生活的艺术读书笔记

生活的艺术读书笔记（通用10篇）

生活的艺术读书笔记 篇1

《生活的艺术》是一本生活观后感，它给我们传授了快乐的秘诀。以下是专门为你收集整理的《生活的艺术》读书笔记，供参考阅读！

《生活的艺术》读书笔记篇一

细味林语堂先生的《生活的艺术》，我的思绪也仿佛随之飘进了他笔下那个高雅世界之中。在《生活的艺术》中，林语堂谈了庄子的淡泊，赞了陶渊明的闲适，诵了《归去来辞》，讲了《圣经》的故事，以及中国人如何品茗，如何行酒令，如何观山，如何玩水，如何看云，如何鉴石，如何养花、蓄鸟、赏雪、听雨、吟风、弄月„„林语堂将中国人旷怀达观，陶情遣兴的生活方式，和浪漫高雅的东方情调皆诉诸笔下，向西方人娓娓道出了一个可供仿效的“完美生活的范本，快意人生的典型”，展现出诗样人生、才情人生、幽默人生、智慧人生的别样风情。

《生活的艺术》本身就是一本生活观后感，里面的情调很高雅，这是一种中国人独特的高雅。书中不遗余力地向美国人民兜售隐忍闲适的中国式生活艺术，林语堂在书中揭露了他所认为的美国人三大恶习：讲究效率，讲究准时和希望事业成功。虽然这些“恶习”是现代人几乎都有并且得到某部分人的极力推崇，但他却别树一格地认为 “一个人以为不要紧了，就什么都不要紧了”这个是中国人特有的美妙概念。美国人“求全的欲望近乎淫”，而中国人则认为差不多就可以了。于是，林语堂想借由自己对生活的独特见解，告诉这些生活节奏紧凑的美国人大洋彼岸中国人的好。他在书中娓娓地道闲适的好处，谆谆地诱美国人去享受生活。书中的章节都是这样的题目：谁最会享受生活、生命的享受、悠闲的重要、家庭之乐、生活的享受、享受大自然、文化的享受，他是非常认真地要为美国人的机械生活上点润滑油。

林语堂在自序中说：“本书是一种私人的供状，供认我自己的思想和生活所得的经验。我不想发表客观意见，也不想创立不朽真理。我实在瞧不起自许的客观哲学，我只想表现我个人的观点。”又说：“一切取舍都是根据我个人的见解。”是的，无论是思想观点，还是情感情趣，或是表述方式，都有非常鲜明的“林语堂风格”。书中，林语堂一字一语写出了现实生活的细节，借由他这些最贴近生活而又独特的想法使外国人对中国人生活更为熟知，也一定程度上影响他们的生活态度。

总而言之，其思想就是无论何时，只要活着一天，就要快乐一天，决不辜负自己的任何时间，即使生病或老去，也要体验痛的快乐，直至我们洞悉了人生，以恬淡的心态，快乐的死去，总算自己没有白活，完美的结束生的旅程。

的确，只要我们认真和执着，充实每一天，我们可以永远快乐。当我们投入工作的时候，我们会感到创造的魅力，从而快乐;当我们悠闲的时候，可以静悟生命，从而快乐;当我们历经苦难的时候，我们可以从中汲取一种奋斗的激情，从而快乐„„

可见，快乐无所不在，关键在于我们认真的去体会，认真的去感悟，认真的去惮。明人金圣叹之“三十二不亦快哉”，在吾人看来，也无非是一些鸡毛蒜皮之事，而其却将其以为是一生中最快乐的事，并记录下来，聊以自，而另一个撼人心神的是残疾人海伦的《假如我能眼亮三天》，种种常人所经历的平凡，在她的眼中是多么的遥不可及，可见快乐对不同的人来说，是不同的，而且每人感受到的深浅亦有所不同，也只有调整自己心态，坦然从容，微笑才会永远的浮现于我们的脸庞。

《生活的艺术》给我传授了快乐的秘诀，有助于改变自己的观念，从另一方面观照快乐，从而走出关于快乐的误区，以乐观的态度去战斗，去迎接生活的洗礼。

虽然比较明显《生活的艺术》是林语堂为外国人写的一本书，但随着中国经济的飞速发展，其实现代中国人的生活也开始趋向于林语堂当初笔下的那些外国人。人们每天置身于烦嚣社会中，麻木地干着用于维持生活的工作，真正的生活的意义，也许人们早已忘却。或许，我们都该在某个阳光明媚的午后，一边呷着甘醇的奶茶，一边细味一下林语堂的《生活的艺术》，重新，好好的，邂逅一下生活。

《生活的艺术》读书笔记篇二

林语堂这本《生活的艺术》看得很费劲，对我来说理论性太强、太枯燥，甚至有许多地方看不懂，以至于看十分钟睡半个钟头接着又看十分钟又睡半个钟头，以至于球球说你是为了催眠才看的吗。呵呵。

虽然林语堂很强调读书的乐趣，这本书里面就有专门一篇“读书的艺术”，孔子也说“知之者不如好之者，好之者不如乐之者”，似乎我应该去选择让自己读得愉快、轻松的书?但我还是坚持看完了。我想的是，像跳高，永远照着比自己能力高那么一点的位置去练才能提高，读书也是，只有看一些高于自己的东西才能有所受益，也许今天能领会的是其中一成，过一段时间再来看，也许就能领会二成了。有价值的有思想的文字值得一生读上许多遍。哪怕读的过程艰涩一些也值得。

就现在，写这些文字的时候忽然想到，也许孔子和林语堂不是我前面理解的那个意思，这时应该理解为以艰涩的阅读为乐。怀着强大的求知欲、探索欲努力理解文章，反复琢磨那些不懂的地方，在偶有同感的地方拍手称快，并为其深刻透彻而折服，等等这些过程，以此为乐。

阅读的乐趣有很多种，比如读林海音、胡兰成，如风铃的清脆悦耳;读张爱玲，如浓墨重彩的油画;读鲁迅，有对一切丑恶的犀利;读孔子，有博大精深;读侦探读悬疑，有刺激;这种种乐趣，并不能以我前面理解的“轻松愉快”为限，毕竟，我的阅读，不是消遣。

林语堂这个人，原本是不喜欢的，大学的时候在球球那里拿了《京华烟云》勉强翻了十几页，怎么也没看出其中的好来，觉得实在太像《红楼梦》，看不下去。当然就现在，看完《生活的艺术》也没有对他喜欢到哪里去，只是多了一点了解。我觉得他是张扬的、不羁的、洒脱的、个人的(相对鲁迅的社会性而言)、受道家思想严重影响的、极其有灵气的、才华四溢的一个人。这本书里有许多观点角度非常脱俗，不受传统思想所囿，这是我很喜欢的，多少我也有点这样哈，这一点很难得，长期浸淫在某种思想氛围里，甚至是几代人的积累，能够自发跳出这个圈子、摆脱你甚至没有觉察到其存在的思想上的束缚是非常不容易的。说到这书，不能不提的还有他做学问的轻松，书中许多地方轻松幽默，可见这是一个不刻板的人。也不多见哦。

