音乐听觉感受能力的教学反思

音乐听觉感受能力的教学反思（精选6篇）

音乐听觉感受能力的教学反思 篇1

音乐学习的各个方面都涉及到听觉的作用，审美主体对于音乐的各种听觉感受能力，是审美能力的基础。因此先唱歌、后识谱和先识谱、后唱歌在教学目的上并不矛盾。而传统的教学方式是先识谱、后唱歌，通常情况下，针对有一定识谱能力的学生，使用这种教学方式，可起到良好的效果。

但是我却发现，在农村，其实很多同学对简谱并没有了解，他们没有那么好的先天素质，如果采取先识谱后唱歌的方式进行学习，不但学生没有对该曲目起到兴趣，也把课堂前15分钟的宝贵时间也白白浪费掉。对此在教唱新歌前我首先让学生欣赏，以听为主。条件允许的时候还让学生和着音乐做简单的律动，使学生对音乐有了听觉上的印象，为下一步学好歌曲作好铺垫。然后让学生欣赏歌曲、感受音乐，从而激发起学生学习音乐的兴趣。再通过让学生唱歌，在不知不觉中解决了歌谱中的难点，使学生在识谱时降低难度，让学生感觉识谱并不太难，从而增强其自信心，加深对音乐的热爱。对于有素质的学生，也可以让她来做带头作用，教大家一起来识谱，这样就起到了带头作用。

音乐听觉感受能力的教学反思 篇2

作为人类表达和宣泄情感的一种手段, 在人类文明还不发达的远古时期已经表现出它自身的独特魅力, 单是纷纭的古典音乐家就已经让我们赞叹不已。记得白岩松在一次访谈中问过赵鑫珊先生:为什么今天的人们还是需要几百年前的音乐抚慰?赵先生则回答说:虽然人类进化很快, 但是人性的进化是很缓慢的。很简单的一句话, 或许道出了我们聆听古典音乐的必要性。我们都知道, 古希腊古罗马时期是人类文明发展的渊源, 音乐的最初来源据记载可能也是那个时候。音乐的起源和发展史和人类的升息繁衍同步而行的。古典音乐, 一个庄严的名词, 背后包含了古代西方音乐文明中博大精深的内涵, 它就像一颗闪耀的明星, 以其经久不衰光辉照亮音乐的前进之路。

徜徉在古典音乐中, 用优美、和谐、深刻、完整这几个最简单的词也许能概括古典音乐带给我们听觉的整体印象。我们总能在古典音乐的旋律中寻找到某些心绪的脉络, 顺着流畅的旋律能细细品味人生中的各种情感, 规整有序的曲式结构满足着人们心里对回归与平衡的渴望, 充满逻辑而又变幻丰富的和声引导着我们走进音乐所倾诉的声音故事中。后人古典音乐被分为巴洛克时期、古典音乐时期、浪漫主义时期等各个阶段, 每一时期的整体变化离不开政治社会环境的变化, 但它们无一不是都伴随着人类最丰富细腻的情感的变化。一切都是那么的合理、流动, 一切都是那么的引人入胜, 它总能让我们温顺地沉溺在它所营造的音乐世界中, 享受着规整的音乐逻辑与清晰的旋律线条带来的温柔的快感。我们总是能够与古典音乐作曲家的心绪靠得很近, 仿佛他们能体察入微到我们每个人心里的小情绪, 写遍世间所有得悲欢离合, 又好像他们能够通过古典音乐的审美原则, 将他们内心对世界、对生命、对现实的所有感受直接而又含蓄地宣泄于世人面前。听众与作曲家之间的距离似乎非常细微, 甚至没有。著名音乐家钱仁康先生曾在一篇文章中说过欣赏音乐要达到“登堂入室、窥其堂奥”的境界, 相信我们只要用心聆听, 古典音乐带给我们的感受定会非同一般。

音乐的表现舞台从来就不缺主角。如果说古典音乐带给你的感受还没有那么到位, 那么再加上现代音乐, 你的听觉感受一定会变得完美无瑕。现代音乐总是不断地出现惊奇, 没有过多的重复, 追求新奇的构思与奇特的音响。我们再不能单纯地沉入到音乐所编织的音响世界中, 而是不断地被新出现的东西所震惊, 甚至产生很强烈的期待感——期待着下一个音符又会带来怎样的惊

技术性的言语来描述的。也正因为如此, Op.10, no.3成为贝多芬早期最具争议、也最具特色的作品之一。

参考文献:

喜, 并且一个惊喜连着又一个, 极大满足了现代人追求听觉和视觉上的强烈冲击欲望, 并且激发着人们大胆踊跃创新的信念, 激发着人们寻求更不一样、更丰富的音乐世界。

现代音乐, 通常指二十世纪以来的多种音乐流派。通常包括爵士音乐、电子音乐、印象主义音乐等范畴。如果说古典音乐带给人们的是规整与舒适, 现代音乐则表现为冲击与震撼。现代音乐能够将听众的欣赏积极度拉升到一个较高的层次, 主动参与到音乐发展的过程中, 而不再是温顺地沉溺在早已铺设好的音乐进行中。在现代音乐中, 音乐所构造的空间更大了, 甚至是由一个作品变成了每个个人从不同感受得到的各种作品, 音乐得到了更多的诠释方式。现代音乐刻画的是现代人们来自内心更细微的情感, 音乐中充满了尖锐的不和谐, 矛盾的纠结并久久得不到释放, 忧郁繁重的长长哀叹, 心思浓重得仿佛不能呼吸……并且它所表述的不再只是人们内心的心绪和自然环境, 还倾向于描写现代社会环境及生活环境的状况, 使用了非常多非乐音、非乐器工具, 仿佛这样的“音乐”更是最贴近现代人生活与生命的阐述。现行音乐更注重生命的感受和价值表达, 现代生活都被鲜活地毫无保留地展示在你的面前。

