内心节奏感的培养

内心节奏感的培养（共7篇）

内心节奏感的培养 篇1

摘要：音乐是声音的艺术，节奏是声音艺术的灵魂，没有节奏就没有音乐，缺乏节奏的声音只能说是一种不中听的噪音。所以，培养学生的节奏感，是钢琴教学的重要环节．学生在钢琴音乐节奏方面最容易出现的问题，一是节奏的音值不准确，一是由于对作品的内容不了解从而达不到音乐所要表达的情绪要求。、关键词：音乐节奏培养

我们所接触的钢琴作品中，有些乐曲既有标题也有速度标记，有些乐曲有标题但没有速度标记，有些乐曲有速度标记但没有标题，有些什么标记都没有。一般来说，容易把握有标题和速度标记的作品，基本都可以用正确的速度和节奏来演奏。对于什么标记都没有的作品，最好先体验一下不同速度下的效果，从而找到所需要的弹奏节奏。教师在教学中要反复强调节奏的重要性，要使学生明白节奏是一种和谐的韵律，决不能简单地看到二拍子就弹“强弱”，看到三拍子就弹“强弱弱”，生硬而呆板地机械处理节奏的方式，会严重地影响音乐的流畅性与和谐性．随着学生弹奏技术的提高，学生对音乐的感悟能力也会不断地深入，但对于一首较难较大的作品，如果只机械地按照速度标记来弹奏则很难产生理想的效果，还需要在教师的指导下尽可能深入了解作曲家创作的时代背景、创作风格以及所要表现出来的音乐形象，这样才能用正确的弹奏手法和准确无误的节奏完成作品。

节奏的脉动每时每刻都贯穿在音乐之中，有规律的节奏会产生共鸣。在古典音乐中，节奏往往容易在某种程度和某些方面被忽略。因此，在钢琴的练习和演奏中，节奏感的强调就显得至为重要，需要靠弹奏者的良好训练和感觉去体现出来。节奏是音乐的基础，也是音乐的生命。节奏感的培养对钢琴的练习有举足轻重的作用，我们应该用心去感受，刻意地去锻炼，这样才能真正把钢琴练好，达到事半功倍的效果。

（一）怎样提高节奏感

我们平时弹奏中节奏感好指的是什么呢？概括来说，是指善于感受到、捕捉住、表现出乐曲节奏的韵律、韵味、趣味、情趣等等节奏美。弹奏中体现出明确而又自然的节拍强弱感。根据乐曲的风格、表情的需要，保持稳定、持续的均粉

律动感，即速度、拍感的稳定、统一。还有准确弹奏出非正常节拍强弱关系的特殊强弱关系来。

节奏感的基础，是拍感准确。拍感准，也就是能准确掌握每拍的时值。任何人都有天生的拍感。对初学者来讲不易弄明白，讲定义，苦涩乏味，难以理解，这就要求教者采取生动形象活泼的方法让初学者去意会、去感知。比如说在人的生活环境中，有许许多多拍感的事物，例如：平静时摸摸自己脉搏的跳动，匀速走路或匀速跑步，海浪的起伏，泉水的流淌，马蹄声声，细雨滴滴，大而至日日夜夜，四季往复，小而至钉上一个钉子„„所有这类事物和活动，都包括有近似匀速的运动。匀速，就是拍感的基点。要提高初学者的拍感，建议做以下练习：

（1）单手握小棍，轻敲桌面，分别用中速、快速、慢速三种速度练习，打出非常均匀、准确、无轻重音的点子。（2）同样的方法，加上轻重音，即2/4的强、弱，3/4的强、弱、弱，4/4的强、弱、次强、弱，以及其他种节拍强弱关系。（3）双手握棍，一只手一拍打一下，另一只手同时每拍均匀打两下，再练习每拍均匀打四下，均匀打三下。开始不管节拍，只求均匀，然后再加上节拍。（4）速度也可适当改变，但每拍四下的速度不宜太快。这些练习并不复杂，但如能熟练掌握，将能有效地为初学者打下良好的拍感和节奏感的基础。（5）学生能力强的，还可进一步练习2对3的拍子，即：一只手每拍打出平均的两下，另一只手同时打出平均的三下，再两手交换。这个练习，只有每拍的头一个点子是打在一起的，后面双手的点都不对齐，即不打在一个点上。如果这个练习能够完成好，就不会再感到拍子上的困难了。这些练习，主要是为提高准确感觉“拍点”的能力。更为重要的是，学生还应在老师的指导下，领会、理解乐曲节奏方面的表情的、表现的、风格的等等审美涵义，才能将节奏感提到一个更高的境界。

（二）如何培养内心节奏感

内心节奏感是音乐感觉最重要的组成部分。它近乎下意识的节奏感觉，必须经过训练才能逐渐形成。实际上，对乐曲的理解与对乐曲节奏的理解是无法分开的。当然，在学习过程中，也可以把节奏因素单独提出来予以练习和理解，方法很简单，暂时不管音符的音高，把音符只当成组成各种节奏型的“点子”，用拍手或以小木棍击打的方式准确打出那些点子，从中体味“纯粹”节奏方面的特性、趣味。在有了某种领会之后再在钢琴上按原曲弹奏，很可能会加深对节奏的理解。

在初学阶段，应当时刻用心数拍。在相当长的一段时间里用心数拍子之后，可以过渡到下意识地数拍子，即并没有意识地数，但实际上在数。或者下意识里也没有数，但却能准确感觉到音符的应有长度和律动。那么，心里数拍子的时候，要注意什么呢？第一，正确理解什么是拍子的准确。音乐中拍子的准，并不要求像节拍器那样绝对的准。根据音乐的性质，曲调，乐句的抑扬走向，拍子的律动会有少许的加快与减慢。加快减慢的幅度，视具体乐曲而定。例如进行曲，就几乎没有（或很少）加快减慢。而“船歌”类的，拍子就“活”一些。但无论怎样，音乐拍子，不能随便，快慢不定，那样就没拍子。音乐拍子的准，是在“绝准”的前提下，适当“通融”后的音乐意义上的准。第二，既然是心里数拍子，就不要连带出多余的外在动作。比如，四拍的长音，就不必要点头四次，或手指按键，手腕下压四次。要真正作到心里有数，并不外露。最后的理想状态是，完全没考虑拍子的事，只凭对音乐流动逻辑的感觉而自动做到拍子正确。这时，数拍子，就变成为节奏感、律动感、韵律感。音乐是时间性的艺术。音乐的时间，由各种各样的拍子组成。拍子，是维系音乐生命线的根本因素。

