美术鉴赏剪纸艺术（推荐9篇）
作课人：苗玉玲 单位：汤阴县第一中学 课时：第2课时
一、教学目标：
（1）知识的传授：
通过课堂讲授让同学们了解艺术语言类型，具象、意象、抽象三种类型中中西方艺术语言不同的表达手段。
（2）能力的培养
通过课堂的讨论和教师对作品的介绍，提高学生对作品的鉴赏能力，进一步强化培养学生的知觉能力（对作品的第一印象）、描述能力（深入观察作品）、解读能力（理解认识作品）、批评思维能力、查阅资料的能力。
（3）情感、态度和价值观的树立
通过本课的学习，提高学生的审美意识,初步树立基本的美术鉴赏能力 教学重点：美术语言的类型：具象艺术、意象艺术、抽象艺术。教学难点：如何运用艺术语言
二、教学方法：讲授法、课件展示法、练习法
三、教学过程
1、课堂引入（直接导入）
我们的物质世界里的每一个物体都有其特殊的语言，就像文学艺术有文学语言，音乐艺术有音符一样，美术作品也有它特定的语言。上节课我们学习了艺术语言的定义、美术的基本语言元素以及艺术语言的表达手段，这节课我们继续学习一下美术作品的艺术语言类型以及艺术家是如何运用艺术语言的。
2、上节课内容回顾 教师活动：课件展示：
上节课内容：
美术作品的艺术语言是美术所专门使用的、具有视觉传达功能的形象和形式就是美术作品的艺术语言，其特征就是具体性和形象性。
广义的说，美术作品中参与作品表达的一切都具有语言的属性；而狭义上，指美术的基本语言元素和语言手段两方面。
美术的基本元素：点、线、面、色。
美术语言的表达手段：
1、西方绘画：明暗、空间、透视、构图、肌理
2、中国绘画：笔墨、章法、皴法 板书：美术作品的艺术语言
美术作品的艺术类型有哪些？ 3、新知探究：
教师活动：课件展示顾闳中的《韩熙载夜宴图》、梁楷的《泼墨仙人》、克里福德.斯蒂尔的《1954》三幅作品。
提出问题：这三件作品有什么不同？你从作品中分别看到和感觉到了什么？ 学生活动：学生分组讨论并回答《韩熙载夜宴图》中的人物、环境、道具真实具体，《泼墨仙人图》看上去似一个人，但又不是十分的具体准确，只是大笔概括。《1954》让人看不出什么具体的现实形象。
教师活动：分别总结美术语言的三种类型：
具象艺术：真实的再现现实
意象艺术：重在表达艺术家主观的精神世界
抽象艺术：排除了现实形象的可辨性，纯粹运用美术语言和手段本身，达到精神的纯粹和人类精神表达的自由与沟通
板书：
1、具象艺术
2、意象艺术
3、抽象艺术
教师活动：课件展示：
二、美术家是如何运用艺术语言的？
问题探究
请同学们用 3分钟的时间快速阅读课本第9页至11页，并按小组思考讨论以下问题：（1）《荷拉斯兄弟的宣誓》和《簪花仕女图》有什么共同点和不同点？体会艺术家是如何运用艺术语言的？
（2）意象艺术重在表现什么？艺术家常常运用那些手段来表现意象艺术作品？（3）抽象艺术可分为哪两类？它们分别是如何表现的？ 板书：艺术家是如何运用艺术语言的？
教师活动：课件展示《荷拉斯兄弟的宣誓》和《簪花仕女图》两幅作品 学生活动：欣赏作品，思考并回答探究问题。
教师活动：教师总结：相同点：具象艺术，不同点：语言表达手段不同 教师活动：课件展示《蓝马》和《奔马》两幅作品 学生活动：欣赏作品，思考并回答探究问题。
教师活动：教师总结：意象艺术不以纯客观再现为目的，而是重在表达：艺术家主观的精神世界。其中包括艺术家的感受、情感、观念和审美理想等。艺术家采用（夸张、变形、重组）等手段进行表达。
教师活动：课件展示《红、黑、黄蓝构成》和《牛顿色盘》两幅作品 学生活动：欣赏作品，学生讨论并回答：看到了艺术语言的基本元素。教师活动：总结抽象艺术 冷抽象：以几何块面构成的作品，我们称之为“冷抽象”或“理性抽象”。热抽象：完全或主要用色彩和有变化的线条来创作的作品我们称之为“热抽象”
4、课堂回顾总结： 教师活动：课件展示：
艺术类型 表达目的
表现方法（手段）中国画：线条和随类敷彩
具象艺术 真实的再现现实
油画：明暗、空间、《维纳斯的诞生》（波提切利、意）《荷拉透视、构图、肌理 斯兄弟宣誓》（达维特、法国）
代表作品
《韩熙载夜宴图》（顾闳中、五代）
意象艺术 重在表达艺术家主观的精神世界
意象艺术：变形、夸张、重组
《泼墨仙人图》(梁楷、宋)《虾 》（齐白石）《蓝马》马尔克、德）《 走下楼梯的裸女》（杜尚、法国）
排除了现实形象的冷抽象：用线分割块
《红 黑 黄 蓝构成》（蒙德里安 荷兰）《 牛抽象艺术 言和手段本身，达到精神的构成关系。热抽象：
顿色盘》（库普卡、捷克）的纯粹和人类精神表达用色彩和变化的线条的自由与沟通
来创作。可辨性，纯粹运用美术语面、形成面与面之间
5、自我评价练习：
教师活动：展示具象、意象和抽象美术作品若干幅让学生来辨别 学生活动：学生踊跃回答
教师活动：课件展示本节课知识问题 学生活动：学生踊跃回答
结束语：通过今天的作品赏析，我们要更进一步的认识到：美术作品中的艺术形象是通过艺术语言来创造的，各种艺术正是通过各自的艺术语言，创造各种各样的艺术形象，来表达作者对生活的独特意义和感受，并将这些体验和感受传达给我们。
5、板书设计：
美术作品的艺术语言
一、美术作品的艺术类型有哪些？
1、具象艺术
2、意象艺术
3、抽象艺术
一、美术和音乐的相互融合有利于在美术教学过程中提高学生的艺术感染力
艺术是人类表达和交流思想情感的一种语言, 这种情感是艺术创作的主要动机和源泉, 同时情感是艺术的灵魂, 艺术的一切活动都受到特定情感的支配;艺术的感染力则能够使欣赏者、作者、生活三者之间互动起来, 让人内心产生共鸣。长久以来, 许多画家和音乐家都试图从彼此的艺术形式出发, 探索彼此不同的创作灵感和激情。美国著名近代画家惠德勒, 一生都试图把绘画艺术与音乐艺术巧妙地结合为一体, 如把作品《白衣少女称为《白色交响曲第一》, 《茫茫之夜》称为《夜曲》等等;在他的绘画作品中还有许多直接用音乐术语和素材命名的画作。