在这个迅速发展的时代, 人的个性和情感也随着时代的潮流不断丰富, 简单工整的音乐显然不能完全承担完全表达人类真实情感的艰巨任务。现代音乐, 则是在这样的大背景下形成和发展的, 那种激动昂扬的情绪, 那种歇斯底里的宣泄, 那种心驰神往的留恋, 那种与无伦比的刺激无不在诠释着现代音乐带给人们的听觉感受。比起古典音乐, 许多听众可能不能理解现代音乐所要表达的内容, 因为现代音乐不像古典乐那样完整地把音乐情景随着旋律呈现在我们面前。现代音乐作曲家们也喜欢挖掘更多新奇的乐器音色, 甚至青睐于采用音乐之外的艺术手法和元素填充到自己的音乐作品中, 丰富着这个巨大的听觉视觉冲击物。另一方面, 在很多现代音乐作品中也融合了许多古典音乐元素, 这也是为了带给听觉感受的需要, 或许是为了提升其音乐的文化、古典内涵, 或许是以大家熟知的旋律作为启发, 抑或是迎合当今“遗产热”的风气。

沉醉于在现代音乐中, 我们似乎找不到它的形状, 甚至琢磨不透音乐所要呈现的具体画面。在这里, 听众与作曲家的距离好像远了, 开始接触的时期总是让人费解、难以把握, 甚至首先还会产生强烈的质疑与抵触情绪。但是现代音乐带给人们那种强烈的冲击力是让人无法拒绝的。一旦读懂其音乐含义之后, 听起来又会觉得距离是如此之近, 因为它将你内心不易察觉的情愫都能娓娓道来, 让你直接面对那些容易忽略的情感感受。这时会让你觉得自己的处境和遭遇仿佛出现在音乐里, 即便噪杂, 即便狂野, 让我们都觉得它是真实的, 不加修饰和毫无掩饰的。各种扑朔迷离的悬念让你充满了好奇心不得不探寻下去, 各种匪夷所思的情节让你充满了期待不得不关注下去。这就是现代音乐的魅力所在。

不同风格的音乐总是能带来不同的感官享受, 带来不同的审美效果, 也在不断地提高着我们的审美能力和审美修养。不如把自己置身于一个充满音乐的世界中, 相信你的情动, 一定会在音乐响起时。

浅谈学生音乐听觉能力的培养 篇3

一、音乐欣赏

音乐作品的音响随时间的流动而展现，不具有语义的确定性和事物形态的具象性，这就为学生感受、表现音乐和想象力、创造力的发挥，提供了广阔而自由的空间，因此不同的人听音乐有不同的感受，也就是说，我听音乐的感受只有我自己才知道。所以对于音乐教学而言，教师不能总是试图以自己的感受代替学生的体验，而应给予更多的引导与鼓励，允许不同声音存在的同时引导学生走进音乐，通过对音响的聆听，实现对音乐美的感受和欣赏。如：学习八年级上册第三单元的《梦驼铃》，在学唱歌曲之前，请学生闭上眼睛静默1分钟，然后用轻轻地声音播放歌曲，不加入任何的语言和图片，让学生纯粹的来聆听体验歌曲的情感。我们都知道这首歌以梦的意境表达了对台湾同胞的思乡之情，大多数同学都听出来了；有的同学还听出了历史的咏叹、岁月的沧桑感；有的同学说做梦才能回到秦关见到亲人多可怜啊；甚至有同学说攀高峰看万里长沙很豪迈很潇洒，天边的彩霞也很浪漫！学生们的体验很真实，他们从音乐中听到的是我们的既定思维中所没有的，给与肯定，鼓励他们用听来感受美。

二、音高听辨

音高是音乐最重要的要素之一，简洛夫说：“音高听辩在乐感中起着非常重要的作用，换句话说，音高的听辩代表着乐感，否则便失去了音乐属性”。这说明了音高听辨在音乐中的重要作用。我觉得音高的听力训练应循序渐进，先从单音开始，后音程、和弦，先基本音级再到变化音级，使学生逐步理解接受。其中音程的教学，可以先学习旋律音程，再学习和声音程，先掌握纯四、纯五、纯八度音程，再学习大、小二度，大、小三度，大、小六度，大、小七度及各种增减音程。具体的训练时间为每节课的前5分钟。音高的训练不仅提高了学生听觉的灵敏度，养成积极参与、善于倾听的好习惯，而且对于学生今后进一步学习如何评价音乐、感受音乐、鉴赏音乐都会起到直接而深远的影响。

三、节奏训练

节奏赋音乐以活力，是音乐的骨架，有了节奏，旋律才有意义。因此培养孩子的节奏感尤为重要。节奏中的听觉训练应这样：

1.首先认识和掌握不同类型的节奏型，其次老师敲击节奏型学生来听，然后采取选择、局部改错的方法把自己听到的节奏记出来。开始训练时可选择少量简单的节奏，逐渐增加其长度与难度，可起到事半功倍的效果。

