钢琴演奏会童话作文

钢琴演奏会童话作文（精选9篇）

钢琴演奏会童话作文 篇1

同学们，你们知道吗?梅宇鹏原来就是我们学校六年级的学生，他今年才11岁，曾多次参加市级和省级钢琴比赛，并连续获得金奖。俗话说“有志不在年高”，他可是我们学校的骄傲啊!

我和妈妈得知这一消息后，急切地想去聆听梅宇鹏的个人钢琴演奏会。

我们来到了四楼观摩厅，一进门，观摩厅里灯火辉煌，放眼望去，几乎全是家长带着孩子，坐满整个大厅，因位子不够，连走廊里也站满了人我们在等待着演奏会的开始，舞台上崭新而又高贵的白色三角钢琴也等待着梅宇鹏的光临。

演奏会开始了，梅宇鹏出现了，他穿着灰色西服，脖子上系着大红领结，在舞台前鞠了一个标准的九十度的躬，然后在我们热烈的掌声中迈着轻快的步子走向钢琴前，接着优雅地坐下，手按起琴键来。他弹得非常好听，第一首是《奏鸣曲第三乐章》，是莫扎特谱曲的，那悠扬的琴声久久回荡在音乐厅里，吸引了一个个观众，在又一阵热烈的掌声中，接着弹了第二首《珊瑚舞》。这个曲子他弹得轻快活泼，好像美人鱼就在珊瑚丛中与姐妹们戏耍;《水草舞》呢?它表达的是一种快乐无忧虑的思想感情，梅宇鹏把它弹得活灵活现，听众不觉身临其境;《婚礼场面群舞》则是特别喜庆欢快的场面，让人心里十分舒坦。台下的我，坐的位子正好看到了他全部的演奏表情、触键、闪亮的眼神，他全身心的投入，与音乐溶为一体，这真是一次艺术享受。整个观摩厅仿佛是个音乐的殿堂，到处都是可爱的音符小精灵。在美妙的音乐里，有美的真谛，美的色彩!它把我带到光辉灿烂的理想之国，把我的生活染上绚丽夺目的色彩。我仿佛已经不存在，整个身躯，整个思想都溶化在这乐曲之中。《夕阳萧鼓》虽然用钢琴弹奏出来的，可他却把琵琶声韵模仿得惟妙惟肖;天山儿女对《天山风情》的热爱表达得淋漓尽致;《南海小哨兵》虽然在寒冬所弹，但还是有在海边拾贝壳、吹海风的味道;世界著名的音乐大师肖邦所作写的《幻想即兴曲》让人在想象的天空里自由翱翔。

钢琴演奏会开场白 篇2

在不断进步的时代，很多场合都需要有开场白，开场白很重要，很多时候会影响到对方对你的第一印象。要写开场白的时候总是无从下笔？以下是小编为大家整理的钢琴演奏会开场白，供大家参考借鉴，希望可以帮助到有需要的朋友。

钢琴演奏会开场白1

尊敬的领导、老师，亲爱的同学以及现场所有的观众朋友们：

大家晚上好！欢迎大家光临xx音乐舞蹈学院，这里即将开始的是xx钢琴独奏音乐会。现在请大家将随身携带的通讯设备关闭或调至静音状态，另外曲目进行时请大家不要在音乐厅内随意走动或出入。

俗话说，一份耕耘，一份收获，在音乐的学习道路上更是如此。历经四个春夏秋冬，今天的xx在恩师的精心栽培和指导下，已经在这个迷人的初夏季节含苞欲放，今晚各位来到这里无疑是选择了与音乐做伴，与美丽相约，与艺术对话！

第一首：

今晚xx将演奏5首曲目，首先，您将欣赏到的巴赫的作品。

巴赫创作以复调手法为主，构思严密，感情内在，富于哲理性和逻辑性，集十六世纪以来意大利和法国等国音乐之大成，是巴洛克音乐发展的顶峰。巴赫的音乐对欧洲近代音乐的发展产生了极其深远的影响，为世界古典音乐树立了丰碑，巴赫被称为“西方音乐之父”。

《十二平均律》下册a小调前奏曲与赋格。在这首前奏曲中全部采用半音阶的写作手法来表现。在巴洛克时期，上行半音阶代表希望，而下行办音阶则代表伤心或哭泣，这首曲目采用的下行半音阶较多，蕴含了作者异常悲伤的情绪。曲目的赋格部分赋格，巴赫仅用28个小节，精心地将各声部按不同曲调和音响组合起来，从而表现了圣经中耶稣受难的“真实的”戏剧过程，主题的四个重音代表十字架，其中的音阶则代表抽打耶稣的鞭子。掌声有请演奏者xx，（掌声结束，xx就坐）请欣赏。

第二首：

常言道，音乐是世界的语言，音乐是心灵的良药。相信各位已经在第一首曲目中或多或少地感悟到了思想的真谛。下面大家将欣赏到的是贝多芬的作品。

路德维希·范·贝多芬是维也纳乐派伟大的代表人物。贝多芬的创作构思宽广、形象宏伟、感情深邃、对比鲜明。他也是世界艺术的伟大作物家之一，他的作品了既壮丽宏伟而又极朴实鲜明，它的音乐既内容丰富，同时又易于为听众所理解和接受。贝多芬的音乐集中体现了他那个时代广大人民群众的痛苦和欢乐。

钢琴演奏会开场白2

各位来宾，观众朋友们，晚上好：

很高兴和大家相约在金秋美好的夜晚。提到钢琴，相信您会情不自禁的想到贝多芬、想到莫扎特、想到《命运交响曲》。徜徉在美妙的.音乐之中确实令人流连忘返。就在这浩瀚无边的乐坛星海中，有这样一颗小星，凭着她顽强的毅力和不断的努力，在茫茫星海中，逐渐散发出荧荧之光。她就是刘君，大家掌声欢迎刘君。（请就坐）刘君今年11岁，3岁半从父学习钢琴，8岁就通过了音乐学院业余钢琴考级九级。在简单了解了刘君的情况之后，钢琴独奏音乐会现在开始。首先请欣赏挪威作曲家格里格a小调圆舞曲，作品12第2条。

《小精灵的舞蹈》，又名《精灵之舞》，e小调，是12号作品第4条，持续断奏的快板。

格里格，是挪威的作曲家，其音乐语汇极具北欧特色，诗意极浓，但音乐基本上是进行描述，具有极强的文学性。下面请欣赏d小调《侏儒进行曲》，作品54第32条。

特洛里豪根是一个面临内陆的海湾。〈特洛里豪根的婚礼纪念日〉是格里格的另一个作品，d大调作品65第53条。

钢琴演奏会开场白3

胡：敬爱的老师!

金：亲爱的同学们!

胡金：大家晚上好!

