音乐教育学知识点（精选8篇）
站在音乐教育的立场，结合我国音乐教育的目标，我来谈一下音乐心理学知识的掌握与运用对我国中小学音乐教学的影响。我们往往把学习能力差归因于一般智力差，但近来对落后学生的研究证明，特定的知识和技能的缺陷是导致学习能力低下的原因。而这种特定知识和技能就包括对音乐的学习。以音乐与语言关系为例，二者均发展于人类文化系统中，音乐节奏教学及歌唱训练，可提高语言的表达能力，对学习外语起到了良好的辅助作用。另外音乐欣赏课上老师的启发、诱导，可使学生产生丰富的联想，可充分发挥其想像力;再如音乐知识课、创作课等教学对其他学科的作用等，所有这些，使我们不难认识到音乐教师责任之重。
为此，我们强调每位音乐教师都应充分发挥自己的技术，上好音乐课。上好音乐课，除要求教师具备一定的技术外，更重要的则是了解学生，为学生设想，这就需要教师具备一定的心理学知识。因为技术和知识可在工作中日日进步，而徒具精深技术，却无法施教于人是最不可取的。例如，就兴趣而言，我们知道，“兴趣”作为一种对周围事物或现象表现出来的喜爱情绪，对人的各种实践活动都具有非常重要的作用，因为它是人类从事活动的内在动力之一。而音乐教学本身便充满了趣味，因此要做到音乐课对学生来说是有兴趣的这一点并不难，只有最麻木的音乐教师才把音乐课弄得呆板无趣。最后，我们要强调的是，音乐教师本身要具备健康的品格，为人师表，对学生起到潜移默化的作用。
就如孔子所言：“自乐乐人，自正正人。”而塑造健康的品格，发挥教师的主导作用及音乐导人向善的作用的同时，则要求教师掌握学生的心理发展规律，把我们的学生培养成具有良好品格及较高审美情趣的德才兼备的学生。
一、音乐教育与社会的协调发展
社会经济的发展, 将促使科学技术与文学艺术相互融合, 达到共同繁荣。音乐教育也将更大限度地发挥满足社会需求、促进经济繁荣和提高国民素质的重要作用。
1.音乐教育与经济发展
音乐教育在知识经济社会中除了帮助国民提高基本素质, 促进社会安定团结, 缓解社会矛盾, 陶冶人的情操和给予美的享受外, 还应该作为知识产业的一部分, 更多渗透到社会经济活动的方方面面, 为改革开放、对外交流服务, 为经济发展作贡献。音乐教育通过其特有的教化和宣传方式, 在树立企业形象、发展企业文化、推广企业产品和沟通与大众联系的过程中, 起到重要和不可替代的作用。
2.音乐教育与人才培养
艺术教育既可以培养审美观点、广泛兴趣和提高文化修养, 又可以帮助树立正确的人生观和价值观, 使学生更加朝气蓬勃、更具人文气质。音乐教育作为艺术教育的重要内容之一, 从来都是和人才的培养紧密地联系一起的。在知识经济时代, 全面贯彻党的教育方针, 就必须重视和加强学校的艺术教育, 并将其作为由应试教育向素质教育转变的重要途径之一。
从世界名人看, 很多人与音乐有着不解之缘。我国著名物理学家钱学森, 曾以科学方法对艺术进行分类;著名地质学家李四光是一位小提琴手;宋代科学家沈括也十分通晓音乐;孔子既是思想家又是音乐家;曹操、李白、李世民、李隆基, 乃至李大钊、鲁迅、周恩来, 都十分喜爱音乐。俄国化学教授包罗廷是位作曲家;波兰前总统帕德莱夫斯基是著名钢琴家;英国前首相希思是指挥家。恩格斯、列宁、托尔斯泰、罗曼·罗兰、泰戈尔、巴尔扎克等都是音乐爱好者。他们都不同程度地受到音乐的熏陶与影响, 或从音乐中吸取欢乐和力量, 或从音乐中领略人生的真谛与体验, 或从音乐中受到启发、得到灵感。科学的发现与艺术的创作, 都需要有创新求异的思维, 积极探究问题的心理倾向, 创造性的人格品质。音乐形象通常有模糊性和不确定性的特征, 它使音乐情感的表现往往不具有特定的语义内涵, 而是人类某种普遍体验过的感情的传达, 也是人类心灵最深处的一种本质力量的揭示。音乐创作中充分自由联想的特点以及音乐形象本身表情的丰富性, 显然有利于人的个性培养和思维的展开, 有利于激发人的创造热情和创造能力。因此, 在大力推进素质教育的今天, 应高度重视音乐教育, 充分认识音乐教育在素质教育中的地位和独特作用.
3.音乐教育与精神文明建设
随着社会经济、文化生活质量与品位的提高, 音乐教育在内容和形式上都应该打破常规, 顺应时代的发展, 更好地和人们的生活相结合, 满足人们日益增长的精神文化生活需要, 促进社会安定团结。同时, 音乐教育在精神文化生活领域的进步必将反过来促进经济的发展, 使人类社会的物质文明建设和精神文明建设两者之间形成互动、互补, 达到良性循环。音乐教育理念的不断革新, 将会有利于经济的繁荣和发展, 而经济生活的拓展, 也必然导致音乐教育在社会经济活动中比重的增加和音乐教育自身多方面的发展。
二、知识经济时代音乐教育的特点
音乐教育是深化教育教学改革、提高整体教育水平的重要因素。目前, 音乐教育未能引起足够的重视, 教学形式单一、手段落后, 教师业务的水平普遍不能满足需要。全面提升音乐教育在学校中的地位, 不断扩大它的影响, 已经越来越受到人们的重视。
教育的最终目的是培养具有创造性才能的人。由于受形象思维是低级思维活动、抽象思维是高级思维活动片面观点的影响, 对形象思维的研究很不够。形象思维活动只局限在幼儿阶段, 甚至像音乐这样一门课程也忽视了形象思维训练。音乐在培养情感和联想、想象力方面有很重要的作用。过去的音乐素质教育忽略了这方面的培养, 过多地注重音乐知识和技能的传授, 限制了学生形象思维能力的发展, 因此在音乐教学中应加强形象思维的训练。
社会主义市场经济的逐步完善和人才市场的激烈竞争, 使拥有多方面才能的复合型人才越来越受青睐, 从而强化了学校和学生对包括音乐素质在内的多方面才能的培养, 为激烈的竞争打下打下良好的基础。而学生拥有的艺术气质和人文精神有助于培养和完善他们自尊、自信、自强的品格, 以赢得他人的尊重。同时, 也有利于培养自身与他人交往、交流与合作的能力, 更好地为社会服务, 为人与经济、社会全面而协调发展作出应有的贡献。
三、知识经济时代对音乐教育的要求
1.不断进行音乐教育创新
创新是一个民族的灵魂, 是一个国家兴旺发达的不竭动力。音乐教育必须遵循教育规律, 不断改革音乐教学体系和教学内容, 进行教育理论创新, 改进教学手段, 努力提高教学质量, 培养学生具备健康、向上、积极的探索精神和创业创新的思想品质。同时, 在教学中还应注意培养学生的创造性思维能力, 拓展他们的创作空间, 激发他们的创作灵感, 鼓励他们的个性发挥, 使受教育者真正成为适应时代发展的创造性人才。
在美国, 不断有新的教学方法诞生。综合音乐感教学法是根据著名《曼哈顿维尔音乐教学大纲》中的“螺旋形上升素质培养大纲”而产生的, 最初作为专业音乐学习的一门课程 (包括七个方面的素质培养:乐音、节奏、旋律、和声、曲式、调性、结构。音高、音色、力度都包括在乐音内) , 后来推广到非专业的音乐教育领域, 而且发现在中小学音乐教育中使用该教学法效果更好。由于其着重培养学生的创造性思维能力, 美国人又称之为“发掘创造力教学法”。用这种方法教学, 可以鼓励学生自己就音乐的综合理解和知识作出判断, 并积极参与音乐创作, 从而使学生获得音乐分析与创作的能力及经验。综合音乐感教学法已成为美国中小学音乐教育的重要模式之一。
我国不同民族与地区之间经济与文化差异甚大, 若想更有效地实施全民素质教育, 则更要采用多种音乐教育模式来发展普通音乐教育, 让教师都能找到适应本地或个人实际的, 有利于培养、提高人的素质的, 尤其是能培养人的创造性思维的音乐教育模式。我们可以对国外的先进音乐教育模式采取拿来主义;另一方面也要创造出我们自己的更新、更好的音乐教育模式来。
2.重视民族音乐教育
音乐是民族文化的重要载体。民族音乐凝聚着中华文明在艺术方面的伟大成就, 是世界文明的宝贵遗产。我们应该本着“古为今用, 洋为中用”的方针批判地吸收和借鉴一切外来音乐文化的精髓, 促进民族音乐的发展, 让学生重视对民族音乐的学习, 对其中的优秀剧目和作品有一定的理解, 如:京剧和“梁祝”、“保卫黄河”等, 唱其音、听其神、悟其意, 使学生深深扎根在民族音乐的文化沃土之中, 树立强烈的民族文化自信心和自豪感, 培养爱国情怀, 创作出越来越多符合中国先进文化前进方向的艺术作品, 使我们的民族音乐文化永远立于世界音乐之林。
知识经济的大潮扑面而来, 势不可挡, 市场的激烈竞争将会更加剧烈。为此, 我们必须与时俱进, 为明天的音乐教育构建适合知识经济时代和社会经济发展的最佳模式和框架, 使音乐教育置身于素质教育之中, 为营造浓厚的育人氛围服务, 为中国社会的全面、协调和可持续发展贡献力量, 迎接知识经济时代的挑战。
摘要：音乐教育在知识经济时代中对人与经济社会协调发展起着重要作用。在知识经济时代, 音乐教育应该为培养高素质的人才服务, 为经济社会的协调发展服务。
