱满的声音。同时，还可以随着所弹乐曲的不同风格、性质随时调整手型，增添乐曲的色彩。

在坐姿和手型都熟练掌握的基础上，就进入了钢琴学习的实质性阶段：弹奏。

（1）、断奏：它是每个初学者必须掌握的基本弹奏方法之一。首先，它能使学生从一开始学琴起就建立用重量演奏的概念，体会用重量演奏的方法，因此我们才能听到悦耳、饱满、富于表现力的声音。其次，断奏作为钢琴弹奏的“先行官”和“起跑线”，是解决肩臂放松和锻炼手指支撑的最好方法，为以后的学习打下良好的基础。

（2）、连奏：它是一种最常见，最基本的弹奏方法，但也是众多弹奏法中最难掌握的内容之一。这不仅需要认真地向老师学习，更需要细心的揣摩、用心的体会和反复的练习。

（3）、跳音奏法：这是一种增加乐曲色彩的弹奏方法。是在前两种弹奏法的基础上通过调整手臂和指尖的力量，使声音变得短促的一种奏法。处理得好，可以使乐曲显得更加活泼、欢快，处理不好，会起到画蛇添足的作用。

在以往的教学中，有的学生总认为打基础阶段枯燥无味，着急弹一些旋律性

强的乐曲，认为钢琴学习就是弹曲子，殊不知这反而起着揠苗助长的作用，这样的例子在教学中屡见不鲜。尤其是对年龄小，手又软的学生来说，是有百害而无一利的。

三、重视基本练习的弹奏。

从90年代开始，我国在吸收国外先进经验的基础上，实施了钢琴业余考级制度，有利地促进了钢琴教学的发展，但也使学生只练曲子，忽视基本练习的问题暴露得愈加明显。

有的学生可以用一年或几年的时间把考试曲目练得滚瓜烂熟，但是却不会弹奏最基本的五指练习、音阶和琶音，甚至不知道哈农是谁。

如果把弹奏技术、弹奏方法比做钢琴艺术大厦的地基，那麽基本练习则是整个钢琴弹奏技术的基础。任何乐曲的弹奏都离不开灵活、有力、均匀、敏感又听指挥的手指。生来就具有这些条件的人是极为罕见的，绝大多数人要通过学习、锻炼来达到。要使手指既有力、均匀又有速度，达到真正的协调，从学琴之日起，就应该持之以恒地进行练习。经过有效的训练以后，很多曲子只要一看乐谱，手就“顺理成章”地弹出来了。如：《献给爱丽丝》中的琶音与半音阶，巴达尔兹维卡《少女的祈祷》中的琶音，还有很多华彩乐段中大段的音阶跑动等等，不胜枚举。

可见，重视基本练习的弹奏，会为我们今后的学习铺平道路，使我们尽情地享受音乐带给我们的愉悦，在音乐的世界里尽情遨游。

面队当今持续升温的学琴热潮和我们大力提倡素质教育的今天，作为钢琴教师必须不断努力提高自己的专业文化素质，改进教学方法和模式，为培养出更多的符合规范的学生而努力。

参考文献：

钢琴奏鸣曲在钢琴教学中的作用论文 篇5

在钢琴演奏乃至在所有的艺术表演过程中，作为一个优秀艺术家的主要特点就是：在音乐表演过程中应该把激情的创作和冷静的自我形态有机控制并结合起来。纵观国内外每一位伟大的钢琴家，都是遵循情感和理智相互统一的音乐艺术美学原则的。比如演奏家在弹奏巴赫的赋格时，如果过分使用对音乐的热情和精力，有可能会出现控制不准各声部之间的均衡情况，不能保持各个声部之间的音准旋律。所以说，如果要创造一项完美的音乐艺术，我们必须坚持遵循情感和与理智相互统一的音乐艺术美学原则。

三、提高自身的美学素养是提升钢琴演奏水平的重要途径

1、学习和积累音乐理论知识，提升对钢琴作品的深层认识

优秀的音乐演奏是建立在对音乐深层次的理解基础上的。因而，要想提升钢琴演奏的水平首先就要学习和积累更丰富的音乐理论知识，深化对钢琴作品的理解和分析，加强对钢琴作品的理性认知。钢琴作品的欣赏与品读可以分为宏观和微观两个角度。钢琴作品的分析主要的着眼点在于钢琴乐曲中的节奏、节拍、和声、复调及织体等方面。在这些音乐要素中，支撑音乐作品的关键在于曲式结构。和曲式结构存有不可分割的密切关系的和声功能以及调式分析在宏观分析中占有重要的作用。而音乐语言中其他的相关要素所进行的分析都属于微观分析的范围。加强音乐理论知识除了可以帮助钢琴演奏者更好的理解音乐作品，还能帮助我们更好的去记忆乐曲，提高自己学习新乐曲的进度。

2、积累钢琴作品的审美知识，提升对钢琴作品的感性认知

知识是获得钢琴作品理性认知的关键所在。要想成为一名优秀的钢琴演奏者，就要注重音乐的感性样式的建立。一个钢琴演奏者的脑海中如果缺少鲜活的音乐样式，那他在演奏技术的调动方面就缺乏指向。一名钢琴演奏人员，其内心存有什么样的音乐样式，就能转化出什么样的感性样式。

除此之外，钢琴演奏者还应该不断地积累演奏技巧方面的知识。注重学习名家的演奏音像，揣摩不

同时期、不同作曲家、不同题材的音乐作品，提高自己对音乐的听觉能力，提高自己的音乐创作水平及艺术鉴赏能力。比如在演奏一首乐曲的时候，可以找到这首乐曲的各种演奏版本，通过认真分析和比较，得出自己的理解和感受。钢琴表演和其他知识的学习一样，都需要深入的体验和认真的思考才能不断地进步。

3、加强自身的文化艺术修养，提升对钢琴作品的诠释能力

音乐是通过感性的形式来表达的，但是在这个表达过程中却蕴含着丰厚的文化、艺术内涵。钢琴于17由意大利人巴特罗梅欧·克里斯多佛利发明，距今已有三百多年的历史，在其发展的过程中吸取了各个国家和民族的音乐特色，至此才形成了内涵丰富的钢琴文化。因此，这也就要求我们钢琴演奏者需要具有良好的文化艺术修养，才能更为全面的去诠释作曲家创作作品的意图及蕴含在作品中的浓厚底蕴。可以这么说，提高自身的文化艺术修养，才能将各艺术之间的的文化现象和感受相融合，才能在演奏过程中将音乐的实质及灵魂展现出来。

结语

钢琴表演是内在与外在听觉完美结合的一项审美艺术活动。因此，作为一名钢琴演奏者，应该深谙音乐美学对于钢琴演奏的重要性，努力提升自身的音乐美学素养，从而更好地迈向音乐艺术的殿堂。

参考文献：

[1]田琦.小议情感与理智在钢琴演奏中的平衡[U].乐府新声(沈阳音乐学院学报)，(1)：67—69.

[2]张银生.钢琴演奏的音乐表现Ⅱ[M]时代文学，(12)：128—129.