二、美术和音乐的相互融合有利于学生进一步理解艺术的共通性
色美以感目, 音美以感耳, 意美以感心, 这一点正是对于美术之美和音乐之美通过视觉、听觉等不同感官的作用发生心灵感动而谈的。音乐和美术以不同的表现形式分别作用与人的听觉器官和视觉器官;但是, 这两个同属艺术门类的姐妹花, 因存在的共性而彼此联系, 相互渗透, 相互影响, 使人们产生的审美感受, 及内心产生的共鸣是相同的。中国古人认为画通音乐、寓乐于画, 所以画中有乐是一样的;在一些抽象的绘画中, 点、线、面、明暗、色彩等视觉要素的组合会使人产生类似于欣赏音乐作品时, 由于音符和节奏的不同组合所产生的某种音乐感。这种感觉被称为艺术的通感, 即艺术地相通性。19世纪末的印象主义音乐家德彪西所创作出的音乐作品《月光曲》与印象派大师莫奈《日出?印象》就是艺术互通性的最好表现。音乐家通过各种音响表现出夜晚大海的那种宁静、祥和、宏伟磅礴、变幻无穷的景色, 又通过音乐的各种材料描绘出对光色的感觉, 制造出一幅大海在傍晚绝妙的美丽图画:而画家则通过运用色彩将自然景色的瞬间印象再现于画面之上, 通过景色中的冷暖对比描绘出晨雾中起伏的流水在光线的折射下所产生的丰富多彩, 使人感受到画面中的那种和谐的节奏和韵律感, 在欣赏画面的同时如同在欣赏一首优美绝伦的美妙绝唱。
三、美术和音乐的相互融合有利于提高学生的绘画表现能力
音乐是更纯粹的抽象艺术, 它与美术中的抽象艺术在艺术的表现语言上更为接近, 同为用抽象的符号直接传达和表现艺术家的感情起伏, 思绪变化, 都具有强烈的情感表现力。俄国的著名作曲家莫索尔斯基在观看了亡友画家贾尔特曼绘画遗作展后, 为悼念亡友创作出了《图画展览会》这部钢琴组曲。而美国的早期画家华尔特迪斯纳, 也曾根据贝多芬的《第六交响曲》创作出三幅绘画作品。印象派的另一着名画家荷兰人蒙德里安, 由于晚年居住在美国的纽约, 对纽约的百老汇街非常熟悉, 同时又非常喜欢当时街面流行的美国爵士乐, 于是蒙德里安利用生活中对爵士乐的感受创作出名画《百老汇爵士音乐》, 在他的这幅画作中画家探索了不依靠具体形象, 只通过线条、构成和色彩, 使人联想到爵士音乐特有的那种节奏感。俄国著名的抽象派画家康定斯基更是将美术与音乐的关系发挥到极致, 他认为:“绘画和音乐之间的关系, 你可以‘听’到色彩, 看到声音, 黄色好比一只发出‘尖锐’声音的喇叭:浅蓝色好比长笛发出的声音;深蓝色好似低音大提琴的声音及宽厚低沉的双重贝司声:绿色接近小提琴纤弱的中间音调;红色使用得当时, 给人以强有力的击鼓印象……”画家的这种感觉在他的画作《第七乐章》中表现得淋漓尽致。
音乐是弥漫在生活中的。音乐来自生活、表现生活, 音乐对学生来说, 首先不是表演, 不是“艺术”, 而是自我流露, 是生活的需要, 是生命的一部分。在上色彩课以及其他的绘画课时, 我们要掌握一种节奏和律感, 就像音乐一样。不同的音乐有着不一样的节奏和律感, 我们在绘画时要和音乐相结合, 根据不同的绘画内容, 去寻找并且掌握不同的节奏和律感, 播放出不同的旋律, 让美术生在音乐中去欣赏美术作品, 去绘画出属于自己律感的作品, 将美术、音乐、视听有效的结合到一起。在为学生讲解美术绘画知识的时候介绍相关的音乐知识, 让学生深入理解美术和音乐结合的内涵, 学会怎样去体验、学习艺术的创作。比如艺术家康定斯基的作品中有一幅作品在旋律上有着丰富的层次变化, 忽明忽暗的暖色调被一根粗壮的黑色曲线统一着, 这就构成了强烈的节奏感与韵律, 产生了一首如同交响乐一般的视觉图画, 我们完全可以在创作的时候播放一首交响乐, 增加学生在创作时的灵感, 增强画面中的韵律。
音乐也具有让人对美术作品产生强烈的联想作用, 像民间流行的小歌曲《茉莉花》、《码头调》曲调优美, 旋律柔顺而动听, 虽然含蓄婉转但是却不娇柔做作, 具有丰富的感情色彩蕴含在其中, 这样的音乐放给学生听, 很容易的使学生联想到淡雅的小花布。在音乐辅佐下去欣赏美术作品, 可以大大提高学生的感受力和鉴赏能力。
美术学科与音乐学科之间有着密切的联系, 不仅仅表现在音乐、文学作品, 与综合实践课也有着密切的联系, 在初中教学的教材中都有综合探索这一单元, 这个单元所涉及的知识非常广, 包括信息技术、舞蹈、戏剧、历史、地理等学科知识, 要想将美术教学与综合实践活动有机融合到一起, 这就需要美术老师要了解这些知识, 要求教师对人文科学与自然科学知识都要有所掌握, 并且将所有的知识融会贯通。
作为一名美术教师, 为了让学生亲身体验不同心境下音乐作品和美术作品的情感表现力, 进行了“听”音乐, “画”音乐的练习, 比如听德彪西《大海》欣赏莫奈的《日出·印象》, 用贝多芬《第五交响盥》去欣赏康定斯基的《第七乐章》。使学生体会到画者的心境和感受能影响匦面色调的道理;同时也使学生感受到通过静止的画面产生动态的感受。在学生们的作业里出现了跳跃的线条、鲜艳的色块、变化的点和色彩等以前没出现的创作手法。这些现象的出现正是在教学中将音乐和美术结合起来的真实体现。作为一名美术教师, 在教课的过程当中将音乐引入到美术课当中, 不但是对本身综合素质的一种考验, 同时也是对自身提出了更高的要求, 感受到培养学生的审美情趣、审美能力的重要, 将音乐课引入到美术教学当中共同体验艺术作品的美是非常必要的, 对于加强艺术教育, 推动素质教育的发展具有重要的意义。注意提高学生的创新意识, 根据教学内容适时引导学生即兴创作。
随着音乐教学改革的推进, 音乐教育给予学生的决不仅仅是几首歌、几段乐曲或简单的乐理知识, 而是教给学生一把开启智慧之门的钥匙, 让他们用跳动的思维去创造他们更自由的“音乐王国”。