生活的艺术读书笔记 篇2

一、高中生读书笔记中存在的问题

1.学生的阅读和写随笔随意性,缺乏一个完整体系。一方面没有专门教材 , 另一方面 教师没有 系统安排。

2.学生不会阅读和写随笔,不知读写什么,怎么读写。教师也没有对其进行指导,教给学生读写内容,读写方法,并进行有效训练。

3.教师未能培养学生读写习惯,读写流于形式。老师只是一味要多读,对学生的随笔也不看,极大地挫伤了学生读、写热情。

二、高中生读书笔记中存在问题的分析

从教师角度说,学生在读书笔记中反映的问题首先是教师随意化造成。没有具体教材的指导,没有一个详细的教学安排与计划。再加上缺乏有效指导,读书笔记流于形式。每周甚至每月收一次读书笔记,主要是为了应付学校的检查,而不是以学生阅读与写作能力提高为目标。从学生角度说,受我国传统普通教育的影响,学生的主要精力都放在了理科学习和外语学习上,没有养成学写读书笔记的良好习惯。很多学生畏惧写作文,就是良好写作习惯的缺乏。平时不多阅读,不去观察,不进行反思,不练笔等等。

三、解决高中生读书笔记中存在的问题的策略

(一) 构建完善的读书笔记训练体系

虽然教材没有给教师有效的指导与安排,但教师自身也不能随之无序随意。读书笔记要结合读书要求,结合必修教材制定好相应计划。这个体系,宏观上要建立三年的读书笔记的读与写安排,同时兼顾到与必修教材形成互为补充的功效;微观上,要具体到每学期、甚至每次写读书笔记怎么安排,读什么,写什么,怎么读,怎么写。

另外,每学期,各年级组围绕三年计划进行具体安排,如一周上一次赏析课,引导学生合理使用工具书及如何搜集信息、处理信息;指导学生边读边思考,提高理解能力、评价人物和事件的能力、想象创新的能力等,以小组讨论和教师点拨为主;一月收一次读书笔记,老师总结反馈。这样三年下来,学生不会再对读写抱着畏惧的心态,也能调动起写作热情,不会随着年级的升高而衰退,写作水平也由最初的模仿、借鉴到最后的运用自如。

(二) 学会阅读,为写随笔做好素材储备

林语堂先生说,读书能“开茅塞,除鄙见,得新知,增学问,广见识,养灵性”。首先,通过赏读,借鉴模仿,学习写作技巧。如鲁迅的论说文,他在《中国人失掉了自信力了吗》中,首先从反面论证,而后笔锋一转提出正面观点自信力。接着,又运用比喻论证、举例论证进行论证。分析发现,他的很多文章都采用了这种写法,这样的写法与我们教学中一贯议论文写作 结构模式———提 出问题,分析问题,解决问题相比,共同处结构模式相似。其次,利用品读,领会文章的中心思想,深化自我认识。如李密的《陈情表》,围绕“情”“孝”反复陈述自己家庭的不幸,在上任与留下照顾祖母两难之间反复纠结,最后表白先尽孝后尽忠的意愿,将亲情文章与国家尽忠联系在了一起,更加突出了亲情的伟大。废黜黄州的苏轼,在困顿的处境中、失意中,写下了《赤壁赋》,他随缘自适,善于处穷,还不忘时时投身于大自然的怀抱中。

(三) 指导写随笔,为乐学乐写乐思做好铺垫

阅读中、生活中,面对种种现象和观点,我们不能避免有自己的认识,所以要养成随时写随笔的意识。首先,将书本知识由课内向课外链接 ,如必修一 奥尔多·利奥 波特在《像山那样思考》中揭露出了深深的忧虑意识,让我们不由想到,自私的人类如果以付出生态环境恶化的代价,换取所谓物质文明的进步,结果不仅不能为子孙后代建造美丽家园,反而会留下了一个伤痕累累的地球,最终走向毁灭,我想这是人人都不愿看到的一幕。其次,透过现象看本质,兼顾两面性。对于社会上的种种现象,能透过表面看清实质,看到其具有的两面性,既要看到问题所在,也要看到反映出来的闪光点,态度上要保持既不消极、悲观,更不能骄傲、自满。如汶川大地震、洪水、地沟油、三聚氰胺等事件,既暴露出社会的弊端,管理的不完善,人性的险恶,然而我们也要看到这些事件过程中国人表现出来的众志成城,团结互助,人性的善良。

《登天的感觉》读书笔记 篇3

在刚接触心理學的时候，对它充满了好奇，并在老师的推荐下看了《登天的感觉》这本书，于是对心理咨询充满了兴趣，以为自己懂得了很多。然而在两年过后，学习了很多理论，也参加了心理咨询师三级的考试，我开始感到一阵的迷茫和无措。总觉得各种心理咨询的理论在脑子里打转，我应该在咨询中怎么做？怎么样才是有效的心理咨询？我应该怎样去避免那些咨询中常犯的错误？怎么样才能使自己的咨询不落入俗套--不是说教，不是劝慰？一系列的问题让我在面对心理咨询时感到退缩与胆怯。这时我又拿起了这本书，重新开始细细阅读。有人说，书应该反复阅读，才能看出其中真味。在这本非学术专著的心理学读物里，我得到了一种前所未有的豁朗和启发。

《登天的感觉》是岳晓东博士在哈佛大学作心理咨询的一本咨询案例集。他精选了10个在哈佛大学期间做的、较有代表性咨询案例，来告诉读者自己对心理咨询的方法理论和体会，及在咨询中常遇到的问题，利用深入浅出的表达方式介绍了心理咨询的基本理论和方法。虽然这是一本非学术专著，但却可以纠正非心理学人士对心理咨询的误解以及引导一般咨询者咨询过程中走出常见误区，又可以让心理学工作者对心理咨询有更深入理解。该书的篇幅不长，但在10个案例里却已经涵盖了心理咨询许多方面，包括对人本疗法，分析方法，行为疗法，认知疗法，现实疗法，格式塔疗法，交叉疗法等心理咨询与治疗的主要流派及其方法的解释。而且岳晓东博士把心理咨询的理论巧妙地贯穿在各个案例中，显得具体形象生动易懂，同时他还把心理咨询中遇到的问题与解决的方法融会其中，令人深受启发。它被称为所有心理咨询爱好者的入门首选书，使国内成千上万的人对心理咨询开始有所了解，改变了很多人的生活。它的长期热销，证明了人们对真正优秀的心理学图书的渴求。