[3]宋瑾.音乐美学基础[M].上海：上海音乐出版社，2008.159.114

钢琴奏鸣曲在钢琴教学中的作用论文 篇6

论幼儿钢琴教学在钢琴教学中的重要地位 作者：王娜

来源：《现代交际》2012年第02期

［摘要］孩子从小受到良好的音乐教育，特别是学习钢琴，既可以使他们增长见识，拓宽视野，也可以让他们陶冶情操，提高素质和文化修养。因此，把握好幼儿钢琴教学至关重要。只有打下了良好的基础，才能使其今后在艺术道路上更加顺利。在儿童的音乐学习过程中，学习钢琴是培养儿童各方面综合素质的重要方式之一。优质的音乐环境是首要条件，精心的培养是手段，孩子审美情操的提高是结果。只有将这二者良好地联系在一起才能最终实现目标。［关键词］现状 重要性 音乐环境 精心培养

［中图分类号］G620 ［文献标识码］A ［文章编号］1009-5349（2012）02－0157－02我国幼儿学习音乐起步晚，而国外幼儿大都在3-4岁就开始学习音乐了。这是与国内外音乐环境有密切关系的，1-2年级的儿童不管是在生理的发展上还是在心理的发展上，都仍然或多或少带着幼儿的某些特征。从钢琴教学的角度看，激发和培养他们对钢琴的兴趣，开发他们对音乐的感悟能力，培养他们的表现能力和创造能力都十分重要。3-6年级儿童的特点相比1-2年级的儿童来说形象思维活动更多了，但是随着年龄的增长抽象思维也进一步增强了。从钢琴教学的角度看，这一学段儿童的生活范围宽广和认知领域也进一步扩展，感受经验和探索创造能力也进一步增强，那么钢琴的学习范围就非常有必要延伸，接触的音乐范围需要更加丰富，比如在音乐体裁、音乐表演形式、音乐常识上就很有必要增加内容。在教学方式上，要用生动活泼、富于艺术想象力的形式，来激发、培养、发展他们的兴趣。7-9年级的儿童已经进入青春发育期，生理机能逐步发育健全。正处于骨骼发育的关键时期，手指能力有所加强。这时候他们就需要进行各种各样的艺术实践活动，如钢琴演奏、表演等等来巩固并提高自己感受音乐、表现音乐、鉴赏音乐、创造音乐的能力。在此学段中，要注意的问题是作为老师要密切关注学生的手指保护。

幼儿的年龄特点决定了他们自发学习存在局限，在钢琴音乐活动“手指的灵活”的过程中，每个孩子练习的重点各有不同，比如说：音阶、跳音、顿音等等。他们不但在自己的练习中获得一些感受，又在其他小朋友的学习过程中发现一些新的练习方法，从中选择适合自己的方式，从而有效提高练习效果。在这种过程中，作为老师要多给孩子创造有利于学习的条件及情景，多让孩子们在一起相互观摩、相互学习。这样孩子们才能通过自己的思维方式充分发挥想象，结合实际技巧，音乐造诣得到提高。幼儿的接受能力很强，通过老师的演奏，并且借助录音磁带让幼儿听一些优美的琴声或动听的旋律，那么就会有大部分的幼儿跟着这些旋律来哼唱，或者在他们的头脑中想象出一些画面和情景。任何一种学习，在开始之初，甚至整个学习过程中，兴趣的培养都占有非常重要的地位，有了兴趣，学习才会产生动力；有了学习的动力，整个学习过程中才会轻松自在，自觉自愿。作为教师，要有正确的方法来引导、教授。在学习钢琴之初，幼儿就对钢琴缺乏兴趣，那么就会对以后的教学产生阻碍，因为兴趣是学习的动力，那么老师的首要问题就是如何让孩子们对钢琴产生兴趣。作为教师，我们必须认识到，幼儿对钢琴的认识并不完整，也许只是听到某同学或某老师弹奏了一首曲子觉得好听，自己就想学习钢琴了，更认为只要老师上了一次课自己就会弹奏了，其实不然。他们不知道学习钢琴就像和学习数数一样要循序渐进，只要学习钢琴可以给他们带来快乐，他们就会乐于去学。相反，若在学习过程中遇到多次弹不好的曲子或其他困难，学生也许就会慢慢对钢琴失去了耐心和信心。对幼儿兴趣的培养大多数是在钢琴的教学过程中慢慢培养起来的。在钢琴教学上，作为教师就要引导孩子们深入音乐世界，感受其中的愉悦。让学生在快乐中学习，充分发挥其主观能动性。教师在整个教学过程中要扮演引导者的角色，给学生足够的想象空间和轻松的学习氛围。尤其在选用教材上要特别注意，教材要适合孩子的心理特点，符合其学习特征。幼儿教育强调快乐学习、游戏化教学，钢琴的教材也需要注意这一点。在教学中，我发现孩子们很渴望弹奏一些他们熟悉会唱的歌曲，经常在上课之余单手弹奏一些儿歌片段，那么我们就要选用一些生动活泼的教材来学习，孩子们才会喜欢。例如《小汤》教材，里面的旋律简单生动，插图与乐谱相结合，很容易让幼儿理解，并产生兴趣。或者选用《弹儿歌学钢琴》这本教材，教师主要是培养孩子的想象力，多用一些比喻的手法来启发他们，特别是一些技术性的问题。关于手型的问题让他们先左手握一个拳头，然后用右手轻轻放在左手上，这时候左手拿开，右手的手型保持不动，这就是钢琴的弹奏手型，这时要注意的是右手就像握住了一个鸡蛋，让右手的手心空起来，手指的塌陷也可以用比喻来形容，如像苍蝇脚等。还有很多的问题都可以运用比喻，如二分音符和四分音符还可以形容成“气球”和“蝌蚪”等。

在大多数的教学过程中可以发现，让孩子产生兴趣不难，难的是在整个学习过程中一如既往地产生学习兴趣，幼儿的心理没有发育成熟，但是他们的自我意识很强，绝大多数时候都是以自我为中心，时时要求表现自己、突出自己。所以，当他们的学习兴趣减弱时，就让他们停下来观摩一下其他的孩子演奏，适当地加以表扬或鼓励，让他们产生竞争的心理，这样便又可以激发他们对学习钢琴的兴趣。对于大部分幼儿而言，表扬和鼓励是可以促进他们学习、增强学习兴趣的好办法。老师在上课时多对幼儿进行表扬，就会增加他们的自信心，使他们对钢琴学习更有兴趣。在学习方面，由于幼儿们缺乏意志力，没有自觉性，作为家长要适当地加以约束和强制，每天都可以安排一定的时间让孩子来练习钢琴，但时间不宜过长，也不需要规定时间的长短，只要让幼儿自己养成一种习惯每天练琴就可以了。但是在练习的过程中，由于孩子自身的特殊性，很容易产生倦怠心理。学习过程的规律是：学习初期进步较快，然后经过一个明显的停顿期或者退步期，在学习后期则是缓慢但是会有较稳定的进步。在对幼儿的兴趣的培养上，中期是一个危险期，也就是间接兴趣培养的重要时期。此时，前期强烈的新鲜感和好奇心，即直接兴趣，已经消退，再加上快速进步后的突然停顿或后退，会使幼儿产生厌烦、倦怠等消极情绪。所以，作为教师和家长就必须使幼儿明白这是一个必然的过程，给幼儿以信心和动力，多肯定幼儿的优点，少给幼儿压力，鼓励他们突破当前的困难。在这一点解决后，作为教师就应该仔细观察幼儿的学习进步过程，发现一套适合幼儿的，可以维持幼儿学习兴趣的有效的学习方法。