拍子在弹奏中是非常重要的，对于初学者来说，正确地使用节拍器,对于钢琴的练习是非常有益的。众多钢琴演奏家和钢琴教育家在实践中都使用过节拍器，他们对节拍器的利弊持有不同的观点：贝多芬是用它来表示作品速度的第一位作曲家，他也是节拍器的大力推崇者，他还将自己的《第八交响曲》献给了梅尔策尔以示节拍器在他失聪之后对他的帮助。史兰倩卡在《指尖下的音乐》中就强调多次使用节拍器和介绍如何通过使用节拍器在保持肌肉松弛状态下速度的极限提高，其中还提到“肖邦深深感到这个问题普遍存在于钢琴弹奏者身上，因此他强烈的认为，练习时应该使用节拍器”。（1）有助于精确的节奏感的建立；借助节拍器经过严格训练之后，很容易体会及处理节奏上的一些灵活性，因为演奏者所犯的错误中的90%几乎都是节奏方面的错误，这些错误主要是对于音符或休止符的时值处理不精确，这一点特别使用于初学者。（2）有助于基本功的训练；在钢琴学习中，基本功的练习是非常重要的，在严格的节奏韵律下肢体会更加放松，弹奏也会更加行云流水，这得益于节拍器带给我们节奏感的平衡，协助我们培养更加全面、扎实的基本功。（3）有助于演奏速度的确定；从古典主义时期作曲家到近现代作曲家，他们很多都在乐谱上注明了乐曲的参考速度，这样节拍器

可以让我们快速且准确的了解到标注所指示的要求速度。

为什么霍夫曼会发出“永远不要跟着节拍器弹奏”的感叹 ？其实，节拍器也有它的弊端。（1）节拍器本身对演奏者的干扰；不同的节拍器对人的干扰是不同的。比如机械式节拍器，因为心理学实验告诉我们它一直持续不断地发出哒、哒、哒的声音，人的大脑很自然地会产生一个反作用，这会使人产生错觉，甚至听不到节拍器的声音。同样，很多学生用眼睛追着摆锤的左右摆动以及电子节拍器显示灯的闪烁，往往也会影响他们弹奏的协调一致。（2）从头到尾使用节拍器；汉密尔顿表示“基本节奏的稳定绝不意味速度的刻板。” 一定要避免打开节拍器让学生从头至尾弹奏。音乐就像人的演讲，我们表达的时候会根据内容不同表达得迂回婉转，何况更为强烈的感情表达。如果让某个学生必须在曲目练习中从头至尾使用节拍器，他日后的演奏可能就会像机器人，甚至他就成了节拍器的奴隶，这样的演奏也许精确但却失去了音乐想要表达的情趣。(3)长时间或长期使用节拍器音乐心理学告诉我们如果使用节拍器超过10分钟，你的内心会开始耍一些技巧来让你失去拍子的准确性。这样使用节拍器对于学习技巧是有伤害的。在练习过程中，不管节拍器的利弊，它就是一个工具。就连节拍器最大的推崇者贝多芬在一首歌曲的手稿上也曾写道“按照Maelzet节拍器(每分钟)100，这个指示只对第一小节有效，‘ 情感的速度’是不能够完全以数字表示的。”而节拍器的反对者约瑟夫•霍夫曼虽在书中写到“永远不要跟着节拍器弹奏”，但其后他又补充到，“对于一小段乐曲，可以用节拍器检验你有没有按准确的时值弹奏它的能力。当你看到结果，知道是否准确后，应立即停止使用节拍器。”所以，节拍器，实质就是一个工具。我们要做的关键所在是怎样科学运用它。

我们在掌握音乐技能时，除了要具备自觉歌唱的能力，读谱视唱和看谱唱词的能力外，更重要的是要具备良好的节奏感。节奏的脉动每时每刻都是贯穿在音 乐之中。要去感觉节奏，感受节奏的分组，节奏的特性以及音乐中的强拍与弱拍，音流中的节奏划分等等，例如，在弹奏《威尼斯船歌》这首乐曲时，船歌采用了八六拍子，左手部分表现的是船在水中摇荡的背景，它以三个八分音符为一组，每小节分两组。根据八六拍子的节奏特点。强、弱、弱、次强、弱、弱，把船在水中左右摇摆着前进的感觉表现得恰到好处。在弹奏时，把第一拍作为一个重音的根音沉下去，二、三拍轻轻地带过去，第四拍作为次重音也要放稍稍重一点，然后五、六拍再轻轻地弹过去。将这些力量处理好了，乐曲背景中船在水中荡漾的轮廓就显示出来了。因此，我们必须要认真地对作品的节奏进行分析，并去感觉体现它。此外，演奏者还要感受节奏的律动，要通过内心去体会，感受。它表现了音乐和节奏的进行和流动。

音乐的节奏感作为一种基本的音乐才能，不仅是生理的基础，还要有心里的感情作用。有人曾把节奏看作是音乐的呼吸与进行的原则，节奏的性质、呼吸和力度等，都是由音乐作品的内容和艺术形象所决定的，因此，如何进行节奏的学习以及怎样训练才能取得良好的效果，对于我们自身音乐素养的提高具有十分重要的意义。

参考文献：

内心节奏感的培养 篇2

从古至今, 从人类入思路径的愚蒙懵懂到思路开化, 人类认知、判断、诠释、研究或对其他一切客观事物的描述都是依托于语言来完成的, 如果没有语言这种预设的符号性表达, 人类最基本的交流将会存在种种障碍。在人际交往中, 人类所用到的不仅只有语言一种工具, 同时语言的范畴也不仅仅局限于唇齿相撞发出的气流冲击, 形体语言也是其中很重要的交流形式之一。形体语言也可称之为肢体语言, 是人类交流时可见、可感, 并且是相对直观的交流手段和工具。它可通过身体的某个部位与外界沟通情感和交换信息, 传递人们的内心动机和情感信息。在戏剧表演中, 演员通过适度准确的形体语言动作, 让人物角色真正立起来, 并成为“场上之曲”, 呈现给观众血肉丰满的人物形象。形体的语言在戏剧的整个表演过程中, 是最为外化、基础, 并且也是最为重要的, 因为它能够控制舞台气氛以及舞台节奏, 是演员成功塑造人物的“法宝”。

形体语言不仅能突出戏剧感染力, 并且也能强有力地烘托出主题思想和深刻内涵。因此, 在平时的表演学习和训练中, 演员更应充分调动身体, 站在“第一自我”和“第二自我”方向上进行理性分析。首先要理解剧作家想表达的主旨, 理解人物的思想情感, 进而分析得出内在感受, 让自己进入角色;其次, 要根据角色的特性和角色此时此刻的情感态度, 完成角色所要表达的形体语言, 并且这些步骤的实施也逐步控制着演员的内心节奏;最后, 演员必须要将其形体语言加以润色, 进行呈现。