在书中，最先给我留下深刻印象的是岳晓东博士在乘飞机去美国波士顿大学求学的途中，他和一个美国心理咨询教授谈话的内容。从谈话中，岳晓东第一次听到了关于心理咨询的描述--那就是登天的感觉。 “感到在腾云驾雾”，“感到自己站在世界之顶”，“自我感觉良好”……而也正因为这种描述，使人不由想一步步了解蒙着一层神秘面纱的心理咨询的真正面目。在读书的过程中，我禁不住被岳晓东博士那种细致入微的工作态度所打动，同时也深深的感动与他那种帮助别人疏导心理，带来幸福，助人自助而拥有的“登天的感觉”！

“我恨我自己，我实在太愚蠢了”，“我们的爱情还有救吗？”……这些日常生活中随处可见的问题，妨碍着我们对幸福的追求。人生的幸福不是金钱名利的角逐，本来自于我们内心的平静，天堂原本就存在于每个人的心中。在处理这些心理案例的过程中，作者展现了心理咨询的神奇技巧--原来一个人的人生道路可能因为几句话而改变！日常生活中的许多问题实际都是心理问题。这让我又仿佛重新从心理咨询中得到帮助别人的力量！还记得老师问过我们，觉得做心理咨询的人都是什么样的人？我们答了许多各种各样的答案。不过老师笑一笑，说：“我们都是善良的人。”是啊，拥有一颗善良的心，去给人帮助，这不就是我们心理咨询人员的初衷吗？然而心理咨询之妙，就在于他帮助了一个人，却让那个人感到自己帮助了自己。这便是只有我们自己才能体验到的快乐与力量。

在学习心理咨询的过程中，老师说过可以多种心理理论的灵活运用，你觉得哪种适合就用哪种。《登天的感觉》通过案例分析让人感到心理咨询并不是简单的某一理论的运用，而要具体问题具体分析。例如在《万般内疚为了谁》中，本来岳晓东博士运用的是现实疗法，但是后来发现来访者还是无法调节自己的心理问题，后来运用分析疗法终于发掘出问题的根源。在《问你是否还爱我》中作者主要运用了认知疗法但是在咨询的过程中，作者穿插了分析疗法。当我们在处理个案的时候，如何正确选用相应的心理理论，需要我们有相当扎实的理论基础以及个案咨询经验。这还有点像练习武功的境界，充分掌握各种理论，在运用的过程中，于无形在有形之中，以有形变无形之法。好像有人说过，最厉害的咨询方法就是已经没有具体理论方法了，可见各个理论都融会贯通了。

很多事情，“知”与“做”是两码事，心理咨询亦然。学过心理咨询的人一般都知道：在咨询中不是劝慰，不是给建议，不是帮忙做决定。但是很多人在咨询过程中还是不自觉或自觉地犯这样的错误。在《登天的感觉》中，岳晓东也很坦白地告诉读者他在心理咨询中遇到的问题以及犯的一些错误，例如在《我想从哈佛大学转学》中，岳晓东就用自己的亲身经历谈了一个反移情倾向的问题。我想这是咨询者比较容易犯的一个错误，也是咨询中较难处理的一个问题。因为咨询的原则是：不要给来访者建议，不要帮来访者作决定，但是实际上现在所谓的咨询者可能会再自觉不自觉中就已经帮来访者作了决定。岳晓东在书中用自己的经历告诉读者：这些错误是很微妙的，它要求咨询者要细心，在咨询的时候必须时刻保持客观的态度，时刻注意自己咨询的原则是要“助人自助”！

总之，我觉得这是一本值得一读再读的心理咨询读物，因为每读一次你可能会有不同的体会，可能会有新的领悟。它告诉你什么才是真正的心理咨询。

十个案例一口气读下来，我也终于慢慢明白为什么此书的名字为“登天的感觉”。因为那些长期背负着沉重的心理问题的人们，在别人的帮助下重新找回了自己，从自卑自怜的地狱当中走出来，迈向自尊自信的天堂的时候，心中升腾的不就是一种登天的感觉吗？作者亲身感受着这些来访者一天天的开心起来，一天天成长起来，不也是一种登天的感觉吗？而读者从本书中不也是体验到一种像飞翔在云端般的美妙感受，那也是登天的感觉啊。

《艺术的故事》读书笔记 篇4

看完了《艺术的故事》，再回过头看书名和内容简介，不由觉得“故事”真的是再适合不过的形容了。它概述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，但是相比于说它讲述了一段关于艺术的历史，更多的是在叙述艺术和艺术家们的故事。

每一个作品都是一个艺术家讲述的一个故事，书中有一半都是图片，作者用图文结合的方式将这些故事用大众的语言娓娓道来。所以从书中，我们不只看到了艺术的发展历程，也看到了各个时代的艺术家们的生平故事。作者给了这些艺术家们新鲜的血肉，而非人物介绍中如“巴勃罗·毕加索（1881年～1973年），立体画派创始人”这样冰冷的文字。艺术家是鲜活的，他们存在于不同的时代地域、不同的文化背景，作为普通人类思考着关于自己与世界的事，他们把自己的思想成果酿造成艺术作品，所以这些艺术作品也是鲜活的，是艺术家们的一部分。

对于艺术的含义，贡布里希认为艺术在不同时代和地区的定义不同，而“艺术”这一概念则是武断地用一个思维框架来套所有艺术家的所有出品。贡布里希认为，仅仅由于一幅画让他想起了童年而喜欢它，没有任何问题。没有错误的“喜欢”，只有错误的“不喜欢”。错误的不喜欢指的是任由偏见蒙蔽自己，丧失了欣赏艺术作品的机会。在序中贡布里希说道，“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”而在书中他又说道，“实际上根本没有艺术其物。只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到‘合适’的效果；更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实的工作的辛劳和痛苦。我们相信永远都会有艺术家诞生。”

那么艺术家又是什么？书中提到，“所谓的艺术家，从前是用有色土在洞窟的石壁上大略画个野牛形状，现在则是购买颜料，为招贴板设计广告画。”这两个例子冰山一角，并不能全面的概括一个艺术家的真正定义。但这样的说法，也说明贡布里希对艺术并不持有崇敬而疏远的态度，他认为艺术家是亲近的，艺术也是可以亲近的。他对艺术家们的创作是这么说的，“艺术家和批评家过去和现在都对科学的威力和声望深有印象，由此不仅产生了信奉实验的正常思想，也产生了不那么正常的思想，信奉一切看起来难解的东西。”

