基于音乐专业舞台艺术表演实践教学的研究

基于音乐专业舞台艺术表演实践教学的研究

基于音乐专业舞台艺术表演实践教学的研究 篇1

摘 要： 实践出真知，在哲学理论中，实践是检验真理的唯一标准。对于徜徉在音乐海洋里的专业学生来说，舞台艺术表演实践恰恰是他们检验音乐表演专业教学在他们身上成果的一支准确试纸。所有学习都是为以后发展奠基的，是迈向社会、迈向世界的踏脚石。音乐表演专业培养学生的宗旨和目标是希望学生学成后进入社会能学以致用，发挥他们的特长，在社会上占有一席之地。

关键词： 音乐专业 舞台艺术 表演实践 教学方案

舞台艺术实践教学是音乐课堂、音乐教学内容的重要组成部分，是提高专业学生舞台实践能力、激发学生自主学习潜力的重要因素，是提高教师教学质量、检验教学成果、培养音乐专业学生在表演道路上多方面发展的重要环节。可以让学生将理论应用于实践，将所学知识在舞台上展示出来。从原来学习框架的桎梏中跳脱出来，主动领略和感受音乐的魅力，实现自身与舞台的结合，从而提高积极主动性，成为具备音乐专业各方面知识技能、拥有良好专业素养的音乐人。在社会舞台上，在音乐和艺术领域中发挥积极作用。

一、加强舞台艺术表演实践教学的必要性

任何事物都有两面性，当下艺术发展虽愈趋完善，却不尽完美，音乐专业教学亦是。舞台艺术实践教学正处于这样一个成熟与发展阶段，需要不断调整与完善才能走向成熟。舞蹈专业学生需要从课堂走向舞台艺术的演练，在舞蹈和音乐中找寻自己的灵感和体会，所以舞台实践是舞蹈教学的重要内容。

（一）舞台表演实践教学内容与形式。

舞台表演教学包括基本理论、中外舞台史、舞台艺术、形体身韵、素质技巧、舞台剧目、舞台基础、各种舞台形式表演、舞台编导、专业实习、舞台艺术欣赏和分析和各种具体舞台实践。舞台艺术表演实践教学为音乐专业艺术实践奠定了基础，而舞台艺术实践是检验专业教育的实验金，因此，舞台艺术实践教育是音乐专业学习中至关重要的一部分。在舞台艺术实践过程中，学生可以真正感受舞台表演各种状况，开阔视野，提高临场发挥应变能力和现场表现力，进而提高自身各方面的综合能力。

（二）当下舞蹈实践教学的弊端。

1.专业学生局限于课堂教学中的学习。

由于传统教学方式的影响，如今各高校音乐类专业学生仅局限于课堂教学中的学习，这是远远不够的，艺术需要通过实践表演检验和提升。所以音乐专业方面的学生需要将所学知识通过舞台表演提高艺术能力，让学生充分展示自我、发现自我潜力、逐渐走向成熟。

2.学生舞台表演机会较少基本功不扎实。

音乐舞台表演专业学生的舞台艺术实践和教学现状不容乐观，据有关从事高职音乐表演教学和管理方面的人员表示，通过他们的调研和评估，相当一部分学生情况百出，现象分别为：音乐理论知识不清楚、基本功不扎实、舞台表演锻炼机会少、缺乏舞台临场实践表演经验等，直接影响该专业教学成果。

3.教师及学生缺乏对舞台艺术表演实践的认识。

大多数教师认为学生只要通过考试就可以，无需真正懂得舞台上的表演实践。学生为求分数一味这样认为，导致音乐表演专业教学系统不全面，直指单方面理论教学。该课通常由专业理论课、公共素质课、专业素质与实践课程等几大模式构成，看似构建得比较完善的教学系统，实质上并不尽如人意。从另一个层面来讲，在舞台艺术实践课中，通常把音乐理论学习作为第一目标，因而忽视学生在舞台上实践的真正能力，舞台综合素质得不到培养，从而使舞台艺术实践课程形同虚设，严重阻碍学生的专业发展和前途。

二、提高专业学生舞台表演能力的方法

因为舞台艺术表演不但需要理论知识的奠基，更需要专业舞台表演技能，只有把理论艺术、实践艺术利社会艺术相结合，才能真正实现专业的舞台艺术教学，探索以舞台艺术表演为核心的音乐实践教学是专业教学的重要内容。教师和学生应结合自身实际，务实舞台表演实践教学基础，从而对音乐专业舞台表演实践教学进行探索和发展。主要方法如下。

（一）加强学生的舞台适应能力和表现力。

表演初期，学生会出现一系列心理反应，如恐惧感和不适感，导致学生舞台表演时不自然和不流畅。任何一场舞台表演无论是舞蹈还是声乐都有其表演形式和方法，其表现的总体大多为情感表达。所以，学生在上台时要加强对作品内涵的理解，克服心理障碍，提高自身舞台表现力。任何音乐作品都是为情感服务的，所以舞台表演技巧要通过情感加以运用和掌握。

（二）指导学生理论联系实际，培养学生的创新意识。

一切理论都要回到实践中，再从实践出发。所以，在学生完全掌握理论知识的前提下，要将知识运用于舞台实践中。舞蹈教师自身要重视学生的舞台表演能力训练，摆脱传统、单一的低层次教学模式，让学生理论联系实际，引领学生大胆创新，将舞台作为展示自我的平台。教学过程中，待学生对自身舞台表演动作有了一定认识后，一些学生还对老师教授的内容提出质疑与创新，当学生有了一定舞台表演自信时，才能更好地将作品发挥到极致。充分掌握舞台表演技能，具有全面的舞台表演能力，实现学生复合型、多元化发展，既掌握专业知识，又登上舞台表演，能够克服自卑心理，尽情展示自己的才华，让身心融入音乐中，成为专业的舞台表演者。

（三）教师组织舞台艺术表演活动。

舞台表现力是通过学生在舞台上表演的经验和次数决定的，归根到底是实践沉淀下来的产物。所以老师在教学过程中可以经常组织学生进行非正式舞台艺术表演，也可与老师进行一对一教学，提高学生准确表达和演绎相应作品的能力。在作品表演中，学生能自然释放自身情感，老师同时要给予学生相应的鼓励和赞许，提高学生自信心。有些学生一上舞台就因紧张而手足无措，不但得不到正常发挥，反而可能发挥失常。这些现象都源于学生的紧张，缺乏舞台经验，这就需要教师采取有计划的教学活动，消除学生的舞台紧张感，促进学生自我认识和肯定。

三、提升舞台艺术表演实践教学的意义

（一）提升专业知识在实践中的应用。

舞台艺术表演实践能让学生检验所学专业知识是否能够在舞台上得到发挥，能否与舞台融会贯通。舞台实践教学是课堂专业知识教学的延伸和再度体现，可以让学生在课堂上学到的知识真正应用于舞台之上，从被动接受知识到主动挑战自己的舞台实践能力，从而实现理论到实践的转变。音乐表演专业舞台实践教学应该促进学生自主学习，燃起学生自主实践的激情，尊重学生主体地位和主动精神，进而培养学生的实践能力和创造力。

（二）培养学生自主实践能力。

舞台艺术实践是培养学生实践能力的重要途径，对音乐表演专业学生来说，舞台艺术表演实践是专业学习中必不可少的内容。通过舞台艺术实践培养学生自主实践能力，培养学生学习积极性，将课堂上学到的知识和技能运用到舞台表演中，从而培养学生的团队合作意识与合作能力。通过舞台艺术实践，实现实践与理论之间的结合。音乐表演专业的技术要求较高，专业性强，需要学生不断实践锻炼，提高心理素质，从而加强学生表演能力和促进自身发展。

音乐艺术表演离不开舞台艺术和舞台实践，二者密不可分。好的舞台艺术表现者应该是内心理论充实、实践经验丰富的人。做好舞台艺术实践这一环节很重要，需要注意自身各方面培养，养成良好的空间感、氛围感，同时准备合适舞台表演的装备、进行适度感情交流及与观众之间的情感互动。音乐专业舞台艺术表演顾名思义就是舞台表演艺术，这是一个深入人心、具有自身情感的艺术，能让人与人之间产生情感交流与互动，而这个互动的平台就是舞台。所以，音乐艺术离不开舞台的实践，舞台艺术实践在音乐表演中至关重要。

参考文献：

基于音乐专业舞台艺术表演实践教学的研究 篇2

舞台实践教学是课堂教学的延伸和再度体现, 可以让学生在课堂学到的知识真正的用于舞台上, 从被动接受知识到主动挑战自己, 从理论到实践的改变。音乐表演专业舞台实践教学应以尊重学生主体地位和主动精神, 培养学生的实践能力和创造力为重点。通过给学生提供感受音乐、表现音乐、创造音乐的机会, 使学生主动参与到音乐实践活动中, 并在活动中运用所学的音乐文化知识和技能技巧, 把策划、创编、表演融为一体, 达到二度创作的独立性, 培养自己发现问题和解决问题的能力。舞台表演, 不只是单一的形式表演, 还需要内在的心灵感应, 学生应具备很好的综合素质才能淋漓尽致的表现一部作品, 学生可通过舞台实践查缺补漏、取长补短, 把自己培养成为内涵较丰富的人才。音乐表演专业是一个以理论为基础, 突出学生某种表演技能的专业, 舞台表演的效果是音乐表演专业学生表演水平的最终体现。只有把理论艺术、琴房艺术和社会艺术相结合, 提高学生的组织能力、交际能力和舞台表演能力, 才能为学生走入社会奠定良好的基础。因此, 探索以舞台艺术表演为核心的音乐实践教学是音乐专业教学中的重要课题。本文结合浙江艺术职业学院的实际, 从舞台艺术表演基地的建设、实践教学基础的夯实及教学实践活动组织等方面对音乐专业舞台艺术表演实践教学进行探索。以供同行们共同探讨。