一部优秀的广播电视节目(片),可以说一定程度上音乐无疑会起到升华主题,深化人物,烘托情节,表现情感的作用,有的甚至能够通过一段音乐使听众了解其内容和人物内心。每当我们在编辑一期音乐节目、创作一部作品时,首先要对作品进行全面的领会,了解作品的特点,分析艺术特点,体味其特有的风情和蕴涵的哲理,这样才能进入感情和理智的欣赏,合理地掌握音乐风格运用的尺度,使编辑的意识得到不断升华,从而获取最佳收听、收视的效果。
好的音乐艺术作品是在客观事物描写的基础上的提炼,其音乐创作更离不开那些多姿多彩的民族音乐文化土壤滋养,音乐艺术它来源于生活,反映生活,无论是音乐穿凿的内容,音乐创作中的动机,还是音乐创作的过程和音乐创作的结果,都是源于生活的一种感受,不同的民族音乐表现手法丰富多样,不同的风格会展现出不同的品味。
我们欣赏音乐艺术是一种审美活动,音乐艺术美的标准是时代、民族、社会阶层的审美趣味所决定的,民族文化的美是自然朴素的美,是自然美和生活美创造性、和谐性的反映,形式美只是艺术美的一个方面,重要的是艺术作品的内容美,该追求什么样的美?笔者认为好的音乐艺术作品应具有浓厚的生活气息,有个性、有鲜明的民族地方风格,反映实实在在的人民生活,这种活生生,韵味十足,充满情感,表现上创造出丰富内涵即贴近实际、贴近生活,贴近群众的好作品是广播电视编辑所追求的。
众所周知,音乐作品的内容和艺术美,它涉及到许多因素,包括了旋律、节奏、调式、调性等,音乐语言具有千变万化的表现力,各种要素要互相配合,各种不同的体裁适应于表现不同的题材内容,创作个性和风格。通常所说的艺术风格,说的更准确一点就是指音乐形式所体现的风貌、特点、气质、时代精神、民族精神,这也是体现语言艺术风格最具体的东西。音乐创作者的思想、品德、性格、音乐修养和选用的音乐语言的气质、色彩、韵味等构成时代的风格,则是社会发展,政治思想变革的因素占主要地位,有意识的来发展这些因素对于丰富和繁荣广播电视现代民族音乐艺术风格具有重要的意义。
系统掌握音乐知识,正确运用音乐作品,是为了更好的表现音乐艺术作品的真正内涵,广播电视编辑在编辑节目上就应先考虑到“主题先行”,要编出新意,表现出创作思想,内容和社会效益,要用眼睛、耳朵去“编”、“写”。调动各种声音艺术因素,力争编的新一点、深一点、美一点。笔者在编辑节目内容、题材构思、设置、展现主题,乃至主持人的串词、语句、专业用语的编排上充分考虑到各阶层各民族收听群体,编排上运用穿插人物、背景、时代风格介绍,力求作到准确,让听众听的清、听的懂,使听众在欣赏节目的同时,能增长知识面,提高收听率,用新颖的音乐艺术形式不断丰富完善节目内容,把真正体现民族风格,地方特色的艺术作品,奉献给广大的听众朋友。
(作者单位:拉善人民广播电台)
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一、歌曲
《清晨》赵树海作词，清新地唱。《晚风》安谧地。《赶圩归来啊哩哩》中速稍快
描写彝族。
《外婆的澎湖湾》中速。《故乡的小路》中速，变拍子。《如今家乡山连山》欢快地。《叮铃铃》亲切活泼愉快地。《雏鹰之歌》坚定自信地。《踩雨》甜美
轻松地。《雨中》轻快 活泼 风趣地。《堆雪人》轻快活泼地。《雪花带来冬天的梦》中速。《走四方》自豪地，河南民歌。《游乡》《大平原》具有河南地方特色，《晨景》管弦乐 挪威作曲家 格里格作曲。《红蜻蜓》日本山田耕筰曲。《渔舟唱晚》筝独奏。《丰收锣鼓》民族管弦乐。《苹果丰收》朝鲜民歌。《快乐的农夫》管弦乐，德国作曲家舒曼作曲。《红梅赞》歌剧《江姐》选曲女声独唱。《歌唱二小放牛郎》童声合唱 叙事歌。《红星歌》影片《闪闪的红星》主题曲，合唱。《雨花石》是电视连续剧《红红的雨花石》主题曲。《我怎样长大》是影片《烛光里的微笑》主题曲。《可爱的家》是管弦乐。《回家》是萨克斯管独奏。
《剪羊毛》《别处哪都有》是竖笛独奏。《牧场上的家》美国儿童歌曲。《思乡曲》小提琴独奏，马思聪作曲。《乡间的小路》男声独唱。《谁不说俺家乡好》是影片《红日》插曲，女声独唱。
《可喜的一天》苏联故事影片《攻克柏林》插曲。《罗马的松树》管弦乐，意大利雷斯皮基曲。《多瑙河之波》竖笛演奏。《雨滴》钢琴独奏，波兰作曲家肖邦曲。《踩雨》童声合唱。
《暴风雨》选自管弦乐《大峡谷组曲》。《乘雪橇》管弦乐 美国乐曲。《打虎上山》现代京剧《智取威虎山》选段，杨子荣唱。
二、读谱知识
拍，以八分音符为一拍，每小节有6拍。强弱规律是强弱弱次强弱弱。指挥图示：
倚音：
变拍子：
下滑音：
升号：
三、音乐家
格里格：挪威音乐家，作品管弦乐《晨景》
肖斯塔科维奇：苏联音乐家，作品《可喜的一天》。
肖邦：波兰作曲家，钢琴家。作品《雨滴》（降D大调前奏曲）。
五年级音乐知识点 1、6/8拍的指挥图示是（）。2、6/8拍强弱规律：强 弱 弱 次强 弱 弱 弱
2、管弦乐《晨景》的作者是（挪威
格里格），《渔舟唱晚》是筝独奏，判断拍号9页内容，《丰收锣鼓》是民族管弦乐，《快乐的农夫》管弦乐。《罗马的松树》
管弦乐
3、歌曲《晚风》中的音乐符号“mp”和“mf”分别表
示（中弱、中强）
4、歌曲《赶圩归来啊哩哩》是（彝族）族的歌曲。
5、女声独唱《红梅赞》选自歌剧（《江姐》）会做17、19页内容，《歌唱二小放牛郎》是一首叙事歌曲，也是
儿童合唱曲，6、独奏曲《回家》的主奏乐曲是（萨克斯）
7、《牧场上的家》是一首（美国）儿童歌曲。会将前八小节改编成4/4拍或6/8拍。
8、《打虎上山》选自现代京剧（《智取威虎山》）
9、“一座座青山紧相连，一朵朵白云绕山间”的歌词出自女声独唱曲（、《谁不说俺家乡好》
10、《如今家乡山连山》中出现的“▼”是（顿音记
号）
11、“#”是（升）记号。4/4 3/4变换拍子31页内容，让学生明白哪样的是变换拍子。会做35页内容
12、这样的音符称为(倚音）。20页内容
13、乐曲《渔舟唱晚》的主奏乐器是（古筝）。
14、钢琴独奏曲《雨滴》的曲作者是波兰的（肖
邦）。
15、影片《闪闪的红星》主题歌是（《红星歌》），具有进行曲的特点。
16、《歌唱二小放牛郎》是一首（叙事）体裁的歌曲，叙述了一个悲壮感人的故事。
17、独奏曲《思乡曲》的主奏乐器是小提琴，曲作者是（马思聪）。
18、歌曲《天黑黑》是（台湾民歌也是童声独唱23页用哪个词表达这首歌的情绪）。《踩雨》童声独唱。《暴
风雨》选自管弦乐《大峡谷组曲》美国
格罗非 曲，会画图形谱，《乘雪橇》管弦乐曲。49页创作乐曲，比较乐曲的不同。
19、演唱《我怎样长大》的曲调优美抒情。
20、歌曲《踏雪寻梅》的词作者是（刘雪庵），曲作者是（黄自）；管弦乐《快乐的农夫》的曲作者是（德国 舒曼）。《对花》山东鄄城民歌，《献花歌》山东掖县民歌，《山高遮不住南来雁》山东淄博民歌，《埋头拉车看清路》柳琴戏《山乡锣鼓》高吉唱腔，柳琴戏是枣庄地方戏原称拉魂腔，拉后腔。京剧是国戏，也是国粹。
21、“∨”是呼吸记号。认识下滑音及作用38页。
音乐有两类，一类是交响乐和轻管弦乐，另一类是舞蹈音乐、流行音乐和爵士音乐。
古典音乐往往指称严肃音乐，也指一些已得到公认的经典作品。
一般演奏人数在10人以内，演奏古典音乐均称室内乐。每一乐器各担任一个声部演奏时，两件乐器合奏的称二重奏，三件乐器合奏的称三重奏......八件乐器合奏的称八重奏，但以钢琴三重奏、弦乐四重奏及钢琴五重奏最盛行。编制在十人以上者，称为室内管弦乐。大规模的器乐演奏称为管弦乐，近代管弦乐团又称交响乐团和交响管弦乐团。古典交响乐团的编制在30人以上，有时可多达100人或150人。演奏轻音乐及爵士音乐的乐队，通称为小爵士乐队，一般人数较少，但轻音乐队也有超过30人以上编制的。现代伴舞乐队不使用弦乐器而单纯以铜管和木管乐器为主要旋律乐器，与维也纳圆舞曲乐队截然不同。
大型管弦乐团的配置，弦乐器的人数约占60％，木管乐器的人数约占15％，铜管乐器的人数约占15％，打击乐器的人数约占10％。通常左前边是小提琴，中音提琴在中间偏右，右前边是大提琴，最右是倍大提琴。弦乐器后面是木管乐器组，定音鼓在后排中心位置。大小军鼓、钹等其它打击乐器在定音鼓左侧。铜管乐器组在定音鼓右侧。竖琴、钢琴在左中部。
管弦乐团有4个主要的声部：
(1)弦乐器
小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴(倍司)。
(2)木管乐器
长笛(横笛)、短笛、双簧管(英国管)、单簧管(竖笛、黑管)、低音管(大管、巴松管)。
(3)铜管乐器
小号、长号(拉管)、圆号(法国号)、大号。
(4)打击乐器