幼儿教育是一种以情感教育为主要方式的特殊教育，音乐艺术教育更是其中一个重要的环节。在音乐教育环境中钢琴的学习又是重中之重。在幼儿学习钢琴的过程中，优美的音乐环境

是非常重要的。我们不论是作为家长还是作为老师都应该为孩子们创造一个良好的音乐学习环境，为之贡献出自己的一份力量。

【参考文献】

钢琴奏鸣曲在钢琴教学中的作用论文 篇7

一、何为钢琴伴奏

钢琴伴奏是一种最实际、最常用的演奏技能, 它要求伴奏者将钢琴演奏技巧、键盘和声手法、作曲理论知识结合起来, 在旋律条件的限制下进行艺术再创作。

钢琴伴奏肩负着给予演奏者一定的休息时间、帮助其尽快改变音乐情绪、自然地从某一调性过渡到另一调性等责任。钢琴伴奏的前奏或间奏就发挥了这方面的重要作用。一般而言, 弹前奏或间奏时情绪一定要饱满, 音乐一起就要将演奏者与听众的情绪调动起来。著名小提琴教育家林耀基教授曾这样比喻道:“钢琴伴奏好比是水, 合作者好比是舟, 水可载舟, 也可覆舟。”可见钢琴伴奏的重要性。

二、钢琴伴奏在音乐歌唱教学中的作用

在初中音乐教学中, 钢琴应该是—种经常使用的教学工具。但由于当前多媒体的过多运用, 有些教师往往忽视它的功能和作用。因为这一认识上的偏颇, 所以阻碍了钢琴伴奏在音乐教学中的发展和教师教学水平的提高。

钢琴是音乐教学的常规乐器, 钢琴伴奏是音乐教师的基本功。在歌唱教学中, 通过钢琴为学生伴奏, 不仅可以激发他们的演唱兴趣, 而且也可以增强歌唱的艺术表现力。

(一) 弹好前奏伴奏, 能帮助学生进入特定的音乐情境

前奏是很重要的, 每一首歌几乎都有前奏。它既渲染情绪又提示学生对歌曲的音准、节奏、速度、力度的掌握。如歌曲《给未来留下一片绿色》的前奏由降B大调开始, 结束在g小调的和弦上, 为转入D大调做好了准备。教师如采用和弦分解及半分解的形式伴奏, 就可以使转调在色彩上造成强烈的对比, 有助于描绘出一个充满诗意的意境, 并把人们带入思考之中。此外, 还有许多声乐作品在前奏即将结束, 进入演唱之前, 声乐钢琴伴奏除了在节奏上给予暗示性的节奏感, 还时常以渐慢或拉宽节奏的方式让演唱者能够自然地进入歌唱。

好的钢琴前奏伴奏不但能衬托背景, 推动音乐发展, 还能引导学生进入特定的音乐情境中, 但在演奏前奏时要注意不要刻意做渐慢。很多教师在演奏前奏最后一句时, 想给学生多一点准备的时间而刻意做了渐慢, 却破坏了原来已给学生的节奏速度。

(二) 弹好钢琴伴奏, 能使学生更准确地把握歌曲的演唱情绪

好的钢琴伴奏有助于增强歌唱的艺术表现力, 也可以更好地激发学生的歌唱情感。教师与其他的钢琴伴奏者不同, 教师既是伴奏者, 也是歌曲的教唱者和组织者。因此, 教师必须将注意力分配到钢琴伴奏和学生歌唱两个方面, 千万不能只顾自己弹琴而忘记了学生歌唱, 应该尽可能地与学生交流。教师在弹奏歌曲伴奏时, 应根据歌曲表达的思想内容, 想好应选择的伴奏音型:抒情的歌曲可用长琶音、短琶音作为主要伴奏音型;进行曲式的或较深沉、悲壮的歌曲伴奏, 多选用柱式和弦这一伴奏音型;活泼、跳跃, 轻快的歌曲, 可采用分解和弦伴奏音型;等等。此外, 教师还可用表情和体态去统领学生演唱的起止和表情, 让学生在歌唱中感受到音乐的美, 并在提高音乐鉴赏能力的同时, 把音乐的美表现出来。

(三) 弹好钢琴伴奏, 能使学生更形象地表现歌曲

音乐的歌唱要以美为核心。为了让学生感知这种美, 教师往往会用各种各样的词汇或利用多媒体图片引领学生走进歌曲, 但如果教师的伴奏不好, 这些努力往往起不到该有的效果。如在《渴望春天》的教学中, 一教师在教唱歌曲前, 不停地告诉学生这是“神童”音乐家莫扎特创作的, 他的歌曲被称为是“没有痛苦的音乐”, 《渴望春天》是莫扎特病入膏肓时创作的, 但歌曲自始至终都表现出欢快的情绪……学生渐渐为之感动, 然后教师开始教唱。教师的左手伴奏始终是“1, 3, 5, 1, 3, 5”且弹得非常连贯, 同时不停地范唱, 但学生们始终提不起欢快的情绪。于是教师就加快了速度, 反复提醒学生歌曲所表现的形象, 然而, 直到下课学生还是没有找到用自己的歌声将这首歌曲的形象表现出来的情绪。可见, 想让学生更形象地表现歌曲, 教师的伴奏至关重要。教师要适度控制音量, 避免喧宾夺主, 既不能把伴奏弹成“独奏”, 一味地表现自己, 也不能简单地把伴奏看成是一种陪衬, 消极应付。教师不仅要“跟”好、“托”好、“带”好, 还要准确把握作品的风格、作品的内在意境, 体会作品轻重缓急的特点及细微的感情变化, 以便作出快速反应, 为学生提供良好的音乐氛围和再创造的可能性。

为了让学生更好地吸收学校音乐教学的内容, 教师除了应该具备较好的钢琴演奏基本功之外, 还必须全面提高自身的文化素养, 使技术和艺术结合起来, 使自己既能够熟练地处理伴奏的编配和弹奏, 又能够深入地领略歌曲的内涵, 从而在指导学生唱好歌的基础上, 通过伴奏与他们合作, 提高整个演唱的品位。

教师必须将钢琴伴奏纳入音乐备课的内容之一。不论是采用伴奏谱伴奏还是即兴伴奏, 音乐教师都应该在课前充分准备, 不仅要弹奏得准确、熟练而有表情, 还要通过“自弹自唱”体验并检验音乐与歌唱的配合效果。那些备课不弹琴, 上课就弹“低八度”, 或者伴奏错误百出的现象, 是工作失职的表现, 是必须纠正和杜绝的。

钢琴奏鸣曲在钢琴教学中的作用论文 篇8

【关键词】音乐美学 钢琴演奏 作用

钢琴演奏是音乐实践中的一个重要环节，钢琴演奏的整个过程中，会展现出丰富的音乐美学思想，使听众能够从中感受到音乐的艺术美感。在钢琴教学中，老师应引导学生将音乐美学知识更好地运用到钢琴学习中，自觉形成良好的学习习惯，做到乐谱在纸，弹奏在心，使钢琴演奏达到理性与感性极致融合的境界。