而在如何欣赏艺术方面，贡布里希也作了详述：既然艺术是一种美，那么欣赏艺术，就不应该着重于“艺术学”或者“艺术史”所关注的东西，而应该去欣赏一种美，从艺术作品中寻求共鸣。按照作者的说法，艺术家们创造他们的作品的时候，最看重的是如何做到“合适”，而这个“合适”在欣赏的时候，也是最应该看重的。

这关于艺术的“故事”，作者从很久很久以前——史前，一直讲述到了现代。过去的作品并不是仅仅被当成纯粹的艺术品，而是有明确用途的东西。原始艺术并不章法着技艺的原始，因此他们的东西看起来不顺眼是因为手艺有限。土著艺术家用自己最喜欢和最顺手的形状构成人物或面孔，或许不太像，但却会保持一种图案的统一与和谐，有时也含有特殊的寓意。他们只需要知道它“是”什么，而不需要它看起来“像”什么。

关于字画同源的埃及艺术只有一章，且和后世艺术其实是不同源的。埃及艺术的特点表现为两点：几何形式的规整和对自然的犀利观察。他们的艺术无意给人观看，意在“使人生存”，因而重要的不是“好看”，而是“完整”。到公元前7世纪至5世纪，“埃及人曾经以知识作为他们的艺术基础，而希腊人则开始使用自己的眼睛了。”他们开始尝试表现出事物在他们眼中的真实形象，但也并未完全摒弃古老的观念，依然十分注重表现人体结构，注重关于形式的知识。直到公元前4世纪末，希腊才出现“肖像”的观念。艺术家发现了既能赋予面目生气又不破坏其美的两全之策，并且懂得了怎样捕捉个别人的心灵活动和某个面孔的特殊之处。

在对中国艺术的描述上，贡布里希的认知很有趣，他提到中国艺术家不像埃及人那么喜欢有棱角的生硬形状，而是比较喜欢弯曲的弧线。他还提到了据说临摹自顾恺之的一幅责妻图，他称之为“具有我们所称道的中国艺术的全部高桂和优雅之处。画中的姿势和布置十分清楚，人们对一幅阐明事理的图画所可期待的能是已尽。此外，它也表明中国艺术家已经掌握了表现运动的复杂艺术。这幅中国早期作品中没有丝毫生硬之处，因为画中特别喜欢使用起伏的线条而赋予整个画面一种运动感。”的确，回想起来从青铜时代的饕餮纹开始，中国纹饰艺术从来没有脱离对曲线塑造的追求。而在人物画还在中国画中占领主导地位的时代，中国画家有一个算一个都可以说是曲线控。流畅的曲线和动势以及人物优雅的姿态和柔和的神情，这些是一直延续至今的中国味道。而中国画进入山水画时代后有关“意境”的问题凸显出来。

“有时画家啊就觉得自己分明是在进行这种探险航行。他们想重新观看世界，把肉色粉红。苹果非黄则红之类公认的观念和偏见完全抛开。”表现方式的不同是艺术家的决定，也左右了我们对一幅画作的回应。艺术家追寻的是一种事物与事物之间相互关系的和谐感，“合适”。但是至于艺术家到底要达到什么样的“合适”，效果，我们却不能带有很多先入之见。因此所谓的“艺术法则”并不是固定的。而根据不同的需要在变化的。古代的艺术家们同时需要考虑他们作画的目的，宗教等等。我们需要在了解了艺术家不同的目的等等的因素之后，才能更好的了解一幅画想要达到的“效果”是什么样的。

《整理的艺术》读书笔记 篇5

包括资料、环境、信息、生活、思维和人脉整理术六部分，由人与物的关系到人与人之间的关系，由浅入深，由表及里。

其中介绍了很多很有借鉴意义的整理小细节。

比如：

文件按“项目名+文件名+制作日期”的格式来命名

办公桌右半边空间适合用于拟定未来和企划等工作

通过固定纸巾盒和笔筒的位置来保持桌面的井然有序

用1.5倍的放映速度看视频

按金字塔原理写邮件

打扫卫生，重振精神，提高专注力

在散步中整理思维

等等

具体：

例一：办公环境对工作影响很大，办公桌应当是首先整理的地方。这里介绍了按区域划分功能的方法。根据是视线方向和思考活动之间的关系：人们在回忆过去的时候倾向于向左看，同样当需要回忆过去的时候向左看更容易回忆起来；在构想未来的蓝图时，人们更倾向于向右看，同样，在考虑将来的计划时，向右看比较好。

将这个理论运用到空间安排上，则是左半边办公区域主要是核实过去和现在工作的场所，放置电话，一个是左手拿话筒又瘦记笔记会比较方便，另外也便于回忆起过去的对话。

右边的空间则适合用于拟定未来和策划等工作。可以放上策划书和必要的资料，或者下一步计划要完成的事情的相关东西。

例二：用1.5倍的放映速度看视频。如果按正常速度看视频，像韩剧可能一集1个小时，电影一部2个小时，如果用1.3倍或1.5倍的速度放映，1个小时的视频理论上40分钟就可以看完了，再跳过片头片尾，差不多30分钟就结束了。用一半时间看完同样的内容，信息浓度也会随之翻倍。

可能有人会担心快放跟不上话题，但尝试后你就会发现其实没问题，对话内容都清楚明了。另一个角度说，一般的访谈节目还有电视剧中对话速度要比平时慢些，新闻亦然，因此，不用担心内容会不清晰的问题。

除此之外，作者还认为看快放的节目比用正常速度观看更能集中精力，专注于吸收节目的信息。

还有就是可能有人认为看电影电视本来就是放松的，那当然不用这么着急了，这种情况通常适用于一些东西你不得不看但又很费时的情况，作为提高工作效率的一种方法，与现在很多人提倡的放慢生活节奏并不矛盾。

艺术的故事读书笔记 篇6

首先，这本书名为《艺术的故事》，之前还有天津人民美术出版社出版的译名为《艺术发展史》，相比之下，《艺术的故事》更合适。一方面英文名本来就是“the story of art”；另一方面贡布里希在书中提到“整个艺术发展史不是技术熟练程度的发展史，而是观念和要求的变化史”。在这里，贡布里希强调的是从古至今艺术的变化并非从简单到复杂、从落后到先进的“发展”变化，而仅仅是不同时代、不同社会、不同民族对艺术的观念和要求的变化。比如作者认为，原始部落的艺术看起来很笨拙，这并非他们不能表现得很逼真，而是因为他们的观念认为那样表现即可，作者还用反例举出一些原始部落的艺术完全可以表现得栩栩如生。

其次，这本书讲的仅仅是西方艺术的发展，并未涉及到很多有关中国、印度等非西方国家的艺术。

第三，艺术的发展总是在前人的基础上进行某种突破，也就是说我们现在的艺术之所以能发展到今天，并不是一蹴而就，而是与前人的艺术具有密切的联系。即使是对前人艺术观点的反叛或改革，也是在前人艺术观点基础上的改变。比如希腊人学习埃及艺术，一方面既保留了埃及人那种表现事物主要特征的手法，另一方面又有了新的突破，即表现从某个特定角度看事物的样子。