定音鼓、大鼓、小鼓、钹、三角铁、铃、铜锣、木琴、钢片琴等。
音乐的元素是音，作曲家不能像文字般明确表达感情，只能用声音的表现来引起人们的情绪。音乐的四个基本要素是节奏、旋律、和声及音色。节奏使人们联想起形体动作，旋律使人们联想起精神情绪。音乐以旋律的差别，节奏的快慢，声音的高低强弱，和声的变化，以及音色的不同等方法来表现其情感。比如以大调表示愉快、雄壮，小调表示悲哀、忧郁；紧张而短促的节奏表现奋发激怒，和缓而悠长的节奏表现婉转柔和，音高且强为热情，音低而弱为沉静；不协和音表示奋斗争执，协和音表示和平宁静；小号表现战争，双簧管表现田园等等。
怎样欣赏音乐？
每个人都根据自己不同的欣赏能力和爱好来倾听音乐。为便于分析，我们把对音乐的欣赏分成3个方面。
(1)美感
听音乐纯粹是对音乐的乐趣，只求悦耳，仅是知觉的欣赏，不需要任何形式的思考，任由音乐的感染力将自己带进一个幻想的境界。如干某件事时，将音响打开，心不在焉地沉浸在音乐中。这时单凭音乐的感染力就把人带到一种无意识然而又有魅力的心境中去。
美感在音乐中占有非常重要的位置，但不应让它占过多位置。即使在这个聆听音乐的初级阶段，也应采用更有意义的聆听方式。
(2)表达
所有音乐都有表达能力，音符后面总具有某种涵义，这种涵义构成作品的内容，能唤起情感，这是情感的欣赏。
(3)纯音乐
音乐除了令人愉快的音响和所表达的感情外，还存在于音符和对音符的处理之中。为了追随作曲家的思路，有意识地探求乐曲的结构、主题的变化及作曲家技巧的运用，这是理智的欣赏，也是欣赏音乐的高级阶段。
大多数听者并不能充分意，识到这第3方面。明智的聆听者必须准备加强自己对音乐素材及其发展情况的意识。他必须更有意识地聆听旋律、节奏、和声及音色。尤为重要的是，追随作曲家的思路，懂得一些音乐曲式的原理。
理想的聆听者是既能进入音乐又能超脱音乐的人，他一面品评音乐，一面欣赏音乐，不断加深对音乐的理解。
要对音乐加以理解，唯一的方法就是倾听，只有从头至尾地反复认真地倾听，直到熟悉，才能加深理解
当你听到一个旋律，能把它辨认出来时，你就具备了欣赏音乐的条件。若能听出不同演奏家演奏同一首曲子时表现方法的差别，并了解作曲家的想法，那你已经踏入欣赏音乐的大门。
音乐都有表达能力，从而具有某种涵义，但无法用语言说清楚，也没有必要去找恰当的言词来表达音乐的涵义。
音乐的表现方法大致可分为纯音乐(absolute music)和标题音乐(programme music)两类。以音乐本身为目的的音乐，称为纯音乐，它只以音和形式来构成，是与音乐本身以外任何事物无明确联系的音乐。绝大部分器乐曲，如交响曲和奏鸣曲即属此范畴。把文学、思想、绘画等内容以具体性的标题暗示的音乐，总称为标题音乐。
奏鸣曲(Sonata)是包含4个独立乐章的器乐大曲，各乐章都具有独立的结构与风格，由钢琴、小提琴、大提琴分别演奏。钢琴演奏时称钢琴奏鸣曲，小提琴演奏称小提琴奏鸣曲，大提琴演奏称大提琴奏鸣曲，室内乐所奏者、亦为奏鸣曲。
协牵曲(Concerto)是独奏乐器与管弦乐队以平等地位联合演奏的器乐大曲。协奏曲通常以小提琴、钢琴、大提琴或长笛为独奏乐器。
交响曲(Symphony)是由管弦乐联合演奏的奏鸣曲型器乐大曲，通常它分为4个乐章，音色之复杂、色彩之丰富为一切乐曲之冠。
组曲(Suite)是由若干短曲连为一体的管弦乐或钢琴套曲，其中各曲相对独立。
序曲(Overture)原指歌剧、清唱剧或戏剧配乐等开场前由管弦乐队演奏的器乐大曲，但近代有专为音乐会演奏而作的单乐章管弦乐序曲。
前奏曲(Prelude)多为短小的管弦乐曲，常用于大型乐曲及影剧的前奏。
间奏曲(Intermezzo)是戏剧或歌剧各幕之间演奏的音乐，具有暗示场面与转换听众气氛的作用，亦有独立形式的作品，它的形式比较自由，篇幅较为短小。
托卡塔(Toccata)是一种形式自由能展示各种华丽技巧的键盘乐曲。
小夜曲(Serenade)是一种于黄昏或夜晚在户外演奏的独唱或器乐曲，音乐情绪缠绵委婉。
夜曲(Nocturn)是一种格调高雅、充满浪漫色彩的乐曲，旋律富于歌唱性，往往有精致的装饰音，伴奏用琶音或和弦。它是小夜曲的一个分支。
即兴曲(1mpromptu)是一种即兴创作的器乐小品。
叙事曲(Ballade)原有叙述故事意味，是一种具抒情浪漫性格的器乐曲。
练习曲(Study)是用于提高器乐演奏技巧的乐曲。
诙谐曲(Scherzo)又称谐谑曲，是一种速度较快，节奏活跃明确，常出现突发性强弱对照的器乐曲。
幽默曲(Humoresque)潇洒而自由、具有幽默与幻想特点的曲目。
随想曲(Capriccio)作曲家凭幻想创作的乐曲的通称，是一种以自由形式表现出富于变化的乐曲。
狂想曲(Rhapsody)是作曲家为具英雄气概题材、民族题材或情辞并茂的题材而作的器乐曲。
幻想曲(Fantasia)是具有幻想和自由奔放特点的器乐曲，是一种含有浪漫色彩而无固定曲式的器乐短曲。
田园曲(Pastoral)曲调柔和，是模仿牧羊人所用的乐器发展而成的田园音乐。
船歌(Gondoliera)缓慢而摇荡的音乐，旋律优美流畅。
变奏曲(Variation)是根据某一主题为蓝本，运用各种不同方法陆续变化奏出的器乐曲
交响诗(Symphonicpoem)又称音诗，李斯特首创，通常表现诗情画意等文学性内容，只有一个乐章，结构上可自由发挥，音乐形式不限，是较交响曲要短得多的交响性作品。
进行曲(March)是用以伴随群体前进的音乐，多为四拍子，突出强拍。通常用管乐演奏，常用于军队，使行列整齐并鼓舞士气。还有婚礼、丧礼、凯旋庆祝等进行曲。
摇篮曲(Berceuse)亦称催眠曲，形式简单，速度徐缓，主旋律柔婉抒情，节奏摇荡，以模拟摇篮摆动的节奏使婴儿入睡。
圣咏曲(Chorus)原为德国民谣和基督教赞美歌，后变成器乐曲。
舞曲
分为6种。①圆舞曲(Waltz)也有译作华尔兹的，是一种每小节一个重拍的三拍子舞曲，兼具实用性与艺术性。其伴奏由低音的第一拍与高音和弦的第二、第三拍组成。主旋律流利舒展，和声和曲式结构简单明晰。②加沃特舞曲(Gavotte)，一种法国舞曲，2／2拍子充满活泼气氛。⑧小步舞曲(Minuet)，原为法国土风舞曲，中速3／4拍子，是速度徐缓、风格典雅的舞曲。④马祖卡舞曲(Mazurka)，一种中速到快速的三拍子的波兰民间舞曲，流行于农村。⑤波洛奈兹舞曲(Polonaise)，与马祖卡舞曲同为波兰的代表性舞曲，流行于贵族社会，在热烈的气氛中透着壮大华丽感，节奏为独特的三拍子，快慢适中，庄重的节奏始终如一。又译作波兰舞曲。⑥波尔卡舞曲(Polka)，19世纪盛行于波希米亚的快速二拍子舞曲。
嬉游曲(Divertimento)是一种轻松愉快的组曲。
浪漫曲(Romance)原为以传奇叙事诗为歌词的某些抒情歌曲、器乐曲。
序曲是最古老的器乐体裁之一，它对其他一些器乐体裁的发展，特别是交响曲和交响诗，起着很重要的作用。顾名思义，序曲可以比作一部作品的序言或绪论，它在音乐中最初是指歌剧、清唱剧、大合唱、舞剧或其他戏剧作品演出之前的一段前奏式的器乐曲，即主要是一种闹场性质的音乐。但是，这种早期的闹场音乐非常简单，实际上只是几声响亮的号声而已，相当于现今剧场演出之前的三遍铃声。最古老的民间市集戏台或木偶戏演出就是这样，甚至十七世纪初在意大利歌剧中，像蒙特威尔第(Monteverdi，1567-1643)的歌剧作品，有时也还是这样。
十七世纪末，开始出现两种不同范型的戏剧前奏——法国序曲和意大利序曲。所谓法国序曲，是法国民族歌剧的奠基者吕里Lul1y（1632—1687）所创立的。这种序曲从一段宏伟、壮严、缓慢，而且往往是进行曲式的引子开始,当中接上快速、活跃的一段音乐，多半用复调的风格写成，最后重复开头那段慢速度的音乐，或用慢速度的小步舞曲作为结束。法国的这种歌剧序曲具有“慢-快-慢”的结构。意大利序曲则相反，它也可以分成明显的三段，但是它的开头一段速度疾快、活跃而有力，当中则插入一段缓慢如歌的旋律，最后又是快速度的舞曲性段落，而且时常运用意大利民间的塔兰台拉舞曲或基格舞曲的节奏。这样，意大利序曲构成的是“快-慢-快”的结构。这种意大利的歌剧序曲主要是由意大利作曲家阿·斯卡拉蒂(A．Scarlatti，1660-1725)创立的,这种序曲可以说就是在一个世纪之后出现的多乐章交响曲的雏型。由于当时的法国歌剧主要用于波旁王朝的节日庆典，而意大利歌剧却拥有更广大的观众，因此很自然地，意大利歌剧序曲在风格和内容方面都不如法国序曲那般“雍容高贵”。不过，十七至十八世纪的这两种歌剧序曲，同歌剧本身的内容和情绪并没有深刻的联系。因为当时轻浮的观众在角色出台之前，总是忙于应酬他们的朋友，剧场秩序安静不下来，而作曲家也知道观众从不注意序曲的演奏，因此也不想在这方面多花功夫。这样一来，一首歌剧序曲多次被用于不同的歌剧，已经司空见惯，无论是作者或是听众，谁也不在意。