(一) 形体语言的概念

通俗意义上讲, 形体是身体有机律动的体现, 形体的定位不仅是舞台从业者这一狭小方面, 也是普通人生活中必不可少的部分。形体是相对直观的, 但它又是内在的, 它不仅能够表现出人们的外在形象和面貌, 还能在一些侧面体现着人们内心的本质。刘建在《无声的语言》中提到:“人的思想情感的流露是由人的身体符号外泄而出的, 人的每一表情、姿势、动作都是一种符号, 都代表着一定的意义。”以上文字, 更多的是对舞蹈形体的理解和诠释, 延伸到戏剧我们会联想到哑剧。哑剧是一种起源于古埃及和古印度的戏剧形式, 这种戏剧形式虽然古老, 却更需要演员极富张力的表情和肢体, 并且这种形式特别能调动起观众的情绪, 使观众跟着演员预设的节奏来流露他们的喜怒哀乐。对于戏剧演员来说, 演员的身体是其塑造人物的载体, 所以我认为可将形体语言视为戏剧表演的灵魂。一个优秀的演员, 要充分利用形体语言的优势, 提升自己的表演创作能力, 最大化地将戏剧人物的生动形象呈现给观众, 展现出戏剧表演艺术的独特美感。

(二) 形体语言的作用

在戏剧表演中, 肢体语言和演员的台词共同承担着发出信息、传递任务的作用, 并且很多肢体语言对演员所表达的内容有着强调的作用, 具有感染和震撼观众的作用。于是之在《戏剧学习》一书中曾这样说过:“这种‘似曾相识’实际上就是由于演员所创造出来的人物形象的真实性而获得的一种生活的真实感, 如果一个演员缺少源于角色的行动, 没有在舞台上自然而然地动起来, 那么戏剧将会变得索然无味。”

具体说来, 形体语言的主要作用是演员在角色扮演中, 通过了解所扮演者的社会背景、风格特点、人物性格等因素后, 借助肢体动作将角色内涵展现出来。比如说质问、逃走、哭泣等形体动作可以以多种形式和面目进行体现, 然而这些行动的依托主要是剧作家给予演员提示。形体语言中, 一个单独的动作相当于剧本中的一个词汇或是一个舞台提示。文学的故事性或戏剧性是通过代言体的组合所形成的, 通过有机组合, 树立起一种形象或表达一种情愫以飨读者。而形体语言是通过创作主体的肢体与情感交融, 或是手、脚、腿等动作, 基于艺术的基础之上予以排列, 从而传递一种信息或是表达某种思想感情的。

形体动作千变万化, 因此依托于它的形体语言更是丰富多彩。说到形体语言, 我们也可以从两个角度去进行深入探索。一种是相对外化的, 是以形体展现为主体, 以情感为辅的一种表现形式, 比如舞剧, 而另一种则是以情感依托为主线, 形体为情感服务的形式来进行表现, 比如话剧、音乐剧等。这两种不同的表现形式虽然都调动起了我们的身体, 可他们所呈现出的美学色彩是截然不同的。

戏剧表演是艺术创作, 是取之于生活但高于生活的。形体语言是创作的关键一环, 它不仅要展现人物特点、戏剧冲突, 更重要的是通过表演者的形体美来进一步展现戏剧的表现魅力与艺术美感, 提升自身的艺术价值与表演作用。

二、演员内心节奏的把握

戏剧表演中, 人物的塑造分为外部节奏和内心节奏。外部节奏通常是通过演员的身体进行传达, 更多的是展现给搭档或观众的, 而内心节奏则是演员通过自身对剧作和人物的理解, 表达演员内心的历程。演员只有准确掌握内心节奏, 才能传达给观众形神合一的戏剧表演魅力。

内心节奏并不是形而上学的, 而是能够像蜘蛛布网一样, 有逻辑地将其融合在一起。戏剧表演是演员借助人体本身来传情达意的表现艺术, 除了丰富的肢体动作外, 更重要的是演员心灵的感觉, 如果仅在表面上“演”这个角色, 是万万不可的。戏剧表演中, 演员的内心节奏的确起到了一定的支配作用, 如果能够将其合理运用, 则能够将人物塑造得更加丰满, 将之鲜明地立于舞台之上, 让剧作的节奏更加具有戏剧张力。同时, 戏剧艺术具有其独特的双面交流性, 更能够吸引观众视角, 让整个故事充满紧张性、集中性和曲折性。

(一) 内心节奏的关键性

内心节奏主要是演员自身的情感体验。演员应该如何更加准确地把控内心节奏?首先, 演员应该做到真听、真看和真感受:演员只有真正走进规定情境之中, 产生了内心的真实感受, 面对矛盾和冲突, 内心节奏才会发生相应的变化, 才能更加准确地通过外部的肢体来表达内心。舞台节奏的定义可以理解为:观众产生了与舞台上相似的情感, 而这种情感的体验不是观众走进演员的内心去洞察, 更多的则是通过外部肢体语言来传达。例如《雷雨》一剧中, 周朴园和鲁侍萍相遇。这是周朴园抛下鲁侍萍和孩子三十年后的再次相遇, 有着难以言表的情绪, 有着无法诉说的衷肠。演员的几个简单的动作、几句简单的台词、几次眼神交流的静场, 就似乎已把观众带到了他们的回忆当中。没有激烈的言语冲突, 也没有过度的形体变化, 演员利用内心的节奏控制住了他们的肢体, 也正是这样巧妙的处理, 酸甜苦辣让观众一一尝尽。内心节奏在戏剧表演过程中起到了支柱作用, 它不仅仅影响着演员的外部肢体, 也展现出了戏剧表演的独特魅力, 其作用不容小觑。

(二) 演员的内在感知

对于一个演员来说, 其感知力应该是极其敏感的, 只有通过对角色进行深入的感知, 才能够真切地把握情感, 从而进行内外的体现。在戏剧表演艺术中, 所谓的“心、人、神”合一, 如果“心”指的是内心, “人”指的是肢体, 那么“神”就是演员的感知力了。如果没有准确的案头工作和剖析, 也没有情感的深刻体会, 演员的内心是空洞的, 那么更无须提到演员的肢体了, 这样的肢体一定如同行尸走肉般无关紧要, 也失掉了戏剧这门美学艺术的特质与情趣。因此, 演员首先应建立起其应备的基本素质, 即细腻的内心情愫、善于细致发现的双眼, 以及愿意思考的大脑。此外还需要调动演员的各种情绪, 以达到将其身边一切变得积极的目的, 从而实现演员自身、他人、社会和自然的有机统一, 营造出和谐的氛围;其次, 演员要不断提高自身的文化修养, 不断充实自己的内心。作为一名演员, 要积极涉猎多方面知识, 只有这样才能提高演员的理解和辨别能力, 从而做到准确理解剧作家所表达的深意, 灵活掌控外部肢体和内心节奏, 达到传神达意的效果。

成功的演员还需要拥有充沛的感情。一个内心敏感的演员能够根据剧作家的提示, 进行情感的变化, 这个变化可能是肢体的, 可能是语言的, 也可能是内心的, 任何小小的细节都有可能成为演员感情爆发的导火索。所以, 在一个戏剧作品中, 观众看到的不仅是演员的外在, 更重要的是感受其流露出的内心真实情感。演员的内在感知力也在一些方面影响着演员的内心, 从而也辐射到了演员的外部形体。