一、音乐美学

音乐美学是美学的一个分支，与一般的美学、音乐史学、音乐评论等都具有极为密切的联系。音乐美学的研究中存在着许多流派，德国伽茨将音乐美学从整体上划分为了自律派与他律派。他律派主要包括内容美学、形式美学以及第四种美学。内容美学认为音乐内容是真实存在的，即使在不存在作曲家、音乐这些载体的情况下，音乐内容本身也是存在的。内容美学崇尚用音乐来表达某些东西，而且认为音乐并不是独立存在的，而是与音响之外的许多内容存在着很大的联系，音乐中所存在的和声、节奏以及旋律等只是用来诠释与表达音乐的内容与内涵的，不能代表音乐独立存在。与内容美学相对立的便是形式美学，形式美学认为音乐本身是没有内容的，其主要的研究对象是人的听觉，其欣赏的对象是音乐作品中所包含的单个的音符、和弦以及音程等等，并不是完整的音乐作品本身。第四种美学实际上是内容美学与形式美学融合起来的一种流派，这种流派与部分内容美学存在一定共性，也保存了形式美学的一元论，第四种美学参照了内容美学中的模板，又延续了形式美学中的主张，是一种独特的研究方向。自律派主要包括的是自律美学，自律美学主张音乐就是音乐，与音响之外的其他事物没有任何联系，这种流派要求在欣赏音乐的过程中不能通过音乐结构以外的事物来欣赏，只能通过音乐结构本身来欣赏。自律派认为无论音乐分为多少种流派，音乐始终只有一种，在不同的音乐作品中并没有度的区别，音乐自身只包含音乐，无法包含其他事物，在欣赏音乐作品时只是通过纯音乐的角度来欣赏，不与其他事物相关联。

二、音乐美学在钢琴演奏中的作用

音乐美学有着共同的审美观念、审美意识以及审美标准，对于钢琴演奏者来说，提升自身的音乐美学素养至关重要，用音乐美学的思想指导钢琴演奏，并将美学的内涵渗入到钢琴演奏中，能更好地诠释音乐作品，展现钢琴艺术的魅力。音乐本身就具有审美特征，美感是人们感性的需求，当人们产生矛盾、喜悦、悲伤、沮丧等各种情绪时，都会将这些情绪融入感性的对象里面。因此，针对钢琴演奏来说，美学素养是演奏者必备的重要基础，演奏者只有深刻地把握音乐作品的内涵，掌握住音乐作品的情感形式，用心诠释音乐作品，才能带给听众震撼的听觉感受与音乐享受。

（一）有助于协调钢琴演奏忠实性与创造性的统一

钢琴演奏经过二次创作，赋予了音乐作品新的艺术生命力与价值，因此，钢琴演奏从根本上来说，应该具有忠实性与创造性的相统一。在进行钢琴的艺术创作以及表演的整个过程中，钢琴艺术家应在深刻理解原作艺术内涵的基础上对作品加以整理与完善，将音乐作曲家的创作精神保留下来，并将自己对该音乐作品的理解与感知融入其中，对音乐作品进行创造性地再现，这就是所说的创造性与忠实性的统一。具体来说，钢琴演奏者在进行演奏时，要确保钢琴作品的忠实性，也就是说钢琴演奏以及演奏的艺术思想要忠于原谱，将音乐作品中原有的创作精神真实地展现出来；而创造性则是在忠于原谱的基础上融入钢琴演奏者自身的一些情感元素以及音乐认知，并将新的音乐艺术个性充分体现出来，赋予音乐作品新的生命。

不同的钢琴音乐作品是在不同的文化背景、历史条件下创作出来的，原创的作者在创作过程中所处的生活环境以及经历与现在都存在着很大的差异，这也决定了二次创作与原作会存在较大的差异性。钢琴演奏者在演奏的过程中，不可避免地会将自己的主观情感、审美意识甚至审美趣味等体现在钢琴演奏中，在这种情况下所诞生出来的钢琴表演并没有背离原作者的创作意图以及创作精神，在原作的基础上加入自己的审美意识以及情感因素，并将其升华为一种个性化的艺术表演，赋予了音乐作品更加深入且富有层次的艺术魅力。由此看来，钢琴演奏应当是创造性与忠实性的统一与结合。

钢琴演奏者要忠于作品的真实性，并进一步拓展表演的创作性，主要从两个方面入手：第一，由于乐谱能够直接地展现并表达出创作者的创作意图，因此，在演奏之前演奏者应认真地研读并揣摩乐谱，对乐谱中各项信息进行研读与思索，保持对乐谱中各项信息的真实再现，然后在此基础上进行新的创造；第二，演奏者应深入挖掘音乐作品的灵魂，深入分析音乐作品的情感表现以及时代风格等等，在不违背原作曲家创作思想与创作意图的前提下加以丰富与创新，使二次创作出来的钢琴作品焕发出新的音乐艺术光彩。由此看来，演奏者必须要具备较强的演奏技巧以及审美意识，这样才能将作品的美学品质充分地展现出来。

（二）有助于协调钢琴演奏历史性与时代性的统一

保持音乐作品时代性与历史性的统一，这也是音乐美学在钢琴演奏过程中的一种应用。音乐作品都是在一定的历史条件下创作出来的，它所展现的便是创作者当时所处的历史时代的音乐风格。钢琴演奏者在重新演绎音乐作品时，应该站在历史的角度尽可能地还原音乐作品的真实风格，除此之外，钢琴演奏者还需要将音乐作品所代表的时代与自身所处的时代充分融合起来，深层次地挖掘音乐作品的时代精神，并赋予其新的时代内涵，这样能够使音乐作品具有更加明确的社会意义。钢琴演奏具有一定的复杂性，在演奏的过程中，表演者一般都会不自觉地将自己所处的时代特征与作品有所连接，而且在审视音乐作品的历史内涵时难免会用当代的审美眼光来看待，此时要确保演奏者清晰准确地认识到音乐作品的时代精神与历史风格之间的联系，就需要演奏者具备较高的音乐素养与审美素养。

一部分钢琴演奏者对钢琴演奏时代性与历史性结合往往会持有不同的观点，一部分人认为在钢琴演奏过程中，应着重强调演奏风格的现代性与独创性，充分展现出现在时代的特征与精神，另一部分人则认为在钢琴演奏的过程中，保持其历史性与真实性更加重要。但是这两种看法均具有一定的片面性，由音乐美学思想与原则来看，钢琴的演奏不能片面强调时代精神，也不能刻意拘泥于历史风格，只有将历史性与时代性统一与结合起来，才能将音乐作品的真实艺术价值体现出来。因此，在钢琴演奏中应用音乐美学能够为其寻求一个平衡点，使钢琴演奏实现历史性与时代性的完美结合。