2.在课堂中运用打击乐器打出节奏或者为歌曲伴奏。这就要求教师能很好的控制课堂，不要搞得现场乱糟糟的，学生对一些打击乐器的特性要有一定的了解。教授七年级下册第五单元《彩云追月》，为了能够让学生更好地掌握切分节奏，让学生用打击乐器给歌曲伴奏。根据歌曲的意境，我们在众多的打击乐器中选择了沙锤和木鱼，在用乐器打节奏之前，先让他们用拍手的形式来模仿节奏，学生们通过敲击、聆听，很快找到伴奏的方法，并准确的给歌曲伴奏。在伴奏的过程中，再请打的比较好的学生到讲台前给同学们做示范，下面的学生跟着打，这样，既能激发学生的兴趣，又能让大家认真的关注同班同学的节奏感，进行良性竞争，提高了学习效率。

四、歌曲学唱

1.聆听歌曲是歌唱教学中一种必要的教学方法，我们可以采用多种聆听方式，激发学生的学习兴趣，引导学生体验歌曲情感、熟悉歌曲旋律。如：教师可以自弹自唱，给予学生最直接的听觉感受，提高学生对音乐的注意力；通过划线条聆听音乐旋律，使学生在心里随音乐默唱旋律，感受旋律的连贯、起伏，熟悉歌曲的旋律；或引导学生关注旋律中的细小变化，用轻声歌唱的方式仔细模唱，学生边听边模，直到唱准；还可以先唱后听，让学生自己唱给自己听，更好的把握歌曲的旋律和情感。

2.在合唱中注重训练学生的听觉思维。为了更好的表现音乐情感，应该引导学生掌握一定的演唱技巧。如：演唱方法、姿势、音准、如何参与合唱、看懂老师的指挥等。而唯有“合唱”能够为发展学生的这些综合能力提供充分的空间，使学生在合作中享受音乐，提高音乐听觉思维的能力。而良好的听觉思维，可以丰富学生的情感体验，提高想象力，增强音乐记忆力，这也是培养听觉能力的一部分，因此在音乐教学中，我们应积极的引导学生在聆听中学会“思维”。

五、耳朵与心

作曲家马勒曾指出：“我们必须把耳朵和心灵带去听音乐。”带着你的耳朵用心的聆听是我们学习音乐的前提。因为首先音乐是听觉艺术、声音艺术，同时又是表演艺术。音乐所需要的声音是多种多样、丰富多彩的好的声音。而声音的好坏是靠我们的耳朵来评判的，耳朵的倾听实为音乐学习中至关重要的环节。它把外部听觉与内部听觉相统一（这里所说的“听觉”是指人的音乐听觉能力），它把外界的声音转入内界，为我们的音乐听觉能力服务。因此在音乐教学中，培养一副音乐的耳朵是至关重要的，这也是在音乐课堂中经常提出并要求学生做到的。最初听到“音乐的耳朵”是大四那年实习的时候，记得当时上的是高中的欣赏课《音乐的美》，导师提出的第一句听课感受就是：“音乐课中要注意给学生培养音乐的耳朵”，提高学生的音乐素养，正如马克思所说，“要理解音乐，必须要具有一副音乐之耳”。我记住了这句话，并且在实际的教学中时刻注意，经过几年的音乐教学实践，我觉得除了“耳朵”以外，“心”也很重要，心与耳朵的“良好”结合，也是我们培养学生听觉能力的一个方向。要学会用心来聆听音乐，要能静下心来，去倾听音乐，让心灵与音乐发生碰撞，你会发现音乐更美！

总之，音乐听觉能力的培养，贯穿于音乐教学中的点点滴滴，需要我们广大音乐教师在教学中时刻关注，它是学习音乐的基础，是培养学生感受、鉴赏和音乐表现能力的最佳途径。发展音乐听觉能力，使其成为基本的音乐素养，也是新课标的总目标之一。只有聆听才能感受到音乐的魅力，才能感受到音乐是最富情感的艺术，让我们一起努力，带领我们的学生一起走进音乐的艺术殿堂吧！

【参考文献】

[1]《音乐教育论》，湖南文艺出版社.

[2]《中国音乐教育》，人民音乐出版社.

[3] 曹理.《音乐学习与教学心理》，上海音乐出版社.

[4]《艺术教育》.

[5]《中小学音乐课的意境教育探索》.