第四，整个西方艺术的故事似乎就是一部艺术家表现自然方法的变化的故事。埃及人表现艺术是尽可能保留全和长久，所以他们的规则就是把自己认为重要的东西表现出来，而不是偶然看自然时的样子。希腊人学习了埃及的这种方法，并有所突破，学会了表现从某个角度看事物的样子，发明了短缩法。到后来，文艺复兴时期，通过人体解剖和研究自然，发明了透视法，艺术家表现自然的方法发生了改变。到了印象主义者那里，这种透视法也并非最真实的表现自然的方法，而是强调在室外光与影的交织下事物给人的那一印象。后来的立体主义、抽象表现主义也是有他们各自的表现自然的观念。

第五，西方艺术在漫长的一段时间内似乎并非像中国艺术那样强调抒发艺术家的情感，更多的只是艺术家在完成某种任务――不论是国王、贵族、教皇还是商人等交给艺术家的任务。艺术家通过学习前人技艺，并且自己通过摸索创新，从而赢得名声而成为伟大的艺术家――当然艺术家的地位的提升还只是后来的事。中国传统艺术中当然也有这种工匠所做的精美艺术品，但这些在中国只算是手工艺品，比如陶瓷、木雕等，这些手工艺与文人书画相比根本不能被算是艺术。显然，中国的文人画、书法艺术更多的是艺术家在抒发自己的思想感情，如果被强制按照命题去做就不会取得很好的效果。

第六，作者在书的开头和结尾都强调了“实际上没有艺术其物，只有艺术家”这样的观念。实际上作者是在表达这样的想法，每个时代都有自己的艺术，以前并非是艺术的东西我们现在看作是艺术，或许我们现在不认为是艺术的东西在以后就被认为是艺术。所以，艺术并不是一个非常确定的什么东西。而艺术家就是制作这些东西的男男女女。

生活的艺术读书笔记 篇7

我对中国的佛教建筑抱有浓厚的兴趣, 加上近来研读《佛教文化概论》, 学到了不少佛教知识, 我决定以此作为这次读书笔记的主题。

在研读了一些相关资料后, 我提出了以下两个问题并试着作出解答:

1 佛寺的发展历程是怎样的?其总体布局有些什么演变

佛教产生于印度, 相传为释伽牟尼在公元前6至5世纪所创, 并于东汉明帝永平10年 (公元67年) 由西域僧人传入我国。在当时的首都洛阳建造了第一座佛寺——白马寺 (引自《中国寺庙文化》) 。由此开始, 佛教建筑在中国整整延续了18个世纪而没有间断。

《魏书·释老志》这样记载白马寺:“犹依天竺旧状而重构之, 从一级至三、五、七、九”。所谓“依天竺旧状”, 应指的是有一座“塔”, “重构之”指的是多层楼阁。这就是当时佛寺的主体。和后世的楼阁式木塔一样。佛寺早期, 它只是一座塔, 带有浓郁异国色彩。

南北朝时期, 国家动荡, 僧人参政, 统治者有意识的利用佛教统治人民。这时佛寺建筑有了大发展, 演变出了两种主要形式:一是东汉以来的浮屠祠式, 规模日趋庞大, 以多层塔为中心, 围置廊院。《洛阳伽蓝记》记载:北魏汝南王曾在东汉灵台顶部建造砖塔, 改为佛寺。二是利用或改造府第为寺院, “以前厅为佛殿, 后堂为讲堂”, “王侯第宅, 多题为寺”, 此类佛寺是典型的中国建筑。

是否这两种形式在今后并行发展了呢?历史证明隋唐时期的佛寺极少有以塔为中心布局的了, 或寺旁另建塔院, 或建双塔, 或塔阁并峙, 可能都是过度形式, 大量而典型的布局多受唐初道宣和尚所著《戒坛图经》的影响——前殿后堂, 围以廊院, 正面山门, 四隅角楼, 两侧小院。塔的地位渐从中心到侧, 再到后山, 甚至被抛弃。这样的演变应如何解释呢?

这要从塔的最原始作用说起, 塔最初是为存放舍利而建, 作为陵墓性质的塔自然是寺的中心。但人们想见到佛, 而不能满足于对着一个藏着佛的舍利的建筑祈祷念经, 于是佛像产生并越造越高大, 进而代替了塔的地位, 佛像需要建筑来遮风避雨, 于是容纳佛像的建筑被越来越重要。中轴线上的天王殿、大雄宝殿, 都是容纳重要佛像的建筑, 从保留下来的佛光寺大殿的规模气势就看得出此类建筑在佛寺中最重要的地位。

另外, 楼阁类建筑也广泛被应用。佛寺高阁中最著名的莫过于独乐寺观音阁及乐山大佛那已损毁的楼阁。高阁出现在寺院建筑的格局, 是和佛教中的密宗信仰的兴盛有关的。

密宗, 出于古印度后期佛教密教, 唐开元初传入, “信奉金刚界、胎藏界两部经藏, 讲求即身成佛、快速成佛。”据其信仰, 修法需筑坛——“曼荼罗”。坛上供奉多种佛及菩萨, 且是高大站像。 (引自《中国建筑史论文集》) 这种功能要求促成了建筑空间的变革, 逐渐形成了以高阁为主体的平面布局形式。

高阁在寺院中的布局主要有: (以下引自《中国建筑史论文集——唐宋高阁建筑》)

(1) 高阁居中:高阁占领佛寺正殿的位置, 形成一种新的寺院空间。

(2) 两阁对峙:东西二阁对峙是一种很普遍的格局。唐诗中有“双楼夹一殿, 玉女侍玄元”的诗句, 除此之外, “双楼夹一阁”的布局也很多。

(3) 三楼相连:敦煌壁画出现了不少三座楼以阁道相连的处理。立面上三楼都是正立面朝前的, 不同于两阁对峙中的侧立面朝前。但此种形制未留下任何实物, 只见于壁画。

(4) 三门之制:山门, 唐又称“三门”或“中门”, 多为楼阁式, 对日本建筑有很大影响。

(5) 其他建制:如角楼、钟楼、经楼等。

唐代佛教建筑中楼阁建筑发展较快, 不仅代替了塔的位置, 也对寺院建筑布局建制有较大影响, 产生了多种布局方式。

宋代以来, 轴线位置上的阁常常置于大雄宝殿之后, 虽地位不及唐时显赫, 然而常以其宏大的体量、精巧的结构引起人们的注意和赞叹。《石林燕语·癸辛杂识别集》载:“汴城楼阁最高而见者, 相国寺资圣阁”即相国寺之后阁。

综上所述, 佛寺的基本布局演变可概括为:从“独塔”走向“前塔后殿”再走到“前殿后塔”再到“前殿后堂”然后是“前阁后殿”最后到“前殿后阁”。

2 为何唐代以前的佛寺保留下来的极少

或许这也是很值得探究的问题, 在翻阅资料时, 看到梁思成先生苦苦寻找唐朝时期的木构建筑, 看到日本人叫嚣研究唐代木构建筑只有去日本时, 我想日本的木构建筑正是唐代从我国传入的, 他们保存下来的只有唐代的建筑并不奇怪, 可是为什么木构建筑延续了两千年的中国, 留下一栋唐代以前的建筑如此之难呢?