三、形体语言与内心节奏的融合

亚里士多德在《诗学》一书中提出了一个重要的概念——“摹仿”即“模仿”。他阐明了戏剧的本质是“一切艺术都是模仿, 戏剧是对各种生物的行动的模仿”, 所谓的“模仿”指的是人的天性与艺术摹仿等, 而进行模仿的主体主要是被模仿客体的行动与语言, 这种模仿是内外融合且多面的, 内与外主要体现在形体语言与内心节奏等方面。

通常在戏剧表演中, 想要表达的感情越强烈, 就越难用语言表达, 而形体就是一种人类可以借助其表达情感的非语言形式。它以动作为主要形式, 来表现一些难以言表的情感, 甚至戏剧表演中的“静场”也是一种形体语言方式。内心节奏主要是演员的内心体验, 这就需要演员深刻理解作品, 产生人物情感共鸣, 才能由内及外地展现人物特色及戏剧冲突。内心节奏是控制形体语言的主要因素, 同时形体语言也不同程度地影响内心节奏。

一个演员要想在舞台上演好一出戏, 塑造好一个角色, 首先要真正深刻领会来自于剧作家或剧本中的深刻含义或主旨, 保证一切创作有依有据, 然后再用外化的肢体语言或是口头语言表达出来, 达到形体语言和内心节奏二者的平衡和统一。只有这样, 才能让观看戏剧的人领略到戏剧的魅力所在。在戏剧舞台上, 内心节奏和肢体语言具有同样举足轻重的分量, 缺失其中任何一项演员都会沦为表演技巧的“奴隶”, 只有真正做到“心、人、神”合一, 才能称作是一名出色的演员。

摘要：戏剧艺术是集艺术大成之美的综合艺术。在这种综合艺术美学中, 内心节奏影响着肢体的转变与变化, 同时起到了支柱作用。肢体语言又在一定程度上体现着内心节奏, 所以二者以辩证统一的存在方式蕴含于戏剧美学中, 对人物的塑造起到了至关重要的作用, 是塑造人物形象的重要艺术手段。本人通过此论文的创作, 浅谈戏剧表演中形体语言与内心节奏二者的相互影响, 以及二者融合后所达到的传神达意的效果, 让观众感受到戏剧表演艺术所传达的精神境界。

浅谈幼儿节奏感的培养 篇3

【关键词】节奏感 生活环境 途径 感受 体验

音乐是人类社会生活的一个组成部分，在幼儿阶段对幼儿进行音乐教育，不仅可促进幼儿提高音乐素养、审美认知和审美情感，更重要的是能使幼儿的身心得到和谐、健康的全面发展。而节奏作为音乐活动最基本的要素之一，是开展音乐活动的首要基础，可见，在音乐活动中节奏所起的作用有多大。因此，我们把培养和训练幼儿的节奏感作为幼儿园音乐教育的重要内容。那在幼儿园阶段我们要如何培养幼儿的节奏感呢？

一、从幼儿熟悉的生活环境和声音出发，让幼儿感受节奏的存在

音乐来源于生活。我们的自然界和日常生活中到处都充满着节奏，如“风声、雨声、鸟叫声、走路的声音、汽笛声”等等。因此，我们老师要做个有心人，带领孩子走进生活，寻找生活中属于大自然的节奏，学会倾听大自然的各种声音，感受声音的美妙与神奇。例如在户外体育活动时间引导孩子听听踩高跷时发出“喀哒、喀哒”的声音，拉力器发出“哗—哗—”的声音，拍皮球发出“噗噗噗”的声音，以及在春游活动中，教师可让幼儿聆听大自然的声音节奏，感受春风吹过面庞的“呼呼”声，杨柳摆动时的“哗啦啦”声，春雨落下时的“嘀嘀嗒”声。幼儿听到了大自然中这么美妙有趣的声音，激发其强烈的好奇心和表现的兴趣。这时候，教师应大胆的鼓励幼儿将自己的体验说出来。当然，教师在幼儿寻找各种熟悉的声音节奏的同时，还应帮助幼儿及时地进行归纳整理，让幼儿发现哪些东西发出的声音不同，但是节奏却是相同的，而哪些东西发出的声音相同而节奏却是不同的。例如下大雨的声音和下小雨的声音，电话的铃声和钟声，引导孩子学会感受、比较两种不同的节奏，发现声音的不同，这样既积累了幼儿的听觉经验，又能在体验中让幼儿对节奏有一定的认识。让幼儿感受到原来在自己生活的周围有这么多有趣的节奏存在，激发了幼儿对节奏的兴趣，善于在生活中发现节奏的存在。

二、通过多种途径学习节奏，让幼儿从中体验节奏带来的快乐

（一）用身体拍打节奏，让幼儿进一步感悟节奏。

奥尔夫认为：“音乐来自动作，动作来自音乐。”孩子的节奏感不是靠单纯的倾听就可以了，还需要通过练习让知识得以巩固。让孩子通过拍打自己的身体部位发出的声音来感受节奏，这些小游戏信手拈来，无须花费很大的力气，就能让幼儿通过用身体动作来表现自己对音乐节奏的理解，无须借助音乐伴奏，效果却很好。孩子对这种可以自由支配自己身体的，又能演奏出好听的节奏，非常感兴趣，乐此不疲。例如中班音乐活动《我的身体都会响》中，通过“拍手、跺脚、晃身体、弹舌头、捻手指”等等，让孩子感受音乐的节奏，既生动又形象，还能让孩子体验活动中节奏带来的快乐，真正做到让孩子“做中学，学中乐”。再如在《士兵进行曲》中，教师就引导幼儿“试试能不能用身体动作为乐曲伴奏呢？”发现幼儿运用跺脚、拍手、拍腿、打舌等多样的动作表现出乐曲中的节奏。

（二）借助图谱进行节奏训练

幼儿对事物的感知总是借助于具体形象的事物去把握，图谱可以帮助把一些抽象的东西变得具体形象，便于幼儿理解和把握。

首先，教师要根据音乐作品的内容设计简易的图谱，帮助幼儿理解乐曲的节奏及结构。例如在大班音乐活动《快乐的小厨师》中，在说唱部分“青椒青椒，切切切，切切切，牛肉牛肉，切切切，洋葱洋葱，切切切，切切切。炒炒炒，炒炒炒，青椒炒牛肉，请你尝一尝。”幼儿不容易掌握此节奏型，这时候，我们就可以利用图谱来帮忙，可以利用“图形图谱”，图谱上就用相应的青椒、牛肉、洋葱的简笔画来表示，幼儿通过观察图谱上的图形形状、规律等不同，来区分节奏型。

通过图谱使幼儿对节奏型的内容一目了然。幼儿不仅很快掌握了歌词内容，而且很直观地向幼儿展示节奏的不同，所带来歌曲的不同韵律，使幼儿不仅能轻松地掌握歌曲的节奏又能够较准确地把握歌曲韵律。让幼儿发现不同的节奏组合在一起能创造出好听的歌曲韵律。