一、全力建设舞台艺术表演实践的基地

建设舞台艺术表演实践的基地是音乐专业教学的重要保障。浙江艺术职业学院为加强以舞台为核心的艺术实践教学, 以营造“校内实践基地职业环境真实化”为目标, 建设了实验剧场、电影院、音乐厅、小剧场、琴房、演播厅、录音棚等综合实验、实训场馆, 制定了“一个环境, 一个平台加七个中心, 四个基地”的总体规划和布局。“一个环境”, 即营造一个以表演艺术为中心, 集相关艺术设计、艺术技术、艺术管理、视觉艺术为一体的真实艺术职业环境;“一个平台加七个中心”, 即一个艺术基础实训平台加上戏剧表演、音乐表演、舞蹈表演、舞台影视美术设计、舞台影视声像技术、文化市场经营与管理、学院附属中专表演艺术七个实训中心;“四个基地”, 即艺术类高等职业应用人才培养基地, 高等、中等表演艺术类师资和文化管理干部培训基地, 艺术研究和相关技术开发应用推广基地, 社会艺术水平考级和文化行业职业技能培训和鉴定基地。并且, 在校外建立7 8个实践教学基地, 覆盖了全省各文化行业, 包括中小学艺术教学实践基地、剧团艺术表演实践基地, 娱乐场所和剧场的音响、灯光控制和维修实践基地、美术音乐舞蹈采风、写生、创作基地等。通过基地的教学实践实现“三个融合”, 即“教学与舞台实践相融合, 教学与创作、研究相融合, 实践教学与学生职业素质培育相融合”。学院将舞台实践作为艺术教育最重要的教学模式, 通过作品的排练、演出, 激发学生的艺术体验、艺术感受和艺术创造能力, 使学生的专业能力转变为未来岗位需要的基本素质, 最后, 向社会展示自己, 接受社会的考验。

二、着力夯实舞台艺术表演实践的基础

“音乐教育的特殊性, 乃是音乐艺术本身的特殊性的一种功能。”[1]随着音乐教育的发展, 高校音乐教育的讲台与舞台之间的联系会越来越紧密, 在一定程度上逐渐体现出音乐教育的特殊性。因此, 以往的教学模式应进行改革, 必须通过发挥琴房效应、展现示范效应、注重习惯效应和体现修养效应, 着力夯实舞台艺术表演实践的基础。

1、发挥琴房效应。

把琴房当作一个小舞台, 让学生尽情的在这小舞台中表现自我, 是舞台实践的基础。学生在琴房演唱或演奏时, 应注意给学生分析作品, 使学生理解作品的含义、充分体会其内涵, 并加强基本功训练, 反复练习演奏技巧, 突破技术难点。熟能生巧, 只有在琴房小舞台上演奏自如, 才能到社会大舞台上尽情发挥。

2、展现示范效应。

“在音乐教学中, 同样一个教学内容由不同的教师来组织教学, 其效果往往大相径庭。一节优秀的音乐课, 从课的设计到课的进行, 无不透露出教师的独创性和个人风格, 而这种独创性和个人风格, 在课堂中体现了教师的教学艺术。教学艺术的实质是教师本人独特的创造力和审美价值在教学中的体现, 是教师将教学规律与独创性相结合;是教师引导学生在有限的时间里, 最大限度地获得音乐美感的过程。”[2]在表演教学中, 教师要多示范演奏, 把学生带入音乐的情感当中, 展示演奏技巧及乐曲情感的魅力, 培养学生的音乐感、耳音和节奏感觉及灵敏度, 激发学生的学习热情和创造性, 进一步提高“神”“情”结合的器乐表演能力。

3、注重习惯效应。

通过表演训练, 培养学生良好的舞台表演习惯, 从身姿到脚步的移动, 从手势到眼神, 都是很细致的研究课题。俗话说“台下十年功, 台上三分钟”, 如果台下没有扎实的功底, 在台上的表演就将会措手不及、洋相百出。只有做好台下的训练后再进行台上的艺术表演, 才能充分体现自我, 从中发现问题而不断完善, 形成台上台下的统一体, 完成一个音乐表演专业应具备的素质。此外, 教师的外因也是要通过内因才起作用的, “师傅领进门, 修炼在自身”, 只有平时严格要求, 养成良好习惯, 舞台表演才得心应手, 游刃有余。

4、体现修养效应。

对于作品的赏析过程还需要器乐演奏者具有厚重的文化艺术修养, 在学习和掌握技巧的同时, 更应不断充实自己的美学和音乐历史知识, 造就一种良好的文化艺术修养, 这是提高音乐作品进行正确赏析的前提, 它能帮助器乐学生更好地理解音乐作品的创作意图, 确定音乐的主题, 对作者及作品背景的了解, 还可以加深理解作者的情绪和内心世界, 从而使器乐表演者的演奏技巧达到“先会后巧”最终达到“知其神韵’的境界, 使我们的器乐学生在器乐表演过程中, 用他们自己的能力和最高的演奏水平, 来表现出他们自己的内心世界。

三、精心组织舞台艺术表演实践的活动

浙江艺术职业学院历来重视师生各种形式的演出活动, 通过校内外基地实践, 下农村、进工厂、入学校、赴社区、上剧院, 每年各类演出的总量达4 0 0多场次, 为了保障教学与舞台实践相结合, 学院还积极探索建立青年实验艺术团、出台师生比赛成果奖励条例等长效机制。为了更好地指导教学和创作相结合, 学院专门成立艺术创作委员会。多年来, 以“来源于教学, 服务于教学”引领创作, 融创作于学院的教学实践, 多出各类作品促进教学, 持之以恒地积累学院实践教学剧目, 始终是学院创作委员会的中心课题。目前, 通过学院综合实践教学平台, 已形成“导演主导型的剧目模式、舞台综合表演模式、单个剧目引领模式”三种探索模式。音乐系的专业建设以艺术实践表演为目标, 每学年举办教师个人技能展示、师生音乐会, 在学院综合实践教学剧目《五姑娘》中, 音乐表演专业的教师和学生就起到了主力军作用, 该剧在第七届中国艺术节上荣获“文华大奖”, 入围“国家舞台艺术精品工程”初选剧目。

在市场竞争日益激烈、改革不断深化的今天, 社会对人才的需求已不是单一的, 而是多元化的、复合型的。[3]逐步形成学生艺术实践平台, 提高学生的专业技术水平, 提高学生的综合能力, 培养学生的创新意识、奉献意识、服务意识、集体意识和大局意识, 塑造德才兼备的音乐专业人才是新时期高校的办学目标。相信在各级政府和学院领导的高度重视下, 通过师生的全身心投入, 随着音乐专业舞台艺术表演实践教学基地日益完善, 技艺精益求精, 活动形式丰富多彩, 一批批综合素质高的音乐专业人才将脱颖而出。■

参考文献

[1][美]Bennett Reimer贝内特.雷默.《音乐教育的哲学》[M].人民音乐出版社.200 (37)

[2]曹理、缪裴言.《中学音乐教学论新编》[M].北京:高等教育出版社.199 (6102)

基于音乐专业舞台艺术表演实践教学的研究 篇3

关键词：音乐表演专业；艺术实践；改革模式

湖南城市学院音乐学院的表演专业是学校专业试点综合改革重点专业之一，作为地方本科院校的音乐表演专业人才培养，在本质是与专业音乐院校音乐人才培养有着根本的区别，专业院校是专门培养演员、作曲技术和理论研究技术的专门人才的单位。而地方本科院校是以培养服务地方经济文化发展的基层音乐表演、基层文化馆站的艺术指导及管理、企事业单位的文艺活动能手的单位。我国地方本科院校的音乐专业办学模式一直都在改革，但绝大部分仍在走专业音乐院校的模式，不能满足社会对应用型音乐人才的期望，其核心问题在：人才培养定位不明确，对人才的服务面向和人才的职业适应性、规格多样性特征缺乏针对性的认识；教育观念存在差距，课程建设没有紧紧围绕职业能力（专业能力）这个核心来构建、取舍、优化、整合；在人才培养与服务社会、服务行业的对接模式构建方面没有明确的认识，缺乏实质性地进展。

音乐表演专业改革试点以来，探寻地方本科院校在高等教育大众化和本科教育多样化的大环境中，如何推进音乐人才培养的“应用型”特征，探寻、改革具有地方院校自身特色的人才培养模式。

1 “6+1”艺术实践改革项目的实施方案

“音乐表演6+1”项目主要通过经典音乐剧、经典歌剧选段、经典舞蹈作品、经典歌曲、经典戏曲选段、经典器乐作品6个表演项目加上1个“音乐作品创编”项目的演练，培养音乐表演专业学生的舞台“表演”能力。

主要对象：1 ～ 3年级音乐表演专业。

1.1 经典音乐剧演练（声歌系）

本实践项目主要演练《西区故事》《悲惨世界》《猫》《歌剧魅影》《音乐之声》等经典音乐剧片段。

1.2 经典歌剧演练（声歌系）

本实践项目主要演练《费加罗的婚礼》《茶花女》《蝙蝠》《伤逝》《江姐》《党的女儿》《苍原》等中外经典歌剧名段。

1.3 经典舞蹈作品演练（舞蹈系）

本实践项目主要演练民族芭蕾舞剧《红色娘子军》《白毛女》《东方红》《丝路花雨》《孔雀》及外国舞剧经典《天鹅湖》《胡桃夹子》等经典片段。

1.4 经典歌曲演练（声歌系）

经典歌曲的演练主要指选用经典优秀的民歌、通俗歌曲、创作歌曲等，用音乐表演活动中常用的表演唱、齐唱、重唱、对唱等舞台形式表现出来。

1.5 经典戏曲名段演练（声歌系）

本项目以中国著名剧种京剧《沙家浜》《红灯记》、越剧《梁祝》《红楼梦》、黄梅戏《天仙配》《女驸马》和花鼓戏《刘海砍樵》《打铜锣》等经典唱段为主要演练内容。

1.6 经典器乐作品演练（钢琴系、器乐系）

根据学生主专业方向（钢琴、二胡、扬琴、小提琴、古筝等乐器），演练经典的中外独奏、齐奏、协奏、合奏器乐作品。

1.7 音乐作品创编（音乐学系+器乐系）

创作（作词、作曲）即学生自己创作各种风格的声乐、器乐作品和舞蹈音乐，同时要求教师指导学生利用所学的作曲、配器、音乐制作技术，把创作的作品变成舞台上的有声有形的成品，并在舞台上表演自己创作的音乐作品。