音乐听觉感受能力的教学反思 篇4

良好的音乐感受能力与鉴赏能力的形成，对于丰富学生的情感、提高审美情趣、塑造美的心灵具有重要的意义。教学中，教师应从学生生活中感兴趣的事情出发，激发学生听赏音乐的兴趣，养成聆听音乐的良好习惯，逐步积累鉴赏音乐的经验，采用多种形式引导学生积极参与音乐体验，真心鉴赏音乐，鼓励学生对所听音乐有独特的感受与见解，调动多个感知通道，交流互动，升华情感，发展学生的音乐感受力、表现力、创造力，为学生终身学习和享受音乐奠定基础。第一单元“有趣的声音世界”，从“寻找声音——模仿声音——创造声音——利用声音表现情景”由浅入深，由简单到复杂，循序渐进地完成对声音的初步探索。要把学生带入一个奇妙、有趣的声音世界，我是这样设计的：我先说一个关于“耳朵”的谜语，启发学生用耳朵仔细听辨生活中的各种声音，说一说，然后教师会将学生所倾听到的声音进行分类，城市的、森林的、乡村的等等，最后学习一首歌曲《大雨和小雨》。当我进行到让学生说说所听到的声音的时候，学生们没有了刚进来时的拘谨，开始争先恐后的回答着，我把孩子们说的这些声音归类后，播放了事先准备好的课件。一条马路上有摩托车、警车、救护车、小轿车、公交车，上空还有一架直升飞机。用鼠标点击物体会发出相应的声音，学生们看得非常专注。我正要点击下一组声音，这时，一个男孩说：“老师，我可以给这幅图编个故事。”我本来没有设计这个环节，但是我没有拦住他，对他说：“那就试试吧。”小男孩说：“一天爸爸骑摩托车上班，在路上突然听到一声急刹车的声音，看到一辆小轿车撞到了一辆大客车，道路马上就堵车了，在空中巡逻的警察看到了，赶快拨打110，警察到了又通知医院，救护车来了之后把受伤的人送到了医院，不一会儿道路就通畅了。”小男孩连说带表演，其他小朋友好像受到这个男孩的启发，纷纷要把以下的几组声音串成故事。我立即决定改变剩下的教学内容，让学生听声音编小故事。虽然有时他们的语言还不是很通顺，内容也显得简单，但是孩子们说得很带劲，最后我总结：“小朋友们，正是这些奇妙的有趣的声音，使我们生活变得更加丰富多彩。” 这节课已经过去两月了，但是却留给我深深地思索，我庆幸自己的幡然醒悟，如果我当时坚持按照我的教学设计进行，孩子们那一个个美妙的故事怎么会产生，对音乐的体验怎么会那么深刻，感谢那一刹那的清醒，在不经意中创设了宽松、活泼的氛围，以民主的态度、轻松的语言，指导学生进行教学活动，放手给学生一个空间，充分发挥学生的想象力进行创造，没有固定的答案、也没有绝对的对与错，学生们在没有压力的情况下进行创造，对发展学生的创造性思维十分有利。创造是艺术发展的动力，是发挥学生想象力思维潜能的音乐学习领域，是学生积累音乐创作经验和发掘思维能力的过程和手段，对于培养具有实践能力的创新人才具有十分重要的意义。我相信孩子们一定会记住那节充满情趣、欢乐的音乐课。

音乐听觉在钢琴学习中的作用论文 篇5

音乐艺术创作的目的是要获得它的艺术审美价值和社会意义，这种目的的获得是以人类听觉为基础的。钢琴艺术是表现人类情感的听觉艺术。对于钢琴演奏者来说，运用广博的文艺修养，深入研究并理解作品，使用科学合理的练琴方法，弹奏出美妙音色、感人的旋律，使欣赏者和演奏者本身从中感受到愉悦，并引发有关生活经验产生音乐想象，从而感悟到作曲家在音乐中蕴含的世界观和人生哲理，达到净化心灵、陶：台情操、启迪智慧的目的。

音乐的创作实践过程由三个阶段组成，即：一度创作，作曲家把对现实生活的情感转化为内心歌唱的旋律并通过音符形式记录下来;二度创作，演奏家通过倾听谱面把音符变为个人的内心听觉，然后又把个人内心听觉转化为实际音响;三度创作，欣赏者对演奏家演奏的实际音响的体验感受。在这些过程中，都依赖于人的听觉和声音。因此笔者认为，人类听觉既是作曲家创作的基础，又是钢琴演奏的基础，更是音乐审美的基础。

一、听觉的概念与钢琴发音的原理、特性

所谓听觉是声波物理特征的反映。发音体的振动产生声波称为声音。发音体振动发出的能量通过物质媒介的逐层传递以纵波的形式传到人耳而产生听觉。声波的物理特性有频率、振幅、波形和持续时间。这种特性与人类听觉感受声音的特性音高、音强、音色和时值相对应。

钢琴的发音体是琴弦，它是利用键盘的杠杆，作用于击弦机通过毛毡裹制的小槌敲击琴弦，使之振动而发音的。弦的振动通过音板的谐振产生共鸣来扩大音量。钢琴琴弦振动的频率决定音的高低，由弦的长度、直径、张力三方面决定，弦的长度和直径与振动频率、音的高低成反比，即弦越长，直径越大，振动频率越小，音越低。钢琴是乐器之王，是音域最宽的乐器。它的音域从大至二组A到小至五组C，共88个音。钢琴的音量取决于琴弦的质量、击弦力的大小和音板的质量与性能。在钢琴上音乐要求音量可以从最弱PPP或PPPP到最强FFF或FFFF。钢琴的音色取决于击弦的方式和击弦点的选择。钢琴发音的持续性取决于弦的质量、弦的张力、音板的共振的好坏等因素。值得注意的是，钢琴的音量音色是可以由钢琴演奏者的指触来发生变化的。

二、音乐听觉概念

音高、音强、音色和时值，在音乐作品中表现为横向的旋律、节奏，纵向的和声、织体，音强和音色是增强音乐表现力的重要手段。例如在钢琴作品中，音色的丰富多彩如德彪西《月光》中“朦胧如纱”，中国曲目《百鸟朝凤》中用钢琴模仿“光棍好苦”、鸡叫、八哥、布谷鸟、群乌争斗等音色，丰富了钢琴表现力，再现了人与大自然的和谐统一，可谓是天籁之音。