（三）在各领域活动中渗透节奏教学

并不是只有在音乐教学活动中才能对幼儿进行节奏感的训练和培养，例如，在语言活动中，特别是诗歌教学中，许多的儿歌念起来本身就蕴含着一定的节奏，念起来朗朗上口。在学习儿歌时，我们就要善于引导孩子，感受其中的节奏，进一步地，我们还可以启发孩子用不同的节奏进行朗诵儿歌，将节奏训练渗透到儿歌教学当中，这样孩子不但很好地掌握了儿歌内容，节奏感也得到了很好的训练。

三、引导幼儿为乐曲配器

在以往的教学中，教师常常把配器方案直接传授给幼儿，这样幼儿只知道“老师要我这样配，我就这样配”。这样使幼儿失去了想象的空间。我们可以在音乐区域角，提供给孩子一些学过的音乐节奏型，让孩子自己通过探索各种不同的节奏乐器，尝试为节奏型配上相应的乐器，通过不断地探索、尝试、倾听，孩子在探索过程会发现，有的乐器配上去曲子变得很怪，听起来不舒服，有的乐器配上乐曲，乐曲变得很好听，听起来很悦耳。孩子最后都能找到合适的乐器为乐曲伴奏，而在探索尝试过程中，孩子对节奏感的理解和掌握变得更加深刻更加牢固。如大家熟悉的节奏乐“大雨和小雨”配器过程中，我先引导幼儿比较“大雨”和“小雨”的声音，接着让幼儿拿起各种乐器敲打，在敲打中探索哪种乐器像大雨的声音，哪种乐器像小雨的声音，有的说三角铁，有的说铃鼓，通过幼儿的讨论、尝试，分享，让孩子在选择乐器过程中学会了用多种方式解决问题，又体验到成功的喜悦。除了以上这些方式学习节奏之外，还可以让孩子尝试创编节奏，或是进行综合练习，不断提高幼儿的音乐节奏感，从而提高音乐感受力和表现力，促进幼儿身心和谐发展。

音乐教育作为幼儿园教育教学的重要组成部分，目的在于挖掘和发展幼儿潜在的音乐素养和音乐表达能力。让幼儿在各种内容丰富和形式多样的教学实践活动中，去感受音乐的美丽，感受音乐和我们在一起。幼儿音乐教育就像浩瀚的宇宙星空，理论也是百家争鸣，但是，只要有一颗细致的心，相信一定能找到属于自己的一颗指路明星，让我们一起继续探索吧！

参考文献：

[1]教育部.幼儿园教育指导纲要（试行）[S].2001-7.

[2]李妲娜、修海林、尹爱青.奥尔夫音乐教育[M].上海：上海教育出版社，2002.

[3]程英，审美与快乐[M].福建：福建出版社，2008.

[4]许卓娅.学前儿童音乐教育[M].北京：人民教育出版社，1996.

内心节奏感的培养 篇4

幼儿年龄小，处于具体形象性思维阶段，他们认知范围和生活经验有限，同时兴趣又与学习的关系十分密切，所以教材必须十分有趣，才能吸引幼儿，如为使幼儿掌握节奏的强弱，我选择了节奏活动《大鞋和小鞋》，在有趣的踢踏声中，幼儿很快就感受到了大鞋、小鞋强弱的声音特点。在乐器的选择上我注重音色的形象性，帮助幼儿正确地选择符合拍子节奏的乐器，如《郊游》，我既让幼儿唱出活泼、轻松、亲切抒情的歌词，又让他们根据歌词旋律特点选择相应的乐器演奏。先熟悉旋律因而针对幼儿的发展水平和接受能力，现在我常常采用分组教学和集体练习相结合的方法，这比较适合幼儿对乐曲的掌握。

其次，抓好幼儿打击乐常规，为培养幼儿的节奏感打好基础。

演奏打击乐时，只有各种乐器的音色、节奏协调配合，才能产生出两的音乐效果。因此，幼儿是否有相互配合的意识格外重要。但幼儿的年龄小，他们的自我中心意识比较强烈，怎样才能让他们知道互相配合的重要性呢？我特意把幼儿的不整齐的声音录下来，放给他们听，孩子们都觉得难听，最后，幼儿终于知道了这其中的原因。原来大家都只注意敲打自己的节奏而忘了倾听音乐，缺少了相互的配合，为此，大家制订了几条打击乐的常规：

1.取放乐器听信号；

2.乐器不用放腿上，眼不看；

3.准备结束时看指挥手势；

4.演奏时眼看指挥，耳听音乐。现在，如果你来听我班幼儿的演奏，你会被那美妙、和谐的乐声所感染，他们都从打击乐活动中深深体会到了合作的快乐。

再次，积极发挥幼儿的主观能动性，培养幼儿的节奏感。

第一，激发幼儿的参与意识，每天“小舞台”前总会围着一群幼儿，他们听着欢快的音乐又唱又跳，又敲打，互相欣赏各自创编的节奏，虽然不像我们成人表现的那样合理完美，但无不透露出那份童稚、单纯；第二，发挥幼儿无穷的想象力和表现力，通过“卡拉OK”活动，我班几乎全部幼儿都喜欢上前表演、唱歌。“小歌手”还像老师一样选一部分“小乐手”非常为他伴奏，非常神气！于是，唱的小朋友表演得投入，而演奏的小朋友也一本正经地俨然是一个个大演奏家似的，如果请到的幼儿中有节奏不够稳的小朋友，“小歌手”还会对他鼓励说：“你好好地为我演奏好吗？这样我就唱得更好听了。”通过这些活动，不仅提高了全班幼儿参与打击乐活动的积极性，而且帮助了全班幼儿提高了合奏水平，发展了幼儿音乐节奏感。

内心节奏感的培养 篇5

科研论文：小班幼儿音乐节奏能力的培养

【摘 要】专家们认为，音乐最先引起幼儿共鸣的就是韵律。根据幼儿感知音乐的这种特点，我们注意从幼儿感知音乐的感觉、操作与表现的各个阶段，用多种方法来培养幼儿的节奏感。

【关键词】 音乐 节奏 培养

音乐教育作为幼儿园音乐教育的重要组成部分，其目的是挖掘和发展启蒙期幼儿潜在的音乐素质和表达能力，继而在内容丰富、形式多样的音乐实践活动中，让幼儿去感知和体验音乐的魅力，从而获得相应的音乐知识和表演技能，在客观接受和主动创造的音乐艺术活动中表现音乐，萌发幼儿去认识美、感觉美、表现美。

专家们认为，音乐最先引起幼儿共鸣的就是韵律。作为成人已经有了较多的唱歌、跳舞或奏乐的经验，因此有可能只有听觉参与音乐欣赏活动。而幼儿更多地依靠外部可见的音乐操作活动来感知、欣赏音乐，特别是跟随音乐做动作的方式，更是幼小儿童感知、理解音乐的最自然、最重要的方式。根据幼儿感知音乐的这种特点，我们注意从幼儿感知音乐的感觉、操作与表现的各个阶段，用多种方法来培养幼儿的节奏感。