胡：此时室外炎炎夏日，室内却是丝丝凉意，因为我们欢聚一堂，迎来了我们盼望已久的音乐会。

金：时间过的真的很快，一转眼我们第5次相聚这里开音乐会。

胡：在这5年的学习当中，我们学到了很多知识，也长大了。

金：还要特别感谢永外实小的黄老师为我们提供这次音乐会的场所。谢谢!

胡：本次音乐会特别邀请了胡老师，来担任我们的嘉宾。

金：现在，请黄老师，也就是我们的yellow，为我们献词。大家掌声欢迎!

黄老师：xxxxxx

胡：谢谢黄老师!

钢琴大师谈钢琴演奏的论文 篇3

凯瑟琳・古德森1872年生于英国，1958年去世。她幼年即开始学习音乐，并于12岁前在全国各地演出。她的才能引起公众的注意，被送到伦敦皇家音乐学院学习。她师从当时最著名的钢琴教师奥斯卡・贝林格(Oscar Bennger)，六年后，她在维也纳跟莱谢蒂茨基学习四年。

回英国后，古德森在音乐公众中产生的深刻印象，使她成功地建立起一位出色演奏家的声誉。她在英国、德国、奥地利和美国巡回演出，取得极大成功。《格罗夫大词典》中写到她的演奏：“她有着充分的活力和生气，这在年轻的钢琴家中是十分难得的。她对声音的渐变有极好的控制，具备令人钦佩的完美技巧、独特的音乐情趣和值得重视的个人风格。”

分析音乐名作

我们并不需要更多的哲学即可领悟到，一切科学和艺术的进程都建立于分析和综合的过程之中。我们把东西拆开，以寻找它们用什么做成并如何做成，我们再把它们放到一起，以显示我们所掌握的知识。音乐性的衡量标准是实践的能力。分析的过程虽然重要，但有时可能做得过分极端，以致忽略了构建引向真正成功的过程。

学生应该能够判断一首他正在学习的乐曲的结构，并使这成为他的某种第二本能。如果这首作品是一首奏鸣曲，他应该可以辨认出主题和副题，无论它们如何出现或部分地出现。学生应当对曲式有足够全面的认识，并熟知乐曲所分成的段落。他在学习一首新的乐曲时，不能不观察到它的轮廓――也就是作曲家在创作这首乐曲时所制定的“建筑计划”。学生对他所要演奏的作品，永远不要拖延这第一步的分析。

尽管流行着一种印象，即音乐是模仿性的，并能再现不同的画面和不同的情感，事实远非如此。作曲家通常写作音乐只是为了它作为音乐的价值，而不是具体的景色。许多教师试图以想象出的故事来激活有些学生迟钝的想象力，这也许是对的。然而，即使一首乐曲有某种设计使它暗示某种想法，并可以有趣地看到一种特定的画面，但永远不要忘记作为一首美好音乐作品的真正的美。

懂得和理解一种节奏是一回事，但在实际弹奏中保持它却是另一回事。节奏依据在一两小节中音符和重音的安排，给予整首作品一种具有特点的摆动。好的节奏感显示出音乐家具有精确平衡的能力，他知道如何拥有完美的自我控制。

律动不同于节奏，但和它有关联。要想把握它――这种推动力，学生必须弹奏过许多能倾向于发展律动的乐曲。

有能力清楚地、即时地看到一首作品中乐句的构成，能极度的简化对一首新作品音乐解释方面的研究。经过正确的训练，学生应当能第一眼就看到乐句，如同一位植物学家在观察一种新的花朵时，在他内在视觉中会把它分成不同的.部分。他不会把花萼误认为花瓣，而且他立即可以认定每一部分的特点。除了曲调性句子外，学生应该能看到在乐曲形式之下的小节划分。他应该可以告诉你，这首作品是八小节的段落，或是四小节的段落，或是不规则的分段。

对幼小的儿童，如果在他们最初的几节课中，就能使他们愿意去观察旋律乐句，将是一件多么奇妙的事情。教师们往往非常强调手形，其目的是让学生的手处于完美的状态。但为什么不能注意一下头脑的形成?它比单纯的手指工作离真正的音乐目标要接近得多。世界上最完美的手形，对于音乐家有时是毫无价值的，除非对手起作用的头脑具有真正音乐性的训练。

每一个钢琴学生应该具有和声的知识，但这种知识必须是实用的，也就是――一种和声知识――对耳朵和眼睛是同样熟悉的。有些学和声学的学生，他们可以像一位数学专家那样熟练地解决一些和声上的问题，但他们却从未想过他们的音符可能产生的音乐。

能够认识一个在纸上写的和弦，相比于能认清被弹出来的同一和弦，几乎算不得什么收获。一个学生如果一眼就能说一个减七音程或一个增六度，但却不能通过他的耳朵来分辨它们，就是有严重的智力缺陷。训练耳朵应是所有学习中首要的。

钢琴本身对于学生在学习和声时是极大的帮助，要学生在弹奏中时刻在听。所有儿童应该享有一个训练听觉的课程，不应只是单独训练音高和音准，同时也要训练听音乐的性质。可以补充一些音乐听写的练习，直到学生可以只听到一次，即可从容地写下一些短的乐句。

一位在键盘上夜以继日工作的艺术家会发现，有些细致的触键效果使他总是和某一段音乐联系起来。他这样做也许没有任何合乎逻辑的理由，而只是他的艺术直觉要求这样。他极可能并没有遵守什么规则，而只是根据他自己的音乐审美和听觉。就是这一点，能比任何其他方面，使不同大师们的演奏更具有个性。

不可能准确地表明某些触键是如何产生出某种效果。然而，耳朵能听到这些效果，而如果学生能正确的坚持，他会不断地工作，直至再创造出他所听到的同样效果。这时他会发现，他所用的触键和他所听到过的那位大师所用的，是非常相似的。对于为了提高音乐知识的目的而经常听音乐会的学生，高度发展的听觉是有巨大价值的。

钢琴演奏会童话作文 篇4

美联英语提供：影视英语 时报乐评人眼中的郎朗钢琴演奏会

Because the Metropolitan Museum of Art has largely redirected its concerts to tie in to its exhibitions, the notion of a recital by the crowd-pleasing Chinese pianist Lang Lang to usher in “China: Through the Looking Glass” made sense, perhaps, on the surface.大都会艺术博物馆(Metropolitan Museum of Art)为了配合其所举办的展览，在很大程度上改变了其音乐会的定位。因此，找来广受欢迎的中国钢琴家郎朗开钢琴演奏会，为名为《中国：镜花水月》的展览揭幕的想法合情合理，或许在表面上是这样的。