2 改革目标的主要内容

2.1 确定音乐表演专业人才培养定位

学校自2002年升格为本科院校以来，按照《纲要》精神，定位于立足行业，面向基层，强化实践，突出城市主题，产学研用结合，为社会培养城市建设、城市文化应用型人才。

音乐表演专业人才培养定位于立足本地文化、演艺行业，为农村、城镇的演艺团体、文化管理、企事业单位培养具有职业适应性、规格多样的音乐人才。

2.2 转型师资队伍结构

因地方本科院校的音乐专业办学与专业院校有本质的区别，因此在师资结构配备上通常要求教师既要具备教师资格，又要具备演艺资质，这是一个典型的教师队伍双师型结构范畴。因此，我院的学源结构组成既有来自音乐院校、师范大学、留洋海归，更有戏剧团体、演艺公司、文化产业主管、科研院所等从业经历的演员、导演、主管、科研人员的教师。

2.3 调查研究，探寻行业对音乐表演专业人才素质的期望

过走访用人单位和毕业生，了解社会、行业对音乐人才的素质、能力需求：如中小城镇演艺行业既需要弹、唱、舞、演等技能、技术型的人才、也需要有一定节目编排、创意、创新型人才；文化管理、企事业单位要懂群众艺术管理、流行音乐制作、大众化演艺等方面技术高超、适应社会、懂交际、能协作的人才。

2.4 修订人才培养方案

从2010年开始，课题组树立多元文化音乐教育的理念，研究了音乐表演本科专业的课程设置，按照“突出专业技能、强化理论基础、完善实践环节”的原则，重构专业课程体系，整合课程内容。2010 ～ 2015年，围绕应用型音乐人才培养，完成相关课题研究、论文发表、实践活动开展。构建了“知识多元、能力多样、职业性强、素创兼备”的人才培养模式。

2.5 调构课程体系——以职业需要为核心、知识多元为目标

根据当今社会对应用人才的要求，我们树立多元文化音乐教育的理念，重构专业课程体系，形成音乐、艺术和文化三位一体的整体课程结构，并构建“通识、音乐基础理论体系”和“一赛二会三体验与音乐表演6+1实践体系”，把基础课程、专业基础课程、专业与拓展课程高度融合，强化学生所学知识的多元与综介应用。

2.6 完善、践行人才培养途径

以实践体系为主线、以素创兼备、能力多样为实效，完善、践行人才培养途径。首先，搭建“校内实训、校外实践”两个能力培养平台；2011年，在原有传统实践体系的基础上，完善、规范了以音乐学专业为主的人才实践能力培养“一赛二会三体验”的模式。2014年，构建了音乐表演6+1实践体系。构建、规范、践行了“基本功锻炼”、“素创兼备”和“行业应用”三大实践能力培养环节。完善了职业能力考核评价体系。

“基本功锻炼”环节——一赛一演一汇报：“一赛”环节指“音乐基本功”比赛；“一演”指“音乐表演6+1”艺术展演周；“一汇报”指各专业方向的教学汇报。

“素创兼备”环节——社团活动+晚会：包括校内重大晚会、毕业（设计）晚会以及社团活动等。

“行业应用”环节——实习、调研与演出：包括见习实习、社会性演出、田野调查、社区辅导等直接与社会服务对象接触的活动。该环节以合作教育为前提、对接职业为主旨，主要通过对接地方文化部门、旅游部门、企事业单位、演艺行业以及新农村、城镇社区等主要形式来服务社会、服务行业。

3 研究和改革解决的核心问题

3.1 解决了应用型音乐人才培养模式的构建问题

我们根据社会对应用型音乐人才素质的期望，践行“知识结构与社会需求对接、能力与职业需求对接”的培养理念，构建了“知识多元、能力多样、职业性强、素创兼备”的应用型音乐人才培养模式。

3.2 解决了应用型音乐人才培养课程体系构建问题

依据业界对应用型本科层次音乐人才的知识、能力和素质要求，打破学科专业壁垒，整合课程内容，构建“通识、音乐基础理论课程体系”和“一赛二会三体验与音乐表演6+1实践课程体系”。

3.3 解决了能力培养与职业对接问题

本改革试点主要通过对接地方文化部门、旅游部门、企事业单位、演艺行业以及新农村、城镇社区等主要形式来服务社会、服务行业。较好地解决了学生适应社会、适应职业的问题。

4 人才培养模式改革试点的创新之处

4.1 理论上：明确定位，真正把地方本科院校音乐人才培养与专业音乐院校办学模式区别开来

首先确定人才培养的服务面向，即立足行业、服务地方；然后确定人才培养的性质，即适应职业、规格多样。

成果紧扣地方本科院校的人才培养的服务地方、规格多样、职业性强、实践性强等特点，在人才培养体系方面进行了有别于专业院校，针对性、规范化、系统化的研究和实践。

4.2 实践上：突出“应用”，实质性地构建了人才培养与服务社会对接模式

通过多年的实践与研究，本应用型音乐人才培养主要通过对接地方文化部门、旅游部门、企事业单位、教育系统以及新农村、城镇社区等主要形式来服务社会、服务行业，取得实际效果。

4.3 注重文化传承，专业发展紧密结合地方文化传承创新

本成果将湖南传统音乐文化、地方戏曲音乐研究成果融入课程建设和艺术实践中，取得较好的理论和实践成果，有效地发挥了地方高校传承地方文化的职能，形成学院的办学特色。

基于音乐专业舞台艺术表演实践教学的研究 篇4

摘要：声乐学生在舞台上是否能正常发挥，并且声情并茂的进行演唱，与心理因素密切相关。本文从歌唱状态、歌唱内容以及与观众产生共鸣三方面分析了积极的心理调控在演唱中的重要作用，最后从强化演唱技能训练做到“艺高胆大”、积极参加舞台表演实践做到“久经沙场”、激励进入歌曲情境做到“遗物忘形”三个方面论述了声乐教学中学生舞台表演心理培养调适的方法与途径。

关键词：声乐教学；舞台表演；学生；心理

对于声乐学生而言，在舞台上获得成果的演唱，是他们专业学习与艺术追求的梦想。在舞台上把自己所学的演唱技巧毫无保留的展现在观众的面前，通过作品的演绎来获得观众的关注和认可，这是声乐学生专业学习最直接的表现。舞台表演中，不仅考验的是声乐学生的专业实力以及舞台表现力，同时也是对他们表演心理的极大考验。表演心理是一个极其复杂的心理过程，在表演过程中，声乐学生不仅要对音乐有较强的感知能力，同时对肢体动作、面部表情、音乐感受都同样有着较高的要求。在舞台表演的过程中，发挥积极的心理调控能让自己的演唱更加轻松自如，能将自己最好的状态在舞台上表现出来，演唱心理的积极调控是进行成功的舞台表演不可或缺的因素。

一、积极的心理调控在演唱中的重要性

声乐学生舞台表现不佳，往往和演唱者自身的心理素质有很大的关系，在舞台上，他们如果能通过积极的心理调控，随时调整自己的心态的话，表演将会起到事半功倍的效果。积极的心理调控在演唱的过程中的是非常重要的。

（一）保持良好的演唱状态

声乐教学中通过积极的心理调适，在声乐学生演唱过程中保持良好的歌唱状态具有重要的作用。主要体现在三个方面：第一，可以调动声乐学生的发声器官，让这些器官处于一种良好的状态当中，演唱者在演唱的时候，这些发声器官会随着演唱者想要表达的情绪做出相应的调节。比如想要表达兴奋的情绪，必须经过心理暗示调节自己的紧张情绪，从而促使全身肌肉变得紧张，这种情况下共鸣腔体在演唱当中也能完全的打开，从而使得演唱者身心合一，将这种情绪完美的表现出来。第二，有利于控制声乐学生的气息，气息的控制是非常重要的，也是能演唱好歌曲的前提条件，因此，在演唱中良好的心理暗示可以使得情绪控制恰到好处，演唱的气息也变得顺畅，歌声也更具特色。第三，有利于演唱者语调、语气的调控。不同的歌曲表达不同的情感，有的忧伤，有的高兴，通过心理调节，可使得演唱者更好地调节演唱的语气和语调，使得歌曲的情绪自然的流露出来。

（二）准确表达歌唱的内容

积极的心理调控，可以帮助声乐学生更好地表达歌曲的内容。第一，在积极的心理暗示作用下，演唱者在运用演唱技巧的时候就会更加到位，咬字和吐音会更加清楚，能非常清楚明白的将歌曲的内容演唱出来。第二，积极的演唱心理，可以让歌曲的表达更加的流畅，演唱者在演唱之前已经做好了各种准备工作，并且记好了歌曲的歌词，此时才能在心理上对演唱准备进行积极的配合，就不会容易忘记歌词。第三，要完整的表达歌曲的内容，经常会需要一些肢体语言的配合，而紧张的情绪，往往让演唱者不自觉的做一些与歌曲表达不相配的动作或是习惯性动作，这会破坏整个演唱的和谐，演唱者也会更加畏惧用眼神和观众进行情感的交流。