序曲作为一种艺术形式，成为戏剧中的重要组成部分，始于十八世纪下半叶。那时，德国歌剧作曲家格鲁克在进行歌剧改革时，曾为序曲定出一条划时代的准则—— 他在自己的歌剧《阿尔刻提斯》的绪言中写道：“我认为，序曲应该暗示出作品的主旨，为观众即将观赏的戏剧先在情绪上做好准备”。格鲁克的歌剧《伊菲革涅亚在奥利斯》序曲，就是当时这种歌剧序曲的优秀范例之一。由格鲁克始创的这种古曲歌剧序曲，直到十八世纪末才最后定型，基本上采用奏鸣曲形式的结构，莫扎特的歌剧序曲多半属于这一类。
歌剧序曲要同歌剧本身保持有机的联系，再简便不过的方法，就是直接摘用歌剧中同剧中发展关系最密切的片段或者最能体现歌剧主角的性格的旋律(如咏叹调等)作为主题。莫扎特的歌剧《唐-璜》序曲和格林卡的歌剧《鲁斯兰与柳德米拉》序曲，都是这方面的范例。但有的序曲同歌剧本身并没有主题上的联系，例如莫扎特的歌剧《费加罗的婚姻》序曲和罗西尼的歌剧《塞维勒的理发师》序曲等。
贝多芬的序曲在音乐史上具有非常重要的意义，他在序曲这种规模不大的体裁中，用朴实简洁和高度概括的音乐形象，表达出深刻的思想内容；他的戏剧序曲已经远远超过一般的“绪言”作用，而变成了整部戏剧作品的中心内容的集中体现。
然而，贝多芬的才华毕竟还是集中反映在交响曲方面，序曲的发展终于落到他的年轻的同时代人、德国浪漫主义歌剧之父——威柏身上。威柏的歌剧序曲无论是音乐主题，或者是情绪色彩，都同歌剧本身密切相关，成为一种精致的音画，把听者引入歌剧的情绪氛围之中。威柏的歌剧《自由射手》、《奥布朗》和《优兰蒂》序曲，都是这类作品中的杰作。
十九世纪上半叶是浪漫主义歌剧序曲的黄金时代，随后，序曲的影响便明显消退了。这方面有两个原因：第一，十九世纪下半叶有些作曲家，例如瓦格纳，认为歌剧本身已经足以说明戏剧故事的情节，序曲无须再涉及故事的内容，因此，许多作曲家倾向于压缩序曲的规模。宁愿改用前奏曲这种比较简短的体裁，只限于在幕前酝酿一种情绪；第二，当时抒情剧院的新观众，一般都是真心来看演出的，而且也有一定的欣赏能力，因此也没有必要用很响的音乐去延迟开幕的时刻。结果是：像十九世纪末意大利作曲家普契尼的歌剧《波希米亚人》，几乎只有几个小节的引子，便立即转入歌剧的第一幕。
除了歌剧序曲之外，十九世纪许多作曲家还热衷于创作一种并非起“序言”作用的新型序曲，这种序曲并不从属于任何戏剧作品，但它往往带有标题，同一定的诗意内容、如古典文学或民间创作的形象和情节以及民间生活的画面有联系。这种独立的标题性序曲叫做音乐会序曲，它的创始者是德国作曲家门德尔松，第一首专为音乐会演奏而写的这种序曲，便是他的《仲夏夜之梦》序曲。标题性音乐会序曲的数量很多，如门德尔松的《芬格尔的岩穴》序曲、格林卡的《西班牙序曲》、柴科夫斯基的《一八一二年》庄严序曲和《罗密欧与朱丽叶》幻想序曲等，这类序曲有的实际上是标题性交响曲或交响诗的一个变种。
在音乐的历史上，乐器分类法通常与配器法（Orchestration）紧密联系。乐器分类法不仅体现这人们的（民族的、人类的）生活习惯、民风家俗，更重要的是，它还体现着当时的、人类认识各个阶段的音乐生活内容、音乐形态、科学技术水平、生产力状况……我国古代乐器分类法中最重要的一种是“八音分类法”，即根据乐器制作的材料，将中国古代乐器分为八类。西周（约公元前11世纪——公元前771年）已出现。《国语´周语下´伶洲论乐》有述： “故乐器重者从细，轻者从大，是以金尚羽，石尚角，瓦丝尚宫（瓦即土、陶，指埙等），匏竹尚议，革木一声。”八音为金（如钟、铎）、石（如磬）、丝（如琴、瑟）、竹（如箫、篪）、匏（如笙、竽）、土（如埙、缶）、革（如鼗、建鼓）、木（如梆子、木鱼）八类。
民间音乐流传着另一种分法，将乐器大致分为：吹、拉、弹、打四类。如：吹（唢呐、箫）、拉（胡琴）、弹（三弦、琵琶）、打（扬琴、云锣）。西方音乐采用五个类别的一种分类法：
（1）木管：竖笛、长笛，用单簧或双簧（后来用金属制）的乐器，如双簧管、大管；
（2）铜管：金属制，最早是木制的，早期实物只能吹自然音阶甚至两个八度内的泛音列，如小号、圆号、大号；（3）打击乐：鼓、钹、响板；
（4）键盘：从最初自然音级的键盘到后来的扬可式四分音键盘（东方传统乐器没有与之相类的），如钢琴，羽管键琴、管风琴；
(5)弦乐器：丝弦从纺织物、羊肠、鲸须、钢到尼龙……如鲁特琴、小提琴、吉他、竖琴。库特´萨克斯（Kurt Sachs 1881——1959）和霍恩博斯特尔按照声学原理对不同时代和不同文化的乐器进行研究和分类，并于1914年（其年一战爆发）设计了一套术语，区分五大类乐器[后来被称为“萨克斯（乐器）分类法“]：
（1）体鸣乐器：用自然发音材料制成的乐器，如磬、三角铁
（2）膜鸣乐器：绷膜的乐器，如定音鼓、军鼓、腰鼓；
（3）气鸣乐器：包括无簧管振和使用自由震动的簧舌的乐器，如管风琴、笙；（4）弦鸣的乐器：用弦的乐器，如小提琴、三弦；
（5）电子乐器：分电子和电声的，如电子琴和电风琴。八音分法是历史上存在的一种分类法，现已不用。它体现了中国古代的科技水平，也体现了其时重工艺、重技术、轻理论和科学研究的社会状况（及其对人文形态的影响）。八音分法其实就是一种较为初级的工艺学的分法。因为中国历史上从未有过“科学”，有的只是工艺和技术，所以这种分类法也很遗憾地、根本未能体现和贯彻科学的原则。按照这种分法，铜鼓和编钟同属于金类，而陶铃和和铜铃分属于土和金类。因此于实际音乐演奏、组织、活动来说，八音分法亦未必实用。它只是体现了中国古代学者物以类聚的初步安排和企图整饬的意念。吹拉弹打活灵活现的体现了乐器的演奏方法。民间音乐通常是婚丧嫁娶或是自娱自乐之用，未有固定的乐队编制。参演人数和方式都较为灵活，通常一个人兼奏几样乐器。同操月琴的人，可能这一类的琵琶、阮……都会演奏。而且民间音乐乐器学习教授是师徒式的，带有强烈的手工作坊和手工艺的特色。吹拉弹打的分类是很容易理解而且符合手艺的特点的，类似于泥水匠和皮革匠的区别。所以在民间广为流传，占统治地位。
西方古典乐器分类法其实亦带有浓厚的手工艺的特点，也并不科学——例如现在的木管乐器全部用金属制成，而最初的铜管乐器是木制的，但木管和铜管的名称已经固定下来了——也并不体系化。它存在的理由是它背后有另一个体系化、理论化的法则：配器法，使得这种分类法有了它的实用价值和规律。配器法是为管弦乐队作曲的艺术，讲究乐器的音色、技术、性能和有效音域，以及乐器的组合、运用和总谱部署。根本上讲，配器法是以这种乐器分类法为出发点、依据和应用指导的，也使这种西方乐器分类法得到了有效的应用——这种应用虽然未必是严格科学意义的，但体现着科学的精神和理念。
在丰富多彩的音乐世界里，充满了各式各样的音。这些音有的听起来纤细，有的听起来粗犷。有的显得柔和，有的却显得低沉……。真可以说是千姿百态，变化无穷。音乐就是一门音的艺术’。
根据声音产生的规律，我们可以把音分成两大类：一类叫做乐音，另一类叫做噪音。乐音有固定的音高，又和谐、又好听。钢琴、电子琴、小提琴、二胡等乐器奏出的音，人们在唱歌时发出的音都属于乐音。音乐世界主要是由乐音组成的。
音名 唱名
为了称呼音乐中所使用的乐音，人们采用了七个英文字母。这七个字母的排列是从C开始，依次为C、D、E、F、G、A、B，这就叫音名。而在唱歌的时候，我们用do、re、mi、fa、sol、la，si来唱出乐谱上的音，这就叫唱名。音名与唱名既有联系，又具有不同的用途，各自运用于不同的场合，使用时要多加注意。
在中国民乐中有特定的调式，即五声调式，五声即：宫、商、角、徵、羽。
基本音级
循环使用C、D、E、F、G、A、B七个音名，这些以七个音名为名称的音就是基本音级。
半音 全音
音与音之间最小的音高距离叫半音，两个半音构成一个全音。在简谱中，7、1之间及3、4之间是半音。
音符
乐谱中表示音的长短的符号叫音符，在简谱中用1、2、3、4、5、6、7表示。
平时在乐谱中常见到的音符有：全音符(如5 - - - );二分音符(如5 - );四分音符(如5);八分音符(如5 )。
音符相互之间的长短关系，就跟它们的名称一样：全音符=2个二分音符=4个四分音符=8个八分音符=16个十六分音符。
休止符
乐曲中的音响并不是一直不停的，有时中间会有间断，出现无声的时间，这时，就用另一类符号――休止符来表示。休止符的名称与音符名称相似，简谱中用0表示。常用的有：全休止符0000。二分休止符00，四分休止符 0??? 八分休止符 0??? 十六分休止符?? 0。全休止符的长度相当于全音符。二分休止符的长度相当于二分音符，等等。