But in the Met Museum Presents event, on Thursday evening, Mr.Lang played only four modest pieces of Westernized Chinese music, filling 15 minutes of the hourlong program, alongside works by Tchaikovsky and Chopin.Set in the cavernous Great Hall near the front entrance, the concert was clearly designed less to add context to the exhibition than to generate interest in it.周四晚间的演奏会是现场艺术展示活动Met Museum Presents的组成部分，历时一个小时，但朗朗只用15分钟演奏了4首风格内敛的中国曲目，而且对它们做了西化处理。其余时间里，他都在演奏柴科夫斯基(Tchaikovsky)和肖邦(Chopin)的作品。这场演出是在靠近前门、空间高阔的大堂里举行的，显然，其目的更多地是为展览增加人气，而非增进人们对展览背景的理解。

And in that it may well have succeeded.Fifteen minutes before the scheduled start time, the line outside the museum extended down the entrance steps and a block or so up Fifth Avenue.从这种意义上说，它或许相当成功。演出还有15分钟就要开场的时候，博物馆外排起了长队，从门口的台阶开始，沿着第五大道(Fifth Avenue)排了差不多一个街区那么长。

A half-hour later, Mr.Lang took the makeshift stage before more than 500 loudly welcoming visitors and announced, “I’m your pianist for tonight.” Perhaps wishfully, he also praised the acoustics of the room, calling them “very spiritual.”

半个小时后，朗朗走上临时搭建的舞台，向500多位到场者高声致意，并宣布，“今晚由我为您演奏。”他还赞美了大厅的音响效果，称其“非常有灵性”，而这或许有些臆断。

My experience from about 40 feet from the stage was the opposite.With megaton amplification, the loud playing in the outer sections of two Chopin scherzos and in two pieces from Tchaikovsky’s “The Seasons” was deafening and soul-deadening.坐在距离舞台40英尺远的地方，我的感受与他截然不同。他演奏肖邦的两首诙谐曲和柴科夫斯基《四季》(The Seasons)套曲中的两首曲目时，首尾部分的琴声被无限放大后简直震耳欲聋，灵性全无。

The four Chinese items, by composers little known in the West, and the six numbers from “The Seasons”(out of 12 in all, one for each month)were character

pieces, designed to set scenes and moods(“Autumn Moon Over a Calm Lake”).Excellent playing and even some poetry came through in the quieter music.But the merciless pummeling in Tchaikovsky’s “Reaper’s Song” and “The Hunt,” and in the Chopin, pretty much obliterated everything around it.四首中国曲目（其作者在西方少为人知）和来自《四季》套曲的六首曲目（共有12首，每月一首）都是性格小品，旨在阐释背景、烘托氛围（《平湖秋月》）。弹奏较为安静的乐曲时，他弹得非常好，甚至可以让人感受到诗意。但在弹奏柴可夫斯基的《刈者之歌》(Reaper’s Song)和《狩猎之歌》(The Hunt)以及肖邦的作品时，他让人记住的只剩下对琴键的猛烈敲击。

Mr.Lang declined an encore at first, instead introducing Derek Wang, a young protégé developed through the Lang Lang International Music Foundation.Mr.Wang said he would play two Chopin études but was hustled off after one.朗朗起初拒绝了对返场曲的请求，而是介绍郎朗国际音乐基金会培养的年轻音乐家汪振波(Derek Wang)出场。汪振波说他要弹奏两首肖邦练习曲，但一首过后就被催促着下了台。

He gave an attractive, shapely account of the “Revolutionary” Étude.He actually seemed to judge the amplification better than Mr.Lang had, though he may also simply have lacked some of Mr.Lang’s power.汪振波把肖邦的《革命》(Revolutionary)练习曲演绎得很好，也很动人。他对扩音效果的判断似乎比朗朗好，不过，也有可能是他缺乏朗朗那样的力量。

Finally, Mr.Lang played a pleasant encore, the “Turkish March” from Mozart’s Piano Sonata in A(K.331), and audience members roared their approval，seemingly unanimous.最后，朗朗加演了一首欢快的返场曲目，莫扎特(Mozart)的《土耳其进行曲》（A大调K.331）。观众一片欢呼，似乎都很赞赏他的表演。

论钢琴演奏中的放松问题 篇5

【关键词】钢琴演奏；放松；难题；认识

钢琴中的放松问题和考驾照中的换挡一样，都是初学者感到头疼的环节。但是这个又不得不正确把握，这个入门级的问题困扰了大多数初学者。产生这种呢情况的原因是多方面的。总结下来就是生理上和心理上的紧张造成的。出现这样的情况是非常正常的，只要按照正确的动作多加练习，都会掌握正确的姿势。同时，初学者必须有一个端正的学习态度，基本姿势都不会，是无法正在弹好钢琴的。

一、钢琴演奏中的放松问题

（一）放松和松懈

放松的状态到底是个什么状态，这个问题可能没人能够清楚的回答。首先，放松不代表松懈，松懈意味着手臂、手指等部位“毫无支撑”的耷拉在支撑面上，这个状态可以简单去体验一下，用手向上托举手臂，你会感觉手臂的所有重量都集中在你接触的点上，这个手臂是“掉”下来的。所以这种松懈是不正确的，钢琴弹奏需要适当的用力按键和摆动，这需要一点力量但是又不会充分的用力，有一个平衡点。另外，还有一种状态也是不是放松，弹奏者直挺挺的端坐着，整个身体和手臂是“脱节”的，这种看似姿势标准，其实所有的力量都不是从手腕发出的，而是从肩膀发出，使人感觉无比的僵硬[1]。

（二）放松和紧张的关系

放松和紧张是一个统一体，也是钢琴演奏中常见的两个精神状态，心理层面的适当放松对调整心态，协调各个部位的灵活度是有好处的，相应的，适当的紧张，也会产生和适当放松一样的效果。当然，过于放松和过于紧张就百害而无一利，这并不只是松懈和僵硬的问题，过于紧张会导致心理和精神产生消极的变化，甚至会产生严重的焦虑，对身体是非常不利的，所以任何钢琴演奏者都需要正确处于放松和紧张的关系，摆正心态。

二、钢琴演奏中的放松问题现状基原因分析

（一）生理原因

第一，在大脑支配下，我们能做出非常丰富的动作，特使被是平静的状态下，活动自如。但是一到紧张的时候，手脚摆动显得非常不协调。在钢琴演奏中，这种情况是非常普遍的。众所周知，钢琴演奏对手指灵活的要求非常好，要达到“手脚并用”的效果，只有通过平时多加练习才能实现。在高强度的演奏环境下，手脚优势会出现用力的情况，难免会是手脚等部位产生肌肉紧张，手指的灵活度往往会降低，实现全程的放松状态是非常困难的。从生理角度上讲，钢琴弹需要用到指肌，由于钢琴演奏的动作要求，贡献最大的就是骨间肌，手指不断对琴键施加按的动作，需要骨间肌的自由伸缩，而这种自由伸缩的养成在儿童时期是非常容易养成的，所以成年人在弹奏钢琴的时候，手指不停使唤显得僵硬也是因为过了训练期导致的，错过了最佳的骨间肌的训练时间。