一、感觉阶段与操作的初步阶段——名字的节奏

小班幼儿对自己的名字非常熟悉，有节奏地喊小朋友的名字是幼儿乐意玩的一种游戏。在不断地呼唤中，幼儿不仅体会到集体中的归属感，心中亦会因他人的关注而产生一种自豪感、荣誉感，在无形中又体会和掌握了节奏。孩子们的名字多为三字和两字，所以我们选取了以下两种节奏形式。

如：①2/4

× × | × × ||

王 源 王 源

②2/4

×× × | ×× × ||

严一 格 严一 格

在游戏中幼儿可按坐序，根据幼儿的名字，变换节奏喊，也可由老师拍出二种节奏中的一种，让幼儿猜老师在喊谁，只要幼儿说的名字符号这种节奏就算对了。

在此基础上我们又对这两种节奏提出了新的要求，即速度和音强的要求。对节奏一，要求用较慢较强的声音来表示，而节奏二则用较快较轻的声音来表示。通过一段时间的游戏，他们会把老师也列入游戏中，幼儿参与的主动性使游戏的开放性、自主性得到了充分的发挥。

这个游戏让幼儿在无形中接触、感受、模仿了这两种最基本的节奏型，同时节奏的几个要素在游戏中也得到了很好的体现，无形中又扩大了幼儿的社交范围，和伙伴间初步建立了人与人之间的信任感和交往的安全感。

二、操作与个体表现第一阶段——我和“节奏”

对孩子来说，认识世界首先认识的是自己，不少孩子在婴儿期就会无意识的弹舌头或者拍手来发出声音，国外有学者认为，这是人最早的演奏。在幼儿的眼中，自己的身体不仅能自己支配，还可以发出好听的响声，拍手、跺脚、晃身体、弹舌头、捻手指甚至叩牙齿都是让幼儿身体来感受节奏以及音响效果的很棒的活动。这样的活动他们非常乐意参与。因此，无论在哪一个年龄阶段，律动是他们最喜欢的音乐活动。

如：①2/

4× × | × × ||

跺脚 拍手 跺脚 拍手

打舌 叩牙齿 打舌 叩牙齿

②2/4

× × × | × × × ||

拍手 拍手 跺脚 拍手拍手 跺脚

通过对拍手、跺脚、晃身体、弹舌头、捻手指等身体的“歌声”的熟悉，让孩子们将身体的“歌声”配上以上的节奏来表现，能力较强的还可以自主创编，请大家来学一学，和节奏成为好朋友。在熟悉这两种节奏的基础上，我们又加入了新的节奏型，如三拍子、四拍子等，循序渐进地让孩子们用身体的“歌声”熟悉各种节奏。

三、个体表现第二阶段——儿歌的节奏

儿歌有整齐自然的韵律，反复吟诵的基调，强烈分明的节奏，明白如话的语言，并富于音韵美和音乐感。因此，在幼儿熟练掌握这些儿歌的基础上，让幼儿边念边用手拍出节奏（也就是按儿歌的自然韵律，每念一个字就拍一下手）当然，应该选些由易到难，由简到繁的儿歌进行练习。如儿歌《大红虾》：

× × × |× × × |× × ×××| × × ×|

大 红 虾 跳 跳 跳 跳 到 爸爸的 嘴 巴 里

大 红 虾 跳 跳 跳 跳 到 妈妈的 嘴 巴 里

小 红 虾 跳 跳 跳 跳 到 宝宝的 嘴 巴 里

× × × ×| × × ×||

全 家 吃 得 笑 哈 哈

这一首有强烈分明的节奏和整齐自然的韵律的短小儿歌，就很适合幼儿边念边拍节奏，他们不仅巩固了× × ×和× × × ×这两种节奏型，而且不知不觉中就学会了× × ×这种较难的节奏型。

再如：儿歌《春天》

× × × | × × × |× × × × ×|

春 天 到 柳 树 笑 弯 弯 的 柳 条

× × × |× × × × ×| × × ×|

随 风 飘 绿 绿 的 叶 子 象 小 船

× × × × |× × × ||

千 万 不 要 用 手 摇

这一首儿歌中就包含了×× × × ×和× × ×、× × × ×三种节奏型。当然×× × × ×这个节奏型较难，要在幼儿熟练朗诵的情况下，再配上节奏练习。有了一定的基础，幼儿就能自己为各种儿歌配节奏了。在这种情况下，我们在众多的儿歌中选择几首节奏感较鲜明的，分别拍出节奏，让幼儿辨别儿歌名称。也可让幼儿拍节奏，老师猜儿歌的名称，幼儿的兴趣是很高的。

四、个体与个性表现新阶段——配器与歌唱

孔启英教授在《纲要》(解读)中谈到新纲要艺术教育的核心是创造和感受并重的教育观。《纲要》指出，创造性活动是人的潜在能力的表现。幼儿同样具有强烈的创造欲望，受这种欲望的驱使，他们不停地进行各种寻求和探索。选择不同的乐器来表现一种节奏是自我创造的体现也是幼儿个性的张扬。因此，在这一阶段我们用以下的手段来培养孩子的创造力，张扬孩子与生俱来的个性。

1、辨别乐器音色的活动-----——“魔鼓的游戏”

有许多种方法可以做辨别乐器音色的活动，其中之一是为孩子们提供一个可以自由地辨别到种声音的“声音角”，这些音乐活动，应以小组的方式进行，例如：一个叫做，孩子们一边说：“魔鼓、魔鼓，你能发什么声？”一边传递铃鼓，念完以后，正好拿着铃鼓的幼儿必须辨别一个他（或她）所希望听到的声音。小班幼儿对这类游戏非常感兴趣，这种游戏适用于各种乐器来进行。

猜谜游戏也很有趣，例如，我们收集一些可以取下盖的式样一样的容器，装入不同的东西，如石头、大米等等，让孩子摇一摇，听一听，如果听出有两个盒内装的东西完全一样，就组成一对，这是一个很好产活动，每个星期换一下盒内的东西。

2、组合乐器音色的活动-----——简单的配器

孩子们在玩过辨别音色的游戏后，通常会出现这样的问题：“我怎么能够组织这些声音？”这种活动可以让幼儿以最自然的方式进行。

如：（1）用一对沙球或一个铃鼓编配一个节奏型。

2/4× × | × × ||

摇 碰 摇 碰（沙球）

摇 拍 摇 拍（铃鼓）

选择幼儿熟悉的节奏，由幼儿自主地选择自己喜欢的小乐器对节奏进行配器。

（2）选择任何一种乐器，把诸如“天气晴朗，我很愉快”的节奏表现出来。

（3）选择任何一种乐器，表现一首儿歌的节奏。

3、配器与歌唱的组合

唱歌是人们表达自己喜怒哀乐各种情感的方式，也是人的童年生活不可缺少的一个重要组成部分。幼儿通过他们甜美、清脆的童声来表达自己欢快、喜悦等各种各样的心情，同样也是他们显示自己能力，获得成功体验的重要途径。在歌唱的基础上与配器相结合，可以让幼儿更好的感受歌曲的音强和节奏，发展手脑并用的能力。