（三）有助于协调钢琴演奏艺术性与技术性的统一

一个能被大众所接受并喜爱的钢琴表演，其表演者必然是需要具有高超的演奏技巧的。钢琴演奏技巧是演奏者进行钢琴演奏的根本与前提，是将抽象的乐谱符号利用演奏技巧通过钢琴转化为现实音响的一个过程。在演奏的过程中要确保钢琴演奏艺术的完美展现，必须要将技巧性与艺术表现性充分融合起来。钢琴演奏者只有具备了较强的演奏技巧，才能进一步丰富钢琴演奏的艺术表现形式。整个钢琴的演奏是通过演奏者手指运动系统的生理操作与大脑认知中心操作共同完成的，在整个演奏的过程中，其钢琴音乐艺术性的展现是演奏者在完成演奏技术的基础上展现出来的音乐表现力，钢琴演奏者需要完全掌握旋律与和声、节奏与踏板等因素，才能使音乐作品的内涵得到更好的诠释，使音乐作品呈现出更加多层次、丰富的意识效果。由此可知，在钢琴演奏中艺术性与技术性的统一也是非常重要的，只有将两者完美地结合才能达到完美的音乐艺术境界。因此，钢琴演奏最终的目的就是要追求音乐美的艺术。

（四）有助于协调钢琴演奏感性与理性的统一

音乐美学在钢琴演奏中的运用能够帮助演奏者实现感性与理性的统一。不同的音乐作品会给听众以及演奏者带来不同的情感感受，在钢琴演奏过程中，演奏者对音乐作品的演绎不仅包括了多种演奏技巧，还包括了丰富饱满的个人情感因素，这些感性因素的存在对演奏者来说是非常重要的。演奏者在原音乐作品的基础上加入自己的感性因素，并加以创造，便形成了独具个性的钢琴表演，在感受美的同时也创作出了不同的美，同时也能够使听众感受到音乐的艺术美。此外，理性因素在钢琴演奏中也是非常重要的，主要表现为演奏者的表演技巧、演奏的基本技巧以及对整个演奏过程中的安排、控制等等，这会对整体的演奏效果产生直接的影响。由此看来，理性因素与感性因素在钢琴演奏中是缺一不可的，只有将两者充分地统一并结合起来，才能体现出钢琴演奏的艺术精髓。

三、音乐美学对钢琴演奏教学实践的现实意义

钢琴教学是音乐教学的一个分支，无论是儿童还是进入大学的专业学生，他们在最初对音乐美感的追求上都是最主观也是最直接的。因此，在具体的钢琴教学中，老师首先应启发学生对音乐审美感的培养，将审美因素渗透到钢琴教学的各个阶段，引导学生去思考并感悟音乐作品真正要表达的意境与内涵，同时培养学生各种感觉的协调能力以及综合运用能力，使学生学会在掌握演奏基本技能的基础上深刻地把握钢琴作品的真正音乐艺术价值。

（一）将审美因素渗透到钢琴演奏教学的各个阶段

第一，掌握基本的演奏技能技巧。钢琴弹奏技能是钢琴演奏的前提与根本，老师在进行钢琴演奏教学的过程中，一方面要引导学生进行最基本的钢琴训练，主要从手指训练、音阶、和弦等开始，同时要注重手指与耳朵的密切配合，指导学生在演奏前借助于耳朵判断并想象自己听到的音色，并在钢琴上进行表现与改进；另一方面使学生仔细地分析并把握动作的要领，生硬的弹奏无法体现音乐的美感，因此，学生应在掌握基本技能的基础上详细地分析每一个动作的要领，并进行反复地熟悉与训练，控制好力度与稳定，这样才能使钢琴演奏达到连贯清晰的效果。

第二，学会倾听并辨别各种声音。钢琴弹奏者要弹奏出美好的声音，必须要学会倾听辨别各种声音。在钢琴教学的初级阶段，老师应引导学生熟悉了解钢琴的构造以及发音原理，使学生用自己的真实情感去感受并学会欣赏美好动听的音色，并培养学生对演奏的感性认识，从整体上提高学生的练习效果。

第三，培养多种感觉协调运用的能力。在钢琴演奏过程中需要保持手指、耳朵、脑子的协调运用，弹奏需要手指与耳朵以及大脑的配合，对于一些重点及难点的演奏，应充分做好心理上的准备，使手指时刻保持在最自然以及最有利的位置，这样才能确保弹奏的流畅性。

（二）在钢琴演奏教学中强化学生的音乐表现力

第一，多欣赏经典的钢琴作品。经典的钢琴作品是钢琴家、作曲家通过自己对音乐艺术的感悟以及对现实生活的领悟而创作出来的音乐艺术。钢琴作品的欣赏是钢琴教学中不可缺少的重要环节，在钢琴教学过程中，对经典钢琴作品的欣赏主要是培养学生音乐感受能力、音乐分析能力以及创造能力，能够进一步加深学生对音乐技术理论、音乐社会学、音乐美学、音乐心理学等知识的理解，是学习钢琴弹奏最直接的方法。

第二，阅读经典文学作品以及音乐理论著作。在具体的钢琴教学中，老师应提倡学生多读书，包括文学著作以及与音乐相关的理论著作，这样能够提高学生的文学修养、音乐修养以及审美修养，这对于钢琴演奏来说是非常重要的，能够直接或者间接地影响演奏的具体效果，同时还能够多方面激发学生的音乐想象力与创造力，提高学生的主动性与积极性。学生通过对不同音乐理论知识的学习，能够更加全面地了解不同的音乐风格以及音乐艺术特色，有利于学生在钢琴演奏的过程中更好地塑造艺术形象，展现出极具感染力的音乐作品。

第三，对各种音乐作品进行理论分析，主要包括对音乐结构、语言以及织体等方面的分析。对音乐进行处理的主要手段就是通过弹奏力度的变化展现各种不同声音的美，其中，弹奏者对音色的控制是至关重要的，关系着音乐形象的塑造以及音乐的表现。学生在具体的弹奏练习中可以通过弹奏前的“哼唱”来塑造一个大致的音乐形象，然后应用触键的技巧进而实现对音色的控制。练习曲的创作随着时代的变化也呈现出了不同的时代特征，复调训练是钢琴教学过程中不可缺少的内容，复调的弹奏涉及了音乐形象、音色、层次感等多方面内容，其训练的要求较高，主要包括了对弹奏者音乐思维的要求以及左右手控制的要求。巴赫的方法注重的是将优美的音乐与钢琴弹奏的技巧充分地结合起来，在获得技术美感的同时也获得了精神的享受。

四、结束语

钢琴演奏是一种音乐美的艺术，在演奏的过程中包含了许多美学的思想，演奏者要完美地诠释表达音乐作品的艺术魅力与内涵，就要学习音乐美学的理论，将音乐美学贯穿到钢琴演奏过程中，不断提升自身的艺术造诣以及音乐美学素养。在进行具体的钢琴教学时，老师应注重塑造学生美好的品质，培养学生的审美情趣以及良好的学习习惯，还要注重学生的音乐实践，鼓励学生多参加并欣赏音乐会，观摩音乐作品分析讲座，促进学生演奏技巧以及演奏美感的提升。

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色彩在钢琴教学中的运用论文 篇9

关 键 词：

色彩教学 钢琴演奏 立体感觉

学生在学习钢琴演奏过程中，由于受到内部与外部条件的影响，在演奏作品时往往追求大而响的声音，认为只有大而响的声音才是正确的，从而忽略了作品原本具有的风格和内涵。在高师钢琴教学课程中，钢琴演奏是一门主要课程，由于它在音乐教育中占有很重要的地位，笔者在色彩教学思想方面作了一些较深入的探索。