（三）渲染观众情感共鸣

声乐艺术带给观众的是一场视听的盛宴，观众在聆听的过程中，往往会将情感融入到作品当中去，声乐学生将演唱作品演绎出高水平能带给观众美的享受。演唱者需要在演唱的过程中做到声情并茂，这样观众才会被你的声音所打动，在聆听与品味的过程中，脑海里闪现出歌曲中所表达的各种意境，从而被作品中蕴含的情绪所感染，和演唱者一起达到一种情感上的共鸣。声乐学生想要声情并茂的进行演唱，就必须在演唱的过程中充分发挥心理暗示的作用，通过舞台很好地发挥自己的演唱水准的同时，将歌曲中蕴含的情感也完美的表达出来，从而引起观众的共鸣。表演者在舞台上如果能运用积极的心理调控，在进行舞台表演时就不会显得太拘谨，在表演的过程中，会自然地运用眼神和观众进行交流，会恰到好处的运用到肢体语言和面部表情。通过这些和观众产生台上台下的互动，在这个互动的过程中，自然的调动了观众的情绪情感。

二、学生表演心理培养调适的方法

在声乐教学声乐学生如果无法调动自己的积极心理就无法将歌曲演唱好，容易出现各种问题，我们要找到问题所在，积极的克服。要想在舞台表演的过程中能运用到积极地表演心理，要做好以下工作。

（一）强化演唱技能训练，做到“艺高胆大”

演唱前的表演准备工作是非常重要的，要做好舞台表演的准备工作，首先应该让自己的身体和精神做好调节。健康的身体和饱满的精神，是演绎好一首作品的前提条件，作为演唱者，在登台演唱之前要注意自己身体健康状态，保持一定的兴奋度和高度的集中。同时，应该注意在登台之前进行合理的开声练习，每次练声的时间不应该过长，因为这段发声练习是为了让自己进入状态，消除紧张的情绪。对于演唱者来说，在进行表演之前，一定要多注意休息，做好心理上的调节，让自己精神抖擞的走上舞台，产生自身强大的磁场。其次要储备与自己演唱的歌曲相关的知识，清楚了解作品的背景知识，有助于演唱者更好地把握住作品的风格。再者就是要对作品进行全面的了解，对谱面上直观的标记的运用要熟悉。在演唱之前应较好地把握音乐的.艺术形象，作为声乐学生，在平时的学习中就要多积累一些经典歌曲的相关资料，熟悉作曲家的创作风格，很好地揣摩歌词背后的深意。当声乐学生对音乐作品非常熟悉的时候，他的自信心也会倍增，在演唱的过程中，更容易调动积极的心理因素。演唱前的准备工作，是舞台表演成功必须要做的基础性工作，基础工作没有做好，演唱过程中，就无法建立自己的自信心，演唱中则无法调动积极的心理暗示来进行演唱。

（二）积极参加舞台表演实践，做到“久经沙场”

中国有句名言“熟能生巧”，对于歌唱者来说，通过多次的舞台实践是能缓解与消除紧张的情绪。在舞台表演实践过程中，可以总结各种经验加强与观众的交流，让自己建立自信心。在一些带有娱乐性质的舞台，往往还需要演唱者营造出一种轻松地氛围，在这种氛围中，演唱者也会被周围欢乐的气氛给感染，忘记登台时候的紧张。在登台之前，利用积极的心理暗示告诉自己“我行”，也能缓解紧张的情绪。在演唱的过程中，把注意力集中到演唱当中，让自己沉醉于歌曲的美当中，同时告诉自己观众不是自己演唱的检验者，而是来聆听自己演唱的朋友，他们会支持和鼓励自己。利用好心理调节，在这种放松的心境中，演唱会渐入佳境。声乐教学中学生在初登舞台时，由于紧张会在舞台上发生各种小状况，没有舞台经验，会显得局促不安，影响后面的发挥。舞台经验的丰富能促使歌唱者心理控制能力得到增强，从而在每次实践之后，在得到加深表演经验的同时，能更好的调节自己的演唱心理。声乐教学中强调舞台实践对声乐学生学习的重要性，老师结合自己多年的舞台表演经验，培养学生只有“久经沙场”才能更好地调控自己的演唱心理，在舞台上发挥得越来越好。

（三）极力进入歌曲情境，做到“遗物忘形”

没有情感的音乐就没有朝气与生命力。声乐演唱过程演唱者只有在歌声中注入内心情感，才能打动观众。良好的歌唱心理，可以让演唱者很快的进入到歌曲的情境当中做到“遗物忘形”。作为声乐学生，要多观察生活，在生活中品味人生的酸甜苦辣。在演唱歌曲时，大脑要非常快速的调配出这些情感因素，结合自己的生活情感经历融入到作品情感表达中去，根据自己对歌词的理解以及人生经历，通过发挥想象进入歌曲情境当中，当各种画面交织在脑海，让自己进入到一种忘我的境界。陆在易的艺术歌曲《家》被很多歌唱家演绎过，我们在演唱这首作品的时候，可能很难体会当时游子的那种心境，但是我们大多数也出门在外，对家中的父母是非常想念的。歌唱中可以把自己对父母、对家乡的情感如注入其中，以此来更好地表达出这种思想的情绪以及淡淡的哀愁。通过自身的心理体会融入歌曲当中，使得作品感情更为充沛。每一位声乐学生都可以根据自己生活经验的积累，在演唱的过程中，积极调动自己的心理情绪，想象出自己远离家乡那种不安的情绪，孤单的情感以及家庭的幸福。只有在演唱过程中，积极调动情绪发挥想象，这样能更好的的将思念家乡、盼望海峡早日统一的情感表达出来，在演唱中做到情境融为一体。声乐教学注重中学生舞台表演时表演心理的积极调控，这个过程不是一蹴而就的，是要在每次的学习和排练当中，有意识的进行训练。在平时的学习和演唱的过程中，学生要积极的、有意识的调节自己的演唱心理，培养积极的心理暗示，在歌曲中注入自己的情感并完美的展现出来。

参考文献：

[1]侯凌燕.论情感在声乐演唱中的重要性[J].黄河之声,2013,(02).

[2]张晓红.浅谈如何做好声乐演唱中的情绪控制[J].音乐大观,2013,(02).

[3]李宁.歌唱艺术中的舞台表演心理分析[J].艺术教育,2015,(01).

★ 声乐论文

★ 声乐教学中情感培养的重要性论文

★ 声乐教学

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★ 音乐剧在声乐教学中的实践分析的论文

基于音乐专业舞台艺术表演实践教学的研究 篇5

摘 要：相对于普通高等教育培养学术型人才而言, 高等职业教育偏重于培养高等技术应用型人才, 高职在国内主要是专科层次, 高职院校学生接受3年全日制课程, 包含专业基础课, 专业选修课, 公共课, 实践课等。依据高职院校音乐表演专业人才培养方案, 钢琴课是音乐表演专业学生必修的专业基础课, 而钢琴演奏技法是音乐表演专业众多课程的基础, 重要性可想而知。笔者将根据自身从教高职院校钢琴课的经历、高职学生的专业水平、音乐表演专业学生就业情况等方面进行教学反思, 进而对高职院校钢琴课的教学展开探索。

关键词：高职院校; 表演专业; 钢琴课;

一、高职院校音乐表演专业学生的专业现状分析

音乐表演专业既有学科属性又具有职业属性。音乐表演专业在版《目录》中名列“音乐学” (musicology, 130202) 和“作曲与作曲技术理论” (130203) 之前, 地位较以前得到提升, 成为“音乐与舞蹈学”的第一专业。从理论上说, 与音乐表演专业的对口职业领域是演艺, 作为一个歌手、乐手或指挥, 或从事与之相关的其他工作。目前, 对于大多数毕业生而言, 演艺之路已十分狭窄, 因为我国文艺演出团体大多已人满为患。更重要的是, 这些演出团体对音乐表演人才的业务水平定得过高, 本科毕业生大多都难以达到其基本从业标准。于是, 毕业生们只能到教育领域谋职, 或从事普通中小学音乐教学, 或从事社会音乐培训 (如受聘琴行和音乐培训机构) 。当然, 还有一部分毕业生可能会到各级文化宫、文化馆 (站) 从事群众性文艺工作、文化工作;或受聘于事业单位和企业, 组织企事业文化活动。总之, 对于大多数毕业生而言, 成为专业演唱 (奏) 员的可能性不大, 从事研究工作则是他们攻读硕士、博士学位之后的事情。自谋职业、待业或失业是高校音乐表演专业毕业生的常态。

音乐表演本科毕业生的就业方向和现状与高职院校音乐表演专业学生有相似之处。本科生与高职生都是通过参加各省艺术统考或者单招而入校的, 高职生的文化成绩和专业素养不如本科生, 这或许反映了他们相对较弱的学习能力、思维能力, 并且缺乏吃苦耐劳的精神。据了解, 很多高职生并没有系统学习过音乐, 无论是在儿童时期或是青少年时期他们都没有接受过专业的音乐教育, 参加音乐类高考完全是赶鸭子上架, 临时抱佛脚, 故而结果不可能很理想。高职院校绝大多数学生的专业层次是很低的, 专业知识匮乏, 专业技能薄弱, 专业素养几乎为零。

在刚进入高职院校后, 有的学生内心会有落差, 觉得自己是因为高考没有发挥好从而只能进入高职院校进行学习, 也有的学生觉得高职院校是一个全新的开始, 自己应该从头开始系统学习专业知识。无论学生的内心想法是什么, 他们应该意识到需要充分利用未来三年的课程充实自己, 脚踏实地努力学习, 积极参加实践活动, 开阔眼界, 增长见识。所以各科教师都应当将学生引领到专业领域。