附点音符
有的音需要延长一定的时间，记谱时就在这个音符的右边点上一个小圆点，这个小圆点就叫附点。这个音符也就被称作附点音符。附点增加原来音符时值的一半。常用的附点音符有：附点四分音符、附点八分音符等等。
附点休止符
知道了什么是附点音符，你也就知道什么是附点休止符了，附点休止符同样也是增加原来休止符时值的一半：
延音线 延长号
要延长某个音的时间，除了用附点之外，还常用另外的两个方法。一个方法是用延音线把几个音高相同的音连在一起，演奏的时候，这几个音加起来奏成一个音。如：5---O5--- 。
另一个方法是在音符的上方加一个延长号。延长号的样子像一个眼睛 ，它表示可以根据需要自由延长这个音的时间。延长号也可以用在休止符上。
变化音级
音乐中除了七个基本音级以外，还有许多把基本音级升高或降低的音，它们叫做变化音级。在念变化音级的时候，要把‘升”或‘降’字读出来，比如升4、降5等等。
为了区别于变化音级，基本音级也叫做本位音。
变音记号
把基本音级升高，降低或回复本位的记号叫做变音记号。简谱中使用的.变音记号一共有五种：
升记号# 表示把基本音级升高半音。它的形状有点类似斜写的汉字‘井’。
降记号b 表示把基本音级降低半音。它的形状有点类似英文小写字母b。
重升记号x 表示把基本音级升高一个全音。它的形状似第一文库网一个叉。
重降记号bb 表示把基本音级降低一个全音。它由两个降记号合在一起而成。
还原记号 表示把已经升高或降低的音还原到基本音级，也就是还原到本位音。所以还原记号也可以叫做本位号。
念重升或重降的变化音级时，同样要把‘重升’或‘重降”两个字读出来。比如‘重升1’、‘重降6’等。
调号
打开琴谱，我们可以看到1=D 、或1=G的字样，这是简谱中的调号，1=D表示该曲是D调，即1音是D音。
临时记号
变音记号是直接写在音符前面的，这种变音记号叫做临时记号。临时记号只对与变音记号 同音高的音起作用，而且只限于一小节内，过了小节就失去作用。
节奏
音乐世界中的音，不仅高低起伏翻动，而且长短也千变万化，形成轻重缓急的效果，人们把音的长短关系及特定的强弱关系总称为节奏。
在生活中，许多事物也会有规则地进行运动。比如我们呼吸的起伏，时钟的摆动，列车行进时车轮的滚动……。所以节奏这个词，也广泛运用于音乐以外的领域。
节拍
我们在说话的时候，常把某些词说得比其他词重一些。在音乐中同样有这种情况，某些音会比其他音强一些，形成重音。而且，音乐中重音的出现是有一定规律的，往往是定期的反复。强音与弱音有规律地交替出现，便形成了节拍。
节奏与节拍是两个不同的概念，但它们之间又有着非常密切的关系。有人把节奏比喻为旋律的‘骨架’，而把节拍比喻为旋律的‘脉搏’，你能理解这样的比喻吗?
小节 小节线 终止线
根据强音、弱音交替出现的规律，可以把音乐分成一个个长度相同的部分。从一个强音到下一个强音之间的部分，就叫做小节。小节是用一根直的短线划分开的，这根直线叫小节线，它总是在小节的强音前面。而在段落结束或整首乐曲结束时，必须用并排的双条直线来表示，这叫终止线。写的时候还必须把右边的那根线写得稍微粗一点。好，现在请你看看琴谱，乐曲结束时的终止线是不是一条细，一条粗?
拍号
说起拍号，大家一定很熟悉了，因为弹奏曲子时如果不先看清拍号，那一定会弹得乱七八糟。在音乐中，构成节拍的单位叫‘拍”，表示小节长短的类型时，则是用‘拍子’这个词。一小节中有几拍就叫几拍子。拍号就是用来表示拍子的记号。它由两个阿拉伯数字来表明，上面那个数字表示一小节有几拍，下面那个数字表示以哪一种音符作为一拍。拍号写在乐谱的开头部分，紧挨在调号的后面。
这二种记号的排列顺序是：先调号，再拍号。(拍号一般只写一个，除非中间更换拍号)。
拍号应该怎样来读呢?一般采用先上后下的读法。这种读法首先确定了这是个几拍子的曲子。不过，也常常听到先下而上的读法，这种读法也可以。但要注意不能把拍号读作几分之几拍，因为拍号不是数学中的分数。
单节拍 复节拍 混合节拍
在小节内，带有重音的单位拍叫强拍，不带重音的单位拍叫弱拍。在下面的文章中，用 ●○记号分别表示。
一小节内只有一个强拍，叫做单节拍。哪些是单节拍呢?单节拍有两种：一种是二拍子，它的强弱规律是一强一弱(●○)。另一种是三拍子，它的强弱规律是强弱弱(●○○)。
【旋律】又称曲调,它是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是塑造音乐形象最主要的手段.是音乐的灵魂.
[节奏]各音在进行时的长短关系和强弱关系。由于不同高低的音同时也是不同长短和不同强弱的音,因此旋律中必须包括节奏这一要素。
【节拍】强拍和弱拍的均匀的交替。节拍有多种不同的组合方式,叫做"拍子",正常的节奏是按照一定的拍子而而进行的,
【速度】快慢的程度,为使音乐准确地表达出所要表现的思想感情,必须使作品按一定的速度演唱或演奏。
【力度】强弱的程度,音的强弱变化对音乐形象的塑造也起着很重要的作用。
【音区】音的高低范围。不同音区的音在表达思想感情时各有不同的功能和特点。
【音色】不同人声、不同乐器及不同组合的音响上的特色。通过音色的对比和变化,可以丰富和加强音乐二【和声】两个以上的音按一定规律同时结合。和弦进行的强和和弱、稳定与不稳定、协和与不协和,以及不稳定、不协和和弦对稳定、协和和弦的倾向性,构成了和声的功能体系。和声的功能作用,直接影响到力度的强弱、节奏的松紧和动力的大小。此外,和声的音响效果还有明暗的区别和疏密浓淡之分,从而使和声具有渲染色彩的作用.
【复调】两个或几个旋律的同时结合.不同旋律的同时结合叫做对比复调.同一旋律隔开一定肘间的先后模仿称为模仿复调。运用复调手法,可以丰富音乐形象.加强音乐发展的气势和声都的独立性,造成前呼后应、此起彼落的效果.
【调式】从音乐作品的旋律与和声中所用的高低不同的音归纳出来的音列。这些音互相联系并保持着一定的倾向性.而调性则是调式的中心音(主音)的音高。在许多音乐作品中,调式和调性的转换和对比,是体现气氛、色彩、情绪和形象变化的重要手法.音乐语言的各种要素互相配合,具有千变万化的表现力.旋律尽管是音乐的灵魂,但其它要素起了变化,音乐形象就会有不同程度的改变.在一定条件下,其它要素甚至可起重要作用。
管弦乐团的组成
一个管弦乐团一般由二十个以上的成员组成,最多可超过一百人甚至更多.对于一个有一百人的大乐团,一般木管乐、倒管乐、敲击乐各占约10%,其余为弦乐组.弦乐中大概有20把第一小提琴.18-20把第二小提琴.14把中提琴,1 2把大提琴,8把低音大提琴。但这也不是绝对的,实际演奏时要看演奏的是什么曲目来决定,甚至可加上钢琴、竖琴等其他乐器.
指挥的工作程序
一般说来,指挥的工作程序大致:
1.在确定曲目之后,指挥先要对曲目的背景.内涵等反复揣摩,让自己对作品的精神,条理,内部逻辑等等均了然于心.
2,全面考虑,定出排练计划一如何置定细致有效的分声部和全体排练.在排挤前,他还需同各声部的首席一起,研究弓法,指法.并核对总谱和分谱.
3.排练,在排练中最主要是为让所以乐队成员对曲目达成统一的理解,其次帮肋乐队一起克服技巧及一致性上的困难,让他们在音色,力度,节奏,速度,乐句的起伏,强弱音的把握等等各种细节上让乐手产生共识,使之从形式到内容上都达到艺术的统一.在排钱练的最后巩固阶段.演出时的格调已见端倪.4.有了这种艰苦排统后达成的默契,一切都变得容易.演出时指挥用手势,表情甚至情绪向乐队作出提示,引导乐队表现作品,要知道,卡拉扬的的闭目自恋的太极招式.克莱巴的舒展舞蹈式均建立于大量的排练基础上
先从一个小事实上讲讲索拉蒂的功力,索拉蒂爵士是公认与福特瓦格勒,贝姆齐名的瓦格纳大师.之所以提这一点,是因为瓦纳的的乐谱是起二十行的.(要知道贝多芬的总谱只有十二行.)对如此复杂;庞大的作品,索拉蒂能够用其敏锐的音乐感觉,深刻的理解力,直指作品的精神核心,在多部瓦格纳作品中.激烈的戏剧冲突,完美的艺术统一,无不是后辈难以逾越的丰碑,
至于指挥动作,在某些人看来索拉蒂似乎有些夸张一巨幅的手势,晃动的身体,但这种激情是基于对作品的深刻理解.(索拉蒂从不因激情而激情,其演择均是合乎逻辑的.其每一下大幅的挥动,听众都期待那强烈的音乐冲击涤荡心灵.)有评论这样说:他的甩手看来轻松,但却拍拍切入最饱满的强音之中,柔美弱音中所划的圆拍,细节方面给得非常清楚,追提琴的震音都作的栩栩如生。他给乐队的指挥之准确是少见的,举手投足间意义分明,一一一精辟!
乔治兄提到《李斯特交响诗》集的封页,索拉蒂微闭双目,双手紧握指挥棒,拳起的气势如要挥出一泻千里的音乐供洪流,你能不为之感动吗?