第二，某些教师固化手的姿势。部分教师在教授初学者练习的时候，主观性非常强，按自己的经验和习惯规定学生按统一的规定动作进行练习。这是不科学的，因为每个人的手掌大小不同，长短不一，还有就是手指肌的发达程度各异，这些实际情况就需要对每个初学者进行区别对待。只有这样才能实现手指伸直和弯曲自如切换。

第三，弹奏力量掌握不足。弹奏力量把握不足在初学者中极为常见，一方面初学者对琴键的分布不熟悉，手臂僵硬往往以“点”的动作按键。另一方面，弹奏的力量和时间把握不到位，容易抢拍和迟拍，出错以后下意识的想错在哪里下一步该干什么，一起了整个问题的僵硬，这样导致的弹奏出来的音色失真，不利于演奏水平的提高。

（二）心理方面

第一，初学者对基本动作要领还不重视。以往习惯的养成，或者对钢琴演奏方法的道听途说，导致很多初学者对于基本功的锻炼是非常不重视的。甚至有些初学者至始至终使用的是自己那一套基本动作，导致基本要领没跟上，造成的结果就是整个手、手臂、背、脚等部位相当僵硬，养成的习惯无法纠正。

第二，容易怯场。这种情况在某些考试、比赛中极其容易出现。由于对获奖名次过于看重，比赛前几天作息时间极为不规律，精神上高度紧张，时刻担心自己表现不佳会被别人嘲笑的心理状态。对于成年人来讲，这种焦虑更多体现在分心层面上，无法高度集中，放松心情。时刻质疑自己的学习效率，但是所学的知识有所遗漏，这些考前综合征使得初学者时刻紧绷着神经，无法静下来准备比赛。

（三）技术层面

钢琴演奏的技术要领非常丰富，需要整个身体随着演奏充分运动起来，这种协调性对各个部位比如手指、手腕、脚部、手臂等部位要求比较高。特别是在某些节奏快的曲目中，这种技术难点会被放大，导致演奏者不自信，全身僵硬，容易出现意外。

三、放松在钢琴演奏中的作用

（一）放松是融入情感的基本心理状态

钢琴演奏是一个不断与情感相呼应的连贯动作，听众对于演奏者的肢体语言和音符都会产生共鸣。演奏者放松的状态能够弹奏出与原曲相对应的感情沉淀，这种曲风能使观众沉醉在音乐的世界里。因为演奏者的表演提出的不仅是个人的情感和情怀，更重要的是通过原曲的呈现，表达出对钢琴家的致敬，而这种情怀式的阐述最需要放松的心境。同样，听众在欣赏这场音乐的时候本身是带着休闲的心境来的。这个和我们看电影相类似，正是因为在电影开播前的那几分钟，影院环境的变化就开始带你进入观影模式。所以，演奏者在传递给听众感染力的时候，首先要调整自己的心理状态――放松。

（二）克服怯场的自我暗示

每个人都有怯场的经历，那种滋味只有自己最清楚，坐在钢琴前等待听众的“检阅”，产生紧张情绪也是正常的，那么能够把紧张通过放松的状态给摒除掉，这是非常见功力的。可以说自我暗示也是钢琴演奏者必备的素质，因为在那个场合，能够为自己解压的也只有自己了。

（三）放松能够为音色和力度带来更好的反馈

我们都有这样的经历，高度紧张的时候，手会不由自主的动起来，有时说话的音色开始发抖，做事情的速度也大幅减慢。这个如果体现在钢琴弹奏上，那就更加明显。下键的实际不对直接导致音色的失真，听众马上就会听得出来，这个很可能就是对本场音乐的减分项目。

四、谈谈在钢琴弹奏中如何实现放松

（一）反复体验放松的感觉

体验放松的状态似乎有点多余，认为我现在非常轻松？其实和上文一样，放松和轻松、松懈的体验是非常不同的。这里涉及到一个平衡点的问题。并不是怎么舒服怎么来，前苏联钢琴大师曾经说过：“几乎任何一种手的姿势都可以说得通，只要符合手的构造和音乐的高低起伏，更主要的是不破坏动作的统一” [2]。这句话说的就是平衡点的问题，这个平衡点就是放松和紧张的平衡点，姿势调整到肌肉用力方向一致就可以了。所以这种平衡点需要反复体验，并且每个人的平衡点肯定也是不一样的，这个没有固定的姿势可循，一句话：多动、多看、多体验。

（二）心情放松很重要

好心情能够给演奏者带来自信，从而顺利推进演奏的进程。对于儿童初学者，既要严格要求他们学习基本的下键动作和坐姿，又要时刻为他们讲解钢琴演奏的乐趣，对待学习进度慢的小朋友，有耐心，因材施教。对于成人钢琴爱好者，培养他们学习的耐心，少一点自我否定，多一点自信。树立正确的名利观，放下名次保护，心态最重要。

（四）具体部位的放松方法

钢琴演奏也遵循“熟能生巧”的规则，特别是初学者，规范坐姿、下键等动作对于呈现出轻松的演奏姿态非常重要。上文提及过的心理层面的放松状态，是钢琴演奏的必备的基本技巧，当然，这种技巧是需要不断的演奏而形成的，每个人的心理控制和姿态控制是不一样的，我们在学习的时候应该选择适合自己的方法。

当然，除了心理层面的放松方法，对具体部位的放松学习也是必不可少的，这也是钢琴演奏的广义和狭义重要区别。下面将对具体部位的放松问题进行简单介绍。

1、正确的坐姿是演奏放松的重要前提

如何形成正确的坐姿其实是因人而异的，每个人的高矮、胖瘦等因素都是影响坐姿的重要原因。另外，正确的坐姿其实就是一个寻找最佳支点的问题。脚与踏板的契合度、躯干和琴的相对位置、手臂上下部位的伸缩程度等都是在寻找一个最佳的支点，比如，我国演奏者坐姿过高，在演奏的过程中，躯干会变得非常僵硬，眼睛与乐谱的距离也相应增加，这样直接导致注意力的分散，并引起紧张情绪。

2、身体各个部位协调是关键

钢琴演奏对各个部位的协调性要求非常高，无论是肩部、肘部、手臂、手指等部位在整个演奏过程中都起着力量传递的的作用。众所周知，肩关节和肘关节是手臂力量的发起者，因为可以带动相关的肌肉，从而进行相对细致的工作。另外，肘关节对上臂起着辅助的作用，由于上臂的回转比较能困，有特定的演奏动作比如震奏中，往往由肘关节完成。所以在训练的过程中需要对这两个部位进行练习，让肘关节打开。