二、高职院校音乐表演专业学生对钢琴课的内心期待

通过对50名音乐表演专业学生进行关于钢琴课的匿名问卷调查, 得到了一些数据, 具体如下。

(一) “对目前钢琴小课的教学质量、教学内容的满意程度”

50名学生都选择了“非常满意”。高校教学质量的督察是比较严格的, 每学期每位老师都有可能被督导听课, 每学期也要求所有老师去观摩其他老师上课。所以任课老师都是很认真严谨对待每一节课, 每学期教授的曲目都是经过深思熟虑而选择的, 每节课的教学会完全依据学生的还课进行个别指导, 做到因材施教。这项数据能反映出, 高职学生对于目前钢琴课的教学方式和内容还是能普遍接受的。

(二) “希望钢琴老师讲授的曲目偏基础还是偏有难度”

50名学生中, 有45名选择了“基础”, 有5名选择了“难度”。从我个人经历来看, 进入高职院校的音乐表演专业学生中, 有95%是从来没有学过钢琴的, 也就是所谓的“零基础”, 所以课程老师对于钢琴课所要教授的曲目都会选择比较简单的曲目, 以《哈农》《车尔尼599》《钢琴基础教程12》为主。但是在进入二年级后, 钢琴课的曲目难度会有一定的增加, 会增加比如《小奏鸣曲》等曲目。二年级的曲目相较于一年级会有明显的难度增加, 一年级主要以讲授钢琴演奏法为主要教学内容, 包括手型、手指、手腕、坐姿、踏板等, 待学生掌握了基本演奏法后, 教师就会适当增加曲目难度。从问卷调查的结果来看, 绝大多数学生希望学习基础难度的曲目, 这可能是因为绝大多数学生都是“零基础”的, 只有个别学生是有基础的, 作为课程老师应该根据学生的已有程度去布置曲目, 对于“零基础”的学生应当以基础曲目, 而对于有一定基础的学生可以布置难一些的曲目。

(三) “希望钢琴老师讲授钢琴教学法的内容还是只讲曲子”

50名学生都选择了“需要讲教学法”。高职院校钢琴小课一节课有45分钟, 这45分钟要尽量平均分配给5名学生, 5名学生还课再加上个别指导, 时间已经非常紧张了。对于学生的期望, 任课老师只能将教学法的内容贯通进曲目的讲授中, 对于还课较差的.学生, 任课老师还是应该以讲授曲子为主, 因为一首曲子都弹不了更不可能去教别人弹了。对于还课较好的学生, 可以适当多讲授一些钢琴教学法的知识。

以上就是对于50名高职院校音乐表演专业学生的问卷调查结果, 从数据看, 学生希望在钢琴课上学习基础的曲目, 希望教师讲授钢琴教学法的内容。

三、综合现状对高职院校音乐表演专业的钢琴课提出探索性建议

从上文的问卷调查结果来看, 虽然“零基础”的学生占了绝大多数并且普遍希望教师讲授基础曲目, 但是学生又对钢琴教学法的内容颇有兴趣。这样的现状需要钢琴老师深思:如何才能兼顾曲目的教授和钢琴教学法的教授呢?

(一) 开展钢琴教学法课程

因为一节钢琴课的时间很短暂只有45分钟, 同一小组的学生程度也会参差不齐, 这就要求在一节课上同一位老师要讲授多首曲目。时间已经不够用了, 如果再花时间讲授教学法的内容, 可能不太现实。所以高职院校可以根据需要开展钢琴教学法课程, 教学法课程并不需要一周一节, 可以一学期4~6节, 因为音乐表演专业学生的绝大多数时间还是用在练琴练歌练舞上的, 没有具体曲目的积累, 何谈教学法?钢琴教学法可以设置成大课的形式, 以年级为单位, 以基础曲目为核心, 以讲授如何教学生弹奏为主要内容, 系统给学生传授钢琴教学法的知识, 这样既不占用平时钢琴课的时间, 也能便于学生更好得学习钢琴教学法。

(二) 基础曲目和难度曲目都需要讲授

虽然绝大多数学生都希望教师只讲授基础难度的曲目, 但是考虑到“畏难情绪”, 教师并不能只讲授基础曲目。因为三年的课程是很短暂的, 专业院校的音乐表演学生都是从小就开始系统学习乐器演奏, 高职院校的学生在进校前并没有机会得到系统训练, 他们在起跑线已经处于落后位置, 所以三年的高职课程一定要最大化储备他们的专业知识, 提高他们的专业技能。基础曲目的讲授不足以提高他们的演奏技能, 教师必须讲授一些有难度的曲目, 或者是经典曲目。对于有难度的曲目, 教师可以直接讲授曲目难点的演奏法, 让学生先尝试局部练习, 培养学生演奏经典曲目的自信心, 可能在音色、情感处理上学生没有办法做到专业, 但是在强弱、节奏等方面学生是可以做到正确演奏的。

(三) 给学生提供观摩专业音乐和上台表演的机会

高职院校的学生不仅要在三年课程学习中学会钢琴、声乐、器乐等专业技能, 还应当多观摩专业音乐会, 开拓眼界。即使毕业后不能从事演奏 (唱) 职业, 但多看多听一定能增强一个音乐表演专业学生的专业素养。建议每学期都能带全体学生观摩专业音乐会一场。

基于音乐专业舞台艺术表演实践教学的研究 篇6

小班打击乐《大猫小猫》是孩子们十分喜欢的学习内容,学习对象是孩子们喜欢的小动物-----小猫,大猫,歌曲中运用大与小声音的强弱变化,表现大猫和小猫的不同。让孩子们在学,玩,拍、打的过程中掌握节奏，通过自己动手玩乐器，引导幼儿辨别不同乐器声音的大小，力度的强弱，从而选择合适的乐器为大猫小猫伴奏。过程中始终以欢迎大猫和小猫为背景切入，过程流畅自然。

中班打击乐《煎荷包蛋》，张老师一开始就围绕幼儿喜爱的食物——“荷包蛋”这一线索进行教学，引起孩子们的兴趣，又用了生动有趣的图谱，引导孩子们做出了看、闻、想吃、哈哈大笑等一系列与乐曲相符的动作。这就为后面的情景打好了基础。这一环节充分体现了孩子们的自主探索性。孩子们开动脑筋，充分发挥想象，为乐曲设计了许多好看又形象的动作，在反复用肢体表现乐曲的同时，孩子们已经逐渐熟悉乐曲的旋律和节奏，为后面打击乐器做好了铺垫，也为解决本课的重难点打下了基础。引导孩子们分组轮奏，熟悉自己演奏的节奏，然后看老师的指挥完成轮奏与齐奏。孩子们都掌握地很好，也就达到了这节课的目标。之后，又让孩子们交换乐器来演奏。孩子们自由地选择自己喜欢的小乐器，与同伴商量后交换。孩子们既能得到不同的体验，又能和同伴友好交流达到目的，就这样，孩子们在轻松、快乐、民主的环境下，学到本领。过程中教师的提示语也与简单这个情景相关。如：不要太快啊，荷包蛋会碎，要有节奏地翻。

大班打击乐《拔根芦柴花》第一部分情感体验导入课题，伴着欢快的《幸福拍手歌》音乐幼儿和教师一起做律动，让幼儿从中感受到音乐节奏，激发幼儿进行音乐活动的兴趣。在《拔根芦柴花》的活动中，通过制作了一张大的图形总谱来帮助幼儿感受音乐的旋律，幼儿在看图时利用身体动作来表示，强烈感受到乐曲热烈、欢乐气氛，随即产生“动”的欲望，这种“动”是对音乐感受的深化。因此，幼儿随音乐旋律的节奏、节拍做出了相应的动作

二、本次活动存在的问题

幼儿音乐活动是一种有声音、有情趣的艺术活动。应该通过让幼儿在唱一唱、跳一跳、玩一玩的过程中去体验音乐、感知音乐、表现音乐。小班幼儿的活动带有明显的情绪性，他们常常在兴趣的驱使下自发地进行活动。在教学过程中，虽然教师反复地强调大猫和小猫的声音大小不同，可孩子们就是无法“自觉”表现。是不是可以让幼儿在说了大猫声音大小猫声音小时再让幼儿自己学着叫一叫大猫的声音和小猫的声音，由此有一个明显的对比。

大班《拔根芦柴花》中，教师的主导地位太强，感觉孩子始终跟着老师走，教师的语言太多，孩子没有思考的空间。教师的节奏打得看不出变化，孩子节奏掌握不好。图谱太密，孩子大气节奏有困难。

通过这次活动，让我意识到：活动效果的好坏，关键不是老师如何手把手的教，更多的是老师如何引导与组织。特别是要为孩子营造民主、宽松、和谐的教学氛围，对每个幼儿充满信任和理解，鼓励和支持幼儿积极参与活动，对幼儿的不同看法不主观否定。同时还要耐心地听取，积极地引导，使他们都有成功的体验，得到更全面的发展。

运用多种，多样的教育形式，有计划有目标的引导幼儿，使幼儿在打击乐音乐活动中充分发挥幼儿学习音乐的积极性和创造性，在乐器演奏中培养幼儿的合作能力。

1、幼儿对于乐器充满了好奇、兴趣，在打击乐活动中，孩子们在活动中表现非常积极、投入，幼儿对打击乐活动很感兴趣、但幼儿的年纪比较小、控制能力差，这给集体打击乐的教学带来了难度。为此我们通过图和实物给幼儿介绍各种乐器的名称用途和相关的知识，并反复敲打乐器让幼儿听辨乐器发出的声响。在介绍的过程中重点示范讲解乐器的操作方法，让幼儿自己探索发现每种乐器不同敲打方法会发出不同的声音。