昨天看一个国外新闻组,一个扭约爱乐的拥戴者为了证明他的乐队是一个反应敏锐的团体,举了一个例子:马勒在纽乐爱乐(注:作者嵇康后来更正为大都会乐团)时,仅用二十余次(oNey twenties tines)的排练,便非常完美的推出了《费加罗的婚礼》.这几个字,马勒的指挥水准想来不用多说,Npo的能力也不用我们评说。请注意“仅二十余次”几个字.我们可从中对排练的有一点量的认识。
其实象克莱巴.卡拉扬,柴利毕达克等这样一些传奇指挥家均以疯狂的排练著称.他们都有排练不到位而取消演出的经历。
伯恩斯坦的演择同卡拉扬不太近同.他是激情一派,指挥时的即兴威很强,高潮时不惜蹦跳,跺脚.(这种表现不是为表演而表演,他搅动起舞台上的澎湃激情,一定让乐队和现场的听众感动不已.)
卡拉扬的闭目,则有表演之嫌.(至少初期是如此,其后是习惯成自然。)但卡有表演的本钱.但他的精准和帝王般的控制是基于什么?答案还是排练。
常任指挥还有一个经常性的任务是帮助乐队成员提高水平,如对一些曲目上的认识,一些演奏时的技巧.以及合作上的能力.这也是为何名指挥不能让一个二流乐队马上脱胎换骨的原(因。(假以时日,当然可以,)
古典入门:乐曲速度标记
我们选购唱片看唱片封底时,除了可看到乐曲名外,炫常会看到乐曲的每个乐章有Allegto,plesto,assai等记号,其实这些记号起源于意大利语,一般专用于表示乐曲的速度。这些标记可分为两类,即速度标记和速度修饰标记,它们的意思如下表所示:
速度标记:
Lango广级
Cento慢级
adagio柔级
gtave壮级
andante行级
andantino小行级
modetato中极
allegnetto小快报
alleyo快报
vivo快速有生气
vivace快速有生气
piesto急级
修饰标记:
molto很
assai很
meno稍微
possibile尽可能
poco某种程度上
piu更加
non tioppo不太过分的
sempie不变的
什么叫管乐
什么叫管乐?形象的说就是从管子里发出的音乐叫管乐。严格的说就是从一定金属或木材、一定形状,一定尺寸制作出来的乐器叫管乐器,从管乐器里奏出来的音乐叫管乐.西洋管乐器主要指大号、长号、圆号、小号、次中音号、黑管、长笛、萨克斯、巴松、欧勃等。这些乐器奏出来得音乐叫西洋乐,也叫管乐。我国的管乐器是从曲方引进来的,这些年有了很大的发展。管乐有了一定的普及,形成了一定的有中国特色的管乐.随着经济全球化,世界文化相互影响,管乐也要进一步和世界美流,尤其在音乐的表现上和风格的要求上多进行交流,使我国的管乐走向世界,加入到世界管乐强国。
木管乐器和铜管乐器的区分:许多人对铜管乐器和木管乐器的区分不太清楚,认为金属铜制作的乐器就叫铜管乐器,木头制作的乐器就叫木管乐器.这是一种错误的概念.木管乐器和铜管乐器的区分关键在于键子的结构上。如果采用垫片键子结构的,也就是通过抬起闭合键子,来改变气流通过管子路程长短,达到声音变化的:如长笛、黑管、萨克斯等叫做木管乐器。如果采用活塞式,通过上下移动或左右旋转,来改变气流通过管子路程长短,达到声音高低变化的:如小号.圆号、大号等叫做铜管乐器.长号是通过拉管的伸缩来改变气流通过管子路程长短,达到声音高低变化的,也属铜管乐器。
双簧管
双簧管在管乐器中是最复杂的一种乐器.键子小而密集,键子多且相互关联.因此,在我们装卸乐器时一定要注意、小心。双簧管由三节组成,上节,下节和喇叭口。在使用之前应先把乐器的接头软木上涂些凡士林润滑油,减少因软木的肩擦力过大造成装如时键子变形.装却乐器时,一般情况应左手把握上节,右手把握下节.左手还要在把握上节的同时把连接下节的两个键杆压起来,然后慢慢地一边往里插,一边旋转,插到底后,使上下的两个连接杆对好即可。两手在握乐器时用力要均匀,把力量分布在整个手指上,不要用力过猛,以免造成乐器损伤。
双簧管的管体一般都采用红木和乌木制作.其主要优点是音色强子其它胶管,缺点是比较娇气，容易开裂。因此,新乐器买回后,首先要进行保养,即把乐器内外管体涂一次油,白油和缝纫机油都可以,方法是先找一块布,把油涂在布上进行擦拭,也可把油涂在小毛刷上进行擦拭,注意尽量不要让油涂到垫子上.三至七天涂一次,连续涂五次左右.另外新乐器首次吹得时间不要过长,原因是新乐器的木头活性比较强烈,也就是变化比较大,木头各部分之间的拉力还处于不均衡和不稳定状态,这时如果受到外因过分的影响,例如吹得时间过长,或者风吹日瞄等,乐器就可能出现开裂现象.所以新乐器要逐渐延长吹奏时间,从五分钟到十分钟循序渐进,让木头有个适应过程,这样就可以防止或减少裂缝现象,乐器用完后,要清除管体内的水分,可用乐器随身带的毛刷通条,擦去管内的水分,潮湿的垫子可用吸水纸夹在音孔与键子之间进行清除,再用干净布擦去音孔与键子上的污垢.要时常查看螺丝有无松动,如发现松动,及时拧紧,防止丢失.
每个月要给键子全面上一次油,即在每个键子的活动部位滴上一滴白油或缝纫机油,千万不要滴小号活塞油,然后活动几次键子,使油充分接触.再把键子表面用软布擦干净即可.键杆之间和不容易擦到的地方,可用小毛刷或旧毛笔进行清理,在清理时不要碰掉软木垫及小粘垫.乐器如出现问题,自己不要乱动,可送专业人员修理。
萨克斯
萨克斯在管乐器中是相对比较好吹且又比较好听的一种乐器,也是垫子最大构造相对复杂的一种乐器.因为它体积大、键子多、所以很容易出现磕碰现象.尤其是在使用软包时的路途中,如火车上,汽车上或背在身上骑自行车等携带,都容易出现磕碰现象。所以务必注意,防止乐器损伤.外出时最好使用硬壳乐器盒.
为了在使用乐器时更加方便,乐器在制作时特设了一个挂钩,通过使用脖带来减轻乐器在手上的重量。但是在使用挂钩时应特别注意,把乐器挂在挂钩上后双手不要同时离开,始终保持有一只手在护着乐器。这样做,一是防止乐器左右摇摆磕碰键子,二是防止乐器脱钩摔在地上,造成不必要的乐器损伤。影响乐器的使用寿命。
乐器用完后,取下弯脖,先把管体内的水分倒出来,然后用长棒毛刷从喇叭口插入擦几次,再从颈都管口插进管体内擦几次,完后把毛刷直接放进乐器里即可,什么时候用再拔出来就行了,也可用专用的擦号布进行擦拭。接着把垫子清理一下,对出现潮湿的垫子,请用吸水纸夹在垫子与音孔之间,手按键子,将水分吸干,然后用干净布夹在垫子与音孔之间,把键子轻轻按下,来回拉几次布条,保持垫子与音孔的清洁。这样做是为了防止污垢积攒多了,产生一种副作用——粘连,造成键子不起或慢半拍现象,影响吹奏效果。还有一个目的是防止垫子因长期遭口水浸泡,会加速垫子的老化,并造成垫子发硬,影响垫子的密合度,从而减少乐器的使用寿命.乐器表面的污垢、水清、手印及灰尘,可用干净软布轻轻擦拭.清除之,键子之间与键料下面的浮尘,可用0.5寸左右的小毛刷轻轻打扫.小毛刷在化工商店一般都能买到.注意不要碰掉键子下面粘得软木垫或粘垫,以免影响音准.乐器上的螺丝,要进行经常性的检查,发现松动,及时拧紧,哨片用后要取下,擦去水分,妥善保管.笛头用水冲洗干净,再用软布擦干即可,也可直接擦干净。颈部管即弯脖管,每个月要清理一次,先把键子拆下来,用自来水冲洗,有软毛刷可刷几攻,注意保护笛头软木,尽量不要把软木冲湿,也可在冲洗之前把软木上涂些凡士林润滑油加以保护,冲后把管内用布擦干,软木上如有水也应及时擦干。最后把高音孔用针或细钢丝等细棒通一下,防止脏东西堵塞,然后把高音键按上即可.每个月要给乐器上一次油.纯白油或缝纫机油都可以,在每个按键的接头及螺丝都位滴一至两滴,还有高音键簧片上也要滴一滴油,不要过多,滴完油后活动几下键子,使油充分渗入。然后用软布把表面多余的油擦干净即可,乐器用完后,一定要放进乐器盒里,如工作需要不能马上放回乐器盒里时,也千万不要放在光滑的凳子上或不安全的地方,防止损伤乐器。
黑管
黑管因使用单簧哨片也叫单簧管.黑管的制作分为两种:一种为胶管,一种为木管。木管又有红木和鸟木之分.一般高档乐器都是采用鸟木制作的.新乐器买到后,首先要在内管和外管的木头上进行一次全面的涂油,白油和缝纫机油都可以。(.首次吹得时间不要过长,原因是新乐器的木头活性比较强烈,也就是变化比较大,木头各都分之间的拉力还处于不均衡和不稳定状态,这时如果受到外因过分的影响,例如吹得时间过长或者风吹暴晒等,乐器就可能会出现开裂现象。所以新乐器要逐渐延长吹奏时间,从5分钟打10分钟,循序渐进,让木头有个适应过程。另外冬天使用乐器时最好不要拿到室外,不要在大风天里使用乐器,不要把乐器放在暖气上和高温的地方,夏天不要在阳光下暴晒乐器,这样就可以防止或减少裂缝现象.乐器用完后,要用毛刷或布条把管体内的水分完全擦掉,接头部位如有水也要擦干净。吹嘴用后,务必将哨片取下,并将水分擦干净妥善保管.尤其是夏天,几天不冲洗就可能变味.这样做一是保护哨片,二是干净卫生.吹嘴冲后擦干即可。软垫也要经常保养,对跑水的垫子更要精心呵护.方法是先用吸水纸夹在软垫与音孔之间,按下键子,使垫与纸充分接触,把水吸干,然后抬键取纸.注意不要使垫上沾有残留碎片,以免影响乐器的密合度.表面的污垢也要清除一下,用干净布顺着管体轻轻擦拭,不要在按键上用力过火,以免损伤垫子.每个月要保养一次乐器,可买一把小毛刷或是找一只废旧的毛笔,用毛轻轻的清除按键下侧、间隙等部位的污垢。全面检查一下按键是否灵活,螺丝是否松动,如有松动及时拧紧,防止丢失.每个月给乐器上一次油,纯白油或键纫机油都可以每个活动部位即键轴两边都要滴一滴,不要过多.滴完油后要活动一下键子,让油充、接触.乐器的接头软木要一个月涂一次凡士林润滑油加以保护。最后用干净布把乐器表面的水清、油清、及手印擦干净,把乐器放进乐器盒里。千万不要乱放,防止乐器受到损伤。
裝卸乐器注意事项:一般情况应左手握上截,右手握下截,左手一定要把上下连接的的“咪”键键压起来以免装乐器时被碰断.在手握乐器时,力量要均匀分布在整个手掌和手指上,不要过于集中在某个手指上,以免造成乐器键子变形,影响密合度.上下截插上后,以键柱为中心.对齐即可.