在即兴的艺术活动中, 没有等级划分、没有身份标志、没有年龄限制、没有技术水平的桎梏。奥尔夫认为“从即兴开始的教育才是真正体现创造性的教学, 即兴—————是对一个人的一切禁锢的放纵, 奥尔夫的这些观点是以最大的限度去开放人的能量, 充分创造机会让原本音乐人性发挥作用, 鲜明地突出了具有创造性的思维。[6]作为一名具有创新精神的教师, 应该思维敏捷、头脑灵活, 在教学设计中会提供很多创造的机会。在音乐教学中, 教师给学生提供好的、他们伸手可及的音乐创造形式、调动学生的创造积极性、发挥学生的音乐想象力并能顺利的以适当的形式表达出来。在《我和我的祖国》这首歌曲的学习中, 教师把学生分成三组后, 让他们把这首歌曲排练成一首不同形式的合唱曲。学生们在分组讨论的过程中纷纷谈论自己的观点、构思、设想。讨论异常激烈, 各不相让。教师建议他们把集中构思不妨都试一试。经过讨论尝试, 师生共同达成一致。在这种教学活动中, 学生互为补充、相互完善、集思广益, 逐步形成探求创新的心理愿望, 久而久之, 创新能力也就能逐步得到培养。课堂上我启发同学们结合自己的生活感受和生活经历, 为歌曲换词。然后配以曲调, 让他们充满激情地演唱。同学们感慨地说:“演唱自己亲自创作的歌曲, 越唱越喜欢”。
新世纪是信息科技时代, 经济的飞速发展和大量新科技的出现引发和推动了教育的全面改革, 音乐教育也不例外。《音乐新课程标准》提出了“以音乐审美为核心”的教育理念, 强调在音乐教学过程中确立师生交往互动的平等观。“教师作为教学的组织者和指导者, 是沟通学生与音乐的桥梁。教师应在教学过程中建立民主、平等的师生交流互动关系。”音乐课的全部教学活动应以学生为主体, 将学生对音乐的感受和音乐活动的参与放在重要位置。只有建立良好的师生互动关系, 才能达到最佳的教学效果。
【关键词】 抽象美术；艺术观念；美术教学
【中图分类号】G63.20【文献标识码】A【文章编号】2095-3089（2016）13-0-01
一、引言
在高中美术欣赏课的教学中，有相当一部分的抽象美术作品。学生在欣赏这些抽象美术作品时，总是以像与不像来评判，或者说看不懂，难以理解和接受。故而抽象美术一直是高中美术教学的难点，是学生最感莫名其妙，又最需要解惑的问题，也是大家争议较大的课程内容。下面谈一谈高中美术欣赏课中的抽象画教学。
二、如何欣赏抽象美术作品
（一）让学生了解抽象美术作品产生的时代背景以及其艺术价值
抽象艺术是一种独立的艺术形式，它不直接表现任何现实中可视物，但不能因此说它与现实就没有关系，可以说任何艺术的终极对象都是现实。比如蒙德里安的《百老汇的爵士乐》，创作出了一种视觉音乐，像管乐器一样明亮的黄色线，在霓虹灯光般的红色，蓝色，灰色的小点的闪烁下，呈现出一种爵士乐的节奏感，我们还能感受到纽约最繁华的百老汇夜晚的噪杂，它是蒙德里安对美国纽约大都市的面貌和节奏的感受，对现实生活的反映。但要深入的了解和认识抽象美术，还应转变审美观念。因为作为现代艺术中的抽象画和西方的传统艺术相比较，其在观念上发生了根本的变化，主要表现在：1、艺术家从以前的表现客观现实世界走向主观精神；2、放弃了传统的统一的美的标准；3、传统的艺术十分注重艺术的认识和教育功能，而现代艺术强调艺术的审美功能；4、现代艺术的价值在于发现和创造，而不是继承传统的内容和技巧。抽象艺术是艺术家突破传统观念的束缚在艺术表现手段、艺术语言等各个领域中探索和创造的结果。它是以纯抽象的语言表现精神及形式意味的美术，而这种纯抽象的美术对于高中生来说往往难以理解和接受，因为传统的艺术观念再加上长久的应试教育的影响，使学生在欣赏抽象美术作品时，仍然用是否同客观对象相似及作品是否优美为标准加以判断，所以会有疑惑不解之感。对于抽象美术作品，学生要了解传统艺术与现代抽象艺术在创作观念上的转变，使自己在欣赏这些抽象美术作品时也转变自己固有的传统审美观，站在现代艺术的立场和标准上来看抽象的艺术，以全面认识和理解抽象美术。
（二）抽象美术的特点
1、形象的抽象性
抽象美术作品是艺术家对生活中的视觉经验的某种感受予以抽象的心理的一种表现。它以纯粹的点、线、面、形、色等构成画面内容含蓄，形象抽象，给欣赏者的感受是一种朦胧的印象。所以学生在欣赏抽象艺术时不要以像与不像来评价，要尽量根据作品运用主观感受来调动自己的情绪，而不要刻意去辨认画家究竟画的是什么。
2、画面有强烈的动感
许多抽象的绘画，以强烈的笔触，奔放的色彩来刺激人的视觉，动感强烈。例如：康定斯基的作品，以点、线、形、色依情绪随意作画，挥洒自如，使人产生运动、奔放、热烈不安等情绪感受。如产生某种情绪，获得某种狂热、高亢等视觉感受就是看懂了这类绘画，也称为热抽象绘画。属于冷抽象的欧普艺术以形的有规律的变化产生出奇异的流动、变幻的感觉。这些动感很强的抽象艺术是传统的具象绘画无法比拟的。
3、趋向音乐性
抽象画家利用色彩与声音产生的联觉，将点、线、形、色构成无标题的音乐，直接作用于欣赏者，使观者在看抽象画时，在心理上引起某种难以言传的情绪。如蒙德里安的作品《红、蓝、黄构图》。画面用直线分割成不同的方形，再填上原色，并以黑直线将它们分开。画面显得和谐而有变化，如同一首音节长短起伏，但却有自己主旋律的歌。
（三）抽象美术在中国当代发展
在中国现代美术史上，有很多画家阐述抽象绘画创作，但它毕竟不是主流，始终处于边缘，而写实绘画作为对中国传统绘画方法的一种补充和反映社会变革、传达观念的手段，受到了特殊的重视，从抗战到新中国之后，写实绘画成为有力的社会动员工具，也成为学院美术教育的主要内容。所以在80年代思想开放的年代，当抽象美、形式美被提出时具有一种革命性的冲破感，使得发自画家内心的那份畅快得以体现。
（四）让学生通过音乐来理解抽象美术，欣赏抽象美术作品