带着这个问题我翻阅了一些书籍 (《中国古代建筑技术史》等) , 找到了一些解答:

(1) 当然根本原因应当归结于木结构本身难以持久存在, 木材是有机物, 由于易燃、易腐蚀难以长久的保证不坏, 许许多多木构建筑或是被大火烧了或是遭到虫蛀随着一场地震轰然倒塌。我们可以看到保留下来的建筑, 很多都有遭遇火灾并屡次修复的记载。所以, 以木材为材料的佛寺建筑, 难以保存。

(2) 但仅仅由此解释似乎不够深入, 或许可以从政治角度找到一些答案。中国历朝历代更叠总是遵循不破不立的原则。于是要么迁都, 要么就烧房子。最为惋惜的是那楚霸王项羽把三百里阿房宫附之一炬。或许许多包括佛寺在内的建筑就是因为妨碍了新统治者的统治而惨遭厄运吧。

(3) 佛寺本是可有可无。佛教作为一种宗教, 只是被作为统治工具而传承了下来。但当其过度发展, 甚至有损统治者利益时, 必然会遭到封杀。《唐会要》卷四十七记载辛替否上疏:“今天下佛寺盖无数, 一寺堂殿, 倍陛下一宫, 壮丽甚矣, 用过度矣, 是天下资财而佛有七八。”可见建寺之奢靡。在唐武宗时期, 曾拆除天下寺院四万余所, 佛教受到严重打击。后来, 五代末年, 周世宗大举灭法, 又废天下寺院三万余所, 从此隋唐佛寺一蹶不振。

或许正是以上原因造成了我们缺少唐代以前建筑的现状。

以上是我在看过一些相关书籍后, 总结出的对中国佛寺建筑较为感兴趣的两个问题, 一方面记录研究, 一方面提出了自己的一些想法。文中推理如有不妥之处, 请读者批评指正。

参考文献

[1]段玉明.中国寺庙文化.

读书笔记不该缺失教师的指导 篇8

【中图分类号】G633.3 【文献标志码】A 【文章编号】1005-6009（2016）38-0060-02

【作者简介】丁国林，江苏省如皋市教育局（江苏如皋，226500）教研室教研员，高级教师。

随着全民读书和书香校园活动的开展，中小学生课外阅读的现状已经出现了非常可喜的变化。不少地方从教育主管部门到基层学校领导，无不将学生课外阅读活动的开展列入重要的议事日程。书香校园建设在专题“读书节”、校园书市、班级图书角、图书漂流、读书笔记展评、读书征文、读书演讲以及“作家零距离”、亲子阅读、书香家庭评比等活动的支持下，开展得如火如荼，成效斐然。但是，在基层调研中我们发现，作为与读书行为如影随形的学生读书笔记，则普遍显得内容单调：大多为格式化的“好词好句”和“精彩片段”摘抄，检查发现不少学生存在马虎应付的形式主义倾向；而教师的批阅，则同样缺少必要的方法与点拨激励，有的仅仅用红笔打一个“√”或是简单地给一个“阅”字；少数班级学生读书笔记的检查与批阅，竟然是由学生干部代劳，而居于“平等中首席”位置的教师，却基本处于“缺席”状态，“不作为”或“伪作为”现象客观存在。这样的读书笔记，除了简单地应付了学校行政检查以外，作为放大阅读效益并帮助学生实现有效的文化积累的应然功能，基本上丧失殆尽。

读书和积累，是学生获得语文素养并形成丰厚文化底蕴的主要途径，有效地指导和帮助学生以读书笔记为抓手，进行必要的词汇积累、美文佳句积累，提高其在文化知识、文学常识等方面的素养，是现代语文教学的应有之义。那么，如何在学生的读书活动中做好其读书笔记的指导与管理工作呢？根据多年的工作实践，笔者以为语文教师不妨从以下几个方面做一些必要的思考与尝试。

一、明确内容和范围

根据目前中小学生读书笔记的现状，尤其需要更直观具体地帮助学生明确读书笔记所应涉及的内容和范围。例如：

1.读书过程中即时发现的对写作具有直接借鉴与迁移运用价值的精美语段（形象生动、细致入微的细节、场面、语言、神态和环境描写等）。

2.饱含哲理、内涵丰富、语言凝练的名人名言、诗词名句、睿思哲言、谚语俗语歇后语、歌词流行语等。

3.能够帮助自己丰富文化知识和生活积累、提高生活情趣，在今后的生活交际或写作实践中可能有用的逸闻掌故、写作素材、名人故事、文化现象，例如我国诗词文化中的数字诗、藏头诗、回文诗、宝塔诗以及对联宝库中的精美名联、长联、妙联、趣联等。

4.读书过程中随时生成的阅读感悟、启迪、联想及其在阅读内容启发下所产生的生活创意、写作灵感、奇思妙想等。

5.有收藏保存价值的较长文字的内容提要、结构提纲、备忘索引等。

6.名人大家、同龄学霸的成功经验、学法秘诀等。

二、丰富来源和形式

教师还需要引导学生将“读书笔记”的内容来源进行适当延展，即学生在阅读或日常生活中所发现的、自认为具有抄录收藏价值的文本材料都可以进入读书笔记的内容范围，从这个意义上讲，现代传媒中的博客、微信、QQ会话、论坛发言甚至影视人物的精彩台词、校园内外的宣传标语等都可以在学生的读书笔记中占有一席之地。

读书笔记的目的在于积累和运用，语文教师还可以从“笔记”的形式上进行适当的点拨与引导，美文摘抄、内容提要、随文评注、提纲整理、即感随记、备忘索引，甚至是剪切复制等，只要有利于学生的文化积累，只要能够对学生写作能力的提高有所启迪和帮助，都可以让学生不妨记之摘之，思之悟之，学之用之。惟如此，学生方能不断尝到动笔读书的甜头，不断提高读书的兴趣和效益，不断获得文化积累、知识进步、精神成长。