吹奏乐器时,手按键子的力量不要过大,防止变形,同时用力过大还会影响速度.正确的做法是,力量适中,将键子按下盖严即可.
一支乐器,有几十个螺丝,上百个零件组成。经常使用的乐器,除每个用定期保养外还要经常不断的进行检查,以防止螺丝等小零件的丢失,影响正常使用.有些国产乐器做工精度不太高,螺丝拧紧后键子就不太灵活。拧松了螺丝总往外跑.遇到这种情况一是找专业人员修理:二是自己可以杷螺丝拆下,用细钱在螺丝的后面缠一两圈再拧紧就行了:三是螺丝调整到合适位置后粘点胶,如用“5 0 2”胶水不要直接往螺丝上挤胶水,可找一支针或细铁丝,用尖端沾少量肢涂在螺丝处就行了,千万不要涂的过多,以免把整个键子粘住。
乐器一旦出现问题时,千万不要自己乱动乱搿.其原(因一是各厂家的乐器质量不统一,键子的合金及软硬度不一样,搿不胳容易搿断或者变形;二是乐器的键子大都分关系密切,相互关联,动不好会影响其他键子,所以最好送专业人员修理。
小号
小号制作形式有两种:一种是立式小号,也就是活塞是上下运动方式.另一种是扁键式小号,也就是活塞是左右运动方式.常用的为立式键子.乐器使用后,首先要清除管体内的水分,可按下活塞键子,使气流畅通后,拔掉调音管,将水分、请理干净,主调音管内的水分可由排水孔排出.活塞即键子要经常上些铜管活塞油.
我们知道.活塞的制作是非常精密的,既要保证不漏气.又要保证灵活,过松过紧都不行,一般来说活塞与活塞筒的间隙只有6道左右,也就是1毫米的百分之六.
而活塞的制作为了轻便灵活,用料是础常薄的铜管,硬度有限,经不起半点的撞击和磕碰.因此,在我们给活塞上油时要格外小心。具体做法是先把活塞筒上方的螺丝盖拧开,然后将活塞慢慢的垂直地抽出来,在活塞的周围滴上几滴活塞油,再慢慢地顺进去.在装活塞时要注意,活塞筒内有个定位糟.有的则是两个定位缺口,有的则是一个定位缺口,槽或缺口处是个台阶,要对准槽或缺口,一边装一边旋转进去,千万不要用力过猛撞击台阶,以免造成活塞键进出困难,使用不便.安上后,键子就被定了位,左右不会转动,可上下按动几次键子,使油完金均匀地涂在活塞上,用起来就比较灵活.应该注意,如果长期统忽给活塞上油的话,活塞就会出现干涩,上下活动不灵活。另外我们再给活塞上油时,只能上铜管活塞油,因这种油是特制的,比较稀释,黏度小,键子用起来比较灵活,如果上浓度大的油,如白油和缝纫机油,
活塞活动时就会增大阻力,反映迟钝,有时甚至不起.更不能上食用油.所以要认真做好,既要正确上油,又要定期上油.一般三天至一个礼拜上一次即可.各调音管要半个用清洁保养一次.方法是按下键子拔出调音管,用通条缠布把内管外管都要清理干净,然后在管上涂些凡士林,先单管转动着往里插,使油充分接触,两个单管都转动润滑后,再把两个管同时插进去活动几次即可.要注意,调音管的材料为黄铜,虽然耐腐蚀,但也有限,经不起长时间残留酸性口水的侵蚀,如果不注意保养,就会加速管子的腐蚀速度,尤其是发音管,缩短乐器的使用寿命,所以每次用完后要把管内的水分清理干净、号嘴要经常进行冲洗,保持清洁卫生.排水孔也要定期清理,防止脏东曲堵塞和加快腐蚀的速度.每个月要彻底保养一次.方法是把前后盖和活塞金部取出,特别注意活塞要小心轻放,不要磕碰.然后用;清洁布缠在通条上,不要露出金属部分,插进活塞筒内,上下拉动几次,清除筒内侧的污垢,擦完后,再用自来水冲洗一下,从每个活塞上口冲洗一次,再从喇叭口和发音管冲洗一次.三个活塞键先用布清除污垢后再用水冲洗,最后滴几滴活塞油插入管内活动几次即可。
注意活塞取出清理时,要记清楚活塞一二三键的位置,不要把活塞记乱放错了位置,如放错了位置,一是音程关系不对,二是气流不畅通.进口小号为了达到键子更轻、更灵活,制造商把原来铜键杆换成了铝键杆,从键子的重量上来看减轻了,加快了弹起速度.但从另一个方面看也带来了不可忽说的隐患,,即腐蚀的速度加快了,如不注意保养,两三年时间就可能烂掉。
因此,这个关键部位也要定期进行保养,可两个月进行一次,先把活塞取出,拧开键杆螺丝,取出弹簧和塑料弹簧托,把键杆的的内丝和外丝用布擦干净,然后在丝扣上徐些凡士林润滑油,照原样安上即可。小号的水门键子弹簧是用钢丝制作的,经常用水冲洗容易生锈所以要经常上些白油或缝纫机油,加以保护。乐器每次用完后,表面都要用清洁布擦掉水印、手印、及浮尘,使烤漆和电镀得到保护.每次还要把号嘴取下,把乐器放回乐器盒内.
圆号
圆号也叫法国号.目前用的有简单的三键式圆号,也有复杂的四键式、五键式、甚至六个活塞式圆号;有单排管的圆号,也有双排管、三排管的圆号;有大人用的标准型的圆号,也有小学生用的小型圆号;有喇叭口和乐器是一体的圆号,也有喇叭口和乐器是分体的的圆号;有通过绳拉带动键子转动的圆号,也有通过键杆螺丝带动键子转动的圆号.由于圆号做工精细,尤其是三排管的圆号,不能像小号一样可以随时打开清洗上油,所以,更应该注重保养。首先乐器用完后要清除管内的水分,因口水是酸性的,清除后可降低腐蚀。
常用的圆号每半个月到一个月用自来水把管子里面冲洗一遍.从号嘴口灌水或从喇叭口灌水都可以,一边冲一边活动键子,使键子活塞也得到冲洗.调音管可全部拔掉单独清洗,注意不要磕碰乐器和管子.冲洗完后,把乐器里的水清理干净,可顺着管子用上下转圈的方式把水全部倒出,然后把调音管擦拭干净,在上面涂些凡士林润滑油,先单管插上转动几次,让油充分接触,再双管同时插入活动几次即可。乐器表面用干净布擦掉水渍、油清和手印.
由于弹簧是钢丝制作的,常与水接触容易生锈,所以每次冲完乐器后,都要把弹簧擦干后上些白油或缝纫机油,如果号键子上使用的有铁螺丝,也要上点纯油,防止生锈。对于键子子的保养,要做到定期上油.有两种油要在不同的位置上来上:第一是用纯油,也就是白油或缝纫机油,在键子的上轴和下轴上滴一至两滴,在给下轴滴油时可把后盖拧开进行.第二是用铜管活塞油,先把调音管拔开,通过管子给活塞里面滴几滴油,滴油时管子口要朝上,一边滴一边活动键子,让油渗入到整个活塞上。滴完油后把管子插上即可。
如果没有条件做到定期冲洗乐器的话,也要做到定期给调音管上油,至少半个周左右上一次凡士林润滑油.在拔每个调音管时应注意,先把键子按下,让气流畅通后再拔,这样就不会出现啪的响声,有损乐器.