音乐可以通过没有具体形状的声音为人们所接受，通过形式的变化，通过强度、速度、节奏、韵律等表现人的情感的变化，抽象美术也是如此，它们之间有某种共通关系。在教学中用多媒体让学生听不同乐器的声音和旋律来辨别所传达的情感是紧张的还是松弛的，是明亮的还是暗淡的，从而用颜色来表达这种情绪的变化，明亮的色彩，让人心情愉悦，冷灰的色彩让人觉得阴森，压抑等，这就是音乐与色彩的相互转换，这为学生理解抽象美术架起了桥梁。如此，康定斯基的作品就不难理解了。康定斯基始终把绘画看成是一种能唤起听觉的“内在音响”。它经常从音乐的角度来体会绘画的色彩。如他把色彩看作是生活中的“喇叭”“器乐”和“热情”“鼓声”与“铃声”等。在他看来绘画中的色彩犹如音乐里的音符，它本身就能打动观众，所以，康定斯基的作品是抽象的色块和点、线、面的集合，一向被认为是“凝固的音乐”。
（五）教学方法设计
1、图案肌理的制作方法
高中学生理解能力强，再加上不需要写实绘画那样有严格的技艺，因而，可让他们动手制作抽象画。在制作中去体会抽象画所带来的乐趣。如：让学生在板面（如玻璃、塑料板、纸板）上，用水粉、油墨等颜料随意涂画，色彩要饱满，水色要淋漓，以此构成丰富而微妙、自然的肌理效果，然后根据画面效果命题。
2、对比欣赏法
在欣赏国外现代的抽象画时，许多学生会说看不懂，如果把中国的草书拿出来与之对比欣赏，就会发现部分学生虽然不认识其中的字，却能欣赏它的形式意味。中国的草书，特别是狂草，由于其语义的可识性程度降低，欣赏者更注重它的节奏变化及虚实浓淡的笔墨效果。实质上，抽象美术作品中夸张的线条和刺激的色彩与变幻莫测的中国草书是一致的，都是一种平面的抽象艺术，能给观者在视觉上引起某种情绪感受。
3、打散组合法
打散组合的练习能拓展学生的思维空间，提高学生对抽象画的审美表现力。具体做法是：先让学生观察要画的对象（如花、草），将花草的原形平面处理类似剪影，然后根据画面需要或个人的审美趣味将其分解、组合，使其构成一个新的形态。也可将小组或全班学生的作品重新组合成一幅抽象的美术作品，最后画面将会产生意想不到的效果。
三、结束语
总之，抽象的艺术并不是想象中的“高深莫测”。创作抽象画的艺术家对自己的符号解释有时也是模棱两可，作为欣赏者完全不必耗费心思去破解。我们对抽象的美术作品要去了解、认识，而不是对它过于肯定或完全否定。西方的抽象艺术是西方现代艺术中的一种艺术思潮和艺术流派，它仅仅只是学生了解世界文化艺术的一面镜子。
参考文献：
1、列·斯托洛维奇《审美价值的本质》中国社会科学出版社
2、阎增武《美学原理导论》黄河出版社
学了美术鉴赏，在国内，我欣赏的艺术家就是齐白石先生。曾几何时，中国艺术品市场十年来的发生、发展，几乎就是以齐白石的作品为先导的。从嘉德杨永德收藏齐白石作品拍卖专场的滑铁卢到2003年中贸圣佳白石山水册页1650万元的天价成交，齐白石的作品像是一架天平，衡量导引着中国近现代画作的市场走势，也标榜着收藏家与投资人的趣味和取向一直没有离开这位集书法、篆刻、绘画、诗歌为一身的通才、大才。因为他是齐白石，也只有齐白石才会有着如此大的感召力，而这种感召力之大正是基于白石老人艺术创作的伟大。这种伟大是一种至“简”至“朴”、至“拙”至“厚”的，尤其是他的山水画，构图出奇出新，无常法而又合法，貌似平淡的笔调，大气磅礴、纯净明丽。在似与不似之间，把山水灵性的本质，或轻或重、或明或暗地表现出来，大开大合中又见细腻、朴素的善良与乐观的坚强。
在白石老人的山水画中，每一笔似乎都含着家乡的泥土气息，每一根线条似乎都凝结着大自然的露珠，清新而华滋、深厚而通俗。白石老人的书法之好，在中国近现代画家中是少有的，好得让我再看白石以后“画家”们的字款简直不好恭维。白石老人专临“爨龙颜碑”，后学“郑文石碑”，五出五归后又学李北海、何绍基、金农和“天发神谶碑”。他的绘画成就如此之高是与他的书法水平高密不可分的。古往今来，大画家没有一个不是大书家，董其昌、八大山人、齐白石无不是这样的人物。他的字，气魄雄强而峻朗、舒峭，但不失拙意。他擅使长锋，故可以充分利用笔锋吸水墨多的特点，气贯而神完，一气呵成。由于有好的书法根底，在白石老人的作品中，几乎没有经不住推敲的线条，他的线条质量表现在：绵而挺。“棉里裹针”、细中寓柔、柔中见刚。润而满。不滞、不滑，骨力洞达却将霸悍之气藏于水墨之间不露痕迹。雄而强。他的字款在所有的转折处都是留得住笔、留得住墨的，特别是他书法线条的过渡，如锥画沙般的笔锋似乎能把纸切开。他的飞白也极有个人气质，特别是他的“撩笔”，峭拔中虽然略带习气。论及齐白石对近现代中国绘画的贡献，半个世纪以来，无论是美术史学界的专家，还是画家、收藏家，甚至普通的百姓，齐白石的艺术成就是公认的。齐白石就像一座高峰，就像一把标尺，他的绘画是中国画笔墨情趣的绝对体现，更是中国文人绘画近现代的高峰。他的绘画在走进市场后，更是当今中国艺术市场的晴雨表、风向标。莱昂纳多·达·芬奇是意大利文艺复兴时期第一位画家，也是整个欧洲文艺复兴时期最杰出的代表人物之一。他是一位思想深邃、学识渊博、多才多艺的艺术大师、科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、音乐家、工程师和发明家。他在几乎每个领域都做出了巨大的贡献。后代的学者称他是“文艺复兴时代最完美的代表”，是“第一流的学者”，是一位“旷世奇才”。所有的，以及更多的赞誉他都当之无愧。
而另一位我欣赏的艺术家就是达·芬奇。达·芬奇15岁开始在画家A.del韦罗基奥（AndreadelVerrocchio；1435～1488；意大利雕刻家，画家）的作坊学艺。1472年入画家行会。15世纪70年代中期个人绘画风格逐渐成熟。1482～1499年居留法国，除为米兰公爵服务外，还从事其它艺术和科学活动。这期间他的绘画作品不多，但《岩间圣母》、《最后的晚餐》则是他的代表作。1500年出游曼图亚和威尼斯等地。1506年回到佛罗伦萨，创作《圣母子与圣安娜》和《蒙娜丽莎》，还着手为市政厅绘制壁画。1507年再去米兰，并服务于法国宫廷。1513年移居罗马，1516年又到法国，最后定居昂布瓦斯。晚年极少作画，潜心科学
——美术欣赏课程随想
内容摘要：美术欣赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。