色彩教学的思想内涵

在现今的钢琴教学中，重技巧、轻音乐感觉的教学模式比比皆是。大多数情况下，学生拿到钢琴作业时，不是先去分析作品的创作背景、时代特色、音乐风格、作曲家的意图以及作品的和声、织体、曲式结构等一系列应当注意和研究的问题，而是急于完成作业，粗枝大叶、交差了事。这样一来，所完成的作业又有什么意义呢？也许有些作品如此弹奏不至于会破坏音乐作品的风格，而对于一些极富表现力的作品而言，如此弹奏则会破坏其作品的音乐风格。例如：根据我国古曲及传统乐曲改编的钢琴曲《夕阳箫鼓》，法国印象派作曲家德彪西的钢琴曲《月光》。这两首钢琴曲在音乐、色彩及诗情画意等方面有着异曲同工之妙。如果对上述音乐创作背景和它的文化内涵缺乏深入细致的体会，那就肯定弹奏不出乐曲的优美意境，弹奏不出乐曲的艺术色彩，因而乐曲的整体风格及其光彩之处便会遭到扭曲和破坏。

一般认为，色彩在美术领域中运用得较为广泛，而运用在音乐教学中则很少。实际上，音乐教学在许多方面是离不开美术的，古人云：“诗中有画，画中有诗”。“诗是有声画，画是无声诗。”诗、画、乐三者是相通的，音乐同样具有色彩美。那么音乐中的色彩到底是什么呢？让我们首先从美术色彩的三要素谈起。色彩是由多种颜色组成的，而任何颜色的组成都离不开色彩的色相、明度和纯度。在绘画中用光线来构成情调的重要方法是明暗调子。蓓蒂.L·施莱姆在其所著《绘画与光》这本书中指出：“如果我们用音乐世界中的乐器之王——钢琴来解释美术中色调的这个问题，那么，钢琴中的高音音域则相当于绘画中的亮色调，而钢琴中的低音音域则相当于绘画中的暗色调。当然，无论钢琴上的音阶还是色调中的层次都有属于中间的。”同样，钢琴在演奏作品时也应有明暗色彩上的变化。根据这种明暗色彩的理论，在音乐中表现明暗色彩的变化主要体现在力度与速度的变化及对比上。而将色彩学运用在音乐领域中的人物则是法国印象主义作曲家德彪西。德彪西在其作品中始终抓住了光线与色彩的瞬间感觉，将诗意、画面、乐思三者巧妙地结合在一起。

近年来，很多关于钢琴教学的文章都谈到在教学过程中要注重“音色、歌唱性”的弹奏方法，却忽略了色彩教学在钢琴教学中的运用。有时由于钢琴作品的风格及作曲家的创作意图的不同，因此便产生了不同性格的音乐作品。而色彩也同样具有各种各样的性格，例如：性格热烈的人喜欢红色，因为红色可以使人联想到太阳、火焰等，并给人以喜庆、热烈和吉祥的感受；性格开朗的人喜欢黄色，因为黄色给人以辉煌之感，并使人联想到黄金、阳光等；性格平和的人喜欢绿色，因为绿色给人以和平、安全之感，使人感觉到万事万物都充满了生机、青春和希望……因此，在钢琴教学中如果能够充分运用色彩教学，则会使学生加深记忆和理解，对正确演奏与处理钢琴作品将产生积极的影响。

色彩教学思想在钢琴教学中的具体体现

在我国古典音乐的宝库中，曾有这样一首曲目与印象主义音乐十分相似，这就是由黎英海根据一首琵琶曲《夕阳箫鼓》（又名《夕阳箫歌》、《浔阳琵琶》、《浔阳夜月》等）改编的钢琴曲《夕阳箫鼓》。《夕阳箫鼓》汲取了我国唐代诗人张若虚的诗歌《春江花月夜》中的美妙意境，融诗情、画意、哲理为一体，形象地刻画了夜色、月色、水色那美不胜收的美好景色。这首钢琴曲在保留原琵琶曲的风格基础上，运用了民族五声织体写法，四五度的空泛和声及琵琶、古筝等民族乐器演奏法的特点，以其优美而又空灵的音乐风格将我们带入一个纯净、美妙而又如诗如画的音乐世界里，以恬静的田园风光和深邃的诗歌意境，为我们展现了中国传统的美学思想。

在演奏这首作品时，教师应首先根据作品的内涵及中心思想给学生进行讲解。如在“引子”这一段，钢琴模拟江楼钟鼓，音乐的进行是在钢琴的低声区；而在力度上是一个mp的要求，由远而近、由弱到强逐渐过渡到钢琴的中声区、高声区。首先，主题的出现演奏了一段优美如歌、具有江南风格的主旋律，力度在mf—p之间，给人们展现出了一幅微波荡漾、轻风拂面、夕阳柔和、月上梢头的美好场景。其次，主题音调移高四度，自由模进使音乐有轻轻上升的动感，恰似月亮从江面上缓缓升起，流水荡漾，令人神采飞扬，神清气爽，给人一种登高远眺、联想无限之感。再次，钢琴再度模拟江楼钟鼓，顿挫有力的上行模进音型，力度、速度上的变化则给人以渔舟破水、浪花飞溅、掀起波澜、惊涛骇浪之感，并将音乐推向高潮。尾声的部分则给人以归舟远去、静寂无声之感。全曲令人回肠荡气，心旷神怡。此曲特别注意的是在演奏五声音阶的时候，由于此时的音符是模仿古筝的音色，因此要注意色彩的运用。这是一种光与影的运用，力度上的变化要具有强烈的对比性。因此，在演奏这首作品时要尽可能地将音乐中的力度与美术中的白色、绿色、银色、灰色等色彩的性格和以上这些色彩在作品中的感觉运用到作品的弹奏过程中，并正确把握这些色彩在作品中的音乐感觉。上述诸多因素的综合运用，将会产生不同的声响效果与色彩特征，由此也会形成不同的演奏风格并产生特殊的音响效果。

又如《月光》这首小曲，是德彪西在1890年开始写作的钢琴组曲《贝加摩组曲》中的一首，由《前奏曲》、《小步舞曲》、《月光》和《巴斯比舞曲》等四首小曲组成。这一组曲直到1905年才出版，前后历时15年，可见这一组曲的写作经过了相当长时间的推敲。这一组曲不但旋律优美，而且运用了色彩极其丰富的和声，表明了德彪西已逐渐走向他自己所创立的印象派，是德彪西那独特的个性逐渐进入成熟时期的过渡性作品。组曲的曲名则来源于德彪西在意大利留学时对意大利北部贝加摩地区风景的感受和留下的深刻印象。《月光》是《贝加摩组曲》的第三曲，很有表情的行板，9/8拍子。它是德彪西的钢琴作品中最为大众化的一首，美丽的旋律暗示了对月光的印象，较弱和弦的反复出现更加深了这一印象，而速度轻快的琶音描写了月光闪烁的皎洁色彩，令人仿佛置身于晴朗而幽静的深夜氛围之中。