还要注意的是:活塞键子构造非常精密,不要擅自拆卸。拔管时要慢.稳,要顺着管管子的方向用力.防止力量偏斜,造成管子损伤,号嘴要经常冲洗,有小毛刷的可用毛刷进行清理.圆号的每个键子回旋处有两块软木或胶皮。它的作用有两个,一是减小声音,二是给活塞定位.因为软木的大小对气流的畅通、音色、音准都省直接关系,所以在软木用到一定时间后,如出现老化.破损或者是胶皮遇油后被化掉等,就要及时修理更换。无论换软木或换胶皮,都要把后盖打开,按照上面的刻度来换。即按下键子和松开键子时,刻度都能对齐为准。圆号上有许多螺丝在各自的岗位上起着不同的作用.有大帽螺丝.键杆上的螺丝、键架上的螺丝、弹簧上的螺丝、键子定位螺丝等,要经常进行检查,防止私动和丢失,以免影响正常使用。
乐器如果在一周或者半个月以上的时间里暂不使用时,一定要在停吹之前进行保养.第一用水冲洗内管.第二给键子子上轴下轴上油.第三从管口通过管子给活塞上油。第四给调音管上油.这几点一定要做到,下次使用才不会受到影响。
大号
大号也叫贝司号。在制作上有两种式样:一种叫圈贝司法;一种叫抱贝司.抱贝司又有降B调和F调之分,降B调大号又有大人用的标准型和小学生用的的小型的两种型号.而降B大号还有立键式和扁键式两种形式.大号在管乐器中是最大的、也是最重的一种乐器.它的音色雄壮、宽厚.常在乐队中担任低音声部,因而它也是非常重要的、在乐队中也是不可缺少的一种乐器。
大号因体大量重,很容易出现磕碰现象,尤其是在人多拥挤的地方,或在乘车的路途中,更应注意.不要把乐器往车上一放了之,要给予全程的保护,防止途中出现任何紧急情况造成乐器的损伤。乐器用完后,要清除管体内的水分。可打开水门键把水排除。半个月给乐器上一次油。有两种油要在不同的位置上来上:一种是纯油,也就是白油或缝纫机油,可给扁键式大号的上轴和下轴处上,滴一至两滴即可。另一种是铜管活塞油,要上在活塞上,可把调音管拔下来.通过管子往里上。立式大号可把上盖拧开,取出活塞,直接把活塞油涂上即可。
定期保养,一个月一次.大号虽说个大体重,不容易冲洗保养,但可以对某一段进行冲洗保养,如发音管经活塞到排水口这一段,是乐器最容易出问题的部位,是口水直接路过的部位,也是口水必经之路,如不注重保养,就会加快管子的腐蚀,减少乐器的使用寿命。具体保养方法是:找一个矿泉水瓶子,盛满自来水,利用大号嘴做漏斗,把水从号嘴灌进去,让活塞管及放水管朝下,活动几次键子,让活塞得到冲洗,然后把水放掉,从水门孔放或拔开调音管放都行。接着把其它调音管一同拔掉,对内管和外管进行擦拭清理,然后在管上涂些凡士林润滑油,先单管插上转动,让油充分接触.再双管同时插上活动几次即可。活塞上下轴处可上点纯油,在给下轴上油时可把后盖打开进行。后盖由于长期受到水气甚至口水的侵蚀,也容易生锈,也需要保养,可在螺丝处滴一两滴纯油。接着在键子连杆活动部位及连杆螺丝处、键子的弹簧上、水门键子上等这些地方上一滴纯油,活动一下键子,让油免分接触.
如果是立式键子,把上下盖打开,取出活塞,先用干净布把活塞筒内侧擦干净,尤其是下筒口处,活塞不经常到的地方,容易产生水垢,时间长了,就会造成键子不起,必须细心清理之,可用布在筒内多拉动动几次,然后上点活塞油装上即可.键子后盖有两个作用:一是保护活塞筒不被碰伤和阻止脏物进去.二是起到支撑弹簧的作用.因立式键子是上下运动方式,口水更容易流向底盖,也就更容易出现生锈,所以在底盖螺丝处可涂少量的凡士林润滑油或纯白油加以保护.最后把乐器表面的水印、手印及油渍擦干净,把乐器放回乐器盒内。
次中音号
次中音、小低音或上低音、耳朵、巴里东等乐器统称中音号。次中音号有立键式和扁键式两种式样.前些年,扁键式一般都采用锥体铁螺丝穿钉来连接.这个结构有两个缺点:第一,因螺丝制作带有难度,拧得太紧,键子就不灵活;拧得太松,螺丝就容易往外跑,甚至丢失.第二,键子长时间推拉磨损,造成连杆穿钉孔成鸭蛋形状,增大了金属的碰撞及杂音。后来经过改进,采用圆球体作为连杆推拉接头,用螺丝来控制松紧,解决了因磨损出现的问题.但由于做工精度不够,螺丝常出现丢失,给使用者带来不少麻烦。在这里我给大家介绍一点防丢失的办法。首先丢失的原因是外扣和内扣密合不好,是由于过松造成的.
所以我们要解决过松的问题,可先把螺丝卸下,用克丝钳把螺母收缩一点,因螺母有个缺口,用力时要注意,不要太猛太大,也不要在一个地方用力,要在缺口的两边用力,不要缩得太多,合适为止,然后把螺丝拧上,调到合适位置即可.再就是把螺丝直接调到合适位置后,用胶钻上.
在用“5 0 2”胶水时,可先用细铁丝尖端处沾一点胶水,涂在螺丝上即可,不要涂得过多,以免把球状连杆粘住。现在次中音又改成了万向轴,弥补了前两次制作中的缺点,可以说又进了一步。
进口次中音一般做工都比较精细,不会出现上面说得问题,一般不要轻易乱动,尤其是键子活塞不要拆御.
乐器每次使用后.要清除管内的水分,可打开放水键清楚之。然后用软布把乐器表面擦干净,放回乐器盒内,不要乱放,防止磕碰。
后盖一般就不动了,这样很容易生锈。应每个月进行一次清理,先把接水管却掉,再把上下盖打开,取出活塞键子,用干净布把内管和活塞擦拭干净,在键子上涂些铜管活塞油安上活动几次即可.后盖螺丝上也应涂少量凡士林润滑油或纯白油,防止生锈卸不动。
一、生动解说知识，引导学生参与
爱因斯坦说过：“兴趣是最好的老师。”在音乐的基础教育中，应把学生音乐兴趣的培养作为音乐教学的首要任务和目的。作为基础教育阶段的中小学生还处于好动爱热闹的层面，严肃并枯燥的理论知识讲解和技巧训练这样旧式教学模式始终处于一个静的状态，与他们的兴趣及其不符。那么如何将静态的“双基”转化成动的状态，就需要一定适当的活动环节来辅助完成。所以我们要改变以往枯燥单纯的技巧训练和灌输式的死记硬背的教学模式，将抽象的音乐理论概念转化成有声有色的简单活动中去。
例如：在认识力度记号时，准备两个小鼓为教具，在纸板上的正面（反面）写上强（f），弱（p），中强（mf），中弱（mp），极强（fff），极弱（ppp），渐强（），渐弱（）等一系列力度记号，选取两名学生上来根据文字提示击出相应的力度感觉，一个击“强”一个击“弱”…形成强烈的音响对比，有了色彩对比之后，再出示反面相应的力度记号。同样借助教具运用直接的实践对比来演示各个不同的力度记号，也可以在学生掌握了全部力度记号后，又他们自己出题，自己来演示不同的力度效果，用鼓声来表达，如“p—f—mp—ppp…”等。让学生在直观的音响感受中掌握抽象的力度记号，有了这样的力度变化概念，在以后音乐作品的具体欣赏中，学生就能较好地感受到不同音乐作品的不同音响在力度方面的变化。所以说兴趣是学习的基础，是学生在音乐方面可持续发展的前提条件，也是学生在今后不断学习，享受音乐的动力和催化剂。
二、对比新旧教材，适当延伸整合
现行的新教材从视觉效果、教材内容以及教材编排方式等方面多与以往教材有较大的变化。旧教材以每课的形式存在，除了歌曲学唱、欣赏内容，还安排了相应的音乐知识、视唱练习、节奏和发声训练，以及有关思考题。而新的教材是以单元的形式存在，与旧教材同样有歌曲学唱、音乐作品欣赏，不同的是将原来的“双基”训练由实践与创造来取代，大大增加了学生实践创编的机会，让学生在更多的动一动、听一听中感觉音乐所带来的乐趣。纵观新旧教材的教学内容，我们不难发现新教材涉及的知识面比以往要广得多，而许多教学内容都要以一定的音乐知识为基础。旧教材每一册相对来说都有一个学习重点（如第一、二册涉及民歌民乐，第三册介绍了个别常见的西洋乐器，第四册则重点介绍中国戏曲，而第六册让学生初步了解西方交响乐）。如何将新旧教材进行整合，吸取它们的优秀之处，根据学生发展需要和教学内容更合理化，巧妙的利用“双基”，对教材内容进行适当的调整和重组，例如：旧教材比较系统的在第四册安排了中国戏曲的教学，而新教材却将部分内容分散在好几处，让学生有东一块西一块的感觉，缺乏整体性，所以作为音乐教师在新教材学习京剧内容的时候应当抽出相应的时间来讲授中国戏曲，简单了解中国戏曲的发展史，以及我们常见的几个大的戏剧曲种，让学生有个大致概念，也有各种戏曲剧种对比的现实材料。
三、经典主题入手，视唱欣赏渗透
正如走在熟悉的道路上悠然自得地欣赏风景一样，熟悉的旋律往往会让学生觉得亲切，在欣赏时能完全置身其中。有时我们教材安排的欣赏曲目往往篇幅过长，结构较复杂，涉及的内容繁多，而每首乐曲都是一主题为核心的，它体现了乐曲的基本思想感情，是全曲的命脉，缩影和变化发展的基础，与其将冗长的乐曲反复欣赏，倒不如抓住“精点”好好掌握。唱奏主题不仅让学生感知到作品的风格，特点和内涵，还能亲自体验和记忆音乐，为更好更准确地进行欣赏打下基础，通过唱，听两结合，不仅在某一程度上提高了试唱能力，表现音乐的能力，同时也活泼课堂气氛，并体现了音乐的娱乐性。例如：在第十三册欣赏《婚礼进行曲》时，首先用管风琴的音色弹奏出乐曲的主题：第一小节学生就开始跟着吟唱起来了，于是出示乐谱主题，学生竟毫无错误的试唱下来，大部分還投入了边划着拍子来唱。这种直接的艺术实践使学生在唱的过程中就充分感受到作品庄重而幸福的情绪。小提琴协奏曲《梁祝》全曲长达二十分钟左右，而主题却早已深入人心，在欣赏教学中，先用试唱的方式让学生来感受乐曲主题凄美委婉的情绪，可以给全曲的欣赏做一个良好的铺垫，而乐曲的主题包括了附点、十六分音符、较大的音程跳度以及融合了一些戏曲的元素，是平时试唱的难点，由于大家都熟悉乐曲，这些技巧性的问题在学生深情的吟唱中都迎刃而解。同样“0333|1—|0222|7—|……”在欣赏贝多芬第九交响曲时也可以用同样的方法，让试唱与欣赏教学在不知不觉时相互渗透，并取得另人愉悦的效果。