中国有句古话，物以类聚，人以群分。不管我们有多么不同，不管多么的有个性，但我们都有一个共同点——我们都被艺术影响着。
时代变迁，各个时代有它不同的主流艺术。欧洲文艺复兴时期，终于有人意识到人性的意义。以坚持现实主义方法和体现人文主义思想为宗旨，艺术家们创造了符合现实人性的崭新艺术。以意大利的达•芬奇、米开朗基罗和拉斐尔为首的14-16世纪的文艺复兴，为了回归人性的自由，他们高举古希腊古罗马艺术精神的旗帜，创造出的人物形象或雄伟健壮，气魄浑宏，或秀美典雅，高于平凡。艺术不再被教条所禁锢，人文的力量再一次被发扬出来。看着那个时代的不朽之作，即使是色彩不再光鲜，甚至不再完整，我依然可以想象出它们当年所能引起的轰动。同样在看到古希腊、古罗马的那些完美绝伦的雕塑时，我也一再惊讶于他们那天神一般让人只能仰视的造型。复兴，这个词的意义就在于告诉我们那一切曾经发生过，也会一直焕发夺目的光彩。在描绘教堂壁画的时候，米开朗基罗可以仰着脖子几天几夜，即使自觉已到极限，依然无法停下手中的创作；为了逼真的描绘人的肢体动作，达芬奇不惜去盗取人的尸体，只为了解人体的构造，在那样一个时代，这样做是难以被世人所认同的。对于达芬奇，似乎有一句很著名的话，说天才和疯子只有一线之隔。我并不十分赞同这句话。艺术创作不是每个人都能做得出来的。所以它们必定要经历某些不寻常的过程，而我们大多看到的只是结果。而且，就算是在做不是普通人会做的事情，他们很清楚他们在干什么。如果我们能够更加理解那些过程，我相信，这些艺术带来的将不仅仅是享受。
尼采说，美术（form art）是日神的造物，而与之相对的酒神则是掌管音乐的祭司。前者有各种各样的限制，如颜色的调配，画布的尺寸，是一种节制的艺术。而在我看来，二者的美虽然在形式上有所不同，但它们都能带给人心灵的震颤。而那种美所带给人的享受，将拯救人于苦难的水火之中，甚至在人太过沉醉时发出警告——它总是在关键时刻告诉人们——这就是人类存在的意义。某一时期所发生的重大事件构成的时代特征，让那个时代的人选择接受什么样的艺术。因而如今你的我们在看美术的历史的时候，经常会看到这样的字眼：“17世纪出现了巴洛克美术”、“18世纪洛可可风格在法国兴起”、“19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期”。被主流大众所接受，才能流传至今的东西，被我们看成当时的艺术，而能够名留青史的却只有屈指可数的几人。因而有时我也会想，如果你发现了某幅因为种种原因而保存到现在的一幅画作，如果它的一切特征都在显示这是一幅印象主义的作品，而最终你被告知它完成于17世纪，而书上没有告诉我们17世纪曾经出现过印象主义。是不是想为那位不知名的画家叹息呢？但时代的作用是巨大的，这种情况我想也不会经常发生，首先就算有，因为当时不被认为是有价值的，因而连流传至今的可能都没有。更何况历史也会出现断层，我们能做的只是在欣赏过去的同时不断前进。
记得曾经看过一个故事，一个男孩想知道什么是文化，于是他经过一番研究学习，最终得出了答案。“文化就在饺子里。”当然，不是字面上的意思。它真正可以引申为，文化不仅仅是一种结果——像已经包好的饺子一样等待人们去品尝。文化是包饺子的过程，饺子的历史，为什么会有饺子这种东西，为什么是中国人发明了它而不是美国人，可人们大多都会认为这种东西很美味，等等这些问题的答案，就是文化。文化就是这样，即使不是自己的，也会得到尊重。它是人类创造属于自己的东西的过程。而美术，作为文化的一个方面，是人类将想象力和模仿力发挥到了极致的结果。
时代造就人才。从一个角度来说，人的一生太过短暂，因而他的成就，他的知识，他的信仰，总会打上时代的印迹，逃脱不了时代的局限。当然这不是我一个人这样说，想要看得更远是哲学家的事情，画家们只用将生活中的美用他们神奇的画笔展现出来。而从另一个角度看，正是因为时代的不同，人类才创造出了如此纷呈缤兰的文化，从早期的古罗马时代完美的雕塑艺术，到后来的印象主义，洛可可艺术，巴洛克，哥特„„不同的人有着不同的信仰，时代将他们筛选出来，形成不同的流派，让他们的创作得以流传至今。
当然，那些从事发扬美的画家，无论他们笔下的美是来自美好的事物或丑恶的事物——对于艺术家来说有时候丑恶中也有美存在，那种唤醒生命的，惊人的美。在他们的画中也有思考，哲学的思想，并不为所有人所理解的，而不仅仅是表现美的，当然对于理解它们的人来说那也许是美的。比如说，并不是所有人都会喜欢印象主义的画，人们一开始还因为太抽象而将之视为劣质品。
最后我们欣赏到了中国的美术。外国的绘画或建筑艺术，无论他们有多精致，多写实，总给人一种疏离感。而中国的艺术，那些黑色的墨迹，行云流水一般在白纸上酝开，所表达的意境尽在不言中了。大象无形，至美无华。而中国的建筑艺术，其结构上巧夺天工一般的设计，与其周围的环境融为一体，诉说着更为贴近自然的情感。看着那些亭台楼阁，想象自己走在那雕廊画栋之间，觉得心都可以宁静下来，感受周围一丝的风吹与草动。那是一种真正的回归。
我一直都认为要有一定的文化积淀，才能对艺术品表达自己的鉴赏力，但我想有些人对好的艺术品有着天生的鉴赏力，因为美是共通的。而学习这门课程给我们提供了这样一个渠道，去了解和感受美术背后的故事。如果说科学技术教会我们的是如何生存的话，那么美术和其他艺术形式，则教会我们的是看待生活的方式。有了它们，生活才是完整的。