所谓音乐外部听觉，外部是指音响对人耳的听觉器官的刺激。这种外界的音响刺激作用于人的听觉器官，经人脑信息加工而产生对音乐作品的个别属性的反映，称为音乐感觉。在钢琴学习过程中，初次倾听某乐曲，对其音乐节奏缓急、音乐旋律线曲折、音色明暗等产生感动、伤心、高兴、抑郁等生理上的反映，这种感觉就是音乐感觉。就像玛克恩・德索在《美学与艺术理论》一书第三章“审美经验”中曾恰当地把这种生理感受称之为“审美反射”，他说：“当倾听某种歌声时，我们还没有听清其歌词与旋律，便觉得已深受感动了。有些音色会使人立即兴奋或松弛，有时会使人狂怒，有时会像微风一样轻拂我们，它们作为通向生动性情感的美感的激发，只在几秒钟对我们起作用。”①音乐外部听觉是产生音乐感觉的基础。音乐外部听觉灵敏、持久，对于钢琴学习者来说，是一种基本的能力。

所谓音乐知觉是在音乐感觉的基础上对音乐作品的综合的、整体性的把握。音乐知觉是更为积极的音乐审美心理活动。感觉和知觉合称为感知，在音乐审美活动中二者共同发挥作用。例如，听肖邦降E大调夜曲作品9之2，肖邦采用如歌的曲调并加以装饰的手法，单一的伴奏织体贯穿全曲，和声色彩丰富，曲速较慢，让人感受到肖邦凝神的沉思和略带悲歌色彩，好象是明朗、幽静的田园风;肖邦降D大调前奏曲，作品25之15，全曲运用均匀的八分音符，始终重复着降A(在中间部分以等音形式转为升G)，让人感到就像阴沉天空中，从房檐下滴答滴答落下的雨点声，这首曲子因此被称为有节奏的雨滴声的.描绘练习;再如里姆斯基・科萨科夫《野蜂飞舞》，运用十六分音符半音阶快速上行、下行、重复，使人感到好似野蜂飞舞时扇动翅膀发出的嗡嗡声响，类似这样的例子很多。

音乐内心听觉是指在内心听到音乐节奏、力度、旋律，联想到音乐形象，并通过认真研究作品的背景材料，体会到音乐的主题思想，也就是在无声的状态下，人的内心对音乐作品的感知、想象、理解和形成音乐思维，并以此为目的来指导演奏。对于钢琴学习者来说，钢琴学习的过程是音乐外部听觉与内心听觉同时作用的过程。音乐外部听觉是视奏研究谱面，并将谱面熟练的过程，利用音乐外部听觉来判定演奏者弹奏的音符是否正确，曲调是否流畅，速度是否合理，表现手法是否得当，它是钢琴演奏和音乐感知的基础。音乐内心听觉是对钢琴作品的理解、是演奏者对音乐作品的内化。通过查阅各种资料，对作品深入分析，走进和感受作曲家的生活，用心与作曲家的作品交流，理解感悟作品的意义，然后用心来演奏作品的过程。

三、音乐听觉与钢琴学习

钢琴较之其他乐器特点，它有88个键，因此有88个固定音高。在弹奏的过程中，手指落下就能有固定的音高发音。它不像小提琴必须靠演奏者手的把位、内心敏锐的听觉来奏出准确音高。可能正是这个原因，有些钢琴学习者虽然很用功，很刻苦，但是他们不善于主动用听觉分辨自己弹出的音色、乐句，导致音色、力度没有对比，音乐层次性差，乐句不清晰，踏板不干净，使音乐失去了音乐情趣，削减了应有的表现力，影响表现效果。如果连续练琴数小时，而不集中注意力去聆听和思考，这无异于浪费时间!只有经过训练的耳朵才能察觉到细微的不准确性，以及不纯净的音色。要避免这些问题只有真正地提高演奏技巧，同样，只有通过自我检验(聆听)，才能培养出良好的听觉能力。通过听觉琢磨优美的音色以及细微的声音层次。”②

在钢琴练习以及演出的过程中，音乐外部听觉相当于观测器，不时地把练习或演奏输出的音乐反馈给大脑并和音乐内心听觉进行比较，并以指令的形式指挥大脑调整演奏。当音乐内心听觉指令正确无误时，练习将会提高效率，对于演出，一定会成功。所以在练琴一开始，要用心去倾听，一方面可以提高练琴效率，另一方面可以培养良好的音乐听觉习惯，提高音乐听觉的能力。