还有需要多加练习的就是手指，对于钢琴演奏所有的指令的最终末端就是手指，手指一旦灵活起来，对于节奏的把握非常重要的，所以平时在训练的时候对手指有一套特殊的计划。同时，也有必要加强手指的力量训练，虽然，弹钢琴并不是一项纯力量行为，但是有时需要手指完成比如重音的动作，这时手指需要承受非常大的力量（虽然是瞬间的），那么保证手指灵活、有力量显得非常有必要。

3、动作有针对性、自然性，不拖沓

在弹奏过程中，紧张的一个最大表现除了僵硬就是小动作频繁，这时人在紧张状态下正常的生理反射。但是对于钢琴演奏，我们需要消除多余的小动作，这里的小动作还包括平时训练中养成的不良行为，这种不自然的动作会引起肌肉不正常的运动，产生额外的能量消耗，对正常的演奏动作也会形成流程上的干扰，所以我们在平时需要规范演奏动作的自然性和针对性。特别是初学者，容易对演奏技巧进行主观上的加工，对技术动作擅自进行增减，久而久之，形成了一系列的不良动作，习惯成自然，后期很难纠正。

五、结束语

钢琴演奏中的节奏感论文 篇6

关键词:钢琴 乐器之王 音乐的脉搏 音乐的生命 钢琴演奏 节奏感

钢琴被称为是现代乐器中无与伦比的乐器之王,它能够用仅有的88个琴键表达出人类所有的情感——欢乐、忧愁、哀伤、哭泣、沉思、庄严、诙谐……而要将情感正确完美地表达出来,节奏感是至关重要的一点。

一、节奏是音乐艺术的脉搏、音乐的生命

音乐的存在和进行,首先就在于节奏的作用。节奏在音乐中就像生命存在于每时每刻中,就像我们的脉搏每时每刻都要在跳动一样,节奏的脉搏每时每刻都贯穿在音乐之中。流行音乐由于讲究效果,在演奏时常加入很多打击乐器,在每小节重怕时,低音鼓浓重地打出了节奏重音,表现非常有规律的节奏使听众很容易便被这种节奏所感染,而这也是它通俗性的表现。而严肃音乐节奏的表现方式就不可能像流行音乐那么外在,所以往往容易在某种程度和某些方面被忽略,而使音乐感受能力稍差的人,由于感觉不到节奏的律动而无法感受音乐的存在和进行,更别提进一步地理解和享受音乐的艺术美了。音乐的节奏不可能像机器那样纹丝不动,一首奏鸣曲,一个乐章内虽有一个基本速度,但在欢快时,也许稍稍加快了一点,抒情的地方也许要稍稍放慢一些,但是基本速度不能变,从整体感觉上速度必须是统一的,这样乐曲才能完整。由此可见,节奏是音乐构成中的重要部分,在音乐表现中具有重要意义。

二、节奏在钢琴演奏中的重要地位

钢琴演奏是音乐艺术的主要表现形式之一,它利用手指及全身心弹奏钢琴来表现音乐形象,用钢琴音乐语言来倾诉心声,使演奏成为有灵魂的活的富有情感的表演。而音乐感觉本身具有一定的抽象性,容易意会,不易言明。必需通过节奏和声音两个具体的要素来加以体现。因此,节奏问题在钢琴演奏中具有极其重要的作用。在我们的练琴和演奏中,由于通常没有其余的节奏乐器如鼓等来伴奏,节奏的体现全靠弹奏着的良好训练和感觉去体现出来,由此节奏感的强调就显得至关重要。

三、如何来培养节奏感

(一)培养正确、良好的节奏感首先要做的是使“步伐”整齐——即搞清拍子、数准拍子、统一速度。要做到节拍准确,必须做到熟练掌握各种常用的拍子;养成正确数拍子、打拍子的习惯;保持稳定的速度数拍子,并按正确的节拍练琴。对于钢琴学习者来说,一个大项是音阶、琶音及其他练习曲,另一个大项是乐曲、复调曲、奏鸣曲等。这两个大项都要求节奏的统一、稳定,所以数好拍子,弹稳拍子,是一项最基本的要求。

(二)培养节奏感必须做到突出节奏的律动。例如:贝多芬“悲怆”奏鸣曲第一乐章的快板部分。左手有大段的每小节八个音的分解八度震音,弹奏时在保证节奏稳定均匀的基础上,在每小节第一个音上加适当重音,作为节奏支点和发动力,随后的七个音比第一个略轻但均匀流动。以这组有规律的分组和感觉,连续演奏下去,配合右手坚定奋进的旋律和表情起伏,形成一种不屈不挠的决心和气势给听者一种精神力量,并有不可阻挡之感。

(三)注意节奏的呼吸。人的说话、唱歌都要呼吸,钢琴演奏也一样。我们常说弹琴像唱歌那样委婉动听,那么,呼吸理所当然十分重要。

(四)突出节奏的特性。根据音乐的特点强调不同的节奏点或某些有特点的节奏。比如在圆舞曲中第一怕与第二拍之间比较紧,而将宽出来的时间放到第二拍与第三排之间;或者有的乐曲可以将附点节奏略靠后些,使其更有风格或活力等,这些特点在我们演奏中如果掌握的好,也将会加强音乐表现力。

钢琴演奏会童话作文 篇7

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节奏是音乐的脉搏。平常说的“拍子”是节拍而不是节奏，“节奏”和“节拍”是既有联系又有区别的两个概念。节拍是在乐谱上固定的东西，表示音乐基本的强弱关系，用小节来划分，比如2/