印象派画家所要捕捉的是光与影之间的感觉，而德彪西就像这些画家一样，他以音乐捕捉事物的印象或情绪，并且是用最简捷的方式将一瞬间所产生的某个音乐念头记录下来。德彪西可以说是一位革命性的音乐家。他创新和声与旋律，在他的音乐中，色彩、音色与节奏的重要性绝对不亚于和声与旋律。德彪西认为：“音乐因其本性使然，绝不可能被局限于传统与固定的形式中，音乐是颜色与韵律的组合。”正由于他所具有的得天独厚的音乐天赋，他才能创造出有音乐色彩的音乐。这种能力大半是天生的，很难用后天的训练培养。

虽然德彪西没有专业的钢琴技巧，但他却创作了大量的钢琴曲。敏锐的音乐感觉帮助他弥补了一切技术上的缺憾，从他指尖上流泻出来的音乐、和声和色彩简直就是一首首清丽、高雅而又富于动感的优美诗篇。尤其是这首《月光》，更是将色彩与音乐结合得完美无瑕。这首作品取材于法国象征派诗人魏伦的一首同名诗，并将诗篇中几位舞者的艺术形象复活在音乐作品中。钢琴的高超演奏充分地表现出舞者在美丽而又柔和的月光之下轻盈舞蹈的艺术形象，同时又通过音乐的塑造让我们感受到了舞者的舞姿所表现出的一种奇异而又神秘的色彩。音乐在开始进入时给人以非常安谧和静寂之感，使我们从中能够感受到大自然给人们带来的和谐与宁静之美。

音乐从第15小节之后，逐渐增强了力度与律动感，而传统式的分解和弦则为乐曲奠定了稳定的基础，同时在主旋律声部的下方不断地运动着。这其中还有中间声部起着点缀作用的音程，而运用钟铃声的原理则使一些浮动着的柔和泛音能够产生出如水面波光闪烁的音响效果。这样就使这部作品在音乐上既具有统一的风格，也同时具有了丰富多彩的色彩上的对比。在音乐旋律的引导下，听觉形象逐渐转化为视觉形象，听觉与视觉相互沟通、相互作用，在人们面前展现出一幅诗情画意、音响丰满、月光如水的立体画面。

运用色彩教学思想充分调动学生的潜在能力

可以这样说，美术的色彩表现在颜色上的运用，而音乐中的色彩则表现在力度与速度的变化上。在以上这两首钢琴曲的教学过程中，如果教师能够抓住色彩教学的思想内涵，那么将会产生出很好的教学效果。

在艺术表现形式上，钢琴是一种极富表现力的乐器，对于演奏者来说，这种艺术形式又是一种极富创造力的表演艺术。这就要求教师在教学过程中牢牢抓住这一特性，有目的地将色彩教学贯穿始终。这样才能使钢琴教学寻找到新的突破点，并针对学生在学习钢琴过程中缺乏想象力、没有色彩感的缺陷，加强其训练的力度与强度，让他们习惯在看乐谱的时候就养成伴随着色彩和想象力来阅读作品的习惯，从而使他们逐渐形成用丰富的画面和丰富的想象来演奏作品的能力。

这是可以做到的，因为每个正常人都具有这种生理和心理的潜力。佛家常说：“六根（眼、耳、鼻、舌、身、意）互用”，所以能“耳中见色，眼里闻声”，“耳目互治，以度众难”。恩格斯在《自然辩证法》中早就指出：“触觉和视觉是如此地互相补充，以至我们往往可以根据某一物的外形来预言它在触觉上的性质。”触觉和视觉是如此，听觉和视觉以及其他感觉系统之间也是如此。它们之间相互作用，可以帮助人们度过“众难”——排除或减弱各种感觉系统之间的障碍和局限，获得对世间万物的整体认识。例如：失明的人从鼓风机的声音，可以“看见”炉中的熊熊烈火；失聪的人从音乐师的动作，可以“听”出乐声的高低起伏。其实这种感觉现象并不奇怪，因为人的各种感觉神经系统及其在大脑中的相应的区域，不是孤立的封闭系统，而是彼此独立而又相互联系的整体系统。它们在感知外界事物时可以相互贯通、相互补充、相互诱发。当一种感觉功能发生了困难，另一种感觉功能就可以在一定限度内助它一臂之力。很多的例子可以证明这一点，那就是生理和心理是有一定的活动规律的，而当刺激物对器官的感受作用形成一个复杂的过程之后，这其中就关系着生理和心理之间的相互作用及反射的活动。教师的责任则是帮助学生在学习的过程中掌握这个规律，引导学生在学习的过程中自觉并熟练地运用这个规律，并调动起学生的内在学习潜力，完成听觉与视觉、音响与色彩之间的整体呈现。

任何一种演奏形式和演奏习惯都是不断培养和通过自我努力不断完善的过程。在教学过程中教师要有的放矢地进行教学，避免空洞的说教；学生则必须积极主动地与教师配合，而不应该只将自己当成一个什么都不懂的小学生，更不应该将老师当成一个陪练者来完成视谱工作。在教与学的过程中，教师首先要对作品进行深入细致的研究，对作品中具有色彩表现的地方要进行丰富多彩的、富有感性的讲解。这样就可使学生在理性认识的基础上逐渐加强和丰富自己的想象力，在钢琴演奏中表现出色彩绚丽的艺术世界。

参考文献：

[1]蓓蒂.L·施莱姆著，郑录高编译《绘画与光》，天津人民美术出版社，1983年3月

[2]石家泉著《色彩在室内设计中的作用》，原载于《艺术教育》，2005年第3期

[3]弗兰克·道斯著《德彪西的钢琴音乐》，人民音乐出版社，1985年4月

心理学知识在钢琴教学中的运用 篇10

论文摘 要：心理学知识在钢琴教学中，对学生积极性的调动 、兴趣的激发、强化学习的原动力、克服自卑与恐惧心理、克服急于求成心理都有积极作用。教师利用心理学方法能得到学生的接受，赢得支持与合作，并创造宽松的学习环境和心境，调动了学习积极性，提高教学水平，教师与学生间沟通交流，可以增进了解，增强教学中的凝聚力，减少隔阂， 共同实现教学目标。

作为一名钢琴教师，如何才能进行成功的钢琴教学呢?虽然钢琴专业知识在我们的教学中是非常重要的，但我们往往忽视了一些钢琴以外的因素，以至影响了钢琴教学的质量。其实，成功的钢琴教学还应适当地使用心理学方法，这是钢琴教师有效工作的法宝。在教学工作中融入心理学方法，能得到各层次各类型学生的接受，并赢得支持与合作;能减少教学工作的障碍，提高学生的学习效率;并创造宽松、愉悦的学习环境和心境，调动学生的学习积极性，进而提高教学水平。