以铃鼓为例，如：《小鸭小鸡》

4/4 1 2 3 3— | 2 3 5 5— ||

小鸭 小 鸡 碰 在 一起

拍 拍 拍 摇 拍 拍 拍 摇

“拍”指拍一下铃鼓，“摇”指摇铃鼓做划圈动作。通过“拍”和“摇”的动作，孩子们感知了节奏的长度并有了一定的对比。孩子们在学唱这首歌时，我们以“念节奏歌词——念歌词做动作——学唱歌——边唱边按节奏用身体发出声音——选择小乐器代替身体的声音”这样的顺序来学习，通过我们的实践，孩子们掌握歌曲的速度非常快，在两次活动后，都能达到会唱、会拍的目标。尤其在选择“身体发出声音”和“选择小乐器”这两个环节中，幼儿的参与性相当高，我们发现幼儿对所有的乐器都进行尝试后，会一直钟情与某一类能发出相似声音的乐器，往往个性比较内向的幼儿会选择沙球等声音沉闷的乐器。在较固定的模式中给予幼儿选择的自由，这样学习方式，既符合幼儿的年龄特点又张扬了幼儿个性的发展。

舞蹈教学中节奏感的培养方法探索 篇6

一、舞蹈教学中的节奏感

舞蹈中的节奏感是人们在跳舞时通过改变形体和动作的组合来完成表现出的感知能力和具体反映。舞蹈节奏并不是一个单一的概念, 其中包涵了两个方面。一方面是外在的节奏性, 也就是学生听到的、感受到的外界节奏, 例如舞蹈音乐。另一方面则指来自人内部的, 由于接受外来信号而引发的一系列情感变化, 这是内部节奏。外在节奏主要是指音乐的节奏, 是对音乐中相关要素理解和感知的一种综合的能力, 其中主要包括速度、轻重音、节拍等方面的感知、理解和重现的能力。而内在节奏则需要学生对情感的领悟力, 和对音乐中所蕴含的情感的表达和重现。

培养节奏感就要明确什么是良好的节奏感。人的心理和生理活动常常同节奏运动想呼应, 源于后者具有较强的情感效应和独一无二的表现功能。对节奏各个方面的敏锐体察和准确的再现就是人们所说的较强的节奏感。这是音乐感知和理解形成的基础和条件之一。而针对于节奏感的相关训练, 就是要培养、帮助学生形成较强的内心节奏感, 来达成更细腻的舞蹈表达, 更生活的肢体语言, 形成节奏意识。

二、舞蹈教学中节奏感存在的问题

教师在舞蹈教学中进行节奏感培养时常常会出现一些问题, 一是内外分离。内外分离就是指, 仅仅将音乐节奏当作一种数量的数理关系保持在数量计算的层面上, 也就是说仅仅将节奏感教学停留在音乐节奏感的培养上, 而忽略内部情感变化的感知训练。节奏感是内外兼修的一种素质, 需要靠外在音乐中音符互相作用变化来带动内在情绪的变化, 使二者形成一种共鸣, 以此来提升自身节奏感。内外分离, 不仅仅是指在音乐教学中忽略内外的某一方面, 也指将二者的训练分离。内外节奏感是相辅相成的, 需要放在一起作用, 才能真正体现其价值。二是存在于学生的差异性, 节奏感是生理上的一种天赋, 虽然可以后天培养但是与先天的能力分不开, 尤其体现在外部节奏训练中。每个学生在内外节奏的感知能力上会有不同, 有些擅长感知音乐中所蕴含的情绪, 而有些则善于抓住音乐的规律。在这种差异下, 统一的进行教学, 很容易拉大已有的差距, 并使得相对落后的学生产生挫败感, 不利于后续的教学活动。当然在不同的学校、不同的地区, 问题也会相对存在不同的差异。

三、舞蹈教学中节奏感的训练方法

(一) 培养学生的节奏意识。

在教学实践中, 经常会出现一些这样的状况, 例如学生可以很好的体会音乐, 但是却不能够准确的表达出来, 或者学生本身的专业基础合格, 但是无法自行搭配合适的节奏等等, 在这些情况下, 首先需要做的就是培养学生的节奏意识。节奏对于很多的学生来讲是枯燥并且书面化的一个概念, 在这种情况下, 很容易导致学生对于节奏意识培养的疏忽。兴趣是学习路上最好的领路人, 在教学实践中, 老师应当注意学生对节奏感培养的兴趣, 这样由内而外的动力会使学生的学习效率提升, 教学效果增强。节奏是一个抽象的概念, 不利于学生理解内化, 所以在节奏感培养的教学中, 老师可以适当融入一些源于生活的节奏游戏, 将节奏化于日常生活中, 一方面可以帮助学生理解概念, 另一方面可以让学生有更多的机会和时间加以体会。如自然中的鸟鸣蝉响、水流风声雨声以及生活中的种种声音都可以拿来作为教学素材。当然, 兴趣并不足以帮助学生更好的形成节奏意识, 老师同时也要注重对于学生审美情趣和综合素质的培养。舞蹈是人的审美理念和审美能力的一种体现, 是美学相关的活动。只有提高学生的审美素质, 才能真正演绎出高水准的舞蹈。古人言:“诗者, 志之所之也, 在心为志, 发言为诗。情动于中而形于言, 言之不足故嗟叹之, 嗟叹之不足故咏歌之;咏歌之不足, 不知手之舞之、足之蹈之也。《毛诗正义·诗大序》”, 诗, 是人表现志向所在的, 在心里就是志向, 用语言表达出来就是诗。情感在心里被触动必然就会表达为语言, 语言不足以表达, 就会吁嗟叹息, 吁嗟叹息不足以表达, 就会长声歌咏, 长声歌咏不足以表达, 就会情不自禁地手舞足蹈。在古代, 诗、歌、舞三者是相通的, 在表演艺术中也是相辅相成。舞蹈是诗歌的形象化外化的艺术手法, 以此可看出舞蹈是诗意的舞蹈。学习舞蹈, 学生需要提高自身的文化修养, 才能真正透过音乐以及表现出来的情感, 准确地体会其诗意并将其再现。