4、3/4分别表示“强弱”、“强弱弱”等等。而节奏与人的生活、行为、动作、情感有更密切的联系，更富于韵律感，是需要用心灵去捕捉的。一首作品往往通过一种特定的节奏韵律来表现它的性质和风格，如舞曲、摇篮曲、夜曲、船歌等等，它们都是各有特色的，需要用心去琢磨体会、反复练习，才能掌握好乐曲的律动，才能使其更具生命力。在教学中，要善于抓住学生熟悉的事物，启发他们的形象思维，从而在弹奏中表现出作品特有的节奏韵律和特色。所有的音乐作品，除了它们特有的节奏韵律外，还要凭借不同的速度来表现它们不同的性质和风格。而用什么样的速度去弹奏乐曲呢？这既要尊重乐谱本身的要求，还要根据乐曲的性质来确定。一般来说，欢快的情绪不可能采用缓慢的速度去表现，而悲伤的乐曲也不宜快速弹奏。进行曲、圆舞曲等体裁也都有它们各自特有的速度。不同的人在演奏同一首乐曲时，很可能采用不完全相同的速度，这是允许的，但应以符合乐曲的要求为前提。一首乐曲被某人弹成快板，而又被另一个人弹成慢板的情况是较为罕见的。有些作品乐谱上标出的速度是根本难以达到的，如车尔尼系列的练习曲，速度标记通常是极快的，一般专业老师都不容易达到，就更不能要求初学的学生按照这个标准去练习，只能作为教学的参考。有些学生在听了钢琴家的演奏后，单纯的模仿他们的演奏速度，但由于技术能力达不到，把曲子弹得非常慌乱，可说是一塌糊涂。因此要告诫学生，在听名家的演奏或录音磁带时，不能只是单纯地模仿，重要的是从中体会演奏家对作品风格的表现、对音乐的处理，以进一步掌握其音乐性质和风格。另外，有些比较快速的乐曲，要在学生技术能力达到时再弹，如果弹奏速度过快，即使弹得没什么错误也是不合格的。节奏不稳、速度不统一是学生在演奏中常出现的一种毛病。之所以产生这些问题，有技术上的原因，也有心理上、感觉上的原因。例如，有些学生弹到困难的地方就慢下来，弹到容易的地方又加快；而有时候一遇渐强就加快，一遇渐弱就放慢；弹激情的、快速的曲子越弹越赶，弹抒情性的、速度较慢的曲子就越弹越拖等等一系列问题。要克服这些毛病需从练琴方法上解决，难点部分要单独抽出来反复练习，直到弹的和较容易的部分一样好才可以。整首乐曲的速度要以难点部分所能达到的速度为标准来确定。另外，弹奏快速的乐曲要以慢速、中速练习为基础。在声音清楚、节奏稳定的基础上再逐渐加快速度。当弹奏速度较慢的乐曲时，内心的感觉要积极，要有向前的、流动的感觉，这样就不会越弹越拖了。在钢琴弹奏中不要平均地、单调地强调小节的重拍，这样会造成节奏机械、音乐凝滞、缺乏律动性。弹奏时一定要注意让学生按照乐句的气息走向、音乐走向去弹奏，而不要机械的只按小节弹奏。在这同时也要体现节拍固有的特点，例如：圆舞曲、进行曲要适当强调节拍重音，而弹奏旋律性乐句则要避免重音过多，以增强音乐的连贯性和律动感。教会学生正确地使用节拍器，也是帮助学生掌握节奏、速度的好方法。但要注意：不是所有的乐曲都适合节拍器的。一般说来，当进行基础练习和弹奏练习曲时，使用节拍器可以使节奏平稳、速度统一、声音均匀。特别是当学生需要用不同的速度练习时，节拍器是必不可少的工具，弹奏鸣曲或复调作品时也可以适当运用一下节拍器。而有些抒情性、歌唱性较强的乐曲就只能用节拍器确定一下基本的速度，而不能自始至终都使用它。还有些乐曲速度变化较多，如汪立三的《兰花花》等，每个乐段在乐谱上都有不同的速度要求，只有使用节拍器才能找到正确的速度，才能把乐曲的性质表现出来。另外还要注意：使用节拍器也是有阶段性的，并不是整个练琴的过程中都适用节拍器，只有在学生能够比较流畅地弹奏时，节拍器才能更好地发挥作用。在教学中，更应着重注意的是培养学生发自内心的节奏感和速度感，这才是获得良好音乐的基础。在钢琴教学中加强对学生音乐表现力的培养，应该说是钢琴教学中一个非常重要的问题，对初学者尤其如此。这关系到他们是否能养成一个良好的学习和体验音乐的习惯，影响着他们对音乐的兴趣和体验音乐的深度，甚至影响到他们的音乐生涯的发展。编辑整理：谢静

论钢琴演奏中的触键与音色论文 篇8

一、听觉是科学触键与优美音色的前提

一个人会弹钢琴,首要的是要会聆听,聆听自己的音乐,要让自

己的手指打动钢琴进而产生共鸣,这样才能带给自己美好的享受,才 能打动听众,在弹奏的时候,首先要学会的就是听,听什么是正确的 声音,什么是错误的,只有会听才能打好科学触键的基础,这也是科 学触键的必要前提。另外,在弹奏曲子时会听也能把我们快速的带入 作者想要表达的意境当中,你能从曲子当中体会作者想要表达的思想 情感和他当时的内心活动,会听还能让你更好的而且更准确的去把握 这首曲子的弹奏和处理其中的情感技巧。

涅高兹在《论钢琴表演艺术》中说:“声音的掌握是钢琴家应该 解决的技术问题中最首要的一个。“他接着又谈道:“我毫不夸张, 在我授课时,四分之三的劳动花在音色的探索上。它们之间的因果关 系自然是这样排列的:首先是艺术形象 ; 其次是有时值的声音 , 亦即 形象的物质化、具体化;最后是整个技术……” 可见音色对于钢琴演 奏是何等重要!

音乐是声音的艺术,其中没有看得见的形象,它也不是用文字和 概念来表达的。它只用声音来表达。可是声音也像文字、概念和可见 的形象一样,能够表达的清晰易懂。既然音乐即声音,那么每一个演 奏首先应当关心的是声音的训练。

钢琴的音色变化说到底是演奏者的指触差别造成的,而这种细微 变化又是由演奏者的内心感觉的不同所引起的。学琴者从练第一个单 音开始就要去听,听声音是否有良好的震动与共鸣;当手指在琴键上 保持站立态势时,耳朵要倾听声音的持续和延长,并要学会辨别好听 的声音和不好听的声音。

二、触键的方式及其特点

在实际演奏中,很难把不同触键分为若干互相分割的类型。在具体使用不同触键、建立不同指感、获得不同音色的过程中,只有细心 体察各种基本触键类别之间的相互渗透、相互组合,才能真正获得无 限的、丰富的、多样的、钢琴音色千变万化的动人魅力。

1、断奏触键。由于断奏时所有的重量要集中在指尖上,所以手指 的三个关节及掌部、腕部都必须有坚定的支撑感,腕部要稳定而有支 持感,手掌必须把架子撑牢,不能松垮。断奏有大臂、下臂、腕部等 不同用力部位。三个不同部位的断奏以手腕的速度最快,重量最轻, 肘部次之,臂部的重量最重,速度最慢。

2、快速的颗粒性触键。这种广泛使用的触键实际是手指的快速断 奏,需要手指下键的有力的爆发力。手指触键的部位靠前,指尖下键 要快,放松亦快,音与音之间有相对较大的空隙,利用指尖反弹的力 量发出有力、结实、明亮、清脆的声音。

3、轻快纤巧的触键。指尖触键的份量既轻又匀,以极快而精巧的 指触将琴键击下三分之二或四分之三(不到键底,要留下一点缝隙), 音与音之间的力量传递仿佛一条无形的丝线将颗颗珍珠曳牵成串。这 种触键一要轻、二要快――下键快、放松快。动作要尽可能小而又小, 力量要尽可能集中又集中,指尖就如针尖一般轻刺下去。