四、在钢琴学习过程中如何培养良好的音乐听觉

(1)由基本练习入手提高练习者的音乐外部听觉的敏锐性。基本练习是钢琴学习者每日必备的功课。有些钢琴学习者，没有任何自我要求、约束，认为只要顺着下来弹两遍就行。这样的练习，无目的、无方法，只是为了练琴而练琴，日积月累，就会使钢琴基本练习成为枯燥的技术练习，让练习者生厌。针对上述问题，通过明确基本练习的目的，例如变换音色、力度和层次，来练习触键、触键方式和下键速度等;还可根据练习者的手指能力情况，通过变换节奏、速度，提高其弱指的弹奏能力等。例如，练习降E大调音阶。目的：练习手指力度由P至F的表现能力。基本原理：手指下键速度决定着弹出的音力度。手指下键速度快，触键面积小，音自然就强;反之，手指下键速度慢，触键面积大，音就弱。练习遍数：共五遍。速度：由慢逐渐快。具体方法：在第一遍时，让练琴者用P力度，慢速弹两个八度，在弹的过程中，注意细心倾听每个音的音量是否统一在一条线上，并及时调整手指的指触。在第二遍时，让练琴者用比前一遍稍强的力度MP，慢速弹三个八度，要求同上。依次在第四遍时，用F力度，较快速度，要在变换速度时，锻炼手指下键的感觉，以及耳朵听辨的能力，每个音要像大小一样的珍珠依次洒落在玉盘发出清脆悦耳的声音。当学生掌握了四个层次(P MP MFF)的力度，第五遍，上行由P-F，下行由F-P，快速，四个八度。当然，进度可根据学生能力来适度调整。内心有了对基本练习的要求，利用音乐外部听觉监督，获取好的声音。这样练习，使钢琴演奏者练习有了兴趣，既提高了音乐表现的技巧，又锻炼了音乐的外部听觉，更进一步培养了良好的音乐内心听觉的习惯。

(2)认真研读谱面，通过分析作品创作手法并利用唱旋律、听和声和打节奏等方法熟悉乐谱，加强对音乐作品的感知，来破译作曲家内心的音乐密码，提高练习者的音乐表现技能，提高音乐外部听觉判断性，逐渐养成音乐内心听觉习惯。谱面是作曲家通过对现实生活的感悟以音符的形式记录他的思想。弹奏者在摸谱之前，应先读谱，不放过作曲家标示在谱面的任何记号，并掌握清晰乐曲的曲式结构、旋律和声、调式调性、速度力度、句法奏法等。在练习的过程中，可用唱旋律方法体会旋律线条的曲折，感知旋律的变化。要注意倾听旋律线条的起落，旋律与伴奏之间的声部是否平衡，和声色彩明暗紧张度，节奏表现的是否准确到位等等。在熟练时，也要读谱，更要注重音乐的感知，抓住音乐的基本情绪。例如，练习中国曲目《绣金匾》，王建中老师在改编此曲时，保持了原民歌朴素而优美的旋律，加以钢琴的织体，并运用古筝拨奏手法，使音色明亮，流畅，轻快。全曲共分三部分，其为再现的两段体，A+B+A、。第一部分，是亲切、流畅的奏出旋律。第二部分，旋律移高五度，并且情绪欢快，跳跃。第三部分，是前一段的变化再现。全曲旋律运用加花的创作手法，在弹奏时，要抓住旋律的主要音，要有层次变化，手指要控制，耳朵要辨别。在速度方面，A段亲切的歌唱，不易太快，中段是热情的、跳跃的，速度有所变化，A’段是颂扬的段落，可拉宽。只有通过具体的分析，内心明确曲目要表达的意境，有目的去练琴，这样才能收到既锻炼音乐外部听觉的判断能力，又提高了钢琴演奏的表现能力。

(3)通过对作曲家音乐背景材料的分析，使演奏者心态接近作曲家的心态，领悟到音乐作品的真谛，并用恰当的方式表达其音乐思想，丰富音乐内心听觉，增强演奏者表现作品的欲望。钢琴教育家赵晓生在《钢琴演奏之道》一书中，强调：“演奏者必须研究作曲家与社会的联系;作曲家的总的音乐风格及风格演变――作品在音乐史、钢琴史、作曲家本人作品、同类作品中的地位”，只有通过这一系列的问题才能深刻体会音乐蕴含的内容。从这些文史资料中汲取表现音乐的能力，使演奏者更具感染力、震撼力。在了解作曲家的同时，增强了科学、历史、文学等知识，使钢琴学习变为一种文化的学习。

(4)运用灵活多变的练琴方法，如有琴出声、看谱想声和无琴无声，充分利用音乐记忆想象能力，提高音乐内心听觉，使音乐融入演奏者的潜意识中，形成音乐思维和音乐语言，并运用这些语言打动人心。所谓有琴出声练习是指在钢琴上视奏、背奏的练习。这种练习在大脑注意力不集中的状态下，会偏重手指肌肉的动作记忆。当练习者遇到紧张、心情不佳时，只凭手指动作记忆，会使演奏者记忆中断，大脑一片空白。钢琴大师阿牢曾说：“有分析的记忆才是最可贵的”。所谓看谱想声与无琴无声，是在没有任何音响刺激的状态下，利用音乐内心听觉锻炼大脑对手指的控制支配能力，对音乐作品的记忆想象能力，增强谱面理解与识记。特别是无琴无声练习，不受时间、地点的限制，可在睡觉前，闭上双眼，眼前回忆谱面，想象左右手每个音在琴键上的位置，明确左右手的指法和指触，想象左右手弹奏的节奏、速度和表情，想象音乐内容和音乐形象。经过一段时间的练习，乐曲将融入到练习者的潜意识中，形成音乐思维。当练习者再次坐到钢琴前演奏此曲时，弹奏就像说话一样流畅自如，富有表情与感染力。运用多种练习方法结合，把乐谱上死板的音符通过音乐内心听觉内化为自身的音乐思维，使具有个性化的音乐语言在钢琴上表现出来。