美术鉴赏课更好的培养我们，提高我们的素质，最根本地是提升了我们的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。美术鉴赏有益于我们灵魂的雕铸和人格的完善 艺术教育注重开发和挖掘人自身的潜能，并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识，不断提升人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。人的全面发展，正如恩格斯所认为的那样，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是一专多能的素质型发展。鉴于此，大学生的艺术素养已经日益融入时代的潮流之中，倍受人们的重视与关注。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕铸和人格完善的全面发展中起着重要的作用。满足大学生的审美需要，提高和培养审美能力，在美术鉴赏课上，通过大量地、广泛地鉴赏优秀艺术作品，就会逐渐具有和提高感受美、理解美的能力了。这里不单单是提高我们的鉴赏水平问题而是如何发展我们的价值取向问题。提高我们对美术意义的认识，培养我们正确的审美理想，健康的审美情趣，提高对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力。
姓名年级专业学号
1.以作品为例谈谈古希腊雕塑的魅力。
答：古希腊雕塑的魅力在于一种“真实的美”，它创造了一种美的综合，对于人体本身也充满了赞美，这些我们可以从这一时期的许多裸体雕塑上得以体会。米隆的作品《掷铁饼者》 高约152 厘米，雕像选取运动员投掷铁饼过程中的瞬间动作，这正是铁饼出手前一系列瞬间万变动作中的暂时恒定状态，运动员右手握铁饼摆到最高点，全身重心落在右脚上，左脚趾反贴地面，膝部弯曲成钝角，整个形体有产生一种紧张的爆发力和弹力的感觉。形体造型是紧张的，然而在整体结构处理上，以及头部的表情上，却给人以沉着平稳的印象。而且在作品中，运动员身体的线条和肌肉的雕刻都栩栩如生，这正是古典主义风格所追求的，既自然又真实。
2.米开朗基罗的艺术特色体现在哪里？
答：如果说，达•芬奇把艺术视为科学、赋予艺术以理性的话，那么米开朗基罗
则把艺术视为神圣的个人创造、赋予艺术以力量和激情。米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。他对男性人体美极力表现,甚至对女性人体的刻画也趋于男性化。他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加
一、树立正确的审美观, 提高审美意识
审美观是关于认识美、感受美、创造美的基本观点, 是世界观和人生观的重要组成部分。高中生学习美术鉴赏的意义就在于要以美引善, 提高学生的思想品德;以美启真, 增强学生的智力;以美怡情, 增进学生的艺术素养和身心健康。美术发展到现今, 它的涵义非常广泛, 不是有些人认为的美术就是“画画”, 这种观点是错误的, 可以说, 在我们的衣、食、住、行、用等各个方面都离不开美术, 美术已经遍及了人们生活的方方面面。美术作为一种视觉艺术, 在发展学生的视觉、获得以视觉为主的审美体验、陶冶审美情操等方面, 具有其他学科难以替代的作用。另外, 美术作为一种文化, 我们每一个人都有发扬、传承这种文化的义务和责任。由此可见, 想要培养、提高学生的艺术素养首先应该树立正确的审美观。
二、培养学生的学习兴趣, 提高审美情趣
“兴趣是最好的老师”, 因为它是学生主动学习, 积极思考, 勇于探索的强大内驱力。因此, 在美术鉴赏的教学过程中培养学生的学习兴趣至关重要, 学习美术鉴赏最关键的问题在于学生是否对这门课产生了学习兴趣以及学习欲望, 这样我们不仅要了解学生的基本情况, 还要了解学生的心理状况。从兴趣入手, 科学地设计学习活动, 充分唤起学生的学习兴趣, 引发学生的竞争意识, 实现从“要我学”到“我要学”的转变, 培养学生的学习兴趣是培养、提高学生艺术素养的首要条件。
三、转变教学观念, 提高自身修养
高中美术新课程标准中规定, 普通高中美术课程的实施要注重培养学生的独立精神, 倡导自主学习、研究性学习和合作学习, 引导学生主动探究艺术的本质、特性和文化内涵。通过美术学习活动, 让学生学会用艺术思维的方式认识世界, 学习艺术表现和交流的方法, 提高美术素养。那么, 我们就必须改变以往的教学观念, 建立新型的师生关系, 把学生放在主体地位, 引导学生主动探究、自主学习, 传统的教学观念已经不能满足新课改的需要。这样, 我们必须要认真学习新课改的理念, 理解把握新课改的精髓, 以新课程标准作为教学的指导思想。
此外, 作为美术教师的我们, 就要不断地提高自身的修养。除了认真学习和研读高中美术新课程标准外, 还要了解和掌握现代化的教学理念、教学工具以及教学技术, 并且在工作之余多学、多看、多动手实践, 不但要提高自己的认识还要提高自己的动手创作能力, 教师只有自身素质提高了, 才能更好地引导学生学习, 从而提高学生的艺术素养。
四、改变教学模式, 提升综合素质
随着现代教育技术的发展和素质教育的逐步推行, 传统教学模式的局限性日益明显, 现代教育技术给美术鉴赏教学带来了更为广阔的空间, 这种融声音、图像、文字、动画、信息为一体的教学技术, 弥补了传统教学方法的不足。以往的欣赏课教学由于物质条件的限制, 一般只是采用挂图、幻灯片等手段进行, 教学地点也常常离不开本班教室, 这样不仅影响了教师的教学效果, 同时也因教学模式的单调而削弱了学生的学习兴趣, 降低了学习效率。因此, 我们必须改变传统的教学模式, 做到课前教师要引导学生收集相关的文字、图像等资料, 并运用互联网等媒体资源进行资料地搜集与检索, 为上课做好充分地准备, 锻炼学生自主学习的能力;课上, 教师要作为引导者来引导学生自主学习, 把课堂交给学生, 让学生有自我展示与发挥的空间。教师应善于学习并应用多媒体等先进的教学手段来改进自己固有的教学模式, 并利用这些资源开展自主式的研究性学习, 让学生在轻松、愉悦的教学中去感受美、体验美、欣赏美、创造美。课后, 教师要做好教学反思, 对于课堂上出现的问题进行分析, 并找出解决办法。
五、创设艺术环境, 增强艺术氛围