2、一个成功的打击乐活动是需要良好的打击乐常规为基础，而这常规是又需要幼儿共同的配合。一开始，孩子们还没有形成较好常规习惯，乐器使用不够准确，因此我们在教学中注重幼儿打击乐常规的培养。如在活动中要求幼儿乐器拿起后或打击乐停下时放于腿上，不发出声响、影响集体。乐曲开始前，拿起乐器指挥信号，指挥和被指挥相互注视的常规，打击乐要整齐的开始、结束。引导幼儿学会轻轻拿放、交换乐器等。在音乐活动中我们根据不同的音乐教学逐步增添乐器种类，并引导幼儿认识这些打击乐器并学习正确打击方法。

3、打击乐最重要的是让幼儿体验节拍、节奏以及掌握使用各种乐器的技能和学会手眼协调地开展活动。进行打击乐演奏前必须对演奏中的乐曲充分感知，幼儿对音乐节奏的感知构成了节奏感，节奏感直接影响着幼儿演奏的协调性，幼儿节奏感不能单单的从符号学习中获取，而是通过幼儿易于理解接受的动作语言来感知。在平时，孩子们很喜欢听着老师铃鼓用手拍出不同的节奏，于是我们在日常生活中有意识的开展一些节奏小游戏来引导幼儿，如：听音乐、看节奏卡拍手、启发幼儿想想还可以做什么动作，培养幼儿的创造性，幼儿会想出很多，如拍腿、跺脚、拍脸、拍肚、……启发幼儿逐个动作做出，动作要符合音乐的节拍，现孩子们能看不同的节奏进行动作。我班幼儿在展示的教学活动《寻找节奏》中，因有以往活动的基础，幼儿用已有创编节奏型的经验，引导幼儿为自己熟悉歌曲的曲谱配上节奏型，使幼儿更加明白了节奏是构成音乐的骨架，节奏的巧妙变化推动了音乐发展的动力。给曲谱配节奏型是幼儿一次生动有趣的音乐合作实践,幼儿创作还是不错的，创编的节奏型能符合歌曲的节奏，幼儿在老师的引导下，分成两组，其中一组唱旋律，一组配伴奏，使幼儿进一步体验合作的乐趣和感受音乐的快乐。从幼儿创作活动中看，幼儿合作性较好，引导幼儿进一些声势练习，即用“人体乐器”拍手、拍腿、跺脚、捻指所发出的不同音响来组合成各种节奏型，通过活动，孩子们能将自己熟悉进行创编节奏，用“人体乐器”来组合音响，培养幼儿对节奏反应的灵敏性和内心节奏的感受，充分进行思维能力的训练，让幼儿感受一段音乐节奏时，先让幼儿边听边欣赏，然后鼓励幼儿跟着音乐自己创编一些简单的身体动作，最后选出大家满意的几种不同节奏的身体动作进行节奏模仿，幼儿在议议学学中感受到合作的重要作用。这些活动都是孩子们喜爱的活动，我们在这方面不断引导幼儿，有目的、有计划的进行训练，坚持不懈的进行练习，发挥幼儿学习音乐的积极性和创造性，强调创造力的培养，能更好的促进幼儿同伴间的相互合作，在活动中我们要用多种方法帮助孩子把一些乐理知识内化通过打击乐器的形式表现出来。我们教师一方面可以通过拍手、拍腿、拍脚等动作来进行节奏训练；另一方面可以为幼儿提供一些打击乐器，引导他们在有节奏的身体动作和运用乐器演奏活动中感受节奏性活动的兴趣和美感。

4、虽然幼儿对一些简单的节奏有所掌握，但对于乐器音色的区分还不够，为了帮助幼儿了解乐器音色的特点，我们开展了各种教学活动引导幼儿尝试根据不同音乐及不同打击乐器的音色，来设计出配乐方案。如在《玻璃瓶里的小老鼠》的活动中，通过让幼儿欣赏故事，来引导幼儿注意故事中的音响。老鼠走的声音：笃笃笃笃……瓶子滚动的声音：咕噜咕噜……瓶子破的声音：啪！让幼儿用声音和动作表现故事情节，通过集体讨论让幼儿探索怎么用木鱼和铃鼓表现以下音色：老鼠走，老鼠吃糖，瓶子滚动，瓶子破了，最后师生合作，老师讲故事幼儿敲乐器，表现故事中的主要音色。在《大象和小蚊子》活动中幼儿通过大象和蚊子的故事情节，了解故事与乐器演奏的对应关系，让幼儿知道轻而慢敲大鼓，表示大象走路;刮蛙鸣筒，表示大象甩尾巴;摇响串铃，表示蚊子飞；使劲敲大鼓，表示大象生气在使劲跺脚，一下子就讲乐器不同的音色形象地表现出来。通过生动的故事中引导幼儿认识一些乐器的音色，使打击乐教学更加深动化、趣味化。我们在活动中用启发引导方式渗透必要的音乐知识和技能，同时让幼儿学会如何控制自己的活动相互合作以达到整体音色效果。如我们在节奏乐活动《洗手帕》，活动中首先让幼儿观察真实的洗手帕的过程，组织幼儿讨论并用动作再现其中的一些必要动作。然后教师完整的弹奏全曲，要求幼儿用动作表现音乐中什么地方是重重地慢慢地搓，什么地方是轻轻地快快地搓，洗干净后会做哪些动作（动作组合结构：重搓—轻搓—重搓—用劲拧干—用劲抖开—用劲高举），幼儿根据音乐创编了语言节奏，最后再请幼儿探索 哪种乐器适合用来表现用力干活？哪种乐器适合用来表现轻轻干活？这些动作形象的表现了乐曲的内容，不仅帮助幼儿理解乐曲的整体音响结构，而且幼儿在愉快的气氛中掌握了乐器的演奏方案。在打击乐活动《大猫与小猫》教学中，先引导幼儿熟悉歌曲的旋律内容，感受歌曲的第一段与第二段的力度差异，由幼儿提出第一段与第二段各自应该用何种力度演唱，幼儿边唱边表演，注意动作幅度大小与声音力度强弱关系。在幼儿感知音乐的基础上，再引导幼儿讨论如何选择乐器，让幼儿尝试用劲敲铃鼓和轻轻敲碰铃的音响效果，并讨论：哪种乐器，为哪种动物伴奏更合适。幼儿在选择好相应的乐器后合作练习演奏，配上乐器演奏后，音乐中大猫与小猫的形象更加突出了。随着节奏乐活动的不断发展，幼儿的节奏活动不仅仅一个单一的声部，在打击乐活动《红彩妹妹》中，出现了一些乐句利用身体动作的不同而将该乐句分成两个声部来进行，同时还引导幼儿进行打击乐配器，并分声部合作进行演奏，幼儿在音乐的伴奏下，孩子们拿着打击乐器，合作演奏了《大雨与小雨》《加油干》《我爱北京天安门》《洗手帕》《郊游》《大马大马告诉我》《彩虹妹妹》《娃哈哈》《欢乐舞》幼儿在与小伙伴共同的打击乐活动中逐渐学会合作，并在打击乐演奏中感受到合作的愉快等，通过多种多样的形式，从而使幼儿在开心、自豪中充分享受成功的体验。

5、学习看指挥是打击乐演奏整体教学法的一个核心，要让幼儿学习看指挥来合作进行打击乐演奏。通过让幼儿学会看别人指挥和学会自己指挥的过程来帮助幼儿掌握作品的整体音响结构，让幼儿学习看指挥来合作进行打击乐演奏。幼儿打击乐演奏活动中的“指挥”和“看指挥演奏”内容的学习，对幼儿音乐学习和全面发展有着特殊意义，这些意义与成人的专业音乐活动中的指挥有很大的不同。在这种活动中，幼儿学习的主要是如何与人沟通、与人合作以及与人相协调，因此，幼儿指挥者一般情况下可以不必学习专业性的起势、收势和击拍，可只学习如何自然地开始、结束、轮流、交替和击出所要求的节奏型，必要时还可做相应乐器演奏方式的模仿动作等。在幼儿最初学习指挥时，我们是先在黑板上画一个乐器摆放的位置图。让幼儿看着图，跟着教师的动作按一种固定的指挥方案进行集体的练习。在活动过程，坚持培养幼儿良好的看指挥的演奏习惯。指挥中我们将注意教师本身的动作必须到位、准确，洋溢着热情。后阶段我们将开始逐步引导幼儿学做指挥，老师引导幼儿学习分声部看指挥时，可以用身体动作指挥或乐器演奏的模仿动作指挥以及语言提示，逐步过渡到用手势指挥和看眼神提示。

三、存在的困惑

打击乐中乐器的使用方法虽多，但并不是适用于每一个年龄段，希望通过研讨获得相应的知识。

第二节幼儿园打击乐演奏活动的基本问题

一、幼儿园常用打击乐器的种类

适合于学前儿童学习和操作的常用打击乐器一般有以下几种：

（一）碰铃（也称小铃）

这是一对用金属制成的小铃，用一根不太粗的绳子或可抓握的木柄相对固定两个铃，通过相互撞击引起振动而发音。碰铃的音色清脆、柔和，且高而轻，在打击乐器中属高音乐器。它既可以表现音乐的强拍，也可以表现弱拍，是幼儿园用得最为普遍的一种乐器。

（二）串铃

这是用金属串成的马蹄形（或半圆形、棒形等）的若干个小铃，通过敲击、抖动或摇晃引起的振动而发音。可以分别在音乐的强拍或弱拍上使用。

（三）铃鼓

这是用皮革（或塑料）蒙在带有可活动的金属小钹的木制围框上，通过手指（或手腕肘）的敲击或手腕的抖动、摇晃引起的振动而发音的一种乐器。它兼有鼓和铃两种音色的特点。铃鼓有多种演奏方法：可以用手掌击鼓心，其音色柔和；可以用手掌击鼓边，其音色明朗干脆；可以用鼓面击身体部位（如肩、肘、膝等），则铃的声音较明显；可以用手腕连续地抖动，则会产生颤音的效果。