一、细心关爱，加强学生与教师心理相容

心理接触是人与人之间的相互接受，将对方看做是值得尊敬、关心和真诚合作的朋友。在钢琴教学中要利用观察、提问等方式了解学生的想法，把握他们的个体心理活动特点。对他们在钢琴学习中演奏方法、乐曲处理等思想倾向的肯定与否定，都采用和善、友好的态度来表达;对他们个人的演奏习惯、特长、愿望等表示理解和尊重，并给其创造发挥主观能动性的机会。在与学生交流时，即使在指出其演奏上的缺点时，也要表现出一种平等友好的态度。这样学生就会感到自己受到了真正的重视，从而达到心理接触的目的，取得学生对自己的信任。在钢琴教学过程中，无论教学对象是儿童还是成人，都要让他们了解教师的德才学识，在教学上被肯定，在情感上接受，感受到教师对钢琴的热爱以及对教学工作的真诚投入而值得信赖，值得尊重。这时才可能有进一步更深的心理接触，互通思想，赢得理解与支持。在心理接触的过程中，教师尤其要注意表达对学生钻研求知能力的信任以及对其优点、特长的赞赏。过分贬低一个学生的短处，在心理上是非常忌讳的，这容易引起学生的心理挫伤，使学生在不顺的心境中学习，使学生由于被信任程度降低而与教师心理互不相容，降低学习效率。特别是对启蒙阶段的学生，当他们进步时应及时表扬和鼓励，切不可在他们面前摆出高高在上的姿态，任何不屑一顾的态度都会让学生丧失学习的热情和动力。

二、注重情感施教，培养学生积极的学习心态

知识是力量，智慧是力量，但积极心态却蕴涵着学习知识的巨大力量。积极的心态能焕发人的创造性，使人不知疲倦、信心倍增；积极的心态是获取健康、成功的最重要的因素。培养学生的积极心态是教学的根本目标之一。现在我们教的学生多数没有钢琴弹奏基础，音乐节奏感、视谱能力、手的条件等均较差，而且绝大多数心理状态不太好。如果学生没有积极的心态，也就无力应对学习道路上的困难、矛盾、挫折、失败等种种艰难。培养学生积极的学习心态，最重要的是让他们更多地体验成功，而这又需要科学设计教学要求。学生往往以教师的认同感来衡量自己学习的能力。如果教师总是对学生提出过高的要求，让学生一次次体验和证明自己的无能，必使学生产生自卑感；反之，适当把握教学要求，采用鼓励性评价，让学生每一次都能体验成功，必能强化他们的自信心。

三、把握学生群体心理活动特点，接受学生兴趣爱好

一个教师是否有胸襟，是否与学生心理相容，还表现在他是否接受或有能力面对各种学生的爱好。抵制任何非钢琴教科书知识及流行娱乐信息的存在，斥之为不务正业，这似乎成为一些教师的思维定式。其实这也是心理相容能力差的一种表现。非课本知识及流行娱乐信息，它的产生是以时代为基础的，其形成受志向性、兴趣性、情绪性、社交性等因素的影响，往往在年轻一代中容易引起共鸣。其特点是在正式教学书籍上无法寻找，却在电视、网络等新兴媒体中充斥。由于21世纪的学生易接受新生事物的特性，导致了此类知识和信息的普遍存在。在钢琴教学上，不可以忽视非书本知识及流行娱乐信息的作用。当孩子希望弹首钢琴教材以外的他们喜爱的歌曲或想和教师探讨从网上下载的一首很优美的钢琴曲时，作为身处信息时代的钢琴教师要重视它、善于利用它，切不可嗤之以鼻、不屑一顾。了解现代学生群体心理，把握其心理倾向，因势利导，化弊为利，加以利用，善于引导，这样才能更好地进行钢琴教学。

四、通过表扬、赞美激发乐学心理，培养学生音乐兴趣

爱因斯坦曾经说过：“我认为，对一切来说，只有热爱才是最好的老师，他远远超过责任感。”学习音乐 也是如此，只有对音乐产生浓厚兴趣，才能孜孜不倦、持之以恒地去追求音乐的最高境界，教育心理学指出，兴趣对于人的学习、工作等一切活动都有明显的促进作用，它可以成为学习与工作的巨大动力，又可激发一个人的创造性才能。对于学生来说，兴趣的培养则更显重要。因为学生时期心理发育尚不完全。缺乏意志力与责任感。虽然他们的好奇心很强，但如果不能及时将好奇心转化为对音乐的浓厚兴趣，久而久之必然对枯燥的指法与音阶练习等产生厌烦情绪。有些家长和教师不注意对孩子兴趣爱好的培养，只是一味地逼迫孩子硬学，结果有的孩子不堪忍受而将钢琴砸烂也曾有所闻。学生最容易接受生动活泼、感染力强和富有情趣的事物。为了开启学生学习音乐的兴趣大门，教学中应采取启发、诱导、激励的方法培养和加深学生对音乐的兴趣。比如青少年喜欢形象思维，无论教识谱，还是教演奏，最好多用一些比喻方法。在弹奏叙事性乐曲时，教师在范奏前最好用形象的语言或用童话故事的形式，将乐曲的内容、情境讲给孩子。另外教师也可有意识地多给孩子听磁带、唱片、或多让他们看一些有关钢琴方面的音乐会录像、观看实际演出等。青少年多具有爱表现、喜欢得到赞扬的特点。教师平日可采用打分、贴小红旗的方式鼓励他们练琴。对于他们的点滴进步，也要充分肯定。 经常举办一些小型音乐会，让学生们互相观摩、互相找差距，既锻炼了表演能力，又能产生竞争意识。通过以上方法，学生会逐渐对学习音乐产生浓厚兴趣，并能自觉地完成教师布置的练习任务，成绩会明显提高。随着成绩的提高同时还会产生较强的自信心，会更加努力地学琴。

五、寓教于乐，增强教学的有效性

美国心理学家化乐特说：“教师的工作本质就是推销工作。因为教师设法说服学生，使他们相信教师教的这一学科是有价值的，是值得学习的。”教师要当好“推销员”，从满足学生的求知需要出发，将自己的教学内容“推销”给学生，使学生乐于接受。要做好教学工作，我认为关键是教师要知道学生现在最重要的是需要什么，学生有没有接受的条件，学生怎样才能接受自己推销的东西，自己应该用什么样的推销方法，而不能凭自己一相情愿的主观意志和习以为常的固定模式支配自己的教学过程。教师要了解学生的实际情况，也要客观对待学生出现的问题。学生在课堂上反映出的问题，可能只是简单的表象，在它的背后往往有着特定的、深刻的原因。比如，学生平时练琴少，存在的原因可能有学生懒惰、兴趣低、有病痛、心情不好，对老师有意见或者有其他的活动和作业压力等；学生的练琴效果不好，其原因可能有钢琴作业过多过难、技巧要领不对、练习方法错误、练琴不专、知识水平不够、心理素质偏差等。教师在教学中应该全面把握这些细节，深刻分析原因，并采取有针对性的工作措施。

总之，心理学知识在钢琴教学中，对学生积极性的调动、兴趣的激发、强化学习的原动力、克服自卑与恐惧心理、克服急于求成心理都有积极作用。教师利用心理学方法能得到学生的接受,赢得支持与合作,并创造宽松的学习环境和心境,调动了学习积极性,提高教学水平，教师与学生间沟通交流,可以增进了解,增强教学中的凝聚力,减少隔阂,共同实现教学目标。

参考文献： [2] 应诗真.钢琴教学基础训练的几个问题[J].中央音乐学院学报，1981，(2).