(二) 帮助学生将节奏意识融入实践。

在学生产生一定的节奏意识后, 只有真正地将意识融入实践, 成为一种身体力行的习惯, 才能真正体现其价值意义。一是需要老师可以保障学生形体训练的扎实稳固, 这是节奏感实践的基础。舞蹈表演中的节奏性和舞蹈动作是分不开的, 肢体的动作是舞蹈节奏的重要表现方式。因此想要培养舞蹈中的节奏感, 先要确保学生的形体基本功扎实, 心中所想能准确的通过肢体表达出来。形体训练是指用科学的方法训练学生的站、坐、卧、走、跑、跳、伸展、支撑等一系列基本动作, 以此调整不良体型和不良姿态, 训练身体的柔韧性。其中包括双目平视、双肩平正、提颈、挺胸等静立式训练, 也包括动作方面呼吸节奏、头部动作、肩部动作、手臂动作、腿部动作等训练。精准的肢体表达, 有利于节奏感的提升, 同时也利于学生将节奏感的体会真正表现出来。在训练环境上, 在条件允许的情况下, 老师应优先选择一个宽敞明亮, 自由舒适的训练空间。音乐是需要空间来传播的, 一个较为敞亮的环境, 有利于学生更好地投入节奏感的训练之中, 更易于学生捕捉细节上的信息。二是需要一个静谧的环境, 确保学生可以更加专心的投入训练。尽管节奏感有内外之分, 但是想要使学生培养节奏感, 就需要让学生多听多练, 更多的实际操作。例如老师可以在上课时, 为学生准备一段音乐, 听完之后, 可以鼓励学生交流自己的看法, 并且用肢体语言表现出这种韵律。积少成多, 学生在训练的过程中会自己慢慢领悟, 最终达到培养的目的。老师在教学过程中应当明确节奏感的培养并非是一朝一夕之功, 而是需要长时间的, 立体多方面的努力, 因此在培养学生节奏感时, 不能期望仅仅依赖于随意堆砌音乐练习的方式, 来达成目标, 而是应该全面、多层次地搜集音乐素材, 尽可能多的让学生尝试不同的音乐风格和内容。舞蹈中音乐节奏最重要的两个部分是伴奏音乐中的节奏点、伴奏音乐的旋律节奏, 只有引导学生自己发现音乐节奏点, 体会节奏点与旋律节奏之间的差异, 才能让学生自己的舞蹈动作同样具备感染力。因此在舞蹈教学的过程中, 要求老师必须丰富自己的教学内容, 从舞蹈动作及舞蹈伴奏两个方面帮助学生进步。三是艺术虽然高于生活, 但是却源于生活, 舞蹈作为艺术的一部分同样如此。不论何种形式的艺术, 一旦脱离了生活, 就会成为无本之木, 失去了生长壮大的可能, 也必然会失去其艺术的价值。所以, 想要培养学生的节奏感, 老师必须将舞蹈教学与生活相结合, 创造条件并鼓励学生从生活中增强对舞蹈的感悟。把握音乐节奏感, 要鼓励学生积极进行舞蹈实践, 将舞蹈和生活相融。

四、结语

节奏感是舞蹈艺术中不可忽视的一部分, 也应当是舞蹈教学的重点之一。在舞蹈教学中培养学生的节奏感, 应当注重从意识和实践两个方面下手, 多方面、多层次地协助学生培养节奏感, 增强节奏感, 真正体会舞蹈艺术的精髓。

参考文献

[1]罗婧劼.舞蹈教学中音乐节奏感的应用[J].戏剧之家, 2014, 5

[2]任昌菲.解析大学舞蹈教学中节奏意识的培养[J].黄河之声, 2014, 13

[3]廖毅.音乐节奏感教学中存在的问题及对策研究[J].大舞台, 2014, 5

从少儿舞蹈教学看节奏感的培养 篇7

1.节奏感的把握有利于提高少儿发现美、表现美的能力。在日常生活中，我们常常有这种感受：走在路上的时候，会因为听见轻快的音乐而使脚部不自觉地随著节奏轻快起来；观看阅兵时，会为了那整齐统一的步伐、方阵而感到震撼与激动……于是我们不难发现，生活中其实处处是节奏，它生活在这个世界的每个角落。培养少儿的节奏感，可以使孩子们更加认真地观察他们所处的这个世界，增强对客观世界的了解和认知，有些孩子甚至能对生活中的一些声音形象，如高跟鞋的声音、汽车的声音等进行模仿与再现，这也有利于他们对舞蹈艺术作品的理解和学习，使舞蹈教学取得事半功倍的效果。

2.肢体节奏感的锻炼有助于提高身体协调性，培养少儿协作意识。在少儿早期的艺术教育活动中，其表现形式大多是以合唱、集体舞等团体活动为主。肢体节奏感的锻炼对培养少儿的协作意识和配合技能有很大作用，对于他们协调性和平衡性的提高，使得他们可以在集体活动中更好地掌握集体节奏的脉络，更好地融入集体活动之中，体会与集体协调一致的快感。

3.节奏感的培养可以加强各学科之间的渗透。节奏的表现不仅是在舞蹈方面，在少儿成长教学的各领域都有所体现：诗歌朗诵的语言节奏；体育运动的肢体节奏；声乐演唱的声音节奏……由此可见，节奏感的培养，不但可以提高少儿在舞蹈艺术等方面的表现力，同时也能带动少儿在其他方面能力的提高与进步，意义深远。

认知到了节奏感的重要性，然后我们需要探讨的问题就是如何培养少儿的节奏感。生活中我们常看到，当少儿听音乐时，会情不自禁地手舞足蹈，这恰恰是生理和心理两方面同时产生反应的表现。所以，少儿节奏感的培养也应从身心两方面去启发、引导、训练。

一、针对少儿心理特点，挑选合适的音乐，以合适的形式引起孩子的学习兴趣

要更好地进行舞蹈教学，首先要维持少儿的好奇心与兴趣。在少儿的这个发展阶段，只有对某件事有了兴趣，他们才会更加认真地去做、去学习。因此，要抓住少儿的心理特点，在音乐上，选择有趣味、欢快一点的音乐，让孩子在欢快轻松的氛围中感受舞蹈的趣味；在教授时，多运用生动活泼的语言进行引导，加深孩子们的印象，激发孩子们的学习兴趣。

另一方面，由于少儿的思维比较简单，对于节奏的认知也主要来源于音乐，因此在音乐旋律的选择上应该多考虑那些旋律流畅、节奏感强、朗朗上口的音乐，音乐的节奏要清楚、强烈、动感，才能更容易被少儿所接受。

二、通过肢体的律动培养节奏感

对于少儿来说，最初始的舞蹈其实是来自于身体的自然律动，动作是人类宣泄、表现、交流情感最直接的方式，在少儿舞蹈教学过程中，可以适当地引导少儿用动作把对节奏的感受通过身体表现出来，例如拍手、跺脚等，不需要借助复杂的逻辑思维，仅仅是用“身势”进行节奏训练，培养少儿敏锐的音乐感受力。实践教学证明，肢体的律动训练，可以简单有效地培养孩子们的节奏感、反应能力及创造力，是少儿舞蹈教学的基础训练中最重要的训练方法之一。在动作的选择上，同样考虑到少儿的骨骼特征以及年龄特点，应选择一些简单、节奏明快、具有形象性的动作，如模仿小鱼游泳、模仿小兔蹦蹦跳跳等，让少儿在这些熟悉又陌生的动作中逐渐把握音乐和动作的一种协调性。

三、在舞蹈节奏训练中强调重拍的训练