（四）大鼓

这是用皮革蒙在筒状的共鸣箱上，通过鼓槌敲击引起的振动而发音的一种乐器。其音色低沉，音量较大。大鼓用在强拍上，可用力击打，造成一种强烈渲染的气氛；用在弱拍上，可轻轻击打，会产生柔和而绵长的音响。击鼓时，手臂放松，手腕有力而富有弹性地敲击。击鼓心，会产生浓厚的音色且有较长的延续尾音；击鼓边，则音色脆、硬而单薄，延续音较短。

（五）三角铁

这是一根弯成等边三角形的圆柱形钢条，用绳子悬挂一端，通过另一根金属棒敲击而发音的一种乐器。其音色接近于碰铃，但音量比碰铃大，延续音比碰铃长。它的演奏方法有两种：一种是左手提悬挂三角铁的绳子，右手持金属棒敲打三角铁的底边；另一种是在三角铁内，用金属棒快速地敲击左右两边或转圈敲击各边，会产生激烈而特殊的音响效果。

（六）响板（也称圆弧板）

这是由两片贝壳状木块，中间用松紧带相连而构成的一种乐器，通过两片木块的撞击引起的振动而发音。其音色清脆而圆润。演奏方法有两种：一种是右手的中指套上松紧带，靠中指和拇指的捏合使两板相击而发出声音；另一种是将响板放在左手手心中，用整个右手的手掌相击而发出声音。后一种方法比较适合小年龄儿童的演奏。

（七）木鱼

这是用木头刻制的、形似鱼状、中间空而头部开口的一种乐器。通过另一根木制的敲棒击鱼头而发音。其音色接近于响板。演奏方法为左手持“鱼的尾部”，右手持棒按节奏敲打“鱼头”的顶部。

（八）双响筒

这是一段中间有节的木筒，下端装有握柄，通过另一木制敲击棒的敲击而发音的一种乐器。其音色与木鱼相似，干脆而清亮，没有延续音。通常用来模拟马蹄声。敲击双响筒由节分开的两端会发出不同高低的音响，一般两个音之间通常相差约五度。演奏方法为左手持柄，右手持棒敲击，可以敲击筒的一端，也可同时交替敲击筒的两端，发出类似于“的笃”、“的笃”的马蹄声。

（九）蛙鸣筒

这是由一节毛竹或木头制成的，刻有一道道楞子的筒状乐器。通过另一木制小棒刮、擦筒身而发音。其音色类似于青蛙的鸣叫声。演奏方法有两种：一种是左手持蛙鸣筒的握柄，右手持棒刮奏；另一种即用棒敲奏，音色接近于木鱼类乐器。

（十）沙球

这是一种用椰壳或塑料制成的空心球体，内装有细小的沙粒状物体，下端装有握柄，依靠臂的抖动、摇晃而振动发音。其音色轻柔而干脆。演奏方法为双手各持沙球，用手臂带动手腕上下振动。可以同时两手进行，也可交替、轮换进行。

（十一）钹

这是一对用铜合金制成的圆盘，中间微凸，靠敲击、摩擦而发音。其音色响亮，有较长的延续音，在绳拍上演奏能造成强烈、刺耳的音响效果。演奏方法有两种：一种是左右各持一片，相互撞击、摩擦而发音；另一种是将单片悬挂在支架上，右手持鼓槌敲打其边，可以取得另一种音响效果。如果要止住过长的延续音，可以用手捏住钹的边缘或将钹面捂在怀中即可。

（十二）锣

这是一个由铜合金制成的圆盘，由绳子固定在可抓握的木柄上，通过锣槌敲击锣面引起的振动而发音。一般可以用在强拍的伴奏上，以突出节奏、渲染气氛。锣可分为大锣和小锣两种。大锣音色低沉，共鸣强烈，有较长的延续音。一般用软槌敲击：敲击锣的中心时，声音较柔和；敲击锣的边缘时，声音较毛糙。小锣音色较明亮，也有一定的延续音。一般用硬槌敲击：敲得重，声音尖锐刺耳；敲得轻，声音清脆明亮。要停止延续音，可以用手按住锣面或将锣往怀里一抱即可。

以上都是没有固定音高的打击乐器，其中适合于小班儿童演奏的乐器有碰铃、串铃、响板、铃鼓（敲击）、沙球（摇晃）等；中班儿童能学习木鱼、铃鼓（抖动、摇晃）、蛙鸣筒、锣和钹等乐器的演奏；三角铁和双响筒一般适合于大班年龄的儿童演奏。这些打击乐器的演奏，都要求儿童做到手腕放松、灵活，不僵硬，有弹性，能控制手的动作，自然协调地敲击、摇动、振动或抖动，以取得较好的音响效果。

除此之外，幼儿园的打击乐器中还配有一些有固定音高的打击乐器，主要有木琴、铝板琴等。它们的音域一般在一个八度以上，演奏方法比较简单，以敲击和刮奏为主，适合于演奏简单的旋律。

二、打击乐演奏的简单知识和技能

幼儿园的打击乐演奏活动一般是一种集体配合、由多个声部组成的乐器演奏活动。对于学前儿童来说，需要了解和掌握的有关知识和技能包括以下几个方面。

（一）乐器的名称和分类

认识乐器，知道并记住打击乐器的名称，能根据乐器的音色给打击乐器分类。如碰铃和三角铁，音色都比较明亮，柔和，通常归为一类；响板、木鱼、双响筒等，音色都比较干脆、圆润，可以归为一类；铃鼓、串铃等，摇动时都有一种颤音的效果，可以归为一类；大鼓、锣及钹音色各具特点，通常归为特色乐器或加强乐器一类。

（二）正确的演奏方法

在集体参与的、多声部的乐器合奏活动中，正确的演奏方法包括：用自然、协调的动作来演奏；用适中的音量和好听的音色来表现；在演奏过程中，随时注意倾听音乐和其他声部的演奏，使自己的演奏与集体的整体音响相协调一致。

（三）配器

所谓配器，是指在打击乐演奏活动中根据音乐的性质、情绪和风格，选配音响特点与之相适应的打击乐器，选择适当的节奏型，以追求整体音响的协调和悦耳。在打击乐演奏活动中，要让儿童学习一些有关配器的简单知识和技能。首先，让儿童充分了解和掌握各种打击乐器的音响功能及各类打击乐器的音色对比和配合效果。因为只有在了解乐器音色基本分类的基础上，才能运用它们来增强音乐作品的表现力。如了解高音乐器一般有三角铁、碰铃；中音乐器可以有响板、木鱼、沙球、铃鼓等；低音乐器一般有大鼓、钹等。要使儿童懂得：串铃和双响筒两种乐器的配合使用，能产生骑马奔驰的音响效果；铃鼓、碰铃和三角铁这些有延续音的乐器，在音符时值较长时用柔和的弱奏可表现出颤音的效果；铃鼓用在少数民族舞曲中可起到加强特色、烘托气氛的作用等等。其次，帮助儿童分析音乐作品的内容、形式、节奏、节拍和旋律的特点，找出有呼应、对比或变化的地方，选用适当的乐器。如找出乐曲中的强、弱拍，用不同音色的乐器来演奏，体现乐曲的强弱对比；如根据乐句、乐段的结构，在呼应和重复的乐句及不同的乐段中更换不同的乐器音色，丰富和加强音乐的新鲜感和表现力；再如节奏型的选配，可以采用某种固定的节奏型，也可以根据乐曲中的节奏变化来变换节奏型或突出某个节奏型。总之，配器要根据乐曲的具体情况而定，既要体现丰富多样，又要贯彻对比统一的原则。

（四）看指挥

在打击乐演奏活动中，要奏出和谐、美好的整体音响效果，必须学习如何看指挥。根据指挥的要求进行协作演奏，也是儿童要掌握的一个基本技能。它包括：（1）了解“准备”、“开始”和“结束”的手势动作，以使自己的演奏符合指挥的手势含义；（2）知道用眼睛注视指挥者，在演奏过程中学习以恰当的身体姿势（微微前倾）与指挥者沟通、合作和交流；（3）能够看懂和明白指挥者表示节奏和音色变化的动作，使自己的演奏与集体的音响协调一致。

三、打击乐演奏活动的选材

学前儿童打击乐演奏活动的材料选择可以从音乐、乐器和配器方案三个方面着手。

（一）音乐

为儿童选择打击乐演奏的音乐，要节奏鲜明，旋律优美，结构工整。打击乐作品无论是歌曲或乐曲，都必须有鲜明而清晰的节奏和优美的旋律，并且为儿童所喜爱。一般可以选进行曲、舞曲或其他富有情趣性和艺术性的儿童乐曲等。对于小班年龄儿童，可以选儿童熟悉的歌曲或结构短小、节奏简单的乐曲；为中、大班儿童选择的音乐可以适当复杂一些，结构是二段体或三段体，且段落的旋律带有明显的对比性，适合启发儿童用不同音色、音量的乐器和节奏型变化来加以表现。

（二）乐器

为学前儿童选择打击乐演奏的乐器时，应注意以下几点：第一，乐器的音色要好。如铃鼓的选择，鼓面是皮制的要比塑料或铁制的音色好；第二，乐器的大小要适中，便于儿童演奏。考虑到儿童的年龄，还应注意乐器的大小和重量：如铃鼓一般以直径12—15厘米的为宜；沙球不宜选用大号的；三角铁钢条的直径最好在05厘米左右等等；第三，乐器的演奏方法要适合儿童的不同发展水平。不同年龄阶段的儿童，其动作发展的水平存在着一定的差异，因而在乐器的选择和演奏方法上应有所区别：如铃鼓，小班儿童可用手掌敲击鼓面的方法演奏，中、大班则可以用敲奏、摇奏等不同方法；如响板，小、中班儿童宜用右手掌击左手心的方法敲击响板，大班儿童则可以学习捏奏的方法；再如双响筒和三角铁的演奏需要能均匀地用力并且做到手眼协调，对于运用能力和小肌肉发育尚不完全的小、中班儿童来说存在一定的困难，而大班儿童则相对可以胜任。