三、促进评价和交流

作为与读书活动密切相连的读书笔记行为，当然离不开教师的教育引领与智慧激励。但现实中，有的教师对学生的读书笔记不闻不问，或者仅仅是任务式的定期收交、简单批个“阅”字了事，这种不作为行为，是无益于学生语文素养的提高的。语文教师要在平时的常规批阅中及时地发现优秀典型，像作文眉批或总批一样，给予细致地评价引导和点赞激励，让学生及时倾听自己拔节成长的声音。

除此之外，教师可采取多种形式，促进学生通过读书笔记进行交流与共享。比如，可以组织读书笔记的展评活动，让学生在观摩欣赏中发现并借鉴别人的长处；定期组织学生将读书笔记交换阅读、互相转抄，实现智慧的累加碰撞；将读书笔记的指导与学生写作能力的提高进行合理的关联，引导学生在笔记过程中及时地发现写作的灵感并进行适度的迁移运用；等等。

读书笔记的内容、形式等必须与学生的年龄特点、学段特点及其个体性格特点有机结合，这是指导学生做好读笔记时必须遵循的基本原则。对学生而言，经常随手翻阅自己曾经的读书笔记，不仅可以温故知新，更能获得激活思维、催生灵感、涵养人性、净化心灵的特殊效果。

爱的艺术的读书笔记 篇9

文中作者先提出爱是一门艺术然后阐述原因，再提出有关于爱情的理论，最后提出爱的实践。对此我有些属于自己的想法。

人在社会中总是免不了孤独寂寞的感受，有些人选择释放自身欲望无关感情，而有些人选择在茫茫人海中寻找另一个同道中人给彼此温暖陪伴。这两者都是本能，但后者应该承担的东西更多，我们称这叫爱情。

在当代社会的观点中，爱情总是与性挂钩，但依我看来，爱情只是爱情，你可以因为爱情产生欲望，但是你不能因为欲望去获得爱情。欲望是本能，而将欲望能控制在手，承担责任，奉献关心，给予尊重这是爱情。

爱情在各阶段都存在着，小时候的青梅竹马，长大一些的怦然心动，成熟一点的柴米油盐，老年后的白头到老。既是付出也是收获，双方付出了时间与精力，在不断磨合适应下走到最后这不是一件很美好的事情吗。

但是怎样去爱别人呢，又怎样接受其他人的爱意呢?这个问题一直以来都困扰着大多数人。现在大多数年轻人的爱情总是前期美好后期苦涩，分手之后郁郁寡欢，更有甚者放弃自己生命。这是错误的爱情观。在我的观点中，爱情并不是生活的全部，它只是美好生活的一部分。你学不会爱这个美好生活，便会看不到世间美好，也就学不会爱其他人。连自己的生活都不会爱，谈何爱别人。先过好自己的生活感受美好才有爱别人的能力。而你如果没有爱别人的能力，你又怎么能够感受到别人的爱意呢，你将永远不会得到爱的满足。先爱自己再爱他人，这个顺序反了，最后是失败的。你想想这样的场景，在你们恋爱过程中，你每天抱怨着这个社会的不公，发泄着自己的糟糕情绪，你的另一半听着这些，他不会被影响然后消极吗，他最后不会被你的负能量打倒想逃离你吗?换另一个场景，当你的世界围着他转，因为他的一句话影响你一整天的心情，没有独立的人格和空间，另一半不会觉得累吗?所以，在感情中，爱自己，拥有自己的独立人格和空间是十分重要的。这些东西在恋爱中才能与对方一起获得快乐和对生命的感悟。

艺术的故事的读书笔记 篇10

今天是《艺术的故事》的最后一个故事：多元化的今天。

20世纪上半叶，人们生活中发生了令人难以想象的巨大变化：那些原来依靠二轮小马车从事日常事务的人们，现在可以乘坐汽车出行了；电话和其他技术的发展简化了通讯的过程；科学和医学的进步改善了人们的健康，甚至拯救了那些身患绝症之人的生命。社会发生了天翻地覆的变化。

20世纪初的文学艺术运动层出不穷，永久地改变了绘画的面貌。绘画似乎突然间在各种观念、领域中找到了自我，所涵盖的内容包罗万象，艺术家们开始关注于“活着的当下意义”，多种多样的艺术形式如雨后春笋般出现，经历了现实主义、抽象主义、极少主义等形式之后，艺术领域也衍生出了一种原始而粗犷的风情。

进入到21世纪以后，绘画并没有出现一个主导的风格，而是多种风格并存，不同的艺术家们用自己独特的风格影响着现代观众，他们探究事物的内在和本质，似乎在用一种忐忑不安的情绪在作画，他们用自己的独特的技术和风格，为我们描绘了一个最好的时代，也是最坏的时代。

在今天的内容里，我们所看到的艺术故事的年代跨越似乎有些大，但是他们都是现代艺术中不可缺少的重要一部分，经历了自由发展的艺术家们，要试图在一个全新的时代里创造出全新的艺术风格，这对于所有人来说都是一个极大的挑战。与此同时，科技的进步与政治的变化同样也影响到了艺术的创作。

在以梵高为代表的后印象主义出现之后，这种直面心灵的描绘影响到了其他的一些年轻人，他们饱含着炽烈的感情，想要把这种喷薄而出的情感表达出来。他们追求更为主观和强烈的艺术表现，画风不再特别讲究透视和明暗，而是采用更加平面化的构图、暗面与亮面的强烈对比，用纯粹的写实来表达自己的情感，他们就是野兽主义。

似乎就是从这个时候开始，现代主义的艺术家们都有一种强烈的表现自己的意愿。在19位于巴黎的一个秋季沙龙展览上，一批前卫艺术家们的画作在同一层展厅共同展览，一位记者站在色彩刺目、形式大胆的展览中，忽然发现了一件具有文艺复兴风格的小型铜像，不由得惊叫起来：“多纳泰罗被关在野兽笼中！”（多纳泰罗是意大利文艺复兴时期的杰出雕像家。）野兽主义的得名就是这样而来的。不久，这一俏皮话便在杂志上被刊登出来，而“野兽主义”这一略含贬义的称呼也得到了广泛的认同。

野兽主义画家们打破了以自然色彩为依据的着色传统，他们的原则就是通过颜色起到光的作用，以达到空间经营的效果。他们还从非洲和东方画中汲取灵感，利用粗犷的题材，强烈的色彩来颂扬气质上的激烈表情。野兽主义的代表人物马蒂斯（Matisse）始终坚信色彩有其自身的独特能量。他根据感情的需要，将高纯度的平面色块在画中组合，使其形成冲突对比或平衡和谐的关系，产生音乐般的节奏，他的画往往传达着某种欢快的情感，散发着生命的朝气，正如这幅《舞蹈》所表现出的活力一样。