音乐教育在本质上是审美教育，学习钢琴是接受审美教育的一种手段。钢琴学习的过程也是不断地重复提高的过程，只有学生形成良好的音乐听觉习惯，才能培养、保持其学习钢琴的兴趣与热情，并增强其在学习钢琴中不断克服种种困难的毅力，激发学生表现美、创造美的欲望，使钢琴学习的过程成为追求美的过程，使钢琴弹奏者成为音乐美的创造者。

注释：

①《音乐学习与教学心理》曹理，何工著，上海音乐出版社，第47页

②《现代钢琴演奏技巧》卡尔・莱默尔、瓦尔特・吉泽全著，姜丹译，上海音乐出版社，第3页

参考书目：

[1]《音乐学习与教学心理》曹理、何工著，上海音乐出版社，20

[2]《音乐教育心理学概论》赵宋光主编，上海音乐出版社，

[3]《心理学》王淑兰、欧阳仑主编，西安出版社，1994年

[4]《音乐表演笑学，杨易禾著，江苏文艺出版社，

[5]《笑学简论》韩玉珠著，陕西师范大学出版社，1994年

[6]《钢琴学习指南》魏廷格著，人民音乐出版社，19

[7]《钢琴演奏之道》赵晓生著，湖南教育出版社，年7月5次印刷

[8]钢琴的调律与维修入张昆著，人民音乐出版社，1986年

音乐听觉感受能力的教学反思 篇6

关键词：复调作品；钢琴教学；听觉训练

【分类号】J624.1-4

前言：音乐是通过声音塑造形象、表达能力的艺术，要想拥有较强的音乐欣赏和演奏能力，必须具备敏锐的音乐听觉能力，能够对于音乐表达中所使用的表现手法和技巧具有较高的分辨能力。钢琴演奏活动对于学生的听觉具有较高的要求，因此在钢琴教学过程中对学生进行音乐听觉训练至关重要。复调音乐对于音乐听觉具有更高的要求，敏锐的音乐听觉能力也有助于钢琴演奏能力的提高，两者互相促进。

一、复调作品

复调音乐是和主调音乐相对应的一个概念，主调音乐织体是由一条旋律线加和声衬托性声部构成；复调由两段或两段以上同时进行但是又有区别的声部组成，这些声部既各自独立又和谐统一地组成一个整体，形成和声关系，属于多声部音乐。[1]复调音乐创作技法主要是对位法。复调有四种形式，对比复调、模仿复调、衬腔复调和综合复调。[2]对比复调由不同的旋律同时结合，模仿复调由统一旋律隔开一定的时间先后进行。使用复调的手法，能够丰富音乐形象，加强音乐发展的气势，形成前呼后应的效果。复调音乐的声部运动有五种：两个声部同方向运动（同向进行）；两个声部等距离同方向运动（平行进行）；一个声部保持不动，另一个声部运动（斜向进行）；两个声部局部互换上下位置（声部交错）；超过原结合声部的位置的运动（声部超越）。在钢琴教学中选择复调作品进行教学能提高学生的音乐听觉能力，学生音乐听觉能力的提高又反过来促进复调作品教学的顺利进行。

二、加强音乐听觉训练对于钢琴复调作品教学的作用

（一）能够提高复调作品的演奏技巧

练习复调乐曲能够提高双手的独立能力，双手的独立性是钢琴演奏技巧中的重要基础之一。演奏复调作品不仅仅要求双手具有高度的独立性，而且要求具备敏锐的音乐听觉能力，能够分辨出两个甚至更多的旋律线。在配演钢琴复调作品演奏技巧过程中，敏锐的音乐听觉能够及时对大脑进行反应，帮助学生辨别正误，教师对于学生在练习过程中出现的错误及时进行纠正，能够帮助学生在反复训练的基础上掌握演奏技巧。

（二）能够深化复调作品的音乐表现

复调作品是多旋律的合奏，因此在音乐作品中经常使用复调音乐来突出表现音乐形象。复调音乐作品通常有两种情况，一种是同时表现几个不同的音乐形象，另一种是表现一个形象或者一个形象的不同侧面。复调作品的不同声部的主题个性鲜明，对比突出，在演奏复调作品的时候突出运用声部的对比、力度的对比、音色的对比能够达到良好的音乐表现。加强音乐听觉训练能够提高学生对于音乐旋律的敏锐度，帮助学生在进行复调作品演奏之前对于作品的分析和练习，从而在演奏过程中更富有表现力。

三、学习钢琴复调作品对于音乐听觉训练的强化作用

（一）强化旋律听觉训练

旋律是多声部音乐塑造音乐形象的重要表现手段，复调音乐是多旋律的合奏，是旋律与旋律的结合。[3]在教师在进行复调钢琴音乐教授的时候，首先要求学生准确划分旋律的句读，培养学生的绝对音准，达到对乐音的敏锐反应不受其他因素干扰，并且能够提高学生的音乐记忆能力和读谱视奏能力。音乐教师要引导学生仔细辨别旋律音之间横向和纵向音程之间的关系，以此来训练学生的音准感，培养学生能够确认音乐中的调式主音。