4、手指跳音的触键(简称指跳)。指跳的触键比上述颗粒性触键

和轻快纤巧的触键更短促、更集中。这类跳音重要的是练习手指第一 关节灵敏、快速、集中、轻盈、尖锐的触键方式。为了追求短、尖、亮、 轻巧的声音,即要把手指训练的敏感有力,又要可以快速的收缩。

5、手腕跳音的触键(简称腕跳)。手腕跳音比指跳的速度略慢, 但更有力。手腕迅速地向下又迅速反弹。手腕跳音的眼点是:手掌有 良好的架子支撑牢,动作要敏捷,手腕有力而富有弹性,不能疲软、 松垮。腕跳的指触应集中而牢固由指尖承接手腕弹跳的力量。这也是 现在我们学生所接触的跳音,但很多学生不能掌握其要领,不能真正 做到力量的反弹,只是单纯的手往上提。

6、下臂挑音的触键。肘部跳音与下臂断奏的区别在于,前者需要 极强劲而迅速的反弹力,手指触键后立即被下臂有力的弹力反弹离键, 不在键上停留时间过长。而断奏的支撑更稳,在键上停留时间也略长些, 且无反弹力。肘部跳音除去用下臂发力及手掌“抓”键的动作相配合。 惟有如此,下臂的重力才能集中到键上,产生坚实有力弹性十足的良 好音质。与手腕跳音相比较,前臂跳音的力量更大,但速度略慢。

7、轻、虚、漂浮的触键。在浪漫主义作曲家、尤其印象主义作曲 家的作品中,时常需要一种神秘、遥远、空旷、朦胧、虚无飘渺的效果。 这种效果特别需要手指的特殊触键方式。这种触键的特征可归结为摸、 推、揉、飘四法。

8、打击性的触键。不少二十世界现代钢琴音乐作品中,需要尖锐 强烈富有打击性的效果,有时甚至近乎粗暴、野蛮而干涩。但必须强 调指出,即使富于打击性音响的触键,仍需良好而有效的控制,并非 真正的“砸琴”。自然,这类触键需要坚挺的手指,有力的爆发,坚 挺的腕部,肩臂力量猛然集中指尖。例如:《翻身的日子》引子和结 尾部分就表现了热烈,欢腾的锣鼓节奏。

9、哑键。这也是印象派乃至现代派作品中常用的一种触键手段。 其方法为;用手或用其他物体按下但不发出声音。

10、手掌前臂触键。在现代钢琴作品中,手掌和前臂也是有效的 触键部位。手掌和前臂也有种种力度、速度、重量的变化,奏出从轻 盈到响亮、从朦胧到尖利的不同层次不同色彩不同效果。因此,“指感” 的概念被扩大为“掌感”,也应有极敏感的知觉与音乐所需要的不同 效果相结合。

十种基本触键,深浅有分,浓淡各异,一切触键的`方法都依靠音 乐的需要而决定,要用耳朵仔细聆听,不断调整指触的感觉,提高全 身各部位的积极性与敏感性。

三、触键方式对钢琴音色的影响

1、触键高度对钢琴音色的影响。长期以来,在触键技术上有两种 不同的观点:1、认为手指贴近键盘是弹出好听的声音的必要条件或重 要条件;2、认为“高抬指”是使手指干净利索的唯一方法。强调高抬 指的练习方法是有意义的,因为适度的高抬指练习可以使手指第三关 节充分打开,积极运动,是手指动作逐步达到迅捷有力的目标。但若 片面强调高抬指,则会造成音与音之间缺乏联系,音质粗糙,漏音, 手指不能把力量集中到键上之类的毛病。为克服这类弊病,还需要采

用手指贴近键面的练习方法。

2、触键速度对钢琴音色的影响。触键速度在钢琴演奏中是个十分 特殊的问题。钢琴的机械发声原理,要求触键的速度缩短到极快的一 瞬间。如果说,指触太高、重量太大都可能发生问题,那么触键速度 却永远不会嫌太快。无论快速音群还是柔美歌唱,都需要快速的触键。 问题在于放松要快。千万不能发出声音后继续施加压力,而只是让手 指像衣服挂在衣架上那样,“挂”在琴键上。在弹连奏时,在手迅速 放松的同时,要在手掌内保持“内应力”,准备发出下一个音。

3、触键深度对钢琴音色的影响。触键深度对音色的变化,影响极 大。尤其在学习钢琴的基础阶段,手指不具备最基本的功力时,琴键 弹不到底,弹出的声音只会是又虚又浮,钢琴纯正的声音无法表现出来。 究其原因,主要有以下几点:

1)对放松的错误理解。形式上表现为:松得哪儿都不积极行动。 比如掌关节积极动作时,手指却懒洋洋的,不能把琴键弹到底。

2)手型、指型没有保持在稳定的弧线上,“塌指”、“折指”,

触键点不够集中。 3)在触键的瞬间,只想用手指力量,没有同时吸引、集中与借助

超出手部范围的重量。原因之一是腕部位置偏高,弹每一个音时都由 手腕加压力,手腕随着每个音的弹奏而上下颠动。从暂时的效果看似 乎弹得很“扎实”,实际上声音很重浊。更致命的是,这种弹法只在 较慢弹奏时能造成假象,稍快一点便会使声音变得断续、跳动和不连贯。

由此,我们不难看到只有正确的触键技术才能发出好的音色。好 听的声音应是明亮、宽厚,能产生共鸣的。而敲砸的声音是由于手臂 过高过猛、过于用力地向键盘冲去而造成的;闷暗的声音是因为下键 的速度不当造成的;挤压的声音是由于在钢琴发声后,手还继续对键 盘施加压力而造成的。

谈钢琴演奏者易患的职业病 篇9

摘要：钢琴演奏既是体力,也是脑力的运动，如果没有正确的演奏习惯和好的方法就容易导致疾病的产生，医学上称之为职业病。这些职业病会严重影响到钢琴表演者的演奏状态，甚至无法演奏。文章在腱鞘炎、韧带拉伤、大拇指病、神经肌肉痛、肩部神经炎或是神经丛炎五个方面阐述了病因，并结合几个病例讲解了如何减轻或消除疾病的方法，希望给钢琴职业病患者一些帮助。

钢琴在我国日益普及，伴随着学琴者感到满足和喜悦的同时，它也给许多习琴之人带来了烦恼和伤痛。这就是在练习的同时,弹钢琴的人易得腱鞘炎、肌腱炎、肌肉萎缩、大拇指病、神经肌肉病等等。据德国一形外科研究所对40个乐队的3000名音乐演奏者进行调查，结果表明，2/3以上的职业音乐工作者易患脊椎病，而从事其他职业的人患脊椎病的比例尚不到一半。另有美国克利夫兰临床基金会最近调查了1353名乐器演奏家，研究结果显示，64％的演奏家患有各种不同性质的骨骼肌疾病，20％有周围神经病，8％有局限性肌张力障碍。这些数字表明，几乎80%的音乐工作者患有这个职业给他带来的疾病。这些疾病通常是违反肌肉工作的自然生理规律造成的结果，因此音乐工作者们对这个问题要给予一定的重视。