巴勃罗·毕加索，当代西方最有创造性和影响最为深远的艺术家，他是现代艺术的创始人，也是西方现代派绘画的主要代表，大量风格多样的作品和90年的艺术生涯，使他在20世纪的艺术统治地位无出其右。

巴勃罗·毕加索，当代西方最有创造性和影响最为深远的艺术家，他是现代艺术的创始人，也是西方现代派绘画的主要代表，大量风格多样的作品和90年的艺术生涯，使他在20世纪的艺术统治地位无出其右。

毕加索《读书》，毕加索是有史以来第一个在有生之年亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。

一战和二战给人带来的伤痛和反思急需寻找一个发泄的出口，在这种背景下，一批战后艺术应运而生。超现实主义在19兴起于巴黎，是由参加过第一次世界大战的法国青年发起的学派主义，他们目睹了战争的荒谬和破坏，对传统的理想、文化和道德产生了怀疑。他们以所谓的“超现实”“超理智”的梦境、幻觉作为艺术创作的源泉，认为只有这种超越现实的“无意识”，世界才能摆脱一切束缚，最真实地显示客观事实的真面目，这种偶发梦境和信马由缰的主张鼓励了艺术家创作出各种荒诞的、不合情理和不协调的作品。《记忆的永恒》就是最为出名的超现实主义作品，作者达利（Dali）引入了有关柔软和正在消融的手表的概念，在这个清晰而令人困扰的梦境般的幻象中，坚硬的物体熔化、变形，蚂蚁爬满了金属怀表，借此意象探讨了人与时间的关系。

同样地，毕加索也用一幅《格尔尼卡》表达他对毫无益处的战争的厌恶之情。在第二次世界大战之后，英国艺术家们选择将血肉之躯作为绘画的`题材，展现出一种扭曲和孤立的形象，甚至发明了一种脏污的涂抹和泼洒颜料的独特画法，为他们的画作加入了风险和不确定的因素。

表现主义兴起于20世纪初的德国，最初是用来区别印象派的一个术语，后来逐渐流行于法国、奥地利、北欧和俄罗斯。

表现主义的作品多通过扭曲的人物来表达内心的恐惧，因此他们一般不会选择欢快的色彩和主题，但是后来随着艺术家们的不断发展，表现主义逐渐成为一切表现内心感情的艺术代名词，它代表着画家们突破事物表象而凸显其本质，突破对人的行为的描写而深入其内在的灵魂，突破对暂时性现象的描写而展示永恒的品质等。表现主义用颜色和狂乱的线条来表达自我，瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）就是如此，他认为仅用颜色和形状就可以传达艺术家的感觉和情绪，由此，他转向了抽象主义的范畴。

抽象主义更是一种自由发展的画派，画家们想要探索并进行绘画形式的实验，他们认为作品和形式本身就可以成为题材，他们希望创作充满感情和表现力的作品，同时强调画作创作过程的自发性。这是首次在美国兴起的艺术运动，它标志着在此后一段时间里，西方现代艺术的中心终于从巴黎转移到纽约。

抽象主义的艺术家们会在巨大的画布上进行创作，他们甚至发明了新的滴落画法，即把画布铺在地面上，运用颜料滴落的方法，强调创作的随机性。这种做法看起来有些太随意了，甚至有人会批判这根本不算什么艺术，但是正是波洛克（Pollock）开创的这种画法成了抽象主义的主要表现方式。他们笔触自由，奔放大胆，桀骜不驯。以波洛克为代表的抽象主义画家认为，绘画有它自己的生命，而他们只是力求让这种生命出现，因此，在抽象主义的画作中总是充满着一种纯粹的和谐。

随着抽象主义的兴起，西方艺术中心的转移，美国人民终于开始发挥出他们向往自由的天性了。波普艺术，又称为流行艺术（Pop Art）开始出现在美国的大街小巷，这是在美国现代文明影响下而产生的一种国际性艺术运动，其灵感来源于流行文化，包括流行音乐、电影、漫画、通俗文化产品和广告等，他们把熟悉的日常物品拿来创作，直接打破了高雅和低俗文化的区别。

其实，所谓的“波普”也是英语中“棒棒糖”（Lollipop）的一个简化的口语词，也可以指酒瓶或可乐瓶开启的声音，不论是哪个，波普艺术都带着一种轻松娱乐的享受感，与之前的流行艺术不同，波普艺术真正实现了让所有人都能接触到艺术这一使命，我们经常能看到的一系列名人头像，例如《玛丽莲·梦露像》，就是出自这一时期的艺术家之手。

新现代主义首先诞生于现实问题最多的德国，艺术家们用粗砺、原始的笔触，依靠扭曲和疯狂的人物形态，借鉴报纸、神话中的各种资源，表达了自己内心的力量，他们并不是直指政治或战争的惨状，而是用一些抽象的表现形式，甚至是卡通般的画法，用一丝黑色幽默，微妙地涉及了国家与政治。

第二次世界大战结束之后，德国分裂为东德与西德，这种现实的分裂给人们带来了永远无法弥补的伤痛，人们对自己的身份认知产生了怀疑。随着科学上的巨大进步，人们开始怀疑过去已有认知的真理性，同时也开始意识到科学无法解决任何问题。生活的复杂性与艺术互相碰撞，这就是后现代主义的崛起。

后现代主义画家们结合了大量的科技手段，比如他们将一些照片用创作的形式重新呈现，或者是通过对一些摄影照片直接进行变形处理，表现出一种模糊又浑然一体的风格。

但是随着生活节奏的逐渐加快，现代人又产生了新的焦虑，包括社会压力、国际局势、恐怖主义、女权问题等等，这些都在现代艺术中有所反映，宽松的政治环境也使得艺术家们得以更加自由地表达自己的情感。时至今日，可以说只有你想象不到，没有艺术家们做不到的艺术风格，在多样性和多元化程度越来越高的今天，艺术家们最为关注的，还是他们那越发躁动和焦虑的内心。

图伊曼斯（Tuymans），当代最伟大的画家之一，创作了一大批内容题材极其丰富的画作，从羁于纳粹毒气室的紧张痛苦的图像，到日常花卉的平平无奇的再现，这些抽象化的图像带着几乎病态的色系，表达了作者心中的不安和冷漠感，似乎在诉说着现代人的内心。

现代艺术并不是一种终结的陈述，而是一种对绘画的证明。艺术家们一方面试图造就艺术的存在，一方面又质疑这种存在的本质。这就是这个时代能给艺术带来的最好，也是最坏的结局。艺术陷入了被质疑与自我质疑的循环，艺术家们也面临着更多的焦虑与不安。但是我们回顾这些天来所看到过的艺术历史就会发现，从始至终，艺术都只是人类社会的一种表达方式。