良好的節奏感是学生学习音乐的基础，复调音乐中的不同声部进行结合，如果每个声部的节奏不一致，其复调的特性就更加明显。在教学过程中对于学生的节奏感进行训练，帮助学生训练速度感、节拍感并且掌握正确的音值组合关系，音乐教师在让学生进行复调音乐练习之前首先对于学生的节奏特点进行分析，帮助学生确定所使用的弹奏方法，能够帮助学生建立良好的节奏感。

调式感是在一定的调式范围内，能够根据雕饰内不同音级的相互关系，从音的稳定性中比较确立其关系，在弹奏复调作品的时候，应该认真倾听，分析旋律的调式、调性，进一步强化学生的调式感。复调作品的旋律具有多层性和独立性，在教授学生欣赏复调音乐作品的时候，对学生进行旋律的调式、调性分析，能够帮助学生建立良好的调式感。

变化音是音乐旋律组成部分中的一种，复调音乐中的变化音一部分属于调式、调性的变化，另一部分属于装饰音，并不构成调式、调性的变换。在音乐教学过程中重视培养学生倾听旋律中的表话音，能够强化学生的音准感、调式、调性感。

复调音乐的旋律主要是乐句式的结构，具有很大的伸缩性，可长可短，产生不同类型的旋律。在教授学生学习复调作品的时候，要帮助学生学会听辨旋律的结构，区分不同旋律的类型，才能够正确理解钢琴复调作品的曲式结构，加强音乐记忆力。

（二）强化声部听觉训练

声部听觉训练主要有包括三个方面：声部进行、声部对比、声部距离。[4]声部进行是两个或两个以上声部同时进行的方式，其进行的方式有：同向进行、反向进行、平行进行、斜向进行等。乐队复调音乐的不同声部是由不同的乐器进行演奏，不同的音色分离不容易造成听觉上的混乱和品安插，但是钢复调作品的声部所在音区比较接近，容易造成听觉上的模糊和混乱，教师在进行听觉训练的时候要着重培养学生的声部进行。

复调音乐各声部旋律之间具有独立性，其所表达的音乐形象也具有不同的意义。声部对比经常使用的手法有：接哦组、级进与跳进、自然音与变化半音等。在三声部的复调作品中，可以通过声部数量上的变化进行对比，也可以通过其中一堆节奏相同声部和另外一个独立声部进行结合构成对比。钢琴复调音乐的表现形式复杂多样，教师在教学生进行弹奏的过程中要帮助学生分析复调作品使用了那些对比手法，以及对比关系来强化学生听觉。

复调作品中，各个声部之间的相互距离的远近取决于旋律线条的起伏和进行的方向，旋律线条的起伏较大，同时又采取相反方向进行的死后，声部之间的距离就比较远，相反则声部之间的距离就比较近。声部之间的距离隨着旋律线条的起伏经常发生变化，在教授学生学习钢琴复调作品的时候，要对学生进行声部距离的变化进行引导，同时加强学生声部听觉的训练。

（三）强化织部听觉训练

织体是乐曲中声部组合的方式，织体包括单声织体和多声织体，单声织体只有一条旋律，没有任何附加的和声伴奏或不同的旋律线条；多声织体是多个声部或多个旋律线条的同时叠置。织体与时代、民族风格、体裁、乐曲等有着密切的关系。[5]钢琴音乐织体是表现钢琴音乐的一种重要手段，复调钢琴音乐中的织体形式主要分为两种类型：对比复调、模仿复调。对比复调是指同时进行的各个声部具有独立的、相互对比的训练和节奏。例如，贺绿汀的《牧童短笛》。模仿复调指统一主体旋律在不同声部以此出现复调织体类型。例如，巴赫的《创意曲》。复调作品包含了多织部，学生进行复调作品教学，不仅能够提高学生分析复调作品的能力和演奏能力，而且能够提高学生音乐听觉训练中对于织部的分辨和掌握。

（四）强化和声听觉训练

和声听觉主要是指对合成的音程、和谐、声功能的听辨。和声听觉训练需要组织听觉对音响的辨认能力从单一、横向向多层次、纵向发展的训练过程。教师在培养学生进行和声训练的时候，不仅要进行横向各部旋律的强调而且要进行纵向的各声部旋律构建的合身音程、和弦。复调音乐教学中由于需要对不同的旋律和声部进行分析对比，能够加强对学生进行和声听觉训练，帮助学生从听觉上感受到复调音乐和声的律动，和谐。

结束语：在音乐实践活动中，音乐听觉占据主导地位，在音乐教学过程中进行钢琴复调作品教学，不仅仅能够提高学生的音乐听觉，而且能够帮助教师顺利进行钢琴教学。在音乐教学过程中对学生进行钢琴复调作品的教学，对于学生听觉训练中的旋律、声部、织体、和声训练具有良好的帮助作用，能够有效提高学生的音准和音乐听觉能力。

参考文献：

[1]王彦力.钢琴复调作品教学与音乐听觉训练的关系[J].大舞台，2012，10：225-226.

[2]丁璐.钢琴教学中复调作品教学与音乐听觉训练的关系[J].佳木斯职业学院学报，2015，08：309.

[3]邢晨.《巴赫初级钢琴曲集》内心听觉能力培养及运用的教学研究[D].东北师范大学，2012.

[4]赵云.文化视域中的中国当代钢琴教育[D].华东师范大学，2010.

[5]赵嵘.钢琴演奏中强化听觉的训练方法研究[D].中国音乐学院，2012.