创设艺术环境, 可以让学生随时随地地感受到艺术的氛围和气息, 让艺术作品更贴近学生的生活, 让学生学会在生活中发现美、感受美, 并愿意动手去创造美。我们可以充分利用学校的楼道、走廊、墙面或者是橱窗等空间悬挂、张贴一些优秀的中外艺术作品, 或者是不定期地展示一些学生的作品, 用学生的作品来办展览, 不仅可以让学生体验到成就感, 而且更贴近学生的生活, 让学生随时随地地感受到艺术的熏陶。
当然, 学生艺术素养的形成是一个长期的过程, 不是短时期就可以凸显出来的。只有教师根据学校的实际情况, 从自身出发, 了解学生, 转变观念, 利用各种教学方法和先进的教学工具, 培养学生的学习兴趣, 提高学生的自主学习能力和创新能力, 才能有效地培养、提高学生的艺术素养。
摘要：美术教育不仅能培养学生的审美情趣, 而且对学生的观察力、想象力、创造力的培养和发展都有非常大的作用。高中美术新课程标准中规定, 普通高中美术课程的实施要注重培养学生的独立创新精神, 倡导自主学习, 研究性学习和合作学习, 引导学生主动探究艺术的本质、特性和文化内涵。通过美术学习活动, 让学生学会用艺术思维的方式认识世界, 学习艺术表现和交流的方法, 提高美术素养。经过多年的教学, 我觉得应该从以下几种途径入手, 使学生的艺术素养得以提高。
关键词：美术教育；艺术素养；方法
中图分类号：G63 文献标识码：A 文章编号：1673-9132（2016）27-0230-96
DOI：10.16657/j.cnki.issn1673-9132.2016.27.122
《高中美术新课程标准（试行）》中明确阐述了，美术课具有陶冶审美情操，提高生活品质；传承文化艺术，弘扬人文精神；激发创新精神，增强实践能力；调节心理状态，促进身心健康；拓宽发展空间，助益人生规划的课程价值。我国从古至今都有着美育的传统，孔子就特别重视艺术教育的感化作用，他主张“兴于诗、立于礼、成于乐”，我国近代的教育家蔡元培、陶行知、鲁迅等也都很重视艺术教育。那么，在提倡素质教育的今天，美术教育是不能被忽略的。在高中美术鉴赏课中，培养、提高学生的艺术素养有哪些行之有效的途径呢？经过多年的教学，我觉得应该从以下几个方面入手，使学生的艺术素养得以提高。
一、树立正确的审美观，提高审美意识
审美观是关于认识美、感受美、创造美的基本观点，是世界观和人生观的重要组成部分。高中生学习美术鉴赏的意义就在于要以美引善，提高学生的思想品德；以美启真，增强学生的智力；以美怡情，增进学生的艺术素养和身心健康。美术发展到现今，它的涵义非常广泛，不是有些人认为的美术就是“画画”，这种观点是错误的，可以说，在我们的衣、食、住、行、用等各个方面都离不开美术，美术已经遍及了人们生活的方方面面。美术作为一种视觉艺术，在发展学生的视觉、获得以视觉为主的审美体验、陶冶审美情操等方面，具有其他学科难以替代的作用。另外，美术作为一种文化，我们每一个人都有发扬、传承这种文化的义务和责任。由此可见，想要培养、提高学生的艺术素养首先应该树立正确的审美观。
二、培养学生的学习兴趣，提高审美情趣
“兴趣是最好的老师”，因为它是学生主动学习，积极思考，勇于探索的强大内驱力。因此，在美术鉴赏的教学过程中培养学生的学习兴趣至关重要，学习美术鉴赏最关键的问题在于学生是否对这门课产生了学习兴趣以及学习欲望，这样我们不仅要了解学生的基本情况，还要了解学生的心理状况。从兴趣入手，科学地设计学习活动，充分唤起学生的学习兴趣，引发学生的竞争意识，实现从“要我学”到“我要学”的转变，培养学生的学习兴趣是培养、提高学生艺术素养的首要条件。
三、转变教学观念，提高自身修养
高中美术新课程标准中规定，普通高中美术课程的实施要注重培养学生的独立精神，倡导自主学习、研究性学习和合作学习，引导学生主动探究艺术的本质、特性和文化内涵。通过美术学习活动，让学生学会用艺术思维的方式认识世界，学习艺术表现和交流的方法，提高美术素养。那么，我们就必须改变以往的教学观念，建立新型的师生关系，把学生放在主体地位，引导学生主动探究、自主学习，传统的教学观念已经不能满足新课改的需要。这样，我们必须要认真学习新课改的理念，理解把握新课改的精髓，以新课程标准作为教学的指导思想。
此外，作为美术教师的我们，就要不断地提高自身的修养。除了认真学习和研读高中美术新课程标准外，还要了解和掌握现代化的教学理念、教学工具以及教学技术，并且在工作之余多学、多看、多动手实践，不但要提高自己的认识还要提高自己的动手创作能力，教师只有自身素质提高了，才能更好地引导学生学习，从而提高学生的艺术素养。
四、改变教学模式，提升综合素质
随着现代教育技术的发展和素质教育的逐步推行，传统教学模式的局限性日益明显，现代教育技术给美术鉴赏教学带来了更为广阔的空间，这种融声音、图像、文字、动画、信息为一体的教学技术，弥补了传统教学方法的不足。以往的欣赏课教学由于物质条件的限制，一般只是采用挂图、幻灯片等手段进行，教学地点也常常离不开本班教室，这样不仅影响了教师的教学效果，同时也因教学模式的单调而削弱了学生的学习兴趣，降低了学习效率。因此，我们必须改变传统的教学模式，做到课前教师要引导学生收集相关的文字、图像等资料，并运用互联网等媒体资源进行资料地搜集与检索，为上课做好充分地准备，锻炼学生自主学习的能力；课上，教师要作为引导者来引导学生自主学习，把课堂交给学生，让学生有自我展示与发挥的空间。教师应善于学习并应用多媒体等先进的教学手段来改进自己固有的教学模式，并利用这些资源开展自主式的研究性学习，让学生在轻松、愉悦的教学中去感受美、体验美、欣赏美、创造美。课后，教师要做好教学反思，对于课堂上出现的问题进行分析，并找出解决办法。
五、创设艺术环境，增强艺术氛围