（三）配器方案的选择

音乐表演专业课程设置 篇7

（一）课程设置及设置说明

本专业设有流行、美声、民族3个演唱方向，根据各种唱法的不同及其特点以及专业人才培养规格的需要，突出实践能力培养，强调理论与实践想结合，通过三年的学习，使学生同时具有歌、舞、演的强大舞台表现力和深厚的理论功底，全面达到本专业人才培养规格的要求，实现本专业的培养目标。

专业课程设置将依据工学结合人才培养模式，遵照行业标准、强调能力本位原则、整合科目课程、突出教学实践环节，根据唱法的不同（流行唱法、美声唱法、民族唱法）以3种唱法的综合表现能力为中心，构建了职业基本素质课程模块、职业功能课程模块、职业综合能力（项目）课程模块的“一中心，三模块”的课程体系。

1、职业基本素质课程模块。设置有毛泽东思想、邓小平理论和“三个代表”重要思想概论，思想道德修养与法律基础，大学体育（体育舞蹈），大众传媒通论，心理健康，形势与政策，军训与入学教育。旨在培养学生，作为传媒人必须具备的思想、道德、身体、心理素质和对传媒知识的认知素质。

2、职业功能课程模块。（含四个小模块）

（1）.职业工具能力课程模块。设有信息技术基础，大学英语，艺术概论，音乐作品赏析，流行音乐概论，驾驶技术。旨在培养学生，掌握必须够用的为职业服务的工具应用知识和能力。

（2）职业技能课程模块。设有发声技巧训练（练声课）、形象设计、形体、舞蹈基本功、表演、乐理、基础和声、视唱练耳、曲式与作品分析、民族与民间音乐、中国音乐史、外国音乐史。旨在培养学生，掌握从事本职业必备的专业基本技能和技巧。

（3）职业创作课程模块。设有歌曲演唱（美声、民族、流行）、歌舞排练(流行歌舞排练、音乐剧排练)、钢琴、歌曲写作、合唱、录音演唱实践。旨在锻炼、培养学生，掌握从事本职业必备的专业核心能力和职业关键能力。

（4）职业拓展课程模块。学生可在二年级后任意选修。设有吉他演奏、音乐制作、编导基础、音乐美学、舞蹈编导、民歌、节目主持艺术、教育心理学、合唱与指挥、流行音乐作品赏析。旨在尊重学生个性，培养学生适岗、变岗与创新能力。

3、职业综合能力（项目）课程模块。设有声乐综合实践、歌舞排练综合实践、表演综合实践、声乐舞蹈专场演出、音乐剧专场演出、综艺晚会演出。旨在让学生在真实环境中，通过舞台演出，全面锻炼学生的综合素质、综合技能与创造能力，为第六学期开始的顶岗实习、岗位对接、融入社会奠定基础。

（二）、主要课程介绍

本专业的主要课程有：乐理、视唱练耳、和声、发声技巧训练、歌曲演唱(美声、民族、流行)、合唱、钢琴、形体、舞蹈基本功、歌舞排练（流行歌舞排练、音乐剧剧目排练、组合演唱排练）、音乐欣赏、中国音乐史、外国音乐史、中华民族与民间音乐、曲式与作品分析、音乐制作、流行音乐概论、艺术概论、表演、形象设计、录音演唱实践。

1、乐理：《乐理》是一门系统讲授有关音乐理论基础知识的课程，该课程主要讲解关于音、音程、节奏节拍、记谱法、常用记号、和弦、调式以及它们之间内在关系，是一门重要的、理论性较强的、学习音乐艺术最基础的课程。

2、和声：《和声学》是学习多声音乐的一门基础理论课，是音乐表演专业的主干课。本课程以“传统和声学”及我国民族调式和声实践为主要学习对象，研究多声部音乐中常见的和声现象，学习和弦的构成与连接、掌握和声序进的基本规律。课程应使学生具备初步的和声分析能力和应用能力，能够分析常见音乐作品中的和声现象，写作简易的钢琴伴奏，为即兴伴奏配置和声，以及具备和声基础知识的教学能力。

3、视唱练耳：《视唱练耳》是一门重要的基础课程，以训练学生视谱能力和音乐分辨能力为主要内容，这门课程的学习对培养学生音乐感受能力有着重要影响。

4、曲式与作品分析：《歌曲写作与作品分析》同时通过对中外音乐作品的具体分析，讲述音乐作品中形式与内容的辨证关系、乐思的产生极其发展的整体结构原则等，使学生掌握音乐作品中曲式结构的原则极其特征，增强理解作品内容的能力。

5、歌曲写作：《歌曲写作》是一门通过作曲实践, 启发学生的创作性思维, 培养学生的音乐创作能力。

6、发声技巧训练：《发声技巧训练》这门课程主要是通过进行发声原理和进行发声训练使学生掌握科学的发声技巧，为演唱好更多的声乐作品打下坚实的基础。

7、歌曲演唱：《歌曲演唱》分为美声、民族、流行三个专业方向，通过学习培养学生对歌曲的处理能力，增强学生对歌曲的表达和理解能力，最终达到可以完整的表现声乐作品。流行演唱则是适应市场对流行唱法的需求，培养全面的流行歌手。流行唱法这门课程也是音乐表演专业具有特色的一门课程。

8、录音演唱实践：《录音演唱实践》是在学生掌握了一定的声乐技巧的基础上开设的一门特色课程。该课程以录音棚实践的方式，使学生在走入流行歌坛之前提前进入录音环节。通过录音实践对每一位学生进行风格定位，并使其较好的掌握录音话筒（电容话筒）的使用技巧。通过现代化的录音制作手段为每位学生录制小样或专辑。

9、合唱：《合唱》是通过对学生进行分组、分声部并共同演唱的训练模式，也可以几个人为一组进行组合的演唱训练，主要培养学生在声音及肢体上相互配合，共同完成对音乐作品的处理，适应现在市场上对合唱团体及组合演唱形式的需要。

10、钢琴：《钢琴》课是高等院校音乐专业的重要基础课之一，通过教学使学生掌握弹奏钢琴的正确方法和基本技能，提高音乐修养。让学生初步了解和掌握不同作家不同类型的钢琴作品，具

有编配和弹奏简易钢琴伴奏、并能边弹边唱的能力，以适应钢琴音乐表演及中等学校及校外教育机构音乐教师工作之需要。

11、形体：《形体》课是音乐表演专业的专业课之一，主要围绕音乐表演艺术对形体的要求，帮助学生改变形体状况，获得表演的正确姿态，提高运用形体表现音乐作品表现力的能力。

12、舞蹈基本功：《舞蹈基本功》课是在有一定的形体基础之上，针对各舞种进行舞蹈基础元素的训练，为下一步进行歌舞排练课程的学习打好坚实的基础。

13、歌舞排练：《歌舞排练》课是针对学习音乐表演及其它专业的学生，为了适应市场的需求，将演唱与舞蹈结合起来，增加歌曲的表现力、丰富舞台表演形式、培养全方位的、职业化的演唱表演人才。

14、音乐制作：《音乐制作》就是把高科技用于音乐创作，它是音乐与高科技二者有机结合的一个完美体系。电脑音乐又称“MIDI”音乐，电脑音乐制作可以集作曲、演奏、指挥、录音于一身。通过本课程的学习，使学生能够独自完成音乐创作、表演与制作等前期、后期工作。

15、音乐欣赏：《音乐欣赏》是为学生提供音乐的基础性感性认知，又以提高学生全面修养为宗旨的一门综合性课程。本课程的设置目的是通过对古今中外音乐中的经典文献作简单的浏览、介绍和欣赏分析，让学生系统地、渐进地接触音乐，对不同历史时期、不同国家、不同风格的音乐作品有较为清晰的感性认识，丰富学生对音乐历史和有关作曲家的创作思想等知识。同时，强调音乐审美的特殊性，阐明音乐艺术的特点和音乐美的规律，培养正确的音乐审美观念。从而提高和发展他们的音乐鉴赏和审美能力，开阔审美视野，为进一步的音乐学习奠定良好的基础。

16、中国音乐史：《中国音乐史》是一门阐述我国音乐文化发展历史的科学。通过讲授我国音乐文化的历史，了解其发展规律，以激发学生热爱祖国音乐艺术的思想感情，扩大艺术视野，提高艺术鉴赏力，为从事音乐表演作必要的相应知识准备。

17、外国音乐史：《外国音乐史》是通过对西方（主要指欧洲）音乐文化发展历史的学习，了解西方音乐文化的起源和发展脉络，探求其发展规律，掌握几个发展时期形成的主要乐派及其代表作家作品。从而，试图总结和借鉴西方音乐文化观念中的长处，帮助专业技能的学习，确立一种从历史和人文的多角度认识和理解音乐西方音乐的观念。

18、艺术概论：《艺术概论》是通过对人类精神文明史上重要艺术现象的理论分析、阐述及艺术在社会生活中的作用和地位，使学生了解和掌握各门类艺术理论、艺术常识、艺术创作、艺术鉴赏和艺术批评的关联性。

19、表演：《表演》课是音乐表演专业的主要专业课之一，主要包括表演基础知识，局部形象塑造，完全舞台人物形象塑造以及艺术人物形象的创造等内容。

20、形象设计《形象设计》课程主要偏重于舞台表演中的形象设计，结合了化妆、服装、舞美、表演等元素，通过本课程的学习使学生掌握如何通过舞台形象的设计来更完美地表现音乐作品，使表演更具时尚风格。

（三）、综合实训