钢琴就像竞技体育一样是一门技术性很强的乐器。只有进行大量的刻苦练习才能很好地驾驭它。但在练习过程中如果弹琴姿势不正确，或弹琴方式的偏差就可能导致器官不同环节的协调性被破坏，某些部位的肌肉被强迫完成力不能及的工作导致疾病的产生。通常这样会使手指之间韧带、肌肉和肌腱绷得过紧，产生腱鞘炎、肌腱炎等以及其他的并发症。下面介绍的便是钢琴演奏者常见的几种职业病：

1.腱鞘炎

腱鞘炎在习琴人身上发病率是相当高的。其原因是由于不正确的弹奏和弦，八度或是大幅度跨越。当手指拉伸时，骨头之间的肌肉没有积极地参与，这种情况下前臂会被绷得很紧，肌肉被过度拉伸从而促使疾病的产生。手腕是腱鞘炎的高发地带。手腕在演奏时需要经常运动，演奏者为了弹好带一连串手腕移动的乐句，由于肌肉运动幅度过大造成了对手腕的伤害。又如在跨八度或八度以上音时，手臂的肌肉与手腕协调不及时。这种情况下有时会在手腕上出现球状的肿胀，这是腱鞘和肌腱反复过度摩擦造成的，患者在弹琴时会感觉腕部酸胀，动作时发出微小的摩擦声。如果病状严重的，很难再继续弹奏下去。

2.韧带拉伤

如果练琴方法不正确，韧带受伤也是常见的。韧带的损害可以由以下不同的原因引起：没有下层肌肉组织的支撑，手指在钢琴键盘上没有支撑；手臂被“吊起来”；大臂的肌肉过度疲劳；或是弹奏时弯曲的手指抬得过高，缺乏所必需的手掌肌肉的配合等等。

3.“大拇指”病

大拇指是五指中是最强壮的，它是音符连接的枢纽。演奏时运用大拇指不当也可能会带来不好的后果。如强烈地伸缩，紧张地挤压或固定大拇指，又或是经常弯曲地紧握着它，手掌不能及时地放松休息，这些都可能导致拇指出现疼痛和不适。严重时手掌的肌肉会像山丘，如不及时治疗会有萎缩的可能。

4.神经肌肉痛

伴随着各种肌肉病和肌腱病的发生还会出现神经肌肉痛。这是神经肌肉长期处于过度紧张造成的，多出现躯干和四肢长期处于强制体位而迫使一定的肌肉群呈静力紧张状，主要侵犯的是上臂和手的近端肌肉。即在手被束缚的情况下，过度地抬起趾骨或是在弹奏时肘部移动过于迟缓以及肩部过度收紧不动（指肱骨）。症状是演奏中负担最重的肌群疼痛，还常伴发血管神经痛，夜间疼痛加剧，患者感觉病肢迟钝无力。另外职业性痉挛又称职业性神经机能症，也是常见的一种音乐家的职业病，表现在演奏乐器时手指发生痉挛，其肌肉及腱鞘也多发生改变，这类疾病在停止原工作一段时期后，一般均能消除症状，但常复发。

5.肩部神经炎或是神经丛炎

这类病是由于在弹奏时肩带、锁骨和肱骨一起被抬起，或是在弹奏和弦、跨八度的时候肘关节和肱骨不自然下垂。

除上述原因以外，肌肉神经病以及腱鞘炎和肌腱炎可能在当肌肉活力突然弱化和肌肉疲劳突然升高时发生。所有在实践当中遇到的不合理的可能导致职业病的弹奏方式，在这里不一一列举。

笔者在圣彼得堡学习时，由于腱鞘炎发作，在医院治疗的同时，也了解了一些如何减轻炎症的方法，还特地请教了音乐学院专门治疗这方面疾病的医生，获得了一些治愈成功的病例。上述的情况，可以通过特殊的训练来消除职业病带来的神经性的工作习惯和其他不方便的地方；并且可以使患者恢复自如掌握钢琴的能力。这些训练应按照一定顺序、一定数量来进行，按照每一个具体情况来分别对待，因为每个学生弹奏方式和错误都不相同，每个学生得病的形式也不同。在这里我们举几个病例：

学生甲在学习第一年的课程时，就感到演奏并不总是很舒服的；肘部紧贴、肩部不放松；在许多动作中，手指都会受到限制；在弹奏抒情作品时旋律变得柔和，姿态不会过于收紧，紧张的肌肉开始松弛；而当乐曲到达快节奏时，就出现了紧张状态，这是由于手指没有经过足够锻炼的原因，他在模仿时没有清楚理解老师的辅导方法，指法没有互相协调好。这些辅导方法是为了释放手臂和手部弹奏的舒展性，却会引起肩关节的不舒适，导致手臂负重。过了一年，学生甲感觉到手臂有时会被拉紧，但没有注意它，因为弹琴时的不舒适很早就已经习惯了。随着曲目的复杂化，演奏指法的难度也渐渐提高，解决新的艺术和技术上问题的方法已经不足。大型曲目和上台前高度激动引起了生理的过度紧张，使手臂（腕关节和前臂内侧）出现病症，开始时是左臂，后来是右臂，等到了职业病研究所时，甲已经得了腱鞘炎和肌腱炎。

在治疗过程中，甲在开始的时候进行的是体操训练，培养弹奏指法的组织性，训练正确的肌肉活动，然后开始在钢琴上弹奏。在学习的时候培养对感觉的控制能力。渐渐的，他开始学会了培养自己弹奏舒适的状态，调整按键的力量，然后又练就了持久性。这样在音乐学院里他能完成大型的复杂乐曲，并参加了国际钢琴比赛的选拔赛。

学生乙在演奏钢琴时经常会感到腕部疼痛，身体特别疲劳。用她的话来说在她的手腕上好像挂着一个秤砣，经常在演奏高音和快节奏时出现这种情况。医生确诊为初期病历。有经验的老师对她指出了几个用手指不当而导致疾病的行为：疲乏的手指已经无力在键盘上支撑，所以弹奏出的声音都缺乏感情非常肤浅；手臂的大部分没有参与弹奏；演奏时驼背。首先需要使掌部和肩部肌肉活动起来，这就需要做锻炼，练习支撑点和伸展力及“飞行”运动，交替训练弹奏高音区和低音区，每个手指进行跳音练习（强与弱），这些对病情恢复有很大帮助。乙在改正坐姿后手腕开始伸直，不再感到有压迫感，当她尝试把手部的负荷转移到肱骨的肌肉上时，感觉到整个手臂是一体的。经过两个月的治疗她已经感到病情减轻很多。