创设艺术环境，可以让学生随时随地地感受到艺术的氛围和气息，让艺术作品更贴近学生的生活，让学生学会在生活中发现美、感受美，并愿意动手去创造美。我们可以充分利用学校的楼道、走廊、墙面或者是橱窗等空间悬挂、张贴一些优秀的中外艺术作品，或者是不定期地展示一些学生的作品，用学生的作品来办展览，不仅可以让学生体验到成就感，而且更贴近学生的生活，让学生随时随地地感受到艺术的熏陶。
当然，学生艺术素养的形成是一个长期的过程，不是短时期就可以凸显出来的。只有教师根据学校的实际情况，从自身出发，了解学生，转变观念，利用各种教学方法和先进的教学工具，培养学生的学习兴趣，提高学生的自主学习能力和创新能力，才能有效地培养、提高学生的艺术素养。
课程名称
学院
班级
指导老师
学生姓名
学号
内容摘要：本文主要对艺术大师毕加索创作的立体主义代表作《亚维农少女》进
行简析，了解此画动态观察、散点透视等构图方法以及绘画风格。
关键词：《亚维农少女》立体主义毕加索
翻开19世纪到20世纪的光辉的艺术史，毕加索不同于同时期任何一位艺术家，他游走于众多风格流派之间，变换着不同的艺术手法，成为20世纪最伟大最自由的艺术家。他的一生辉煌之至，被称为二十世纪西方最具影响力的艺术家之一。其中立体主义也许是个最丰腴的分水岭，许多方面都堪与意大利文艺复兴相比拟。它创造了更真实的艺术，其最大的影响是掀起了艺术家对于“真实”的新主张和新观念。立体主义的代表作《亚维农少女》打破了传统西方绘画的绘画方式与构图特点
一、绘画背景
毕加索创作于1907年的《亚维农少女》被认为是第一件有立体主义倾向 的作品。《亚维农少女》一画的出现是因为20世纪初人类文明迎来了新的曙光，在自然科学、社会科学等方面取得了长足的进步，新观念、新学说和新的生活方式共同刺激着毕加索艺术观念的改变。与此同时，还受到了塞尚晚期绘画中抽象视觉分析和几何结构见解的影响和非洲面具造型的影响。于是，1907年毕加索在非洲黑人雕刻和古代伊比利亚人艺术的启发下把塞尚对几何结构完美的追求推向了极致，创作出颇有争议、被认为是立体主义开端的《亚维农少女》。
立体主义的主将是毕加索和布拉克。立体主义在1912年之前被称为“分析立体主义” ；1912年到1914年，被称为“综合立体主义”。分析立体主义主张画家从不同角度累观察物象，然后把组成物象的诸多元素重新组合、相互叠置、相互渗透，成为一个整体。这种方法使画面本身产生一种立体感，但并不取消平面。这种方法非常近似于塞尚的方法。毕加索说：当艺术家每一次毁弃一个美的【1】发现时，不是压抑它，而是把他改造，使它更紧凑些。综合立体主义是分析立
体主义的成熟形式，综合立体主义的构成是从自然上升而来，而分析立体主义是从先验的抽象元素出发。如果说在分析立体主义破碎而剔透的机构中，还保留着强烈的光线和某种空间感，那么综合立体主义则不再从解剖、分析对象入手，而是利用多种不同的素材组合，去创造一个新的母题，并且采用食物拼贴的方法，【2】 使艺术接近生活中平凡的真实。
二、绘画内容
在《亚维农少女》这幅巨大的画面中：5个裸体的女人沿着对角线占满了画面，从左上角的手开始，到右下角蜷伏的身体作为结束把这幅画分成3个垂直部分，分别为站在左侧的女人、两个相对的女人以及右侧的两个女人。所有的人物
都被呈现在同一个平面上，人物的动作大胆，形象怪异。“亚维农”是毕加索的家乡西班牙巴塞罗那的一个小镇，画面中所表现的这些少女是一些正在街头拉客的妓女。画中的内容洋溢着强烈的不满情绪，具有浓重的嘲讽意味。
三、绘画风格
毕加索在这幅画中自由地联系形态结构，从而使少女们的头、鼻子或者眼睛大搬家，这些原本位于侧面和正面的形象被安排在同一个平面中展现出来。这些形象被毕加索大胆的省略了对细节部分的描绘，以近乎概念化的整体笔触表现肌体的起伏和面部五官，以简练的线条勾勒出主要形状，使人物外形更加有力。画面中的五个少女不单形态粗糙，而且还严重地扭曲变形。在有限的绘画空间内，将本来位于不同侧面的五官挤到同一平面中，就必然会随着某些形态位置的转移使客观形态发生扭曲、变形。人们能够在一个平面的绘画空间中，同时看到人物形象的不同侧面，形成一种“立体的认知”。[3]
《亚维农少女》画面中的人物及其背景是以几何形结构来处理的，画面上五个裸女的身体是由许多小平面组成的，这些小平面是画家从不同的角度上观察所得，如右下角的那一个少女呈现给观众的是背影，但是又可以开到面部的正面和侧面，这种构图手法在毕加索以后的作品中屡见不鲜。画家多角度的观察对象及视点的自由改变，是一种在运动状态中观察的结果，而少女的正面和侧面形象同时出现在同一个平面中，则是一种对客观对象自由联系和立体展示的结果。毕加索在这幅画中不仅仅展现了立体主义一种新的空间结构和新的观察方法，而且还包含了一种时间变化的因素。正是运用这种构图手法，毕加索在二维平面上塑造了立体空间，从而打破了传统上运用透视法塑造的三维空间的成规。
毕加索在这幅画中彻底抛开了静态观察、焦点透视的绘画技法，采用动态观察、散点透视的方法，随心所欲地改变视点，从空间处理上来看，毕加索也力图通过色彩学原理缩小任务背后的空间，而将她们尽量拉出来：作为背景的蓝色一般都有往后缩的效果，但给它勾上白边就取得了恰好相反的效果；肉粉色调的人体在蓝色背景的映衬下突显出来，她们睁着恐怖而神秘的眼睛，动态夸张蠢蠢欲动，仿佛从近距离上突然拉开幕布所见到的一组群体造型，给人以强烈的视觉感受。
在这幅画中，毕加索除了阐述了立体主义中应该从多个侧面、多个角度观察
和理解客观世界这个观念的同时，还传达出立体主义中对于客观素材自由组织的观念。毕加索认为：绘画就是平面上的痕迹和图形的结构，绘画不是画东西，而是画自己，图画本身就是物质世界，而不是庙会物质世界。也就是说，在绘画中重要的是表现人的想法，画画的人可以按照自己的意愿去处理平面上得痕迹和图形的结构。《亚维农少女》代表的立体主义这种动态观察、散点透视的构图方法及其对于客观素材可以自由组织的观念，对于西方绘画是一种创新，但是对于中国绘画而言，动态观察、散点透视的构图方法，以及对于客观素材自由组织的观念似乎已经习以为常。
